NIEBLA

POR: Dalia De León Adams

 

*Niebla en el Munal.*

 

Catorce piezas forman parte de la reciente Exposición Artística de Ramón Espinoza tras de celebrar los diez primeros años de su célebre Comic conocido como NIEBLA. Exposición que además de formar parte del Festejo por la primera década de trayectoria durante la cual se lograra colocar en el gusto de la gente, dio pauta para que Ramón Espinoza presentara su Primera Muestra Individual de Cómic.

Y justamente en el bello e icónico recinto Cultural EL MUNAL es que la muestra se llevó a cabo  posesionándose e incluso logrando permanecer un tiempo que se ha alargó hasta el día 5 de enero del próximo año venidero 2025.

Así es como la Exposición intitulada NIEBLA se presenta a manera de “arte secuencial como una forma legítima y poderosa de Expresión Artística en México” a consideración de los críticos del Museo Nacional de Arte MUNAL, haciendo historia sin precedentes.

Le comento a Usted qué inicialmente estaba programada la muestra artística de NIEBLA, para ser visitada hasta el pasado 30 de noviembre del año en curso 2024. Empero, gracias al éxito que logró reuniendo a un gran número de visitantes, haría que se decidiera que permanezca durante todo el mes de diciembre, y los cinco primeros días de enero.

Ya ha priori Ramón Espinoza había sido clasificado bajo el estatuto de uno de los mejores narradores gráficos en nuestro país, por lo que el objetivo preliminar a la exposición fuera el de intentar que la exposición fuese interpretada bajo un punto de inflexión.

Ante esto, el mismo Ramón Espinoza argumentaría lo siguiente de manera textual:

-“Quiero que éste evento marque un antes y un después para el Cómic en México. Espero que abra muchas puertas a otros narradores gráficos y el Cómic sea recordado por su capacidad de conectar, emocionar y transformar.”-

La exposición se presenta como “multisensorial en la medida en que se muestra ante un recorrido guiado por las colecciones primigenias del MUNAL, con el objetivo de ser guiada hacia un proceso de reflexión, inmersa en la evolución de la narrativa implícita en el Arte.

De dicho modo EL MUNAL intenta hacer consciente la conexión existente entre el Cómic y el Arte, debido a que ambos llevan implícitos una narrativa; es decir, historias que contar, como lo hace por ejemplo la pintura, que se conduce como una expresión universal, con respecto a algo que el mismo artista plantea.

Y fue en base a ello, en que la Comicteca del MUNAL se presentó una charla ofrecida por el autor Ramón Espinoza, en la cual contara su propia trayectoria en el rublo artístico del Cómic, la cual naciera guiada por su inquietud y conocimientos acerca de la literatura, filosofía y algunas artes visuales, que le fundamentarían para incursionar en el medio infinito del Cómic, como una manera de expresión artística.

Por último le comentaré qué en la obra de Ramón Espinoza, en base a su contenido artístico, ha sido impresa en papeles artísticos alemanes, utilizándose pigmentos especiales que garantizan su durabilidad y belleza (según expresara la Compañía Difusora a cargo).

 

EL MUNAL Calle de Tacuba # 8, Centro Histórico de la Ciudad de México.

Instagram.com/ramonespinozaart.

 

Corteza.mx 

CINE QUA NON LAB

POR: Dalia De León Adams

 

*Fundado en 2010 tras una conversación entre universitarios.*

 

Tras de 15 Años de impulsar el Cine Independiente se comentaría qué inicialmente un grupo de amigos universitarios se reunieron consolidando con ello el principio de lo que hoy en día se conoce como CINE QUA NON LAB (CQNL) teniendo como sede actualmente el Estado de Michoacán en México, y de New York City, en USA.

Organización que ha impulsado a través del tiempo a tanto la creación, como al desarrollo de más de 500 proyectos cinematográficos independientes. El objetivo a seguir claramente ha sido el de impulsar el cine independiente, enfocándose prioritariamente en la “narrativa” como lenguaje e instrumento medular dentro del CINE.

Durante la Conferencia efectuada en el XV Aniversario de la Organización CINE QUA NON LAB (CQNL) se presentó el Director Ejecutivo de CQNL, el Señor Jesús Pimentel Melo, junto con Ladimer Haluke Co-Fundador y Miembro de la Junta Directiva del Proyecto, el Director General de los Estudios Churubusco Azteca, es decir el Maestro Cristián Calónico Lucio, y el guionista Luis Trelles.

Las cuatro eminentes personalidades formaron parte de la mesa Directiva para dar a conocer varios de los pormenores y labores en que incurre la ya prestigiada Organización CQNL, y entre un inicial proyección acerca de la Residencia en las cuales se ofrecen los talleres.

Le comento qué a través de los quince años CINE QUA NON LAB ha logrado reunir proyectos de más de 30 países, ofreciéndose talleres y residencias a personas que tienen como objetivo el trabajar en base a líneas argumentales y guiones tanto para la creación de largometrajes, como de cortometrajes.

Proyectos que a-priori han sido seleccionados por la Organización CINE QUA NON LAB y qué han logrado actualmente ser premiados tanto en eventos, como en Festivales Internacionales, como lo son el efectuado en Cannes, Toronto, Berlín, Tribeca, Goya, Ariel, Sundance, entre otros, según se dio a conocer el día de ayer 5 de diciembre del año en curso 2024, en la Conferencia de Prensa ofrecida en la CINETECA NACIONAL en el marco del Aniversario del CQNL.

Ha sido una ardua y entusiasta labor por lo que ha logrado el actual reconocimiento de diversas Instituciones Culturales tanto nacionales como internacionales, entre las que se encuentran La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas OscarsR, El Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), Projeto Paradiso de Brasil, IBERMEDIA, Proimágenes Colombia, la Fundación MexAm de Nueva York, IFP (ndependent Filmmaker Project), UnionDocs Nueva York, y la Asociación NALIP (The National Association of Latino Independent Producers) de los Estados Unidos.

Le diré qué finalmente se dieron a conocer algunos nombres de  guionistas seleccionados y galardonados por dicha Organización, así como La Campaña abierta de Recaudación de Fondos para seguir ofreciendo servicios y estimular talentos y creativos en el rublo del GUIÓN entre los Cineastas Independientes.

 

 

https://cqnl.org/es/

 

EL CASCANUECES

POR: Dalia De León Adams

 

Espectacular concierto clásico que ofrece “La Filarmónica de las Artes” bajo la batuta del Maestro Enrique Abraham Vélez Godoy, teniendo ya en puerta la época desenvainas.

Constituye un evento que se ha vuelto tradicional el ejecutar éste hermoso clásico conjuntamente presentándose la Orquesta con la interpretación del Ballet Clásico, ambos en vivo, que le ofrecen un plus al evento.

Propuesto en dos tiempos escénicos, EL CASCANUECES hace soñar al espectador, quien presencia un espectáculo de alta calidad artística gracias a la música de cámara y los 28 bailarines ataviados con bellos atuendos coloridos, ofreciendo además de un bello Concierto Sinfónico, un evento de gran calidad visual.

EL CASCANUECES (en ruso Schelkúnchik) es un cuento de hadas y ballet estructurado en dos actos, que fue encargado por el director de los Teatros Imperiales de Iván Vsévolozhsky, compuesta en 1891 cuyo estreno aconteció el día 18 de diciembre en 1892. La música fue compuesta por Piotr Ilich Tchikovski.

Recordemos qué Pyotr Ilyich Tchaikovsky nació el 7 de mayo de 1840 en Votkinsk, región de Vyatka, Rusia. Fue el segundo de seis hijos (cinco hermanos y una hermana). Su padre, Ilya Tchaikovsky, era un ejecutivo de una compañía minera. Su madre, llamada Aleksandra Assier, era de ascendencia rusa y francesa. (página WEB).

Con respecto a la parte coreográfica de EL CASCANUECES le diré que se encuentra a cargo del Director Omar Olvera, quien logra una hermosa presentación en la parte dancística. 

La misma Compañía de Danza de las Artes dio a conocer la siguiente información a colación de éste Concierto, el cual dicho sea de paso, ha sido de los más interpretados en el mundo entero:

-Aunque la música fue un éxito instantáneo, el ballet no gozó de gran aceptación, han sido coreografías más recientes como la de Balanchine que catapultó la popularidad del ballet.

Bajo esta tónica se dio inicio el día de ayer jueves 5 de diciembre a ésta gran temporada al presentar la más afamada obra clásica de E.T.A. Hoffman y considerada por la historia la más representativa y popular de la época navideña: EL CASCANUECES en el Centro Universitario Cultural.

EL CASCANUECES a manera de Sinopsis cuenta la historia de dos pequeños llamados Clara y Fritz, quienes habitaban en el pueblo Nuremberg, siendo en una navidad qué el padrino de la niña, le obsequia un bello CASCANUECES.

Tras la fiesta Clara sueña que EL CASCANUECES se transforma en un apuesto príncipe, quien la defenderá de los terribles ratones y posteriormente, la invitará a viajar con él rumbo al Valle de Las Nieves y el Reino de los Dulces.

-“Esta serie de espectáculos promete sumergir al público en la magia de la temporada festiva, ofreciendo una experiencia inolvidable tanto para los amantes de la música clásica, como para los entusiastas de la danza. El evento es ideal para disfrutar en familia.

La Compañía de  Danza de las Artes integrada por bailarines de diversas disciplinas, alternará funciones en esta gran producción que captura la esencia del público y añade un toque contemporáneo a la clásica historia.”- información de la Difusora Sandra Narváez).

 

La Filarmónica de las Artes junto con la Compañía de Danza de las Artes ofrece funciones de EL CASCANUECES a partir del día 5 de diciembre, al 12 de enero 2025, de días jueves a domingos en el Centro Universitario Cultural (CUC) ubicado en Odontología 35, Copilco Universidad.

 

ERRANTES. Viaje a la memoria.

POR: Dalia De León Adams

 

*Una sublime exploración a los rincones más profundos de la memoria

Y la fragilidad humana.*

(Expresión de la Compañía Creativa)

 

Con gran plástica actoral y artística “ERRANTES. Viaje a la memoria” abrió el telón para ofrecer un espectáculo de gran talla y calidad, mezcla de escenificación y danza presentada por la Compañía “ONÍRICO DANZA” Teatro del Gesto.

Es una puesta en escena escrita y dirigida por Gilberto González Guerra en la cual el cuerpo es la herramienta fundamental para expresar en el escenario la vida, la muerte, lo onírico y la memoria, en base a una danza contemporánea.

Puesta en escena la cual ofrece una serie de movimientos estéticos, rítmicos y en ocasiones un tanto con cadencias, que dan como resultado el hermoso espectáculo visual intitulado “ERRANTES. Viaje a la memoria.”

Poética del cuerpo a través de la mirada masculina, inspirada en un episodio de su escritor Gilberto González Guerra durante el ocaso de la vida de su madre. Tetro del gesto interpretada por su autor, junto con los actores-bailarines Juan Ramírez y Emmanuel Fragoso.

Y según expresara la Compañía Difusora de Gaddi Miranda  -“La necesidad de transformar la dolorosa transición a la muerte en un acto luminoso impulsó a Gilberto González Guerra a crear “ERRANTES. Viaje a la memoria.”- (Referencia textual del boletín de prensa).

Bajo dicha tónica a seguir fue que la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico y la Compañía “ONÍRICO DANZA. Teatro del Gesto” están presentado ésta propuesta escénica a cargo de Gilberto González Guerra, en el Teatro Helénico.

“ERRANTES. Viaje a la memoria” es un montaje en donde la música (electrónica) en la cual predomina un teclado, acompaña cada movimiento y gesto, de cada uno de los artistas en el escenario, en donde inicialmente aparece una camilla de hospital rodeada de ropajes, cobertores y cortinas en blanco, que contrastan con la presencia de los otros dos artistas, quienes se presentan adosados totalmente en negro, portando un elegante traje y sombrero.

Un libro blanco que se despliega, ayuda a la proyección de un tren como parte de la utilería, junto con un barquito de papel, dos pelotas negras, una especie de ladrillos en blancos, y una pequeña carretilla, en donde los transportan los bloques o ladrillos, los dos hombres vestidos de negro.

En el ambiente no podía faltar la presencia de hielo seco o humo, el cual parece conjugarse ante los movimientos siempre rítmicos de los tres bailarines en escena quienes simulan una historia que bien podría ser del género del teatro de absurdo, al estilo de Eugen Ionesco, en donde varios de los cuadros parecieran repetirse, aún cuando los movimientos corporales de los actores, varían constantemente.

Al concluir la puesta en escena de “ERRANTES. Viaje a la memoria.” Subió al escenario el actor Roberto Sosa, quien fue invitado por la Compañía “ONÍRICO DANZA. Teatro del Gesto” como padrino de dicha función; importante actor mexicano, quien dedicó frases emotivas de satisfacción y aprecio hacia tan artística presentación.

“ERRANTES. Teatro del Gesto” se presentará en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico hasta el día 15 de diciembre del presente año 2024, de jueves a domingos.

 

 

TRINO, en búsqueda de su poder.

POR: Dalia De León Adams

 

*Fábula infantil.*

 

Teatro de sombras y títeres perteneciente al género fantástico, en donde el mito y la leyenda mexicana realizan una función educativa hacia los pequeñitos, e incluso tal vez sirva de reflexión para algunos adultos presentes en el teatro Xola, Julio Prieto.

TRINO narra la historia del pequeño huérfano de padre y madre llamado José Trinidad, quien sin embargo vive junto al amparo de su madrina quien le ama y procura. TRINO es un niño de origen indígena, que tras de haber dejado huellas en su rostro la enfermedad de la viruela, se ha convertido en el centro de burla de sus compañeros de la escuela, quien lo apodan “cara de petate”.

Su mayor contrincante del salón de clases es su compañerito a quien a su vez él apoda “cara de tomate”. Ambos han hecho que sus compañeros los aíslen tras de los maltratos que los dos pequeños infringen al resto del grupo, por lo cual les temen.

TRINO al sentirse el blanco de las burlas, sin el permiso de su madrina deja de asistir a la escuela y comienza a realizar fechorías, como el de entrar al rancho vecino, y robar la leche fresca de la vaca. Empero, la presencia de Nahui, una mujer chamana del poblado, le ayudará en la búsqueda de su Yo interno.

-“Puesta en escena que combina títeres y multimedia para narra r la historia del pequeño TRINO, quien sufre de la burla que otros niños del pueblo hacen de las cicatrices que la viruela ha dejado en su rostro. Para escapar del acoso, el pequeño se embarcará en una aventura fantástica, en el cual con la ayuda de una bruja sabia (Nahui) y un lobo mágico enfrentará su mayor temor, el miedo y el rechazo.

En éste conmovedor viaje también descubrirá lo que hace a su corazón cantar y comprenderá que la compasión y la empatía será lo que fortalecerá su poder interior.”- Cita textual de la cartelera teatral)

TRINO es un títere manipulado por los cuatro actores en escena, es decir, Clarissa Malheiros (Nahui), Paulina Soto Oliver (la madrina), Carlos López Tavera (músico) y Eunice Rocha. Todos ellos son quienes además de actuar, uno de ellos toca un instrumento de cuerda en vivo con música al estilo ranchero, que ameniza la puesta en escena en varios de sus cuadros a representar.

La escenografía mayormente consiste en una gran pantalla colocada al centro del Foro, en donde aparecen algunas imágenes del pueblo, la escuela, la iglesia, un hoyo profundo en donde cae TRINO, e incluso el andar de un enorme lobo montado por el pequeño personaje protagónico, quien aparece tanto como muñeco movible, como por una imagen pequeñita de sombra.

TRINO consiste en una divertida obra educativa escrita por la dramaturga Paulina Soto Oliver, bajo la dirección del gran director escénico Alberto Lomnitz. La puesta con duración aproximada de 90 minutos, dejo un bonito recuerdo en el público infantil, además de una bella consigna que la obra teatral llevara implícita.

 

TRINO, tan sólo tuvo una única función matutina este pasado sábado 30 de noviembre 2024 en el Teatro XOLA, Julio Prieto, al filo de las 13:00 horas.

MINIVER: Los tres superestados.

POR: Dalia De León Adams

 

*Ciencia ficción, revolución y danza.*

 

Son las tres premisas a través de la cual está constituida la propuesta escénica de la Compañía creativa “Producciones Tlaxquenia” quienes el día de ayer viernes 29 de noviembre escenificaron NIVER: Los tres superestados, en el Teatro Raúl Flores Canelo del CENART.

Constituye una puesta escenográfica en la cual el arte teatral, se presenta con la danza contemporánea, integrando una dramaturgia perteneciente al género de la ciencia ficción, y una consigna implícita a través de la cual, se pretende sirva de reflexión de índole social, para el público espectador.

Es una puesta escénica coreográfica la cual permite visualizar más allá del presente, planteando la enorme posibilidad de que el mundo se transforme en un lugar en donde impere la cibernética, y entonces el sentido de la revolución se vislumbre desde otra perspectiva a seguir y a plantear, bajo una tónica diferente, pero igualmente deshumanizadora, como las ya padecidas.

Un futuro desgarrador en donde las máquinas humanoides interactúen con los humanos, pero no a manera de progreso para la sociedad, sino de continuar dominando masivamente, al grado de la esclavitud, ante la desinformación y falta de educación que lleve a extremos desoladores, al ser humano.  

-“MINIVER: Los tres superestados, es una ambiciosa y vanguardista obra de danza contemporánea que explora la ciencia ficción desde un enfoque distópico y cyberfuturista en el CENART. Bajo la dirección artística de Paula Hugh, esta pieza de alto impacto ha sido galardonada y seleccionada para algunos de los festivales más importantes del país, incluyendo el Festival Internacional Cervantino 2023 y el 30° Aniversario del CENART. (Nota del boletín de prensa)

Es un montaje escénico el cual pese a su temática de manera cruenta a tratar, presenta elementos artísticos que la hacen todo un acierto, en cuanto a la presencia de números coreográficos que en específico, incluyen números de danza contemporánea, muy ad-doc a los movimientos de la representación de las máquinas humanoides que se presentan en el escenario, con una música de género vanguardista o clásica contemporánea, muy sui géneris a la propuesta coreográfica.

El juego de luces es otro de los aspectos a considerar, pues las escenas surgen en un espacio semi oscuro, de donde fluye la música aunado al hielo seco o efecto de bruma, que mediante los distintos cuadros escenográficos se presenta.

Empero la danza contiene un ritmo acorde con la música y el texto de la dramaturgia, que muestra a sus personajes desde una perspectiva maniqueísta; es decir, los malos llegan a grandes extremos de maldad, en cuanto a que los buenos, casi carentes de voluntad (las inmensas mayorías) son abusados, explotados y subordinados, sin a veces tomar conciencia de ello.

Es una obra de calidad coreográfica que desde un  principio se hace evidente, carente de diálogos, los cuales son suplantados por gesticulaciones, movimientos corporales y escenificaciones de algunos roles protagónicos, como el del científico, o el del hombre empresario dominante (El Gran Hermano), o bien, el liberador (El Loco).

-“En éste sombrío escenario, El Viajero, el héroe elegido para liberar a la humanidad descubre que es también El Loco, un profeta caído que predica la verdad sobre la dominación del Panóptico. A través de un viaje físico y emocional, El Viajero lucha por escapar de este ciclo interminable de opresión. Sin embargo, su enfrentamiento con El Científico, un aliado de Gran Hermano responsable de implementar la Revolución 4.0, le lleva a confrontar la verdadera naturaleza de su realidad.” (Sinopsis de la trama por parte de la compañía creativa)

*En un futuro.. tal vez no tan lejano, se torne en una angustiosa realidad.*

MINIVER: Los tres superestados, se presenta en el teatro Raúl Flores Canelo del CENART con otras tres únicas funciones 29 y 30 de noviembre, y el 1 de diciembre 2024

TEATRO CABARET “La mera verdad” Show de Stand No Comedy.

POR: Dalia De León Adams

 

VII Ciclo de Cabaret

 

El pasado miércoles 21 de noviembre comenzó El VII Ciclo Cabaret llevado a cabo en el Teatro El Galeón, Abraham Oceransky del Centro Cultural del Bosque (CCB) teniendo planeado presentar cinco diferentes propuestas escénica, del género del Teatro Cabaret al estilo “Stand Up”.

Puestas en escena muy divertidas en donde el ambiente teatral es transformado en su mayor parte  en un verdadero TEATRO CABARET en donde las mesitas con sus sillas, son colocadas para pasar una muy agradable noche, en donde puede ingerir bebidas y comida.

Al filo de las 20:00 el foro abrió sus puertas, estando colocadas en el Lobby del Teatro “El Galeón Abraham Oceransky, diverso cuadros artísticos, así como objetos en el que no podía faltar un diván, símbolo del TEATRO CABARET.

El VII Ciclo comenzaría con la obra “La mamá cabaret” de Gonzalo García González (21 al 24 de noviembre), continuando la puesta en escena de SHOWer DIVA ¡A jicarazos! De Lou Best (del 25 de noviembre al 2 de diciembre). Posteriormente se comenzó a representar “LA MERA VERDAD” Show de Stand no Comedí de Gustavo Proal (del 28 de noviembre al 1° de diciembre) puesta en escena que comentaré el día de hoy en la presente nota.

El cuarto montaje es “El vestir del desvestir” a cargo de Las Suculentas (del 5 al 8 de diciembre); y finalmente se concluirá el VII CICLO CABARET con el montaje escénico de “Una hermosa mañana” Pastorela Prehispánica bajo la dramaturgia y dirección de Toto Vasconcelos (del 11 al 15 de diciembre) concluyendo con ésta obra las representaciones teatrales de éste año 2024.

Pero volviendo a la puesta en escena de “LA MERA VERDAD. Show Stand No Comedy” le comentaré qué se trata realmente de un verdadero SHOW en donde el artista además de actuar y ser el dramaturgo de éste un contenido de texto al estilo de Stand Up, o Comedy, integra varios elementos artísticos más, como el canto, el uso de cuatro diferentes instrumentos de cuerda y un piano que le evidencia como un buen músico.

Además integra como un número más la manipulación del muñeco Puppet Guzito y un títere de guante; números que poco a poco va integrando además de la representación de cuatro distintos personajes oriundos de diversas latitudes del mundo, como lo es un argentino, un colombiano, un español y un ruso, cuyos textos y cantos se presentan a través de una adecuada dicción o modulación de la voz, la cual logra maravillosamente, lo cual no es tarea fácil de realizar.

Así es como la dramaturgia es de Gustavo Proal, contando con su magnífica interpretación, logra presentar un verdadero SHOW con calidad artística, bajo la dirección escénica de Fer Villa. Es una de las obras que conforman el “VII Ciclo Cabaret”, de cuya sinopsis se escribe lo siguiente en cartelera teatral:

-“Hay mentiras convenientes que urge convertir en verdades impertinentes, por mucho que nos duela, es momento de enfrentar la verdad. En este espectáculo Gus Proal, actor, músico y comediante, enfrenta algunas de las mentiras de la humanidad con un agudo agente de la verdad para liberarnos de la hipocresía con humor y agudeza.”-

Nota que viene a colación con un número a presentar dentro del SHOW, en donde el artista Gustavo Proal elige dentro del público, a cuatro personas, las cuales a través de un número de índole psicológico, hará mentir, o hablar con la verdad, a disposición de unas pequeñas bolitas blancas y una negra a seleccionar al azar.

“LA MERA VERDAD. Show de Stand No Comedy” así concluyó con su divertida representación de TEATRO CABARET con la magnífica interpretación y texto a cargo de Gustavo Proal, bajo la dirección escénica de Fer Villa; obra la cual continuará todo el resto del fin de semana, (hasta el 2 de diciembre 2024) en el Teatro “El Galeón Abraham Oceransky del Centro cultural del Bosque (CCB).

 

 

¿QUÉ TAN ARRIBA ES ARRIBA?

POR: Dalia De León Adams

 

¿Qué tan arriba es arriba?

¿Qué tan abajo es abajo?

¿Qué miras cuando das la vuelta?

 

Son tres cuestionamientos sin respuestas, si se formulan de la manera ambigua que plantea su autora Brenda Murray en su texto intitulado ¿QUÉ TAN ARRIBA ES ARRIBA?; empero la respuesta podría darse si se especifica exactamente el lugar.

Siendo una dramaturgia para niños, la pregunta al parecer, no desea tener respuesta alguna, sino tan sólo el intentar hacer ver a los infantes qué “todo tiene una razón de ser” y “nada es casual en éste mundo, sino causal”.

¿QUÉ TAN ARRIBA ES ARRIBA? Es una propuesta escénica que tiene como temática medular, la próxima e inevitable muerte de Mamá Luz, la abuela del personaje protagónico de Pequeña Estrella, quien ante el intento de evitar el fallecimiento de su ser más querido, viajará con un pájaro simpático y colorida para allanar suelos inimaginables como el del Brujo del Invierno o de la Nieve, entre otros dos personajes de ficción más.

La respuesta que da el Brujo es la posibilidad de responder justo a las tres preguntas de ¿qué tan arriba es arriba?, ¿qué tan abajo es abajo? y, ¿qué miras cuando das la vuelta?; preguntas que deberá resolver la Pequeña Estrella, para con ello detener la música que hace bailar a la Luna y el Sol.

-“Pequeña Estrella, un Pájaro, Pájara, Pájare que no tiene alas, emprenden un viaje para entender los inevitables ciclos de la vida, su abuela Mamá Luz será una guía que alimenta e interroga para que Pequeña Estrella pueda dar con las respuestas que le saltan al presentarse la posibilidad de la pérdida de una persona amada. Todo en algún punto del universo, bajo el Sol y la Luna, va entramado con los hilos de la naturaleza para finalmente celebrar la continuidad de la vida.”- (nota del boletín de prensa).

¿QUÉ TAN ARRIBA ES ARRIBA? Es una obra teatral infantil escrita por la dramaturga Brenda Murray, presentada bajo la propuesta escénica de Otto Minera, la cual tiene por intérpretes a los actores Gilary Negrete, Aleida Méndez, Itzhel Razo, Jesús Delgado, Aketzali Reséndiz y Sandra Corona.

Todos actúan de manera entusiasta, para dar vida a sus personajes coloridos y simpáticos, los se presentan en un cuadro que tiene como duración aproximada de 50, en donde la consigna a seguir es “aceptar lo que la sabia naturaleza y el tiempo deparan”.

Finalmente le comentaré sobre éste montaje escénico que es parte del Programa de Teatro para niñas, niños y jóvenes de la Coordinación de Teatro y Hasta la China Producciones, con la Secretaría de Cultura del Gobierno Federal, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) acaban de reestrenar la puesta en escena ¿QUÉ TAN ARRIBA ES ARRIBA? De Brenda Murray.

 

¿QUÉ TAN ARRIBA ES ARRIBA se presenta en el Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández del Centro Cultural del Bosque (CCB) hasta el 15 de diciembre 2024, con funciones los días sábados y domingos a las 13:00 horas.

EL HOMBRECILLO DEL RELOJ

POR: Dalia De León Adams

 

Con esta puesta en escena, el día de ayer 25 de noviembre 2024 dio inicio el 3er. FESTIVAL DE TEATRO DE TÍTERES ALMA DE MADERA, producido por La Secretaría de Cultura del Gobierno de México a través del Centro Cultural Helénico, teniendo como directores artísticos a Omar Esquinca y Andrea Cruz Meléndez, quienes estuvieron presentes en la apertura.

Así se dio paso a la función en el 4° Espacio Alternativo de la obra teatral EL HOMBRECILLO DEL RELOJ contando con tres buenos actores como lo son Leonardo Yee, Jorge Lombard y Vania Echeverría, quienes dan vida a los multiples personajes en éste divertido montaje escénico de la obra de “Títeres” programada tanto para la audiencia infantil, como para los adultos, por lo divertido fresco e interesante de su texto.

La trama fue presentada en un solo acto escénico en donde aparecía un enorme y viejo RELOJ de péndulo, en donde habitara un peculiar HOMBRECILLO muy pequeñito de estatura, pero muy grande en su visión sobre el tiempo y sus efectos.

Así es como la historieta comenzó, cuando un pequeño se encuentra con el longevo HOMBRECILLO con quien pacta realizar cambios en la duración del tiempo, tras de que el niño le reclamara y cuestionara  el ¿por qué los momentos afables suelen ser tan cortos? en tanto que los aburridos o sufribles, suelen parecer tan largos y lentos en su andar.

El HOMBRECILLO intenta hacer entender al infante qué todo tiene una buena razón, y  que el alterar el tiempo, podría producir serias consecuencias. Pero tras la insistencia del pequeño,  EL HOMBRECILLO DEL RELOJ finalmente pacta con Miguelito, ajustar el tiempo a su entero gusto.

Las consecuencias de las propuestas constantes de ajustes, le harán ver al niño que el tiempo es sabio, y transcurre siempre en su justa medida. Temática que es presentada por los tres actores en escena de una manera muy divertida, siendo por cierto éstos tres únicos actores, quienes caracterizan a la vez a diversos personajes que se presentan ocasionalmente con una especie de mascarillas de madera, dando la apariencia de ser unos verdaderos títeres vivientes.

En el caso de EL HOMBRECILLO DEL RELOJ, éste es realmente un títere minúsculo confeccionado de madera, el cual en el escenario es movilizado por los actores Leonardo, Jorge y Vania, siendo uno de ellos, quien le presta su voz durante todo el tiempo escénico.

-“Miguel es un niño algo testarudo y muy curioso que vive rodeado de cosas viejísimas y particularmente interesantes. Un día después de encontrar una puerta secreta en una habitación de su casa, descubre algo extraordinario: un viejo reloj de péndulo que susurra “Tic tac, tic tac” y un diminuto hombre que aparece dentro con el increíble poder de manejar el tiempo y sus ciclos. “¿Quién es él? Se pregunta Miguel mientras se prepara para tener la aventura más grande de su vida.”-

La dramaturgia del HOMBRECILLO DEL RELOJ es de Estefanía Villamar, y se presentó en el 3er. FESTIVAL DE TEATRO DE TÍTERES ALMA DE MADERA bajo su dirección escénica por único día, teniendo como elenco a Leonardo Yee, Jorge Lombard y Vania Echeverría.

 

EL HOMBRECILLO DEL RELOJ es una puesta en escena que ya había sido presentada en el Centro Cultural Helénico, en donde concluyó temporada, en agosto del presente año 2024.

 

HUÉRFANOS

POR: Dalia De León Adams

 

*Un Thriller que lleva al desbordamiento de emociones.*

 

Dramaturgia original de Dennis Kelly, en cuya trama una familia intentará mantenerse unida, aún a costa de la cordura. Es una puesta en escena cuya temática presenta a tres personajes quienes en aras de apostar por la unión familiar, los lleva a la locura de vivir situaciones totalmente deshumanizadas.

Propuesta escénica en la cual participan tres grandes actores, como lo son Antonio Vega en el rol de Danny, Roberto Cavazos caracterizando a Leo, e Itari Marta en la interpretación de Hanna. Actores quienes juntos comparten el escenario con un pequeñito, pero entusiasta actor; él es Antuan Trejo, personificando al hijo Fede.

Todos ellos bajo la dirección escénica de Angélica Rogel, quien presenta la obra en un solo acto y cuadro escenográfico, diseñado por Aurelio Palomino en el que se advierte una cocina con su antecomedor, a manera del hogar habitado por una pareja, su hijo de 6 años y, el cuñado.

Aquí cabe cuestionar con respecto a la trama el ¿Hasta dónde sería capaz de encubrir una familia un homicidio, justificándolo al anteponer la supuesta unidad familiar? La respuesta puede ser totalmente irracional, pero más que cuestionar al público, la obra tan sólo pretende presentar una historia con cruenta y cruda realidad, debiendo tomar en consideración, que a veces la realidad excede a la ficción.

Perteneciente al género de suspenso la puesta en escena intitulada HUÉRFANOS ofrece una serie de gamas en la actuación, comenzando con una escena totalmente romántica, para ir poco a poco deshilando una serie de situaciones adversas, cada vez más cruentas y macabras.

Obra teatral que también incursiona en el género psicológico, por el tratamiento que el autor les infiere a sus tres personajes protagónicos, dejando evidenciar su psiquis a flor de piel. Situaciones en la ficción, que se traducen en una realidad presente de inseguridades, soledad, frustración y desamparo, que los llevará a tomar acciones cada vez más que descabelladas y bastante grotescas.

Sobre la directora artística Angélica Cavazos, le comento a Usted que ella fue galardonada con el premio ACPT 2024, en el rublo de la “Mejor Dirección”, lo cual pone en evidencia su talento, sumando un plus a la obra teatral HUERFANOS.

 HUÉRFANOS se trata de un montaje escénico que se acaba de estrenar el día de ayer 23 de noviembre en el Foro Shakespeare; puesta en escena que impactó de diferente manera al público, sobre todo por su temática.

Verónica Merchant fue una madrina del estreno de esta obra teatral, quien por cierto, se escuchaba y veía evidentemente un tanto afectada por el tratamiento de éste drama, matizado con algunos elementos del género naturalista, por la descripción minuciosa de un altercado totalmente deshumanizado.

Y finalmente acerca de su dramaturgo Dennis Kelly (Barnett, Londres) se sabe que es un escritor y productor de origen británico, quien ha incursionado tanto en cine, como en la televisión y en el teatro recibiendo diferentes premios y reconocimientos. Tal vez su obra icónica sea DNA editada en 2007, pues se ha considerado ya como un texto clásico en su país, sin embargo, su obra más conocida en el extranjero es “Matilda el Musical”.

En cartelera teatral podemos encontrar la sinopsis sobre la obra teatral HUÉRFANOS de Dennis Kelly, mencionada con el siguiente párrafo textual, a manera de sinopsis:

-“La historia de Hanna y de Danny, una pareja feliz que celebra la noticia de su embarazo, se ve abruptamente interrumpida cuando Leo, el hermano de Hanna, llega a su hogar cubierto de sangre y argumenta haber encontrado a un joven herido en la calle, historia que en el transcurso de la noche irá cambiando hasta llegar a una realidad más compleja y aterradora.”-

HUÉRFANOS se presenta en el Foro Shakespeare con horarios de viernes a domingos, hasta el día 29 de diciembre 2024.

 

MEJOR TEATRO FESTEJANDO A MAXINE WOODSIDE

POR: Dalia De León Adams

 

Morris Gilbert celebró a Maxine Woodside y a su Equipo de

“Todo para la Mujer”.

 

Como de costumbre, la Compañía “Mejor Teatro” ha estado galardonando tanto a sus artistas intérpretes, como a la gente del medio de la comunicación que participa constantemente en sus proyectos, siendo en ésta ocasión la celebración a la Señora Maxine Goodside a su larga trayectoria periodística.

Distinción que se le hizo por su constante apoyo, al difundir a través de su medio las puestas en escena presentadas por el Señor Morris Gilbert y su “Mejor Teatro”, las cuales como es bien sabido, permanecen durante largo tiempo en cartelera teatral, gracias a su calidad artística que el público amante del teatro, generalmente aprecia.

Por tal motivo el día de ayer viernes 22 de noviembre 2024, se hizo presente la Señora Maxine Woodside para ser homenajeada tras su larga trayectoria de 35 años consecutivos, en que ha sido portavoz de los eventos artísticos en nuestro país.

-“Maxine Woodside Sotomayor(Guadalajara, Jalisco 1948) es una periodista y presentadora de radio y de televisión mexicana, más conocida como “La Reina de la Radio” y la titular del programa radiofónico “Todo para la mujer” que se transmite en Radio Fórmula desde el 16 de octubre de 1989.”

Así fue como Maxine Woodside fue invitada por parte del importante productor Morris Gilbert, a pasar al escenario tras de haber concluido la función la cual le fue dedicada, junto con un gran pastel a compartir con los presentes, hecho por el cual se le ofrecieron algunas palabras de agradecimiento y reconocimiento por su labor periodística.

La obra a presentar fue DOS LOCAS DE REMATE estelarizada por las actrices Bibi Gaytán y Dalilah Polanco, quienes por cierto lograron un gran rol protagónico al caracterizar a dos hermanas, Julia y Cata, quienes viven varios conflictos surgidos del encuentro en el departamento de una de ellas, tras un largo tiempo de ausencia. (Breve sinopsis de la trama)

Con respecto al montaje escénico le comentaré brevemente qué es una obra divertida, escrita por el dramaturgo Ramón Paso (hijo de Alfonso Paso y biznieto de Enrique Jardiel Poncela) muy bien dirigida por Manuel González Gil.

Las actuaciones estelares son interpretadas con gran emotividad, presentando diversos rangos actorales en las caracterizaciones, a cargo de Bibi Gaytán y Dalilah Polanco, quienes logran inferirle a su respectivos personajes, diferentes matices histriónicos. Son dos talentosas actrices como logramos constatar, quienes logran que el público les aplauda con gran efusividad y gritos de euforia que emite la abundante concurrencia del público.

Pero volviendo al Festejo de Maxine Woodside, quien junto con su equipo del Programa radiofónico “Todo para la Mujer”, subieron al escenario para también ser ovacionados, resultando ser un emotivo evento.

Así fue que finalmente se expresarían algunas palabras de agradecimiento hacia la importante Compañía Mejor Teatro, haciendo evidente Maxine Woodside, el grato impacto que le causara ésta puesta en escena interpretada por Bibi Gaytán y Dalilah Polanco, a la cual acudió por segunda ocasión, pues inicialmente fue representada por Susana Zavaleta también logrando gran éxito, pero bajo otro matiz interpretativo.

“Mejor Teatro” continúa con la presentación de las obras DOS LOCAS DE REMATE, ATRAPADOS (o, Escape Room) LOS MONÓLOGOS DE LA VAGINA, y, DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA en el Nuevo Teatro Libanés. A éstas se le sumará la nueva propuesta escénica de CLUE el próximo 12 de diciembre del año en curso 2024 en el Teatro Centenario Coyoacán, en dicha ocasión en co-producción con el Señor Gerardo Quiroz.

 

 

FALSA CONFERENCIA de la Firmeza de el Ausencia.

POR: Dalia De León Adams

 

*Una forma divertida de presentar un clásico.*

 

Es una obra teatral Beneficiaria del Programa “Creadores Escénicos 2022-2025” del Sistema de Apoyo a la Creación y Proyectos Culturales, que se presenta recientemente en el Teatro Xavier Villaurrutia, bajo la dirección artística de Paola Izquierdo, Fernando Villa Y Allan Flores, con la compañía “EFE Tres Teatro”.

FALSA CONFERENCIA está basada en la obra intitulada “La Firmeza de el Ausencia” de Leonor de la Cueva, con la dramaturgia de la misma Paola Izquierdo y Fernando Villa, quienes además son los intérpretes de ésta ingeniosa puesta en escena.

Obra teatral que en cartelera muestra la siguiente sinopsis a tratar de manera medular, y que se resume en el siguiente párrafo textual:

-“Marcela de San Félix junto al profesor Felipe Vistahermosa dictará una conferencia acerca de la obra “La Firmeza en el Ausencia” de Leonor de la Cueva al percatarse. Al percatarse que el material está incompleto se verán forzados a actuar los fragmentos faltantes, dialogando con los videos existentes.

FALSA CONFERENCIA es una puesta en escena un tanto difícil de montar, en el sentido en que no tan sólo los dos únicos actores en el escenario caracterizan a múltiples personajes, sino que además, interactúan con una pantalla colocada en el centro del escenario, que muestra un video en donde aparece un drama medieval romántico.

Así vemos algunos objetos como, pañuelos, flores, cartas e incluso bombones que aparentemente son quemados en una fogata en el mismo escenario, para lo cual se recurre al recurso escénico de efectos visuales o trucos.

Logros escénicos ingeniosos, que se suman a la actuación de los dos artistas, quienes además aparentemente entran y salen de la pantalla al interactuar entregándose diversos objetos que le dan el toque romántico a varios de los cuadros a tratar, como el de entregar una flor, o un pañuelo al ser amado.

La trama de la comedia tiene tintes maniqueísta, en donde un rey deshonesto en aras de lograr el amor de una doncella, enviará a la guerra a su rival de amor, para poner fin a su vida, Intrigas y malos entendidos no podían faltar, como es la costumbre de dicho género teatral; empero el amor finalmente triunfa, como en los cuentos de príncipes.

La caracterización de diversos personas tanto femeninos como masculinos se logran sumando algunos atuendos como son sombreros, diadema, corona y prendas de vestir, que los dos actores colocan en brevedad, lográndolo con ello que el espectador distinga de inmediato de cuál de los personajes se trata la interpretación, en determinado cuadro escénico.

Es una puesta en escena muy ingeniosa y divertida, escrita a  manera de farsa, que contiene imágenes multimedia y algunos objetos de tramoya como lo son algunos bancos que los mismos actores además manipulan, para dar coherencia a los cuadros escenográficos a tratar.

FALSA CONFERENCIA esta lograda en un solo tiempo escénico de 90 minutos aproximados de duración, durante los cuales los actores muestran su capacidad histriónica, en ésta difícil y agotadora obra.

Agotadora en el sentido en que ambos interpretes constantemente están en movimiento, cambiando la modulación de sus voces, rostros y movimientos corporales, además de colocarse frente y tras la pantalla, en bastantes ocasiones.

Así finalmente ésta comedia de enredos logró buen puerto, en la difícil tarea de coordinar movimientos y tiempos escénicos a representar. FALSA CONFERENCIA está planeada para concluir su temporada de representaciones el 15 de diciembre 2024.

“FALSA CONFERENCIA de la Firmeza en el Ausencia” se presenta en el Teatro Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque (CCB) de jueves a domingos.

 

 

LEGOM Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio

POR Dalia De León Adams.

 

*Antología de algunas de sus dramaturgias.*

 

LEGOM son las siglas, como evidentemente se puede apreciar, que componen el nombre completo del ya fallido dramaturgo Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterios; hombre de buena pluma, irreverente, talentoso, poco o nada ortodoxo, mal hablado, ingenioso, osado, sincero y visionario.

Un hombre de letras que ha marcado un antes y un después en la dramaturgia llevada al escenario teatral en nuestro país, quien evocara a la sencillez de la cotidianidad, prendando a sus personajes de una manera coloquial y naturalidad, poco usual.

Post-mortem es que varias de sus dramaturgias fueron seleccionadas para ser publicadas en formato de libro físico, pues comúnmente sólo se conocían sus escritos novedoso, poco convencionales y muy polémicos, a través de la tinta impresa en hojas.

Y no sería sino hasta el día de ayer, miércoles 20 de noviembre 2024 que se realizó la presentación del libro “LEGOM: Obras escogidas” teniendo como presentadores a varios inminentes expertos sobre la temática a tratar, como lo son Luis Mario Moncada, Claudia Narváez Lázaro, David Izazaga, Araceli Rebollo y Graciela Cázares.

Cada ponente expuso, tanto su personal punto de vista con respecto a la reciente publicación del  compendio de obras selectas del dramaturgo Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterios por Enrique Olmos de Ita, matizando los ponentes sus comentarios con algunas interesantes anécdotas sobre algunas experiencias laborales vividas anteriormente, con el dramaturgo LEGOM.

Así surgieron anécdotas que enriquecieron la presentación de dicha Antología en las que se leyeron algunos de los fragmentos que componen el libro físico, cuya selección de dramaturgias se presentaron a cargo de Enrique Olmos de Ita, quien a manera de Colofón escribiera la siguiente apreciación al respecto:

-“LEGOM escribía para enamorarse, para conquistar, para ser amado, sus obras de teatro (y  sus explicaciones formidables sobre algunas series de televisión o sobre Aristóteles eran su donjuanismo favorito). Y el amor de LEGOM es ante todo su vasta obra, dispersa, crítica, irregular, pero dispuesta a ser leída (y montada) sin concesiones ni tibiezas.

Esta antología, como no podía de ser de otra forma, es un acto de amor, una forma de correspondencia a todo el cariño que nos legó, porque solamente el podía caer mal, ser un estúpido y al mismo tiempo ser querido, amado por ser tan buen tipo y un escritor formidable y divertido; seguramente el dramaturgo más influyente (eufemismo para más importante o destacado) de lo que va en el siglo XXI en México.-“

 

Y para quien aún desea saber un poquito más sobre LEGOM (Guadalajara 1968-2022) le presento la siguiente cita textual:

-“Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterios más conocido como LEGOM fue un dramaturgo mexicano, ocasionalmente poeta y narrador, quien fuera galardonado en vida con varios premios de dramaturgia, entre ellos el Nacional de Dramaturgia “Manuel Herrera” expedido en la Ciudad de  Querétaro por tres ocasiones. Una de sus obras se tradujo tanto en inglés, como en hebreo y en francés. Tal vez una de sus obras más conocidas o recordadas es la de “Las chicas del tres y media floppies”.

“LEGOM: Obras escogidas” de Enrique Olmos recientemente se encuentra producida y editada por La Secretaría de Cultura, Helénico LIBROS, INVISIBLES Cultura, FONDO EDITORIAL de Querétaro y La Secretaría de Cultura de Querétaro.

 

 

PRÉNDEme. La Historia de Leopold y Loeb.

POR: Dalia De León Adams

 

*Pasión y Crimen.*

 

Stephen Dolginoff es el dramaturgo, compositor y letrista de la obra “PRÉNDEme”. Un musical que tiene como referente la Ciudad de Chicago en los albores del siglo XX, el cual mediante la narrativa de uno de los dos personajes protagónicos, se va reconstruyendo un crimen cometido por dos jóvenes estadounidense, ante la persuasión y planeación por uno de ellos por placer, bajo la falsa premisa de encendre la relación homosexual entre ambos, y en aras de “convertirse” en seres superiores ante tal suceso.

Es una obra con temática escalofriante, con letra musicalizada, que empero el público aplaude efusivamente en diversos momentos o cuadros escenográficos, mientras que se van narrando los pormenores del crimen.

 Dramaturgia la cual por cierto hizo merecedor a su creador Stephen Dolginoff, de varias nominaciones en diversos rublos, como en el de la premiación del “Drama Desk Award y The Outer Critics Circle,  ganado el del ASCAP Music.

La trama presenta a dos hombres jóvenes de familias adineradas quienes viven una relación homosexual pasional, en la cual uno de ellos será capaz de seguir el juego de perversión, del otro, con el fin de conservarse junto a él.

Y aquí cabe cuestionar el ¿Hasta dónde es capaz un hombre en aras de una enorme pasión, de seguir los juegos que a su amante? Es la pregunta a reflexionar en PRÉNDEme”. Un juego de pasión en dónde la víctima, bien puede ser el victimario.

“PRÉNDEme” contiene una dramaturgia interesante, muy bien estructurada, que juega con la psiquis de sus personaje, presentada con una temporalidad no lineal; es decir, comienza con una declaración judicial de la cual se precisa para ser entendida. Por ello se observan constantes retrospecciones temporales, mediante las cuales se alude al pasado, para con ello ir narrando todos los sucesos que llevan a los personajes a tener que enfrentarse ante las autoridades policiacas.

Pormenores de la narrativa que surgen mediante algunos diálogos entre los dos amantes protagonizados por Gonzalo Aburto de la Fuente y Peter Álvarez, los cuales con su histrionismo escénico logran de inmediato inferirle mayor peso escénico a las actuaciones pasionales mediante las canciones escritas especialmente para la obra por su mismo autor Stephen Dolginoff en el idioma inglés, las cuales fueron traducidas al español por Xavier Villanova para ser entendidas por todo el público asistente en el Teatro Wilberto Cantón.

 “PRÉNDEme” es una puesta en escena dirigida talentosamente tanto escénicamente por Jaime Rojas, como por Héctor Mujica de manera artística, quienes proponen acertadamente presentar la obra en un solo acto,  con diversos cuadros escenográficos de (Salvador Núñez) con un diseño de objetos de utilería, movidos por los dos mismos actores en el escenario, en un escenario con juego de luces tenues.

La obra teatral, o musical, tiene un texto muy bien escrito. Sus dos directores introducen escenas bajo un tono picante, que es sugerido en el texto, en donde la pasión entre los dos hombres, se muestra a flor de piel, contando además con las excelentes actuaciones de Gonzalo Aburto de la Fuente y Peter Álvarez (quienes alternan con Luis Anduaga y Johnny Montero).

-“PRÉNDEme Es un musical dramático basado en la historia real de Richard Loeb y Nathan Leopold, quienes cometieron un atroz crimen en 1924 en Chicago. La trama se centra en su relación, donde Richard, obsesionado con Nietzsche, persuade a Nathan para cometer delitos. Los crímenes aumentan en gravedad hasta que Richard propone asesinar a un niño al azar.” (nota textual en cartelera teatral)

 

Bajo la producción de Ricardo Ian, “PRÉNDEme” se presenta en el Teatro Wilberto Cantón del SOGEM (calle José María Velazco, colonia San José Insurgentes) con funciones los días lunes, a las 20:30 horas.

 

“El AmareSer” o EL CANTO DE LA SELVA

POR: Dalia De León Adams

 

*Arte espíritu o Teatro medicina.*

 

Son las dos connotaciones que le infiere Erik Israel Consuelo a su teatro, el cual parte de experiencias personales las cuales, en escena saca a flote; sentimiento internos del autor, quien las pone en evidencia  al escenificarlas, exponiéndolas como un gritar a los cuatro vientos.

Experiencia artística que al parecer termina siendo de índole terapéutico, por lo cual el mismo Erick Israel Consuelo le  denomina “Teatro Medicina”. Aseveración que se logra confirmar, pues al concluir la representación, de inmediato se desprende del dolor que manifiesta durante casi todo el tiempo escénico, transformando su rostro en una genuina alegría.

Le comentaré qué “El amanecer” o EL CANTO DE LA SELVA está escrita, dirigida e interpretada por el joven actor Erick Israel Consuelo, a quien le tardarían cuatro años para concretar su obra y ser representada en el teatro. Se trata de un texto  de formato unipersonal, que presenta algunas de las experiencias de su autor, como él mismo expresara

El texto lleva implícito varias lecturas o interpretaciones, siendo una de estas la de enfrentar la vida en soledad, ante el deceso un tanto prematuro de sus dos padres. Escena manifiesta cuando el dramaturgo narra varios de los pormenores de la muerte de cada uno de ellos.

Por otro lado, la manera de asumir su vida tras de intentar escribir un texto dramático en el “cobijo de la selva”, temática que maneja con un dejo de surrealismo que se manifiestan en el escenario con imágenes alucinantes y el juego de una “Voz in Off” masculina y con el apoyo de imágenes multimedia reflejadas en el fondo del escenario.

-“El AmaneSer” o EL CANTO DE LA SEVA lleva a escena la historia de un escritor que, en busca de la inspiración para su próxima novela, se adentra en la selva amazónica y encuentra un viaje interno lleno de confrontación, soledad y medicina ancestral. Esta obra, escrita, dirigida y actuada por Erick Israel Consuelo, es un monólogo que aborda el amor propio, la reconciliación y el poder sanador del arte…

El AmaneSer o EL CANTO DE LA SELVA representa el debut como dramaturgo de Erik Israel Consuelo quien, después de varios años en el teatro, se aventura en esta intima creación inspirada en experiencias personales. “Hablar de la orfandad en la adultez es algo poco explorado. La obra busca conectar desde el alma, abordando el duelo y los límites emocionales que este nos puede llevar” comenta Consuelo.”- (nota textual en el Kit de Prensa).

Con casi dos horas de duración la puesta en escena es presentada en un solo tiempo escénico en durante el cual solamente se distingue una escalera al fondo del foro, siendo la proyección de diversas imágenes, quienes cumplen con los diversos cuadros escenográficos.

Finalmente comentaría su dramaturgo, director e interprete la siguiente aseveración sobre esta obra teatral:

“-El AmaneSer” o El CANTO DE LA SELVA es un monólogo en el cual nos sumergimos a la mente humana, los recuerdos y la memoria ancestral, donde exploro la actoralidad en diálogo con un universo sonoro, y el videomapping , para llevar al público a una inmersión total en la narrativa, dando vida a la rica atmósfera de la selva y las emociones del protagonista,”-

 

“AmaneSer” o EL CANTO DE LA SELVA se presenta en el Teatro La Capilla los días domingos a las 18:00 horas hasta el 15 de diciembre 2024.

LAS HERMANAS VALS

POR: Dalia De León Adams

 

*La verdad puede ser vista más allá de lo evidente?

 

Obra teatral presentada en el Teatro La Capilla, cuya dramaturgia está escrita por la holandesa Lot Vekemans, y escenificada bajo la dirección escénica de Pilar Boliver, cola cual tiene un reparto estelar integrado por Ana Karina Guevara, Constantino Morán y Talía Marcela.

 Sobre su autor se sabe lo siguiente: Lot Vekemans nació en el año de 1965 en Los Países Bajos, en donde realizó sus estudios en la Universidad de Utrecht. Su obra LAS HERMANAS VALS se ha dado a conocer bajo la traducción de Ronald Brouwer.”-

La puesta en escena presenta a tres actores que caracterizan un drama peculiar, en dónde LAS HERMANAS VALS se encuentran implicadas en un accidente automovilístico, en el cual fallece una mujer al ser atropellada. Un testigo ocular afirma haber estado presente durante el siniestro, por lo cual presenta a las autoridades algunos pormenores sobre éste siniestro, describiéndoles a la conductora.

Mientras tanto, una de las dos HERMANAS VALS tras de haber ingerido alcohol en demasía, no recuerda nada de lo que aconteciera un día antes. Su hermana, quien conducía, asegurará haber chocado sobre un poste de señalamientos, mientras conducía en la carretera, declarándose inocente.

-“LAS HERMANAS VALS es una intensa pieza teatral, que nos muestra a tres personajes, que por azares del destino están entrelazados entre sí; dos hermanas y un científico, ellas son sospechosas de haber atropellado a una mujer y haberse dado a la fuga y él es el único testigo de dicho accidente, ellos se encuentran bajo custodia en un separo de la policía.

Pero más allá de éste thriller teatral, LAS VALS es una profunda reflexión sobre lo verdadero y lo falso, sobre el papel que juega el destino en la vida de las personas, sobre la idea preconcebida que tenemos de nosotros mismos y de los demás y finalmente como se interpreta un mismo evento dependiendo de la percepción subjetiva de cada individuo. A partir del aislamiento forzado, estos personajes se encuentran en un momento de tensión extrema, provocado por el ambiente opresivo que están viviendo; y es a partir de ésta situación límite, que sale a la luz, la verdadera, “o tal vez no”, personalidad de cada uno de estos seres por demás disímbolos y al mismo tiempo extremadamente iguales, ya que cada uno de ellos encarnan la eterna contradicción humana. (nota textual en cartelera).

El dramaturgo presenta a tres personajes desde su parte psicológica, para justificar la manera de proceder de cada uno de ellos, más allá del conflicto en el cual se encontraran envueltos. ¿Quién es culpable? Y ¿quién es inocente?

Los personajes en el escenario se agreden tanto verbal, como físicamente, tratando de  defenderse  mediante algunos diálogos que exponen el proceder de cada uno de éstos, para justificarse.

Los personajes de LAS HERMANAS VALS son dos hermanas que profesan como actrices; una aparentemente muy exitosa actriz de televisión, destacada y reconocida por el público. La otra es actriz de teatro, considerada por la gente que le conoce de manera crecana, como una mujer inteligente, propia y estudiada.

El tercer personaje es un barón, docto en biología celular, quien muestra tener además de una gran inquietud científica, una visión altamente filosófica sobre la procedencia del ser humano y de su proceder como ser social. Es un ahombre de apariencia casi indigente, a quien alguien le matara a su perro.

Situación que aparentemente no tiene ninguna conexión con el siniestro que mantiene cautivos a los tres, en calidad de sospechosos, y por ende, encerrados por policías en un separo, mientras que se dictamine el veredicto final.

El montaje presenta como diseño escenográfico unas bancas alargadas, con un juego de luces que permite al público observar cada cambio de cuadro escénico. Las bancas sirven de apoyo escénico pues son desde donde los tres personajes sentados, intentarán buscar cada uno, una respuesta al problema, empero a ser visualizado desde puntos de vista totalmente antagónicos

 

Finalmente concluiré diciendo qué LAS HERMANAS VALS es una interesante propuesta escénica, la cual se presenta en el Teatro “La Capilla, con funciones en días sábados a las 18:00 horas.

CLUE, El juego de la sospecha.

POR: Dalia De León Adams

 

¡Sí es posible y ya está aquí!

 

Así es como se expresaron dos grandes del teatro, es decir Morris Gilbert y Gerardo Quiroz. Dos importantes productores quienes durante años han logrado consolidar importantes éxitos en la industria teatral con sus espectaculares puestas en escena las cuales gracias a su gran visión y trabajo arduo, aunado a la integración de equipos de trabajo en todos sus rublos de gran calidad y talla, han logrado mantener su obras en cartelera por largos periodos, gracias también  al reconocimiento y agrado del público espectador.

Son dos grandes productores teatrales. El Señor Morris Gilbert con su “Mejor Teatro” y el Señor Gerardo Quiroz, quienes por primera ocasión están reuniendo esfuerzos y sus talentos, para ofrecer al público el próximo 11 de diciembre, una obra que promete colocarse en el gusto del público.

Evidentemente se trata de la puesta en escena “CLUE, el juego de la sospecha”, la cual está programada contar con numerosos reconocidos artistas profesionales. Obra la cual, dicho sea de paso, ya ha sido realizada tanto en formato cinematográfico, como teatral, logrando cautivar al espectador.

Con respecto a lo que será éste musical, se comenta la siguiente aseveración en el Kit de Prensa para dar a conocer públicamente aún más información, en la que se incluyen los siguientes párrafos textuales:

-“Se trata de ”CLUE, El juego de la sospecha” que de la mesa de entretenimiento salta ahora al teatro en una puesta en escena enloquecidamente divertida, en la que se entrelazan misterio, intriga, comedia, ingenio, investigaciones, y muchas sorpresas que Morris Gilbert y Mejor Teatro presentará a partir del 11 de diciembre en el Teatro Centenario Coyoacán.

Basada en el mundialmente popular juego de mesa de Hasbro, CLUE fue escrita por Sandy Rustin, a partir del guion de Jonathan Lynn, de la película de Paramuount Picture. El material adicional es de Hunter Foster y Eric Prince.

Se trata de una superproducción, en la que los espectadores se sumergirán en el mundo de “CLUE, El juego de la sospecha” y vivirán con los conocidísimos personajes la aventura de descubrir al culpable del crimen que acaba de suceder.”

En Rueda de Prensa los dos Productores Generales, Morris Gilbert y Gerardo Quiroz se presentaron para hablar de varios de los pormenores del próximo estreno en El Teatro Centenario Coyoacán, surgido desde el 2018 por éste último.

También se dio a conocer el gran número de actores y cantantes, los cuales a-priori fueron seleccionados para finalmente reunir a 22 artistas, quienes se presentarán en escena en ésta interesante Revista Musical, que promete ser un éxito, por lo que logramos ver.

El elenco también fue reunido y presentado uno por uno, con base de una serie de pistas para que los periodistas los fuéramos descubriendo e identificando; reparto estelar conformado por Adriana del Río, Ana Sofía Quintanilla, Arturo Echeverría, Carla Medina, Carlos Pulido, Daniel Bretón, Diego Cossío Vega, Diego Llamazares, Elsy Reyes, Ervey Ortegón, Fer Villa, Jorge Escandón, José Ramón Berganza, Juan Cristóbal Castillo, Laura Jerkov, Leslie Martínez, Luis Fernando Zárate, Luis Koellar, Melina D’Angelo, Melissa Hallivis, Rebeca Manríquez y Tanya Valenzuela.

De igual modo estuvieron presentes durante la Conferencia de Prensa, el Director Escénico a quien le cedieron la palabra, es decir, el Señor Rafael Maza, así como los Productores Ejecutivos, Pamela Vidal y Francisco Escárcega.

 

CLUE, El juego de la sospecha iniciará funciones a partir del día 11 de diciembre 2024, en el Teatro Centenario Coyoacán.

 

LOS AYALA

POR: Dalia De León Adams

 

El día de ayer miércoles 12 de noviembre inició temporada la obra teatral LOS AYALA en el Centro Cultural El Circulo Teatral. Es una espléndida dramaturgia escrita por Omar Ávila la cual también se dio a la tarea de producir. Con respecto a su trayectoria artística se sabe sobre él, lo siguiente:

-“Egresado del Centro Cultural Virginia Fábregas, con estudios en Producción de Espectáculos Escénicos en el INBAL y de Dramaturgia en el Instituto Cultural Helénico. Ha producido obras como BEAUTIFULL STRANGERS, ¡SÍ WEY! TODO BIEN, LA CULTA, RELATOS DEL PERRO AZUL,  y, EL ARTISTA DEL VACÍO. Destaca su participación en dramaturgias contemporáneas organizadas por el Centro Cultural Helénico con su obra breve MI EURIDICE.”-

La producción de LOS AYALA como a-priori he mencionado, está bajo su cargo, y en coproducción con Iván Molo, quien funge como actor dentro de la misma obra, dándole vida al personaje de Braulio, un joven con problema congénito del Asperger,  (tipo de autismo que está catalogado como un desorden mental, pero no es una enfermedad, el cual se detecta en la etapa escolar).

Braulio es el hermano menor de LOS AYALA quienes acaban de perder a su padre, víctima de una enfermedad, mientras éste permanecía hospitalizado. Hecho que hará reunirse a los tres hermanos AYALA (Braulio, Bosco y Baruch) quienes se reencuentran en el funeral.

-“Braulio inició sus estudios en los talleres de actuación de Patricia Reyes Espíndola, es egresado del CEFAT en TV Azteca. Ha participado en series como BRONCO, SUPERTITLÁN, EL SEÑOR DE LOS CIELOS, DRA LUCÍA, ROSARIO TIJERAS, LO QUE LA GENTE CUENTA, UN DÍA PARA VIVIR, LO QUE DICE EL DICHO, LA JEFA, entre otros. En cine lo podemos ver en la película EL GUAU, y cortometrajes como DÍA 1, CAJITA y EL SHOW DE ZIGGY. Teatro en Breve, fue otro de sus primeros pasos en el medio teatral haciendo tres temporadas en La Casa del Indio Fernández con NUESTRA ÚLTIMA NAVIDAD, ARTÍSTAS ANÓNIMOS y, RONI , con Sagrado Producciones. Ha participado n la puesta en escena EL ARTISTA DEL VACÍO y en RELATOS DEL PERRO AZÚL.

A manera de Sinopsis de ésta dramaturgia, en el Kit de prensa se expresa la siguiente aseveración sobre la trama que contiene la obra LOS AYALA:

-“Tras la muerte de Don Benicio, patriarca de LOS AYALA, sus hijos Baruch y Braulio tienen que lidiar con esta repentina ausencia. Al funeral llega su hermano Bosco, quien se ha distanciado de la familia durante cinco años. Los tres recordarán los momentos más significativos que pasaron al lado de su padre, pero también aquellos que los alejaron, y revalorarán el significado de la familia y la hermandad. Esta es una obra sobre pérdidas, superación personal, la familia  y la fraternidad.”-

El actor Moisés Araiza (también cantante egresado del CEA quien se está consolidando su carrera principalmente en Teatro Musical)) realiza el rol de Baruch, el hermano mayor, quien las circunstancias le hacen sentirse responsable de sacar adelante a sus dos medios hermanos (Bosco y Braulio), mediando con respecto a lo que fuera la herencia del padre, quien ha dejado dinero, y dos propiedades, entre otras pertenencias.

Bosco (caracterizado por el actor Miguel Sandoval, egresado de la Escuela Nacional de Arte Teatral, el ENAT, quien cuenta ya con una muy interesante trayectoria como actor) es el hermano intermedio. Un chico homosexual que ha tenido que abandonar el hogar paterno, tras de una gran golpiza que le propinara su padre enviándolo al hospital, al enterarse sobre su preferencia sexual.

LOS AYALA bajo la gran dirección escénica del maestro Alejandro Zermeño, es una historia llena de diversos matices y gamas actorales, que los tres jóvenes talentos logran interpretar con gran naturalidad, arrancándole las lagrimas al público espectador, así como haciéndole reír, asombrarse, e incluso, indignarse.

LOS AYALA se presenta los días miércoles a las 20:00 horas hasta el 11 de diciembre 2024, en El Circulo Teatral. 

 

¡Casi por concluir! PIC-NIC

POR: Dalia De León Adams

 

¡Siempre renovada!

 

 

En algunas ocasiones se escucha algunas frases que parecieran tan sólo ser rumores, como el hecho de afirmar qué cada función teatral, es diferente, o el que, frecuentemente los actores terminan por encontrar su personaje, y lograr sentirse bajo su piel, casi en las últimas funciones.

Ambas aseveraciones son ciertas. Esto se hace evidente en la puesta en escena de PIC-NIC, en donde sus actores abren cada vez más su corazón al interpretar sus personajes, como lo hizo saber su directora artística, la Señora Marta Luna al finalizar la función de ayer.

Los actores en el escenario van haciendo suyas las caracterizaciones, logrando entrar en la psiquis de los personajes al ser interpretados, conmoviendo al público  espectador.

Sólo me queda decir al respecto que éste montaje escénico cuenta con cuatro actores dee gran talla histriónica, como lo son Alberto Estrella, David Hevia, Ainé Martelli y Víctor Manuel Carpinteiro.

PIC-NIC cuenta con un texto que es la antítesis de un conflicto bélico, en donde la candidez, solidaridad y buenos principios que perfilan a los personajes, se imponen ante la crueldad de las situaciones cruentas, que presenta todo conflicto bélico.

Su dramaturgo es el español Fernando Arrabal tras del osccurecimiento que significó la Segunda Guerra Mundial, escribiría empero su obra PIC-NIC con tintes del teatro de absurdo, gestado por Eugen Ionesco, presentando situaciones inverosímiles y absurdas, que se manejan dentro del estilo muy antípoda a la realidad, mostrada en el teatro convencional, pero bajo un halo ezquicito de comedia.

A manera de sinopsis, la cartelera teatral presenta el siguiente párrafo textual, al respecto de la parte medular de la trama o historia a tratar:

-“Los padres de un soldado de guerra deciden pasar “un día campo” con su hijo que está en el campo de batalla. Durante la comida tratan temas cotidianos y de la guerra con su hijo y un soldado del bando enemigo.

En ésta obra se expone la sin razón de la guerra, el absurdo de la misma, el miedo, la desesperanza, la ignorancia, la soledad y la muerte en un contexto simultáneo de horror y humor.-“

Pese a la temática cruenta a tratar, la obra intitulada PIC-NIC también es de índole fársico, en tanto a la manera en que su autor presenta las situaciones tanto  de conflicto, como de educación, de permisibilidad y de trato familiar, así como entre los soldados, bajo un tono de humorismo negro, matizando a los personajes con un dejo extremo de ingenuidad y candidez.

 

Con nuevos elementos escénicos y un tanto renovada por la directora Marta Luna, casi concluye su temporada de representaciones de PIC-NIC en el Centro Cultural El Círculo Teatral (Avenida Veracruz 107, colonia Condesa, Alcaldía Cuauhtémoc, CDMX).

MAYO

POR: Dalia De León Adams

 

Un viaje de exilio, imaginación y pasión por la lectura.

 

Recientemente se estrenó la puesta en escena “MAYO: un viaje de exilio y pasión por la lectura”. Es una interesante dramaturgia perteneciente al género surrealista, colorida y muy visual, que conjuga el texto con la música y la danza contemporánea.

Una puesta en escena para toda la familia que tiene como objetivo el incentivar a la audiencia tanto joven como infantil por el gusto a la lectura, partiendo de la premisa de que a través de los libros se incentiva la imaginación llevando a través de ésta, por rumbos maravillosos e inesperados.

MAYO es una dramaturgia de Sandra Rosales y Claudia Guerrero muy bien escrita y estructurada, la cual se presenta en el Foro La Gruta, del Centro Cultural Helénico, bajo la dirección coreográfica de Víctor Ruíz, quien por cierto es el Coordinador de la compañía “Delfos Danza”.

Obra teatral  musicalizada en vivo, la cual presenta bonitos trajes coloridos múltiples que hacen sentir al espectador, dentro de un sueño, por su trama un tanto de trasfondo filosófico y mágico, en donde el tiempo, los sueños, las iluciones, las preguntas y respuestas, se convierten en personajes.

La trama fue inspirada en la migrante María Macedo (MAYO) quien fuera exiliada en nuestro país corriendo el año de 1917. Momento que las escritoras utilizan como referente dentro de su dramaturgia, llevando de la mano al público a vivir algunos momentos en lo que fueran los albores del siglo pasado, con la reciente invención de la radiografía y sus exitosas radionovelas.

-“¿Te imaginas de pronto, tener que huir de tu país porque tu vida y la de tu familia están en peligro? A través de danza, teatro, música en vivo y literatura, este proyecto con coreografía de codirector artístico de Delfos Danza, Víctor Ruiz, invita a reflexionar sobre temas como el exilio, la identidad, el amor a los libros, la pasión por a lectura y la posibilidad de crear múltiples universos con la imaginación.

MAYO es una niña de 7 años que vive en 1917. Una noche sus padres le dicen: “Toma tus cosas, tenemos que irnos”. Con prisa ella toma su muñeca favorita, un pequeño baúl con tres libros, una radio y aborda un barco. A partir de ese viaje, descubrirá su pasión por la lectura, sumergiéndose en un mundo de fantasía. Junto a personajes como secretos, Memoria y Sueños, MAYO vivirá una aventura inolvidable que la llevará a auto descubrirse, a perdonarse y a buscar respuestas a sus preguntas más profundas.

La pieza se basa en la historia real de María Macedo, a quien cariñosamente llamaban MAYO. La inspiración vino de la biblioteca de mi abuela. Vi sus libros y pensé en lo lindo que sería documentar y transmitir todo lo que estaba encontrando, entonces se me ocurrió hacer una obra de teatro que contara su historia y por qué el exilio fue tan importante para que ella amara la literatura, ya que los volúmenes de su acervo son muy diversos, en distintos idiomas y de diversos países” comenta Claudia Guerrero.”- (nota del Kit de prensa).

El elenco está formado por Inés Buxadé, Patricia Marín, Ana Paula Ricalde, Jonathan Alavés, Mauricio Rico, Mario Gómez Villareal, Irma Sánchez Gutiérrez y Edwin Calderón. Todos ellos bajo la dirección artística de la misma Claudia Guerrero.

 

MAYO se presenta en el Teatro La Gruta, del Centro Cultural Helénico, con funciones los días sábados y domingos a las 13:00 horas, hasta el 15 de diciembre 2024.

 

JUAN Y JULIA NUNCA SUPIERON CÓMO

POR: Dalia De León Adams.

 

La Compañía Nacional de Teatro (CNT) actualmente está representado la obra teatral JUAN Y JULIA NUNCA SUPIERON COMO en el Teatro Julio Castillo del CCB. Es una obra del dramaturgo Juan Carlos Franco, quien basa su adaptación en el texto “Förken Julie” (La señorita Julia) escrito por August Strindberg (en 1888). b

-“Joan August Strindberg (1849-1912) fue un escritor y dramaturgo sueco. Considerado como uno de los escritores más importantes de Suecia y reconocido en el mundo principalmente por sus obras de teatro, se le considera el renovador del teatro sueco y precursor o antecedente del teatro de la crueldad y teatro del absurdo.-“

Bajo la espléndida dirección escénica de Daniel Giménez Cacho, ciertamente la obra teatral intitulada en español JUAN Y JULIA NUNCA SUPIERON CÓMO mantiene ciertos elementos del Teatro de la Crueldad, el cual por cierto fuera más representado por Antonin Artaud, ante la manera violenta de imponer escenas, como premisa.

Elementos que en el caso de la propuesta de Juan Carlos Franco, mantienen dicho estilo genérico al representar tanto la pasión, como la manera de abordar la forma de relacionarse entre cada uno de los personajes a interpretarse en éste drama.

Por otro lado, también es una obra matizada por ciertos rasgos del Teatro del Absurdo que August Ionesco posteriormente representara perfectamente; género al cual denominara anti-teatro, o Teatro No Convencional, si consideramos la usanza secular del cómo se escenificaba en aquel entonces.

JUAN Y JULIA NUNCA SUPIERON CÓMO es una dramaturgia que presenta algunos rasgos o elementos del teatro vanguardista naturalista, en el sentido en que los diálogos se estructuran con una sinceridad inusual, pues socialmente, frecuentemente se propone una máscara de hipocresía al tratar ciertos temas, y sobre todo al representar ciertas situaciones como lo son las de índole sexual, que hoy en día no tienen tapujo alguno, pero que secularmente, a su autor August Stringbert le convirtió en un escritor un tanto “osado”.

El elenco estelar esta formado por Nara Pech, Cecilia Ramírez Romo y Alan Uribe Villareal quienes logran matizar perfectamente las situaciones que caracterizan a sus personajes, con gran histrionismo escénico.  El lenguaje que utilizan, presenta frases altisonantes, y la vestimenta que portan es a la usanza secular, pero no así la música ni la manera de bailar.

En cuanto a la forma de representar la escena sexual, es propuesta por su director Giménez Cacho con gran acierto y maestría, al realizarla bajo la ausencia de luz; momento en el cual los diálogos entre los amantes se pronuncian de manera muy efusiva, logrando dar el tono de pasión al extremo, aunado al uso de la violencia sugerido en el texto.

-Julia, la hija del señor, decide quedarse en la finca a celebrar el Año Nuevo con los criados. La embriaguez y la tensión sexual la llevan a una constante danza con Juan, el sirviente de su padre. ¿Qué les queda a aquellas y aquellos que han desafiado las estructuras morales que los constituyen?-“ (nota textual en cartelera teatral).

Finalmente comentará qué JUAN Y JULIA NUNCA SUPIERON CÓMO es una puesta en escena muy bien lograda, cuyo referente se sugiere en los albores del siglo XX, en cuya finca vive una familia venida a menos, cuyo padre, aún cundo nunca aparece en escena, siempre está presente en los recuerdos y en las acciones cometidas por los tres personajes protagónicos de JUAN, JULIA y una CRIADA. Así se representa un triángulo formado por desamor, soledad, rivalidad, acuerdos y desacuerdos, en donde la pasión, es el detonante de una tragedia por contar.

 

JUAN Y JULIA NUNCA SUPIERON CÓMO se presenta en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque, de jueves a domingos.

BUENOS MUCHACHOS

POR: Dalia De León Adams

 

Es una puesta en escena cuya dramaturgia está a cargo de Héctor Suárez Gomíz, quien muestra nuevamente su etapa como escritor, haciendo alarde de tener buena pluma, como se dice en el medio literario en donde ha incursionado con varios libros físicos de su autoría.

Constituyen algunas de sus obras “GRACIAS PAPÁ, Una historia de (Humor) AMOR”, “El pelón de los anillos” y “El pelón en los tiempos de cólera”, siendo ésta última la cual está por presentarse en formato de dramaturgia, en el Nuevo Teatro Versalles, el 19 de noviembre.

Recordemos que Héctor Suárez Gomíz creció dentro de una afamada familia en la cual su padre Héctor Suárez, se consagró como uno de los mejores hacedores de comedia, además de consolidarse como un ícono de la cinematografía mexicana,  teniendo como madre a Pepita Gomíz (actriz y conductora) quien fuera una de las pioneras de la televisión educativa en nuestro país, y una tía muy docta, cuya influencia incrementó en Héctor Suárez Jr., su amor por el saber y la cultura.

Hoy en día Héctor Suárez Gomíz y Juan Soler Vals, juntan talentos interpretándose a sí mismos, en una propuesta escénica intitulada BUENOS MUCHACHOS cuyo autor, como a priori he mencionado, es el mismo Héctor Suárez Gomíz, quien además dirige ésta peculiar puesta en escena llena de matices, en la cual Usted podrá presenciar lo que es una conversación entre dos hombres talentosos, que les une, una gran amistad.

Dentro de la trama se descubre a dos hombres cultos, quienes hablan sobre diversas temáticas, tanto de la cinematografía, como de pintura, de obras literarias y por supuesto de algo de música. Así sale a colación Pablo Picasso, Jorge Luis Borges, Quentin Tarantino, y Robert Zemeckis, Brad Pitt, e incluso el científico Albert Einstein.

Temáticas que incluyen a manera de conversación dentro del texto, y que los interpretes de la obra matizan con una naturalidad, sencillez y un toque de humorismo que hacen que el texto termine  de  posesionando a la narrativa, dentro del género de la comedia.

-“Dos amigos, un escenario y el valor para interpretarse a sí mismos. Dos actores se reúnen para escribir la mejor historia que podrían escribir… ¡La de sus vidas! La vida imitando al teatro y el teatro imitando a la vida.”- (nota textual de la sinopsis de la obra en cartelera).

Por otro lado, es bien sabido qué el actor Juan Soler Vals oriundo de Argentina, a partir de 1991 se posesionó principalmente dentro de la industria televisiva en “Canal 2”, “Cadena Telemundo” e “Imagen”, en donde ha incursionado en diversos roles protagónicos, y recientemente como conductor de televisión.

JUAN Y HÉCTOR son dos galanes exitosos, quienes unen esfuerzos y talentos que se hacen evidentes en el montaje escénico BUENOS MUCHACHOS. Obra teatral realizada en un cuadro escenográfico y un solo tiempo escénico de aproximadamente 90 minutos, en el que se muestran varias fotografías de ambos actores desde pequeños, con algunos de su familiares más cercanos; montaje en donde podemos apreciar además el colorido de voz que posee Héctor Suárez, que le hizo grabar tiempo atrás, dos discos.

¡Y bueno! Como finalmente, como se puede leer en el Kit de prensa, para cerrar de manera un poco chusca la nota de ésta obra teatral:

¿Qué podría salir mal, si finalmente, de Soler, Gomíz y loco, todos tenemos un poco… ¡Y ellos son BUENOS MUCHACHOS!

 

La obra BUENOS MUCHACHO se presenta en el Teatro Virginia Fábregas (calle Joaquín Velázquez de León 29, colonia San Rafael) bajo la producción de Miguel Briones y de la mano de Héctor Suárez Gomíz, ofreciendo funciones en los días sábados a las 18:00 y 20:30 horas, y domingos a las 18:00 horas.

 

JUSTO DONDE SE ROMPE EL ALMA. Con Eduardo Córdoba.

POR: Dalia De León Adams

 

Los Abraham y Caracoles Teatro están presentado en el Centro Cultural “El Hormiguero” (ubicado en la calle Gabriel Mancera 1539, colonia del Valle)  la obra teatral JUSTO DONDE SE ROMPE EL ALMA cuyo texto está escrito por el dramaturgo español Marco Magoa.

Es una obra que fuera escrita a petición de la Embajada Estadounidense, cuya temática surgiera en torno a los migrantes del Cairo, quienes inmigraran en los Estados Unidos con la mira de poder obtener mejores condiciones económicas, sin caer en la cuenta en lo difícil e inhóspito que resulta establecerse y la Endo culturización, en tierras extranjeras.

En entrevista con el director escénico Eduardo Córdoba, quien comentara dichos pormenores de ésta puesta en escena, narraría qué tras conocer al dramaturgo español Marco Magoa, propuso traer su texto, para ser escenificado en nuestra Ciudad de México.

Habló también respecto a algunos pequeños cambios, que sufrió la obra al  ser adaptada, como fuera el caso del inicio de la representación teatral, en el cual dos jóvenes mexicanas (en el original oriundas de la República Dominicana) tras de acudir a un museo en New York y mirar uno de los cuadros de Henry Matiz, dan pie al desarrollo de ésta interesante obra teatral.

La puesta en escena como he mencionado a-priori se encuentra a cargo de la dirección de Eduardo Córdoba, un joven talentoso y entusiasta quien presenta como reparto estelar a los actores, Tania Noriega, Joselyn Amaya, Claudia Coa, Ernesto M. Agraz y Luis Ernesto Verdín, fungiendo él mismo también como actor.

Le comento qué: -Eduardo Córdoba es un actor, productor, dramaturgo y director, con gran visión en la dirección teatral. Estudió actuación en CasaAzul Artes Escénicas ARGOS. Ha tomado diferentes talleres para reforzar sus estudios tales como “Actuación Técnica Lucid Body” con Fay Simpson en Nueva York, de actuación impartida por Christian Magaloni, “Meisner Technique” impartido por Steven Ditmyer

Además tiene gran experiencia como director de escena, como productor y post-productor de la Compañía “Los Abraham”, así mismo en obras como “Vida”, “Latentes”, “Los favoritos del Porter”, entre otras más recientes, como ”Números imaginarios” y “El Proceso”. (nota textual del KIT).  

Próximamente formará parte de la Telenovela “La Historia de Juana” producida por la Compañía Televisa Univisión, pero ahora hablaremos de la obra teatral JUSTO DONDE SE ROMPE EL ALMA, en donde está por concluir.

Es una obra con una narrativa muy ad-hoc a la problemática que enfrentan los indocumentados hoy en día, quienes emigran rumbo a otros países, que en el caso de ésta propuesta escénica, es rumbo a Los Estados Unidos de Norteamérica.

La dramaturgia expone situaciones que si bien, contienen elementos de ficción, envuelven en términos generales un problema que viven en carne propia muchos grupos raciales o etnias minoritarias, como es el caso del autor Marco Magoa, cuya familia emigrara a Egipto.

JUSTO DONDE SE ROMPE EL ALMA tiene un referente tanto en El Cairo, como en los EE.UU, justo corriendo el año 2016, cuando se escribiera la obra, por lo que el diseño del vestuario es contemporáneo, iniciando con una vestimenta tipo beduino, para dar paso a la vestimenta actual y rudimentaria, que utilizan los trabajadores de la época actual.

Los detalles a cuidar en los distintos rublos del montaje escénico, son significativos, y acordes a la propuesta del texto a tratar, y la técnica propuesta por su director escénico Eduardo Córdoba es en base al “Lucid Body” creada por la estadounidense Eugene Simpson, quien propone como prioritario en la actuación, el lenguaje corporal.

Esto y más Usted puede apreciar en la obra teatral JUSTO EN DONDE SE ROMPE EL ALMA cuyas funciones concluirán el próximo día 16 de noviembre del año en curso 2024, en Centro Cultural “El Hormiguero” (Calle Gabriel Mancera 1539, Colonia del Valle, CDMX) Jueves y Viernes a las 20:00 horas.

 

 

PIC-NIC

POR: Dalia De León Adams

 

Continúa posesionándose en el Circulo Teatral la puesta en escena PIC-NIC, bajo la dirección escénica de la Maestra Marta Luna. Puesta en escena bajo un toque de obra farsica, la cual por su tratamiento narrativo, bien puede pertenecer al teatro del absurdo gestado como una variante antípoda al teatro convencional, denominado “antiteatro” por Eugen Ionesco(1912-1994).

Rasgo que su mismo autor Arrabal le infiere, en el sentido que dibuja una manera nada convencional ni real con la manera de enfrentar la guerra, introduciendo además a una familia en el campo de guerra, para realizar un PIC-NIC.

Elementos que estructuran a ésta obra teatral, configurándola además como una comedia, pese a la temática que comúnmente se muestra muy cruenta, cuando se aborda la temática de un conflicto bélico.

Empero éste montaje escénico resulta muy divertido, además de contener diversos elementos a considerar, como el hecho de tener excelentes actuaciones, la interpretación de piezas musicales cantadas, y en otro momento escénico bailadas, como en el caso del Lago de los Cisnes de Tchaikovski interpretada de manera chusca por el actor Alberto Estrella, quien empero logra pararse de puntas.

Sumando además otros elementos como la introducción de frases en alemán por parte del Maestro Hevia, dado a que se insinúa el referente dentro del conflicto Nasi.

Muy bien estructurado el texto, el cual tiene como referente un suceso bélico que empero, se muestra de una manera amable, con dejos de humorismo negro, gracias a la pluma de su dramaturgo, quien presenta una obra que da un giro a un drama, configurarlo en comedia.

PIC-NIC está escrita por el dramaturgo español Fernando Arrabal (Melilla, España 1932) en tono farsico que bien puede ubicarse dentro del genero del teatro del absurdo, en cuanto a que aborda una temática cruenta y terrible como es el conflicto bélico, pero bajo matices de amabilidad y dulzura en cuanto al perfil que el autor le infiere a los personajes, lo cual por supuesto, no suele suceder en la realidad.

Ello hace reír al público aunado a algunos elementos actorales de gran calidad histriónica que ofrece el reparto estelar, con sus magníficas interpretaciones al caracterizar a dos soldados y a una pareja que se inmiscuye dentro del campo de batalla con el objetivo de visitar y realizar un PIC-NIC junto con su vástago, quien se encuentra en el campo de batalla.

Alberto Estrella es uno de los protagonistas de la obra, quien destaca por su actuación en este divertido melodrama junto con el gran actor David Hevia. También es de considerar las actuaciones del Maestro Víctor Manuel Carpinteiro y la actriz Ainé Martelli, quienes se presentan con dos jóvenes valores en  la actuación, como lo son Christian Muñoz y Monserrat Ponce.

Actuaciones que ejecuta cada integrante del elenco con gran plástica actoral, e histrionismo escénico, gracias al talento que siempre le ha caracterizado a cada uno de ellos, aunado a la gracia le brinda a su interpretación, al ejecutar algunos números coreográficos.

En cuanto a la temática a abordar, a manera de Sinopsis de la trama, en cartelera anteriormente se mostraba la siguiente aseveración, en cuanto al contenido medular, y que es el siguiente párrafo textual:

-“La obra muestra en género absurdo a un matrimonio que va de visita al frente de la batalla con la intención de vivir un día de PIC-NIC junto a su hijo que se encuentra n la trinchera. Allí aparece un soldado enemigo con el que comparten el día de campo en un clima amistoso.

Sorprendidos descubren que ningún bando desea la guerra y deciden terminar con ella. La ingenuidad de los personajes se rompe cuando la realidad de la guerra desata toda su furia matando sus ilusiones al final de la obra.”-

La dirección escénica se encuentra bajo la tutoría de la maestra Marta Luna, quien propone un sólo cuadro y tiempo escenográfico para lograr dar secuencia y ritmo a ésta peculiar dramaturgia, con un dejo de amabilidad y prestancia, que junto con la labor de todo el equipo creativo, hacen que la puesta en escena se convierta en todo un deleite.

Sobre esta obra teatral se escribiría en una página Web, las siguientes aseveraciones al respecto:

-“Un excelente texto… PIC-NIC de Fernando Arrabal es una obra teatral que denuncia el absurdo de la guerra através de personajes ignorantes e inocentes.”-

-“ Picnic, PIC-NIC o Picnic en el campo de batalla es una obra escrita por Fernando Arrabal con un largo proceso de creación entre 1952 y 1961. 1952 siendo la fecha que propone el autor para una versión “cero” en la obra y 1961 siendo el año en donde se publica PIC-NIC en el segundo volumen del Teatro de Arrabal.(1) La obra tal y como lo trata de representar Arrabal, es un claro alegato contra la guerra. En la actualidad se sigue representando en todo el mundo para evidenciar lo absurdo de la guerra sorda según las palabras del propio autor.(1)”_

Al respecto del autor, en términos generales le comentaré lo siguiente: -“Fernando Arrabal Terán es un dramaturgo, poeta, novelista, cineasta y creador plástico español radicado en París desde 1955. Con Alejandro Jodorowsky y Roland Topor fundó en 1962 el Movimiento Pánico. (nota en la Internet)

La puesta escénica de PIC-NIC en el Centro Cultural “Círculo Teatral” tiempo inicialmente se había presentado a manera de lectura dramatizada bajo la dirección escénica de la maestra Marta Luna, y posteriormente sería presentada en forma como obra teatral en el mismo Foro, ofreciéndose desde entonces una magnífica versión, en donde la música y la coreografía son un plus dentro del montaje.

-“En esta obra se expone la sin razón de la guerra, el absurdo de la misma, el miedo, la desesperanza, la ignorancia, la soledad y la muerte en un contexto simultáneo de horror y humor.

El autor Fernando Arrabal realiza una crítica mordaz del entorno, tomando como escenario una trinchera. Convierte un hecho tan cruel como la guerra, en un espectáculo donde acusa lo terrible de este acto.”- (Fracción de una nota crítica, publicada anterior

 

PIC-NIC hoy en día se presenta durante todo el mes de noviembre, en el Circulo Teatral, hasta el día 3 de diciembre con funciones los días martes a las 20:30 horas.

 

¿QUÉ GUARDAS EN TÚ MOCHILA?

POR: Dalia De León Adams.

 

*Sentimientos por guardar*

Y no, necesariamente dentro de una mochila.*

 

Dramaturgia de Ginna Narváez, puesta en escena bajo su propia dirección, la cual tiene como reparto estelar a Jhovardy Vences, Daniela Plaza, Emilio Bastré, Erudi Minero y Alejandra Villarruel. Se trata de una divertida obra teatral infantil que acaba de iniciar su temporada en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico.

-“Ian y Cora, estudiantes de la Escuela Secundaria Atéles, ejercen a diario acoso y abuso a sus iguales. Los ataques de este dúo generan situaciones de enredos que acaban involucrando a inocentes. Zaire, uno de los compañeros de aula, es el que más sufre estos maltratos, lo que pone en riesgo su permanencia en la escuela.

Esta experiencia dará un giro inesperado a su vida y a la dinámica propia de la escuela, cuando descubra lo que los demás estudiantes guardan en sus “mochilas”. (párrafo textual expuesto en la cartelera teatral).

Se trata de una obra teatral perteneciente al género de ciencia ficción en el cual los sentimientos y emociones y acciones de aprecio se pueden guardar, tal y como son los abrazos, los besos,  las caricias,  y además o incluso, el silencio, el poco afecto o la desilusión. ¡Todo bien puede caber en una “Mochila”!

Se trata en realidad de una obra de denuncia. Denuncia hacia el abuso en que son sometidos muchos niños y jóvenes, o incluso adultos maduros o ancianos dentro de la propia familia, o bien, en cualquier ámbito.

En el caso de ésta dramaturgia escrita como a-priori he mencionado por Ginna Narváez, el enfoque es el medio escolar, dentro del cual señala gráficamente con un ejemplo de ficción, el abuso ejercido dentro de las instituciones educativas. Abuso que en la actualidad se traduce como “BULLING”.

Y ¿qué se entiende realmente hoy en día por dicha palabra, utilizada desgraciadamente tan frecuentemente? Según el diccionario de la lengua española se le otorga el siguiente significado:

“-BULLING es una forma de violencia psicológica o física, que se manifiesta a través de comportamientos agresivos repetidos hacia otra persona. El objetivo es humillar, amenazar o intimidar a la víctima, y puede incluir la agresión o el hostigamiento.”-

Y sería por éste motivo que tras de concluir la función, los actores se acercaron a su público para  comentar que se trata de una situación problemática recurrente la cual no se debe permitir, de ninguna manera, por lo cual propusieron la denuncia de dichos casos a instituciones competentes, mencionando además la manera como inicialmente deben ser tratados, tanto la víctima, como el victimario.

De dicho modo el teatro cumplió uno de sus cometidos, y que es el de además de cultivar, divertir e  ilustrar, el ¡Servir a la Sociedad!

La obra infantil ¿QUÉ GUARDAS EN TÚ MOCHILA se presenta los días sábados y domingos a las 13:00 horas en el Centro Cultural Helénico.

 

 

LA TIENDITA DE LOS HORRORES

POR: Dalia De León Adams  

 

*Cautivos por una planta.* 

 

EL PRODUCTOR JUAN TORRES presenta una revista musical colorida e interesante bajo el libreto y letra del estadounidense Howard Ashman y la música de Alan Menken, en donde aparecen cantantes, coreógrafos y actores que dan vida a una emotiva comedia de terror.

-Un musical de ciencia ficción de Broadway y Hollywood. LA TIENDITA DE LOS HORRORES ha devorado los corazones de los espectadores  durante más de 35 años.

Seymuor, quien trabaja en una florería se topa con una nueva especie de plantas que llama “Audrey 2°”. La tienda se vuelve la sensación en la ciudad. Esta planta carnívora con mala boca promete fama y fortuna sin fi a Seymour, siempre y cuando siga alimentándolo con sangre. Sin embargo, con el tiempo Seymour descubre las intenciones malévolas de ésta temible planta. (nota en cartelera teatral).

LA TIENDITA DE LOS HORRORES es una interesante propuesta escénica muy bien dirigida por el Señor  Ricardo Díaz,  que si bien, contiene un texto de ciencia ficción, en donde el plan de poderío de una planta por propagarse por todo el mundo y poseer a la humanidad mediante su ingesta, no constituye evidentemente  una realidad, empero lo que sí lo es, es el significado que se denota ante una segunda lectura que esta puesta en escena, la cual contiene de manera implícita, y que es, la de concientizar acerca del inminente peligro que toda “propuesta de enriquecimiento fácil”.

Es decir que la trama a manera de consigna, propone poner atención hacia el enriquecimiento ilícito, pues el pago por ello, podría ser realmente de vida o muerto. Y aunque el texto de ésta dramaturgia de Howard Ashman tiene tan sólo un contenido de ficción, empero lleva implícitos elementos que en la vida real se deben considerar, tal y como lo es también, el abuso constante hacia las personas subordinadas, y/o el maltrato físico y verbal hacia la mujer.

Dentro del montaje escénico de LA TIENDITA DE LOS HORRORES participa un gran elenco conformado por Chantal Andere, Lorena D’ La Garza/ Lucero Mijares, Oscar,  Acosta Juan Fonsalido, Sergio Jurado, Jair Campos, Crisanta Gómez, Felipe Álvarez, Scarlet Chico, Pablo Rodríguez, Enrique Maddox, Leonora Enríquez, Itzel Gaitán y Alexa Hidalgo, todos ellos participando en los números musicales, para deleite del público asistente.

Acerca del autor de éste musical se sabe que fue un libretista estadounidense. Howard Elliot Ashman nacido en Baltimor en 1950-1991 quien realizara sus estudios en la Universidad de Boston, y en Goddard Collage, en los Estado Unidos. Colaboró en algunos largometrajes y en animaciones con la empresa Disney. (Murió a los 41 años víctima de las complicaciones del VIH).

 

LA TIENDITA DE LOS HORRORES bajo la producción del Señor JUAN TORRES se presenta de viernes a domingos en el Teatro Hidalgo.

 

LA DESILUSIÓN DE LA ILUSIÓN

POR: Dalia De León Adams

 

*Reflexión sobre la magia que existe

en la manera de ver y entender al mundo.*

(La compañía)

 

Teatro, magia y música en vivo, además de mucha diversión, son los elementos que integran ésta puesta en escena en la cual un mago, cuyo padre y hermano ejercían la misma profesión, cuenta su historia en la cual existe un toque de romance, anécdotas familiar, comentarios acerca de la muerte de la abuela, el encarcelamiento de la madre, y en fin, una serie de situaciones que mediante el monólogo se convierten en chuscas.

Le comento qué los elementos de ésta trama empero, hacen que la obra contenga algunos aspectos de la técnica clown, sin llegar a realmente serlo, pues la narrativa hace que la presentación tenga más peso escénico, como comedia.

Y aunque existe una historia a presentar dentro del texto, también se presentan algunos bellos números de magia los cuales en algunos momentos escénicos son compartidos con el público, creándose una atmósfera de interrelación con éste, quien participa activamente.

Por otro lado el juego de iluminación a cargo de Alfredo Márquez, tiene un papel importante para dar mayor peso y efecto a cada número por presentar dentro de la historia, narrada por el joven mago, quien a manera monólogo, va contando poco a poco sucesos de la historia del personaje protagónico.

Es una trama escrita bajo la dramaturgia y la dirección a cargo de Carlos Rentov y Javier Rendón Tovar, cuyo monólogo es interpretado espléndidamente por “El Mago Javi Poker”, es decir por el mismo Javier Rendón Tovar, quien con naturalidad y prestancia logra tener una gran conexión con su público, a quien asombra con algunos hermosos números ilusionistas y con la simpatía que le caracteriza.

Acerca de ésta puesta en escena, en boletín de presa se lee la siguiente nota al respecto:

-“Una experiencia donde se rompe la cuarta pared con efectos mágicos en vivo, mientras se explora la humanidad detrás de un ilusionista…

La puesta en escena combina magia, teatro, música en vivo y comedia para adentrar al público en los misterios de la vida de un mago  que, pese a su habilidad para crear ilusiones sorprendentes, busca algo más profundo: su propia magia interna. A través de recuerdos familiares y momentos personales, el protagonista explora ternas como la falta de recursos, las expectativas familiares no cumplidas y el asombro que se va desvaneciendo con el tiempo.

Con una mezcla de comedia física y verbal, el proyecto invita a los asistentes a reflexionar acerca de la vida misma, mientras ríen y se asombran por igual. Mediante trucos sorprendentes y una narrativa emocional, la realidad y la fantasía se entrelazan, enriqueciendo la obra con una dimensión meta-teatral, en la que el protagonista no solo interpreta a un mago, sino que también revela aspectos de su propia existencia mientras realiza su show, creando así un vínculo cercano con los espectadores.”-

La fotografía y el video a cargo de Carlos Rentov son otros de los elementos que hacen posible éste unipersonal, el cual es amenizado con la música en vivo de un guitarrista una percusionista y un ejecutante del contrabajo, quienes son además los arreglistas de la música; ellos son Fores Basura, David Almaga, Carolina Ome Tochtli y Byran Basuro.

 

LA DESILUSIÓN DE LA ILUSIÓN bajo la producción ejecutiva de Edgar Uscanga, se presenta en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico los días lunes y martes a las 20:00 horas hasta el 17 de diciembre 2024.

 

BARBARA TORRES, en la obra MENOPAUSIA

POR: Dalia De León Adams

 

*Su faceta altruista.* 

 

Y quién no conoce hoy en día a la actriz y comediante Barbara Torres. Por supuesto que me refiero a Barbara Ernestina Torres, quien se ha colocado actualmente en el gusto del público. Nació el 11 del mes de abril, de 1971 en El Mar Plata, Argentina.

Más conocida por los televidentes y el público en general, se trata por supuesto de la actriz que da vida al personaje de Excelsa, en el programa “La Familia Peluche”, quien consolidaría su labor artístico el cual despuntó en el año 2002.

Barbara Ernestina Torres, tras de haber efectuado sus estudios en su país de origen en La Escuela Nacional Artística de Drama, se convertiría en profesora de piano, además de haber sido parte de un programa femenino “Mujeres de Carne”, y de trabajar en un Canal Estatal, entre otros proyectos más en los cuales colaboró.

Sin embargo decidiría venir a residir a nuestra Ciudad de México, en donde por cierto, no ha dejado de trabajar, apareciendo en un rol protagónico en la serie televisiva intitulada “Lorenza bebé a bordo” (escrita por ella), junto con el actor Moisés Arizmendi.

Su reciente participación en “La Casa de los Famosos México”, la ha mantenido aún más vigente en el medio artístico. Actualmente escribió una dramaturgia junto con Óscar Rubí, en la cual ella actúa y Oscar Rubí dirige.

Se trata de una de las producciones del Señor Miguel Briones, quien además es el Director General del Nuevo Teatro Versalles, lugar en la cual se presenta la obra MENOPAUSIA en horario de las 20:00 horas, los días jueves.

MENOPAUSIA es una divertida comedia de interés  en especial para toda mujer, cuya temática  la cual mediante la actuación de Barbara Torres, quien hace el papel protagónico de Lucía, el personaje es cuestionado abiertamente por su público, con respecto al tema a tratar.

Consiste en un divertido monólogo que ayuda a reflexionar a las mujeres de toda edad. Con respecto al cambio hormonal que durante dicha etapa se vive, junto con una serie de síntomas y trastornos que afectan tanto el aspecto psicológico, como sexual y conductual.

También es de interés para los caballeros en aras de conocer un poco más sobre las emociones y síntomas que enfrenta la mujer a quien ama; temática que aún continúa siendo un tabú para algunas personas del sexo femenino, y aunque la obra teatral MENOPAUSIA no pretende ser una obra de carácter documental, empero aborda dicha temática, pero de un modo el cual resulta ser por demás, muy divertido.

Durante la función el personaje protagónico interactúa con el público asistente, con una serie de preguntas y respuestas que finalmente concreta, o más bien redondea un actor secundario, quien aparece en el escenario tan sólo por breves minutos.

Le comentaré qué la actriz y comediante Barbara Torres, ha sido también mentora en diversos talleres y masterclasses en el rublo de la actuación, del teatro, y de la improvisación. Actualmente está preocupada y comprometida con la mujeres que presentan la terrible enfermedad del Cáncer de Mama.

Por dicho motivo es que el próximo día jueves 31 de octubre 2024, a las 20:30 horas se llevará a cabo una representación de la obra teatral MENOPAUSIA, con miras a ofrecer todo el dinero recaudado durante dicha función, para ser entregado con la finalidad de que sirva para el tratamiento de algunas de las mujeres víctimas, de dicha enfermedad (cáncer).

En entrevista la actriz Bárbara Torres hizo hincapié de qué en el caso de que, las personas deseen donar dinero a voluntad, sin la intención de entrar a la función, éstas podrán acudir fuera del Nuevo Teatro Versalles, para entregarlo. (Calle Versalles 27-4° piso, colonia Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600).

 

 

HASTA ENCONTRARTE

POR: Dalia De León Adams

 

*Muestra la huella del dolor

que permanece por siempre.*

 

Desgarradora temática a manera de unipersonal la cual aborda la puesta en escena HASTA ENCONTRARTE, original de Vicky Araigo y Nir Paldi, siendo éste último quien dirige la obra teatral, la cual pone de manifiesto la desaparición de personas, los cuales no suelen ser buscados en mayoría por las autoridades locales.

Presenta algunos pormenores que desgraciadamente suelen ser recurrentes entre los desaparecidos, quienes sumen en la desesperación a sus seres queridos, ante la búsqueda mayormente infructuosa, de sus familiares, amigos y a veces conocidos. 

-“Aborda la angustiante realidad de las desapariciones desde el viaje de Alma, una madre que busca desesperadamente a su hija mientras aprende a vivir en un estado de dolor e incertidumbre que también la lleva a desaparecer.-“

HASTA ENCONTRARTE entra en la psiquis del personaje protagónico, convirtiéndose en una obra del género tanto de denuncia, como psicológico. Consiste en un montaje puesto en escena en un sólo cuadro escenográfico, prácticamente vacío, el cual muestra una escalera pegada a un muro al fondo del escenario, junto con tres especie de rocas.

Las escenas trascurren en un constante empleo de retrospecciones y prospecciones temporales, jugando con la temporalidad que no es lineal, sino que presenta arias remembranzas del pasado, vividas por el personaje de Alma, sin mantener una cronología al respecto.

Temporalidad que utiliza la actriz Vicky Araigo con una impecable actuación, para darle coherencia al texto de aproximadamente 100 minutos durante los cuales pasa constantemente de un estado emotivo a otro, armando la historia, a manera de rompecabezas; actriz protagónica  quien como a-priori menciono, es una de sus dramaturgas, quien indiscutiblemente demuestra tener una “gran madera como artista”.

Le comentaré finalmente qué la obra HASTA ENCONTRARTE es una co-producción de Teatro UNAM, “Ad Infinitum” de Reino Unido, y la Compañía mexicana  “El Ingenio Caldero”, siendo ésta última, una Compañía de Teatro Físico con base en Bristol (según ellos mismos se definen) la cual está interesada en evidenciar diversos tipos de injusticias sociales, motivo por el cual se asociaran Nir Paldi y Vicky Araigo.

Y como dato anexo le diré qué es la cuarta ocasión en que la Compañía inglesa, junto con la mexicana, han unido esfuerzos para ser presentada ésta puesta en escena intitulada HASTA ENCONTRARTE (en inglés UNTIL I FIND YOU) recibiendo para ello el apoyo del programa “International Collaboration Grants (2022) of British Council.

 

 

HASTA ENCONTRARTE se presenta con funciones de jueves a domingos en el Teatro Santa Catarina de la UNAM.

LAS MUJERES SON DE VENUS, Y LOS HOMBRES DE Ni MADRES

POR: Dalia De León Adams

 

Alexis Ayala como es bien sabido, es un reconocido actor mexicano-estadounidense. David Alexis Ayala Padró nació en San Francisco California el 9 de agosto de 1965, pero reside en México en donde ha consolidado una gran carrera en el difícil medio actoral.

Sus inicios como actor fueron en Televisa, tras de haber efectuado sus estudios en el Centro de Estudios Artísticos (CEA) perteneciente la misma Compañía Televisora, y tras de haber participado en mi la telenovela Pequeña Soledad junto con la actriz Verónica Castro, obtendría un papel en la telenovela Los Parientes Pobres, al lado de la actriz y cantante Lucero.

Ya en 1999 había obtenido su primer rol protagónico, en “Tres Mujeres”. Desde entonces no ha parado de trabajar principalmente como actor. Y digo principalmente, porque además de ser su vocación, también ha incursionado en el medio artístico como director, productor, e incluso como  empresario.

En especial el sexo femenino le recuerda por su participación en los Espectáculos “Solo Para mujeres”, que fue el primero en su género en nuestra Ciudad, programado para consolidarse como todo un Show.

Espectáculo en donde el requisito era ofrecer un gran espectáculo con hombres jóvenes muy atractivos y agraciados pertenecientes al medio; evento que culminaría en empresas alternas con un giro, siendo el último proyecto que está por salir patentado con marca SÓLO PARA MUJERES, es un exquisito tequila, según comentara en entrevista el mismo Alexis Ayala.

Actualmente entre muchos proyectos más, así como programas ya en el aire, y una telenovela en puerta, el actor Alexis Ayala se encuentra realizando una obra teatral cuyo título es LAS MUJERES SON DE VENUS, Y LOS HOMBRES DE ¡NI MADRES!

Se trata de una divertida obra teatral presentada en el Nuevo Teatro Versalles ubicado en la Ciudad de México, que ha logrado mantenerse en el gusto del público desde hace ya 16 años, siendo el último en el cual tanto Alexis Ayala como su actual esposa Cinthia Aparicio, interpretan los roles protagónicos.

La obra se encuentra bajo la dirección escénica de César Perrón, quien es por cierto el autor de ésta divertida comedia. Cinthia Aparicio junto con Miguel Briones (el Director del Nuevo Teatro Versalles) la están produciendo.

Le comento qué Cinthia Aparicio es una actriz oriunda de Papantla, Veracruz, quien ha participado en programas y series televisivas, tales como “La Rosa de Guadalupe”, “Como dice el Dicho”, o” Ésta Historia me Suena”.

En la obra teatral Cinthia Aparicio y Alexis Ayala personifican a una pareja, la cual suele tener varios de los conflictos más acontecidos por las parejas actuales, por lo que el actor comentara qué el hecho de trabajar juntos en LAS MUJERES SON DE VENUS, LOS HOMBRES DE ¡NI MADRES! ambos como pareja en la vida real, han logrado consolidar una mejor relación.

Ello debido muy probablemente a que la temática a abordar dentro del texto, de alguna manera sirve a ambos sexos a entender los diversos puntos de vista en que se suelen detonar los conflictos, más recurrentes entre las demás parejas, aun cuando éstas no sean heterosexuales, pero que enfrentan las mismas problemáticas al asumir dichos roles, de alguna manera u otra.

De tal modo qué, aún sin tener la pretensión de presentar, por parte de su autor César Ferrón, una obra perteneciente al género documental o informativa, resulta ser ilustrativa, pues los dos actores suelen incurrir en la Psiquis de sus personajes.

Por otro lado le comento qué el autor no intenta imponer, ni sugerir una consigna a seguir con el resultado de su obra, simplemente que al parecer, algunas de las parejas del público asistente a la función, se ven totalmente identificadas con la pareja, o bien, con alguno de ellos.

En cartelera Teatral se ofrece a manera de Sinopsis de la obra, la siguiente aseveración al respecto:

-“Una divertida comedia que aborda aquel tan sonado tema del pensamiento femenino ¿cómo piensan las mujeres?, ¿Será verdad que solo hay que amarlas sin tratar de comprenderlas?, Por qué serán tan insensibles los hombres, que no logran adivinar lo que ellas quieren? Estas y otras preguntas serán respondidas en la comedia más divertida y arriesgada… al menos para los hombres”.-

Usted mismo lo podrá juzgar!

 

LAS MUJERES SON DE VENUS Y LOS HOMBRES DE ¡NI MADRES! Se presenta en el Nuevo Teatro Versalles ubicado en la calle Versalles 27, colonia Juárez (arriba de “El Teatro Silvia Pinal”) los días sábados en doble función de las 18:00 y 20:30 horas.

DON JUAN TENORIO…Y EL PRECIO ES LA VIDA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

*Seductor despiadado.*

 

Excelente montaje escénico presentado por sexta ocasión por la Compañía Teatral “Ágora”. Se trata realmente de una magnífica puesta en escena representada a través del Instituto Helénico, bajo la impecable dirección escénica del maestro Noé Alvarado, quien además actúa.

Contando con aproximadamente treinta actores en escena, quienes muestran su capacidad histriónica al desempeñarse con gracia, naturalidad y algunos elementos artísticos que demuestran de inmediato su preparación en el ámbito actoral.

Todos ellos ataviados (por Adriana de la Peña) a la usanza secular en que se ubica la historia de DON JUAN TENORIO, la cual como un acierto más, es ambientada tanto en el Espacio Romántico del Instituto Helénico en el primer tiempo (dos horas), para posteriormente dar paso al desenlace, dentro de  la hermosa Capilla Gótica (50 minutos) de la cual como un plus, se narra la historia real de su reconstrucción en el espacio que aún hoy en día ocupa esta joya arquitectónica, de la cual gozamos.

Respetando el texto versificado (asesoría de Miguel Morales) original de José Zorrilla la obra se representa como una tradición en nuestro país, como suele suceder en vísperas de las fiestas conocidas como “Días de Muertos”  o de los Fieles Difuntos” en nuestro país.

Bajo la dirección artística de Noé Alvarado se representa la obra teatral, respetando el verso clásico en los diálogos, así como la estructura clásica de la trama, y la presentación de algunos combates de esgrima, a cargo de Claudio Morales.

El elenco esta formado por Diego Thomé, Jorge Garibay, Noé Alvarado, Raúl Romero, Lorena Rodríguez, Esteban Montes, Rodrigo Ferrero, Rosalba Flores, Ricardo Valdivia, Ángel Altamira, Francisco Alexie, Mia Casanova, Laura Jaims, Ricardo Pérez, Axel Elohim, David Villarreal y Jhon Tautímez. En la Comparsa se encuentran Roxana Fox, Efraín de la Cruz, Alejandro Bárcenas, Jessica Hernández, Y como cantante aparece Ana Silvia, quien realiza una armoniosa melodía con su bella tesitura y colorido de voz. Finalmente suena la música en vivo de ejecutada por David Zárate y Hugo Sánchez.

De tal modo qué ni el texto, ni el montaje escénico son representados bajo la tónica de ninguna moderna adaptación, como suele suceder en algunos otros proyectos escénicos que presentan cambios en la estructura en la trama y diversos elementos escénicos.

DON JUAN TENORIO… Y EL PRECIO ES LA VIDA, como Usted bien sabe es una obra perteneciente al género dramático, la cual consiste en presentar una historia que surge entre dos grandes “Dandis” del siglo XIX, DON JUAN TENORIO y Don Luis Mejía, quienes tienen la reputación de ser los “Más grandes burladores de Mujeres.”

Así da inicio la aventura de DON JUAN TENORIO quien, junto con su igualmente adinerado, joven y atractivo amigo, Don Luis de Mejía, se dan sita en un bar (otrora taberna) para hacer alarde de sus aventuras. Son dos hombres solteros, adinerados y pudientes, quienes con base en algunos ardides, logran burlar la horra de muchas mujeres y eliminar a  cuanto caballero se baten.

La obra presenta algunos de los pormenores que viven ambos jóvenes, quienes apuestan por cortejar a la joven y rica heredera Doña Ana de Pantoja, prometida de uno de ellos (es decir de Don Luis Mejía) para mostrar cual resulta ser más apuesto y viril para la joven víctima. La suerte o la astucia harán ganar a Don Juan, convirtiéndoles a ambos en rivales a muerte.

No podía faltar Doña Inés de Ulloa, la hija del Comendador, quien será seducida para mejorar la apuesta; quien según el texto es una hermosa, virginal y agraciada novicia a quien Don Juan intentará también burlar, sin saber que caerá ante sus encantos.

El cielo, el purgatorio o, el infierno, son los posibles lugares que le esperan a DON JUAN tras morir a mano armada, al igual que sus propias victimas, quienes le juzgarán o redimirán, ante “el juicio del amor” o “del desconsuelo y la maldad” como contrapartida.

Los párrafos anteriores son la tónica a través de la cual gira la trama en torno a la cual se presenta la obra teatral de DON JUAN TENORIO… Y EL PRECIO ES LA VIDA, que como es bien sabido, es la icónica obra de José Zorrilla, en donde la MUERTE juega un papel preponderante.

El DON JUAN TENORIO bajo la dirección artística de Noé Alvarado, es un verdadero deleite visual, en cuanto a puesta en escena se refiere, lograda en un mágico lugar, con atuendos elegantes que bien van enfocados con el referente de inicios del siglo pasado y acorde a los atuendos tradicionales seculares, pertenecientes a la época de su creador, José Zorrilla, como inicialmente ya había mencionado

Empero a ello, no pierde el personaje protagónico de DON JUAN TENORIO su carácter atrevido, libertino, hedonista, y de eterno amante del placer y la farándula. Aquel hombre atractivo y seductor que incluye en su listado a todo tipo de mujer, retando a muerte a los hombres con quienes encuentra desacuerdos; tónica que le ha hecho ser una de las obras teatrales más representadas en nuestro país, tanto con un perfil en el llamado teatro “clásico” o “serio”.

DON JUAN TENORIO es un hombre rico, pagado des sí mismo por su audacia e ingenio para seducir, quien mata con destreza; característica normal vista desde el punto de vista de la hombría que se pretendía ideal, en el siglo de Zorrilla, hecho que no debemos perder de vista respecto al personaje de DON JUAN TENORIO quien en época actual le convertiría en un sangriento asesino; sin embargo, bajo la pluma de Zorrilla adquiere un matiz de “Dandi” dentro de una época y lugar en donde los duelos y el robo de la honra, estaban totalmente en boga.

José Zorrilla es uno de los íconos de la literatura no solo española, pues le trascendió su obra, convirtiéndolo en un ícono de la Literatura Universal. Su DON JUAN TENORIO ha sido leído, traducido y puesto en escena en innumerables ocasiones y territorios, convirtiéndolo en un valuarte del romanticismo.

José Zorrilla nació en Valladolid en el año de 1817, y moriría en Madrid, en 1893. Cromo es bien sabido, pese a haber iniciado sus estudios de leyes en Toledo, abandonaría la carrera al advertir sus propios dotes como literato.

 Hoy en día es bien sabido qué destacaría por su obra literaria en donde se incluyeron inicialmente obra poética, leyendas y dramaturgias, hecho que le hizo casarse con una actriz, Juana Pacheco, su segunda mujer, al igual que tener la posibilidad de conocer a gente muy afamada, entre los que se encontraban  Alejandro Dumas, George Sand, Alfred de Musset o Teófilo Gautier.

 

La obra DON JUAN TENORIO….Y EL PRECIO ES LA MUERTE se presenta bajo la producción general de Noé Alvarado en el Teatro Helénico con funciones de viernes a domingos, hasta el día 17 de noviembre del año en curso 2024.

 

LA LLORONA

POR: Dalia De León Adams

 

*Música y Danza Neoclásica.*

 

Así se expresa la Compañía Difusora a cargo de Sandra Narváez, con respecto a la puesta en escena LA LLORONA, por cierto muy ad-hoc a ésta época venidera en la cual los mexicanos honramos a nuestro queridos seres fallidos, el 1° y 2° día en que inicia cada mes de noviembre.

Evento que se honra al presentar a la “Orquesta Sinfónica de las Artes” dirigida por el Maestro Enrique Abraham Vélez Godoy, quien interpreta en vivo una de las piezas más icónicas del Maestro Silvestre Revueltas (Sensemayá).

Recordemos que Silvestre Revueltas (Santiago, Papasquiaro 1899-1940) se ha consolidado como uno de los músicos de más prestigio tanto en nuestro país, como en el extranjero, por el alcance y originalidad de sus composiciones musicales de cámara, y su estilo o género modernista

Música que enmarca al Ballet de Excelencia compuesto por 15 bailarines, entre los que destaca la colaboración del bailarín Eliot Islas, como coreógrafo, bajo la dirección escénica de Omar Olvera, y en la batuta en la Orquesta Filarmónica de las Artes, el Señor Enrique Abraham Vélez Godoy, como ya a-priori había mencionado.

LA LLORONA se trata de un espectáculo dancístico musical y teatral de gran nivel artístico, inspirado en algunas de las historia reales padecidas por algunas enfermas del Hospital Psiquiátrico, entonces denominado “El Divino Salvador” que se ubicaba en una de las calles del edentónes Distrito Federal, corriendo el año de 1899.

-“El Hospital Psiquiátrico del Divino Salvador fue durante cientos de años un hospital psiquiátrico para mujeres en la calle de Donceles. Hoy es simplemente uno de los edificios más llamativos de una calle que ya tiene mucha historia.”_

Camas que simulan los cuartos de las pacientes, se muestran en el primer tiempo de ésta obra coreográfica musical, donde aparecen las pacientes y los enfermeros o médicos, intentando reinstalarles la salud, en un ambiento sufrible e inhóspito.

La Danza Neoclásica se hace presente entre numerosos bailes que simulan agresión e incluso un acto de autodestrucción, que anuncia el grito de dolor desgarrador envuelto en la mujer que se denominará como LA LLORONA, según reza el mito Neo-Hispano con un variante en su contexto de leyenda mexicana.

Todos estos elementos de manera artística, son presentados en una atmósfera innovadora. Montaje escénico el cual –“busca replantear el mito prehispánico, trasladándolo a un escenario novedoso y perturbador, “El Hospital Psiquiátrico del Divino Salvador en la Ciudad de México, a finales del siglo XIX.”- (cita textual del boletín de prensa).

Innovación que por otro lado intenta esbozar, no tan sólo el mito de LA LLORONA, sino que va más allá, en la búsqueda de la exploración de los orígenes de la Psiquiatría en México, dando cabida a un lugar que existió en la realidad en nuestro país, que operaba en condiciones precarias, casi infrahumanas.

LA LLORONA es un espectáculo empalmado por diversas disciplinas artísticas de primer nivel, en la que la música de Silvestre Revueltas, interpretada nada menos qué bajo la batuta del maestro Enrique Abraham Vélez Godoy, resulta todo un deleite, aunado a la magnífica coreografía, que también se presenta en vivo.

 

LA LLORONA tiene programada presentarse los días 18, 19, 25, y 26 de octubre; además del día 8 y 9 de noviembre 2024.

 EL DIABLO TIENE OTROS DATOS, Ahí te va la Morena.

POR: Dalia De León Adams

 

¡Esta Pastorela no la tiene ni TRUMP!

 

Muy ad-hoc a las ya próxima Época decembrinas, la obra teatral EL DIABLO TIENE OTROS DATOS, Ahí te va la Morena” volverá nuevamente a tocar escenarios. Y digo en plural escenarios, pues se tiene programada su presentación en diversos foros como El Teatro Tepeyac, en el Norte de la Ciudad de México, El Teatro Royal en el Sur, y en un Foro de la Ciudad Satélite, en el Noreste, para comodidad de aquellos que deseen divertirse con esta puesta en escena.

Obra teatral que además está contemplada por sus productores Pierre Ángelo, Liliana Arriaga conocida como “La Chupitos” y Hugo Alcántara “El Indio Brayan”, para ser llevada a lugares fuera de la Ciudad de México, como lo es, por ejemplo, la Ciudad de Toluca.

Le comento como dato anexo que, los tres reconocidos humoristas se reunieron tiempo atrás, para dar vida a un proyecto de alta comicidad, con la finalidad de que además participaran varios de sus compañeros comediantes, quienes hoy en día se encuentran en el gusto y preferencia del público.

Por dicha razón y con el gran humorismo y entusiasmo que les caracteriza a nuestros comediantes mexicanos, fue que se reunieron el pasado miércoles  23 de octubre sus productores, La Chupitos, El Indio Brayan y  Piere Ángelo (Marcelo Ebrad), junto con los actores Yurem (Un Ángel), Moisés Suárez (Un pastor), Jessica Segura (Pastora), La Vecina (Pastora), Adriana Moles (Claudia Sheinbaum), Pocholo (Pastorcillo), Juan Frese (El Peje), Quetzali Arriaga y Herson Andrade (M. Trump), se dieron cita en “Grill 28” para efectuar una rueda de prensa durante la cual dieron a conocer varios de los pormenores de la Pastorela “EL DIABLO TIENE OTROS DATOS Ahí te va la Morena”. 

La mayor parte de ellos formarán parte del elenco estable en ésta producción, pues se irán intercambiando e integrando otros comediantes más, como Olgazana, por citar alguna artista invitada más.

La dramaturgia está escrita por Hugo Alcántara, quien además dirige la puesta en escena por segunda ocasión, intitulándola “EL DIABLO TIENE OTROS DATOS, Ahí te va la Morena”. Pierre Ángelo por su parte hizo hincapié que NO se trata de una obra que pretenda hacer política, sino que simplemente se utiliza algunos frases frecuentes y caracterizaciones a modo de “parodia” de algunos de nuestros políticos, para con ello darle un toque mayor de humorismo al texto (o a la trama).

Es un montaje escénico que se presenta al público con el único objetivo de hacerlo reír y pasar cerca de dos horas de diversión, viendo en vivo a sus comediantes de predilección. Obra que se ubica dentro del género de la comedia y por supuesto de la Pastorela, en la cual los Diablitos intentarán hacer de las suyas con los pastores.

Las fechas y lugares serán dadas a conocer muy próximamente, y como una probadita de lo que Usted podrá ver, le presento la nota, que en cartelera apareció el año pasado para dar a conocer ésta obra, la cual logró gran éxito en taquilla.

 

EL DIABLO TIENE OTROS DATOS:

¡Esta pastorela no la tiene ni Obama!

El buen humor y el ingenio mexicano, en el elenco de primera con reconocidos actores, comediantes, bellezas y hasta estrellas de la lucha libre, son el ingrediente principal de esta puesta en escena donde un grupo de alegres e irreverentes pueblerinos tienen que vencer las tentaciones y maldades de los simpáticos villanos de ésta historia “EL PEJE” y su ayudante “MARCELO”.

Cualquier parecido con la realidad… es más que una mera pastorela, porque aunque hay quien dice que en este México surrealista todo pasa, EL DIABLO. TIENE OTROS DATOS.

Sinopsis de la trama de ésta Pastorela la cual tendrá algunas añadiduras, al incluir dos personajes político más. ¿YOU GET IT?

 

HASTA QUE LA MAFIA NOS SEPARE

POR: Dalia De León Adams

 

*La mafia de la risa.*

 

Generalmente cuando una obra aborda la temática de los Gánster, Capos, u Hombres de la Mafia, suelen contener un texto cruento y violento, en donde no faltan las armas de fuego, como son las pistolas, ametralladoras, o bien, la detonación de bombas en aras de poderío, traición y dinero y acción.

Sin embargo, como se sugiere en el título de ésta puesta en escena denominada HASTA QUE LA MAFIA NOS SEPARE, se trata de una comedia de enredos, pues la temática es tratada de manera chusca y risible, con personajes que actúan de una manera muy poco convencional.

HASTA QUE LA MAFIA NOS SEPARE es una comedia ligera que refiere a ciertos elementos que en la realidad, dan pauta a las características generales de lo que la gente generalmente entiende por un grupo de “Hombres que pertenecen a la Mafia”, mismo elementos que el dramaturgo de ésta obra teatral utiliza para darle con ellos un giro, convirtiendo de obra de acción, en casi una parodia.

Tres fueron los padrinos de la apertura de temporada de la puesta en escena HASTA QUE LA MAFIA NOS SEPARA, es decir, el gran actor Lalo “El Mimo”, la reconocida actriz Cecilia Gabriela y uno de los jóvenes actores de moda, Josh Gutiérrez, quienes por supuesto tras el término de la función, subieron al escenario junto con parte del equipo creativo, otorgando algunas palabras a colación de la obra.

HASTA QUE LA MAFIA NOS SEPARE es una muy divertida comedia escrita por Martín Petralia, dirigida por Rafael Resendess. Cuenta con el reparto estelar integrado por Lobo Elías, Nelly Lacayo, Omar Resendess, Rafa Pineda, Alexandra Argüello, Anna Cepinska, Aaron Prado, Rafael Resendess, Fausto Casanova, Eugyn Macías y Gonzalo de León.

A manera de sinopsis, aparece en cartelera teatral la siguiente aseveración al respecto:

-“Una comedia que si bien no es una sátira a las películas de El Padrino, si les da un cambio a las historias de Gánster italianos; aunque tratamos el tema de la mafia, realmente lo más interesante son las situaciones ridículas en las que caen los dos capos de la mafia, que protagonizan esta obra, con la llegada del hijo de uno de ellos, que no se distingue precisamente por su inteligencia. Todo sucede en la casa del capo italiano en Roma, Italia.”-

Y justamente debido a que el referente del texto ubica a los personajes en zona italiana, es que los actores intentan otorgarles la entonación adecuada a sus diálogos, introduciendo por ende una que otra palabra y breves frases, oriundas de dicha región europea.

Por supuesto también aparece en el escenario un “atractivo visual” como en demasía se ha utilizado en las obras teatrales del género de la comedia chusca a manera de contraste, por lo cual aparece en el escenario la actriz venezolana y reina de belleza” Anna Cepinska Miszczak.

Finalmente le comentaré qué HASTA QUE LA MAFIA NOS SEPARE se trata de un montaje presentado en dos tiempos escénicos y un solo cuadro, en el cual aparece simulada la casa de uno de los Capos de la Mafia quien la habita con su mujer, en espera de su único hijo varón, quien ha realizado sus estudios en los Estados Unidos de Norte América. Por supuesto armas y aparentes balazos forman parte de ésta divertida trama, en donde no se hace daño a ningún personaje, por más que se intenta, dentro de la historia a tratar.

 

HASTA QUE LA MAFIA NOS SEPARE se presenta en el Teatro XOLA,  Julio Prieto, los días martes a las 20:00 horas.

 

COANDA

POR: Dalia De León Adams

 

Bajo la dirección escénica de Angélica Rogel la puesta en escena COANDA acaba de comenzar su ciclo representaciones en el Teatro “La Capilla”, teniendo como reparto estelar a las actrices Fátima Favela, Monserrat Monzón, Pamela Ruiz y Minerva Valenzuela.

Montaje escénico que demostró qué para representar una obra bien estructurada, bien dirigida y bien interpretada, no hace falta una escenografía. COANDA se trata de una dramaturgia contemporánea, actuada por cuatro jóvenes talentos, quienes interpretan un texto un tanto surrealista, en cuanto al manejo de la trama.

Obra que dicho sea de paso, fue galardonada con el Premio Luisa Josefina Hernández, otorgado por Bellas Artes, en el rublo de mejor Dramaturgia el año pasado 2023.

COANDA nos cuenta la historia de Olga, una mujer que ha ignorado las expectativas de los demás, hasta que su madre la busca para juzgar su vida. Una extraña le ofrece una solución: crear otra Olga; una copia de sí misma que sí cumpla las demandas de los demás.

Con sugerencia sobre el eterno retorno, las réplicas y tomando al fenómeno físico COANDA -que cambia la trayectoria de los fluidos- como una enseñanza, los personajes intentan comprender quienes son y qué esperan de la vida mientras dan saltos en el tiempo. (Nota textual de la misma Compañía “Repente Teatro”).

Y justo es en torno a éste fenómeno físico que gira la trama de ésta dramaturgia intitulada precisamente COANDA. Tal vez Usted se pregunte aún ¿qué es o qué significa?

-“El efecto COANDA es un fenómeno físico que describe la tendencia de un fluido a adherirse a una superficie curva. Este efecto fue descrito por Henry Marie COANDA en 1932, aunque Tomas Young ya lo había mencionado en 1800.

El efecto COANDA se puede observar en varios fenómenos como en los aires acondicionados, permitiendo que el aire frío fluya hacia arriba a lo largo del techo, lo que ayuda a distribuir la temperatura de manera eficiente.

En los aviones el efecto COANDA se aprovecha para aportar aire a alta velocidad a las alas, incluso cuando vuelan a bajas velocidades…  En el efecto de apagar una vela con una lata, el efecto COANDA permite que el aire dirigido a la lata lo rodee y llegue a la vela para extinguirlo.”-

Siendo justo éste sencillo experimento, el que se practica, y muestra de manera tangible, en una de las escenas de la obra teatral, tras de breves explicaciones por parte de uno de los personajes, quien manipula a los demás, en aras de demostrarlo, a intención de su dramaturgo, quien es Carlos Alfonso.

COANDA es una puesta en escena en un solo cuadro y tiempo escenográfica de alrededor de 110 minutos, en los cuales se representa la historia de cuatro mujeres que el destino reúne para vivir una experiencia muy diferente a la que la cotidianidad, ofrece.

Con un dejo de humorismo el texto intenta presenta un fenómeno físico, involucrado en la parte emocional a sus personajes, quienes caen en la trampa de creer y hacer real, mediante la trama, un efecto que no llega en términos reales a “clonar a una persona”, (por así decirlo de alguna manera), pero que la magia del teatro permite eso y más, con el mágico efecto de la imaginación.

COANDA se presenta en el Teatro La Capilla los días lunes a las 20:00 horas

 

 

DIVINE NARCISO

POR: Dalia De León Adams

 

*Espectáculo Transdiciplinario.*

 

No cabe duda que el arte se va transformando con el paso del tiempo, pero lo que no cambia es el deseo y la manera de dar sentido a su expresión individual, es decir, a la forma en que cada artista lleva el timón de su barco para lograr buen puerto.

Tal es el caso de la Producción de Mariano Cruz y ¡Brava! espectáculo mediante el cual se ofrece al público de manera gratuita, un espectáculo que unifica el canto, con el baile, la actuación y la poesía. Versos que corresponden a la obra de Sor Juana Inés de la Cruz, la cual se encuentra evocada en la obra EL DIVINO NARCISO, a la cual se alude.

Recordemos qué – EL DIVINO NARCISO cuya publicación fuera en 1689, obra literaria la cual consta de 148 páginas. es el más conocido, original y perfecto de los autos sacramentales de Sor Juana Inés de la Cruz, es decir Juana Inés Asbaje Ramírez de Santillana (nacida en Nepantla el 12 de diciembre de 1648, y fallecida a los 47 años de edad, el 17 de abril 1695 Ciudad de México).

Empero, en éste espectáculo unipersonal se transforma el título por DIVINE NARCISO, y digo transforma, pues no tan sólo cambia su primera palabra que corresponde a un adjetivo calificativo evocado por la Lengua Española, sino que además transforma su significado y significante, para dar paso al sentir de la comunidad en búsqueda de la aceptación de “todo individuo” por su esencia humana, y no por su género, preferencia sexual, modo de vestir, o simple apariencia, ahondando más bien, en la psiquis del personaje protagónico.

En éste caso el personaje protagónico, es decir, Sor Juana, Juan, o bien, Marta, como según fuera bautizad(e) el artista al finalizar la función, recita en escena varios fragmento de dicha obra poética, haciendo inminente su propio deseo de aniquilar una figura natural, impuesta.

La puesta en escena es en un solo cuadro de aproximadamente 50 minutos, tiempo durante el cual, la música accionada por el mismo actor no es sacra acorde acorde a su secularidad, es contemporánea, abarcando diversos géneros musicales, que el mismo baila e interpreta, junto con el público, el cual se mostrara entusiasta.

Al respecto de éste montaje escénico, la misma Compañía Productora de Mariano Ruíz y ¡Brava!, junto con la Secretaría de Cultura Federal y El INBAL, a través de su Difusor, el Señor Raúl Medina Arce, hacen saber el siguiente párrafo textual en el boletín de prensa:

-“Este trabajo escénico es una metáfora para hablar de las corporalidades trans. Se plantea a NARCISO como la dualidad Jesús/Dios. Eco como el Diablo, e introduce a la Naturaleza Humana, o sea la humanidad. En la versión de la autora, Eco, dolida por el desprecio de NARCISO, quiere evitar a toda costa que él vea a la Naturaleza Humana porque teme que se enamoren, al final no puede evitar su encuentro que termina con que ellos se fundan en una misma entidad.

En este proyecto NARCISO/DIOS se convertirá en una corporalidad trans, Eco son todos los discursos de odio que intentan separar de NARCISO a su Naturaleza Humana, pero al final pueden encontrarse porque el amor propio es el arma más potente que existe en estos tiempos.

La obra se vale de un ejercicio transdisciplinario para poder contar la historia de diferentes maneras, donde el texto y el verso no es lo único que cuenta, más bien es una herramienta más para que el público pueda acompañar a NARCISO en su viaje interno para descubrirse.

DIVINE NARCISO se presenta en la Plaza Ángel Salas del Centro Cultural del Bosque, hasta el día 27 de octubre 2024.

 

UNA PAREJA LÍQUIDA

POR: Dalia De León Adams

 

¿Cómo se vive el poliamor?

¿Es una tendencia heterosexual, bisexual u homosexual?

 

Al parecer, es un tipo de relación que parece haber surgido de la modernidad, pero que tal vez Usted vive, o ha vivido en secreto, al igual que el mayor resto de la sociedad durante todo el devenir histórico.

Sobre la falacia del amor, alguna vez el Padre del Psicoanálisis, el Doctor Sigmund Freud diría, que no existe el amor monogámico. Aseveración que por otro lado se retomaría en el libro “El origen de la familia, la propiedad privada y el Estado, escrito por el inminente Friedrich Engels en 1884, en torno al materialismo histórico propulsado por el ilustre economista alemán, Carl Marx.

Entonces, acerca de la pareja, cabría mencionar  ¿Es un juego de la sociedad? Lo que es cierto es que, el amor apasionado el cual une a las parejas, está comprobado hoy en día por la Neurociencia, que tiene una duración alrededor de tres años, momento tras del cual, la parte de uno de los dos hemisferios de nuestro cerebro, el cual ante el deseo y la pasión desenfrenada se desactiva de manera natural, uniendo a toda pareja ante la justificación, por la ausencia temporal de juicio, de tal modo todos sus errores y defectos, acaba tras de dicho lapso de tiempo, por reactivarse, y con ello visualizar en su justa medida, logrando ver en la realidad, a quien decidiéramos otorgarle nuestro amor, y ¡jurarle amor eterno! (aún en secreto).

UNA PAREJA LÍQUIDA precisamente aborda dicha temática, pero sin hacerla aburrida para la mayoría del público con tecnicismos ni teorías. UNA PAREJA LÍQUIDA va más allá, basándose en hechos de la vida real, observada por un gran Médico en Psicología, quien es el escritor de ésta puesta en escena, el también dramaturgo Hugo Yofee.

Es así como en la obra teatral se representan situaciones muy parecidas a aquellas que nos han afectado en alguna ocasión, o bien, han afectado a terceros. Por lo menos hemos sabido, presenciado, e incluso, tan sólo sospechado. Se muestran sin tapujo, algunas relaciones alternas que de pronto dan un vuelco, a la pretendida relación monogámica.

Obra teatral la cual pese a la seria temática reflexiva a presentar, se efectúa con algunos dejos de humorismo que hacen pasar un muy agradable momento al público, quien en el escenario observan con interés y  curiosidad, de qué puede tratar una relación “Poli-Amorosa” la cual al parecer, bien podrá terminar transformándose en UNA PAREJA LÍQUIDA.

Se trata de un montaje escénico en el que aparece un tríptico de paredes constituido por grandes espejos, plataformas que permiten subir y bajar a los actores con movimientos constantes, y algunos bancos, siendo éstos últimos manipulables por parte de los dos actores protagónicos, en el escenario, programado con la mediación de las luces.

Los personajes presentan diversos cambios de vestuarios, para con ellos realizar diferentes escenas, presentar por otro lado, a diversos personajes a la vez, caracterizados por los mismos dos actores. Ellos son Sonia Couoh, quien interpreta el rol de Frank, y José Carmejo, en el rol de Joe, entre otros personajes más.

Acerca de la sinopsis de la obra en cartelera teatral se muestra la siguiente aseveración al respecto:

-Obra que explora la complejidad de una relación moderna entre Francis y Joe, quienes atraviesan un proceso de terapia de pareja tras años de altibajos y desencuentros emocionales. La historia se desarrolla a través de diálogos intensos y reveladores, donde cada personajes enfrenta sus inseguridades y deseos, así como las consecuencias de sus decisiones pasadas.”

Dirigida con maestría por el director Alberto Lomnitz, la puesta en escena consiste en un solo cuadro y tiempo de aproximadamente 90 minutas, durante los cuales, podrá observar ¡Si tiene dudas? Qué es una pareja NO convencional, o “Poli-amor” que sufre y goza en vías de convertirse en tan sólo UNA PAREJA LÍQUIDA.

Funciones los días sábados a las 20:00 horas, y los domingos a las 18:00 en La Teatrería, hasta el 15 de diciembre 2024. 

 

 

 

EL HOYO

POR: Dalia De León Adams

 

*La ambigüedad existente, en las preguntas y respuestas.*

 

Puesta en escena perteneciente al género del absurdo escrita y dirigida por Fernando Bueno, quien nos hace incursionar en un mundo en dónde la lógica termina siendo totalmente ilógica, muy al estilo del afamado dramaturgo Eugen Ionesco (1912-1994), reconocido como uno de los máximos exponentes de dicho género teatral.

Recordemos qué el significante del “Teatro del Absurdo” fue acuñado como una variante antípoda al teatro convencional, bajo la connotación de anti-téâtre o neouveau teâtre (anti-teatro /nuevo teatro, en francés).

Con respecto al joven autor de ésta obra teatral intitulada EL HOYO, es decir, como a-priori he mencionado, el dramaturgo Fernando Bueno, se expone la siguiente cita en la Internet con respecto a su labor teatral:

-“ Fernando Bueno en tetro ha desempeñado distintos roles, co-director, productor, dramaturgo, asistente y traductor. Ha participado en 25 obras de teatro hasta la fecha, de las cuales se ha desempeñado en 17 como actor, entre otros trabajos en cine y televisión.

Actor y pintor. Fue director artístico y copropietario del foro “Bisagra Teatro” y cofundador de la compañía B. Teatro, la cual produjo 7 obras de teatro, dos de ellas ganadora en dos años consecutivos de Festival Internacional de Teatro Universitario de la UNAM, donde también obtuvo una mención honorífica como mejor actor por la obra Negro de Humo de su autoría.

Pero volviendo a su puesta en escena de EL HOYO, le comentaré que acaba de estrenar temporada en el Teatro Orientación, Luisa Josefina Hernández del Centro Cultural del Bosque, el día de ayer jueves 17 de octubre 2024.

Consiste en un montaje escénico propuesto en un solo cuadro escenográfico totalmente vacío, en donde aparecen los actores Bernardo Benítez (en el rol de Goupi), Jazmín Tirso (interpretando a Mut) y Marco Arturo Valencia (en el papel de Skit).

Todos ellos ataviados con un vestuario al estilo de personajes indigentes (que nos recuerda a la icónica obra de Samuel Beckett “Esperando a Godot”) que van muy ad-hoc a la temática a tratar, en donde tres seres se encuentran y viven la experiencia posible de caer y/o habitar EL HOYO tan  temido y deseado a la vez.

Bajo un lenguaje retórico y fluido, plagado de frases absurdas las cuales empero contienen un cierto tono filosófico, lo ilógico, se torna en lógico y viceversa, utilizando algunas frases que suelen ser totalmente repetitivas, las cuales finalmente le otorgan la tónica del teatro del absurdo.

A manera de sinopsis de la trama de ésta obra EL HOYO, en cartelera aparece el siguiente párrafo textual:

-“Mut y Goupi contemplan el vacío de un HOYO. La constante negociación a lo que podrían (o no) encontrar en él, el crudo desierto en el que se encuentran y su absurda incapacidad para comunicarse son el motor de la esperanza y desesperación de ambos personajes. La llegada de Skit cambiará (o no) la percepción de ambos.

 

EL HOYO se presentará hasta el día 10 de noviembre en el Teatro Orientación, Luisa Josefina Hernández en el CCB, con funciones de jueves a domingos, con excepción el 1 y 2 de noviembre; días en que serán reemplazadas las funciones para el lunes 28 de octubre y 4 de noviembre del año en curso 2024. 

PIC-NIC ¡Regresa!

POR: Dalia De León Adams

 

El día de ayer martes 15 de octubre se reestrenó la obra teatral PIC-NIC teniendo como invitados a algunas personalidades del medio artístico, y como madrinas de lujo a la destacada productora de televisión Carla Estrada, junto con la actriz y cantante Cecilia Toussaint, quienes ofrecieron algunas palabras al público presente, tras de la función.

Un poco renovada por la directora Marta Luna, vuelve a posesionarse en el Circulo Teatral la puesta en escena PIC-NIC, bajo un toque de obra farsica, que su mismo autor le infiere, en el sentido que dibuja una manera muy peculiar y divertida, la manera de enfrentar  la guerra por parte de una familia.

Montaje escénico muy bien estructurado, el cual tiene como referente un suceso bélico que empero, se muestra de una manera amable, con dejos de humorismo negro, gracias a la pluma de su dramaturgo, quien presenta una obra que da un giro a un drama, configurarlo en comedia.

PIC-NIC está escrita por el dramaturgo español Fernando Arrabal (Melilla, España 1932) en tono farsico que bien puede ubicarse dentro del genero del teatro del absurdo, en cuanto a que aborda una temática cruenta y terrible como es el conflicto bélico, pero bajo matices de amabilidad y dulzura en cuanto al perfil que el autor le infiere a los personajes, lo cual por supuesto, no suele suceder en la realidad.

Ello hace reír al público aunado a algunos elementos actorales de gran calidad histriónica que ofrece el reparto estelar, con sus magníficas interpretaciones al caracterizar a dos soldados y a una pareja que se inmiscuye dentro del campo de batalla con el objetivo de visitar y realizar un PIC-NIC junto con su vástago, quien se encuentra en el campo de batalla.

Alberto Estrella es uno de los protagonistas de la obra, quien destaca por su actuación en este divertido melodrama junto con el gran actor David Hevia, Víctor Carpinteiro y Ainé Martelli.

Actuaciones que ejecuta cada integrante del elenco con gran plástica actoral, gracias al talento que siempre les ha caracterizado a cada uno de ellos, aunado a la gracia le brinda a su interpretación, al ejecutar algunos números coreográficos muy bien ejecutados e incluso cantados. También aparecen en el escenario dos nuevos actores, como lo son Christian Muñoz y Monserrat Ponce.

En cuanto a la temática a abordar, a manera de Sinopsis de la trama, en cartelera anteriormente se mostraba la siguiente aseveración, en cuanto al contenido medular, y que es el siguiente párrafo textual:

-“La obra muestra en género absurdo a un matrimonio que va de visita al frente de la batalla con la intención de vivir un día de PIC-NIC junto a su hijo que se encuentra n la trinchera. Allí aparece un soldado enemigo con el que comparten el día de campo en un clima amistoso.

Sorprendidos descubren que ningún bando desea la guerra y deciden terminar con ella. La ingenuidad de los personajes se rompe cuando la realidad de la guerra desata toda su furia matando sus ilusiones al final de la obra.”-

La dirección escénica se encuentra bajo la tutoría de la maestra Marta Luna, quien propone un sólo cuadro y tiempo escenográfico para lograr dar secuencia y ritmo a ésta peculiar dramaturgia, con un dejo de amabilidad y prestancia, que junto con la labor de todo el equipo creativo, hacen que la puesta en escena se convierta en todo un deleite.

Sobre esta obra teatral se escribiría en una página Web, las siguientes aseveraciones al respecto:

-“Un excelente texto… PIC-NIC de Fernando Arrabal es una obra teatral que denuncia el absurdo de la guerra através de personajes ignorantes e inocentes.”-

-“ Picnic, PIC-NIC o Picnic en el campo de batalla es una obra escrita por Fernando Arrabal con un largo proceso de creación entre 1952 y 1961. 1952 siendo la fecha que propone el autor para una versión “cero” en la obra y 1961 siendo el año en donde se publica PIC-NIC en el segundo volumen del Teatro de Arrabal.(1) La obra tal y como lo trata de representar Arrabal, es un claro alegato contra la guerra. En la actualidad se sigue representando en todo el mundo para evidenciar lo absurdo de la guerra sorda según las palabras del propio autor.(1)”_

Al respecto del autor, en términos generales le comentaré lo siguiente: -“Fernando Arrabal Terán es un dramaturgo, poeta, novelista, cineasta y creador plástico español radicado en París desde 1955. Con Alejandro Jodorowsky y Roland Topor fundó en 1962 el Movimiento Pánico. (nota en la Internet)

La puesta escénica de PIC-NIC en el Centro Cultural “Círculo Teatral” tiempo inicialmente se había presentado a manera de lectura dramatizada bajo la dirección escénica de la maestra Marta Luna, y posteriormente sería presentada en forma como obra teatral en el mismo Foro, ofreciéndose desde entonces una magnífica versión, en donde la música y la coreografía son un plus dentro del montaje.

-“En esta obra se expone la sin razón de la guerra, el absurdo de la misma, el miedo, la desesperanza, la ignorancia, la soledad y la muerte en un contexto simultáneo de horror y humor.

El autor Fernando Arrabal realiza una crítica mordaz del entorno, tomando como escenario una trinchera. Convierte un hecho tan cruel como la guerra, en un espectáculo donde acusa lo terrible de este acto.”- (Fracción de una nota crítica, publicada anterior

 

PIC-NIC hoy en día se presentará en el Circulo Teatral, hasta el día 3 de diciembre con funciones los días martes a las 20:30 horas.

DOSTOYEVSKI. Los Demonios y el Idiota

POR: Dalia De León Adams

 

¿Hay Dios o no lo hay?

*¿Qué es el infierno?*

 

Frases que constituyen los dos cuestionamientos constantes, o medulares de ésta puesta en escena intitulada “DOVTOYEVSKI. Los Demonios y el Idiota”,  repitiéndose en varias ocasiones a manera de diálogos, y que, más allá de ser simples frases del texto, cuestionan tanto a los personajes, como al público que comúnmente puede interpretarlas un “tanto irreverentes” pero que constituye parte de la idiosincrasia en la que DOSTOYESKI  basara en sus escritos, para ser reinterpretados por los autores o adaptadores de éste nuevo montaje escénico.

Dramaturgia de Alberto Lomnitz, María Inés Pintado y Octavia Popesku que nos remite a la Rusia feudal del siglo XIX, en la cual, El Príncipe Idiota (novela de Dostoyevski que muestra un personajes noble de sentimientos, complaciente e ingenuo) se ve sorprendido por el amor gestado casi al mismo tiempo, hacia dos mujeres totalmente distintas, quienes logran amarlo y repudiarlo.

-“Para DOVSTOYESKI todos los seres humanos somos huérfanos abandonados en medio de caos, humanos sensible que caminan en un mundo sin sentido. La religión es tan sólo un acto de fe y de voluntad, ya que no existe manifestación alguna de los cielos, aquí en la tierra. ¡Cómo enfrentarse a un mundo cada vez más violento, si las creencias religiosas y los ideales parecen haber abandonado al hombre, y el hombre y a su vez a renunciado a ellas? Este tipo de propuesta obsesionan al autor del siglo XIX. ¿Qué preguntas se haría ahora? Tal vez estaría muerto o encerrado en un manicomio, pues le sería imposible imaginar hasta dónde hemos llegado. Ésta historia basada en tres novelas del autor: “El Idiota”, “Los hermanos Karamazov” y “Demonios” nos habla del origen del dolor, la violencia, la venganza y la apatía. Sólo autores como él, logran abarcar proyectos tan ambiciosos. El realismo psicológico es su estandarte.

¿Será posible que logremos rescatar el único acto de fe que nos queda? (Nota de María Inés Pintado y Octavia Popesku).

Recordemos que Fiódor Mijáilovich DOSTOYEVSKI (Moscú 1821-1881) ha sido reconocido como uno de los más importantes escritores del Imperio Ruso, quien incursionara tanto en temáticas de índole político, como en la psiquis de cada uno de sus personajes, a los cuales posesionaba con diálogos que emitían la realidad sin tapujos, es decir, sin la falsa social retórica secular.

DOSTOYESKI. Los Demonio y El Idiota, constituye la suma de tres de las novelas consideradas de las más icónicas, que de manera resumida se presentan entretejidas de manera talentosa, que bajo la dirección del maestro Alberto Lomnitz, (también coautor, como a-priori expongo) logran consolidarse dentro de éste gran proyecto escénico.

“DOSTOYESKI. Los Demonios y El Loco” se presenta en el Foro Lucerna hasta el 10 de noviembre 2024, bajo las actuaciones estelares de magníficas actrices como lo son Mariana Gaja, Cassandra Ciangherotti y/o Tamara Vallarta, María Inés Pintado. Ylia O. Pintado y/o Gabriela Núñez.

 

 

SOBRE EL SONIDO DE UN DERRUMBE

POR: Dalia De león Adams

 

*Premio Nacional de Dramaturgia Joven*

“Gerardo Mancebo del Castillo Trejo 2023”

 

Obra a cargo de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) perteneciente al género experimental la cual aborda el DERRUMBE de unas personas que pretende permanecer unida en aras de estar constituidas por la unidad familiar.

Por otro lado se introduce el perfil del “padre” del hogar y de la iglesia, matizando el primero casi inmóvil y sin hablar, apareciendo con una máscara que no permite visualizar su rostro, en tanto qué el último es un sacerdote portador de la palabra divina, quien aparece de manera paralela a la trama a tratar.

Debido a todo ello es qué SOBRE EL SONIDO DE UN DERRUMBE es una obra teatral que también incursiona dentro del género surrealista, presentando diversas escenas que de pronto parecen  detenerse, con la inmovilidad total de los personajes, durante algunos segundos.

Escenas qué aunadas con baile, movimientos corporales descoordinados, música y breves interpretaciones de canciones, dan ilación a una historia peculiar, en la cual se presenta el DERRUMBE o demolición del inmueble, escena con la cual inicia el drama, pero qué se detiene para dar paso a retrospecciones temporales que remiten al público a conocer diversos sucesos ocurridos antes del inminente DERRUMBE.

La trama también presenta una breve relación sexual y sentimental entre dos primos varones que se aman en cuerpo y alma, pero que terminan por alejarse; la tía lésbica que empero es madre, el padre de familia cuyo rostro aparece en escena cubierto de un atuendo negro (o máscara), la hija quien tiene mala relación fraternal y debe actuar acorde a las reglas familiares, y finalmente un sacerdote casi con dotes proféticos.

Todo ello constituye parte del drama a presentar del texto escrito por Patricia Martínez Pedreguera  en del cual uno de los personajes interactúa con el público al cual cuestiona y ordena ocasionalmente, utilizando un diálogo que de pronto pareciera no encajar con el resto de la trama, pero que es intensional, por parte de la autora.

-“ En la familia de Emiliano existe una omisión, algo que se sabe pero que no se dice. Poco a poco la carga del silencio corromperá los muros, socavará los cimientos, y la casa se comenzará a derrumbar. El derrumbe será ruidoso, y ese ruido romperá el silencio que Emiliano prometió guardar.”- (Sinopsis realizado por la CNT).

La dirección escénica se encuentra a cargo de Paula Watson, quien junto con el escenógrafo proponen diversos cuadros que aparecen en escena con muros y muebles los cuales son manipulados por el mismo elenco.

 Las actuaciones están a cargo del reparto estelar permanente del CNT, por lo que aparece el actor emérito Jesús Hernández, junto con la gran actriz  Laura Padilla, Pedro Martínez, Arredondo, Amanda Schmelz, Medín Villatoro, Estefanía Norato y Gustavo Schaar. Todos ellos demostrando ser muy buenos actores.

 

SOBRE EL SONIDO DE UN DERRUMBE se presenta en el Foro La Gruta, del Centro Cultural Helénico, con funciones los días miércoles y jueves a las 20:00 horas.

ÉXITO SACM

POR: Dalia De León Adams

 

*20° ENTREGA*

 

El Centro Cultural Cantoral se vestirá de manteles largos el próximo miércoles 16 de octubre para dar paso por vigésima ocasión a la premiación por los EXITOS SACM; razón por la cual se convocó a la prensa estando presentes el Director General de la SACM, Licenciado Roberto Cantoral Zucchi, junto con el Presidente de dicha asociación, es decir, el Maestro Martín Urieta, y con el Integrante del Consejo Directivo, el Señor Memo Méndez Guiú; además del escultor Rodrigo de la Sierra, creador en ésta ocasión, de las preseas que serán otorgadas.

En la reunión se habló de la importancia y de los pormenores del próximo evento, dándose a conocer tan sólo algunos de los galardonados por sus obras, entre los que se encuentran Edén Muñoz, Teodoro Bello, Fitte, Cartel de Santa, Alejandro Abaroa, Santa Benith, Mario Popparo y Yng Lvcas; los demás nominados a los Premio debido a sus obras serán toda una sorpresa.

Le comento que La Vigésima entrega de ÉXITO SACM entregará sus preseas a músicos, cantantes y autores (o compositores) por diversos rublos y géneros, siendo uno de ellos, y dicho sea de paso con quien se abrirá la tradicional “Alfombra roja” (azul en ésta ocasión) será nada menos que un destacado músico a nivel nacional e internacional, es decir el Señor Marco Antonio Solís, reconocido en el medio como “El Buki”.

-“La Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM) realizará la vigésima entrega de ÉXITO SACM el próximo 16 de octubre en el Centro Cultural Roberto Cantoral, en donde honrará a Marco Antonio Solís con la Presea “Gran Maestro” y a Fernando Z. Maldonado, autor de la afamada obra Volver, volver, con el “Reconocimiento Póstumo Juventino Rosas”.

A las compositoras y a los compositores de 25 años de trayectoria se les dará , por primera vez, una obra escultórica del artista plástico Rodrigo de la Sierra; la escultura representa a Timoteo sentado sobre una nota musical, elemento emblemático de la inspiración que busca trasmitir no sólo el respeto y amor hacia la rica tradición de música de México, sino también el poder transformador que fluye a través de la música.”- (nota textual de la SACM).

Sólo como dato alterno informativo a colación de la escultura, el maestro Rodrigo de la Sierra comentó que el hombrecito pensante sobre la nota musical, simboliza para él “El Ciudadano del Mundo” al cual denominó de manera simbólica como “Timoteo” por el significado de sus dos siglas: TIMO de manera linfática de la constitución física del humano, y TEO aludiendo a lo sagrado o divino.

Presea que se entregará al igual que otra obra escultórica a manera de galardón, la cual consiste en un pequeño instrumento musical, compuesto de tan sólo tres cuerdas, las cuales simbolizan los elementos que componen elementalmente cualquier obra musical, los cuales son: El ritmo, La Armonía y La Melodía.

Y como la misma Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM) de manera textual hace saber:

 

ÉXITO SACM celebra su vigésima entrega como uno de los estímulos más importantes de la composición en México, sus distintas categorías abarcan un amplio espectro del trabajo creativo. La SACM cumple así con su tarea de visibilizar a las creadoras y los autores de todos los estilos musicales, y de seguir en la lucha por el cumplimiento pleno de los Derechos de Autor, aseguró el Director General Roberto Cantoral Zucchi.

 

 DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA

Por: Dalia De León Adams

 

Sus 23 Años en Taquilla.

 

 

-“Cuando el 7 de octubre de 2001 se estrenó “Defendiendo al cavernícola” en el Centro Cultural San Ángel, nadie podía haberse siquiera imaginado la larga e importante historia que comenzaba a escribirse en ese momento”.

Nota publicadas un año atrás. Actualmente ya constituyen 23 largos años de representaciones de la obra teatral DEFENDIENDO AL CAVERNICOLA interpretado por el Primer actor César Bono, razón por la cual el Señor Morris Gilbert y su compañía “Mejor Teatro”,  para ovacionar a tan titánicas representaciones, han estado celebrando con “Funciones Especiales” sumándose el día de ayer la SEXTA.

Cada una ha tenido padrinos de lujo, que no podían faltar en tan memorable celebración, siendo en ésta ocasión la madrina de lujo la actriz Marlene Favela, quien al finalizar la puesta en escena, subió para debelar la correspondiente Placa Conmemorativa junto con su interprete, el Primer actor César Bono ..

DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA se ha convertido en la obra teatral que los amantes del teatro inmediatamente reconocen bajo la presentación estelar del actor Cesar Bono, quien con su carisma e innegable calidad actoral, ha conquistado  al público.

Sobre el Actor César Queijeiro Bono se sabe también (México 1950) que además de actor es comediante y se ha dedicado al Doblaje de Voz (en la película “Cars” como Mate, por ejemplo).

En la televisión se le ha reconocido en programas como “No empujen”,  o bien, “Mi secretaria”, entre otros programas exitosos, siendo el último en el que hoy se encuentra interpretando el papel de Frankie Rivers (Pancho), en “Vecinos”

Con respecto al texto que contiene la obra teatral DEFENDING THE CAVEMAN, le comentó qué como es bien sabido su dramaturgo es el escritor estadounidense Rob Becker.

Es una puesta en escena que inicialmente se estrenó en la ciudad de San Francisco, en un día de junio de 1991 con gran éxito, por lo cual ha logrado ser representada en 45 países, y por ende ser premiada con el galardón “Laurence Olivier” bajo el rublo de “Mejor obra de entretenimiento”.

DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA es una comedia escrita en formato unipersonal o de monólogo, en donde sin embargo, aparece ocasionalmente una co-actriz (Patricia Castro, la verídica esposa del actor) en imágenes ofrecidas mediante una pantalla en el escenario, que se accionan acorde con algunos de los monólogos o argumentos ofrecidos por el actor interprete César Bono.

La obra esta conformada por una somera información respecto al comportamiento psico-social del hombre y de la mujer a partir de la Época Primitiva; información que su escritor aprovechara para hacer un paralelismo con la sociedad actual.

El texto hace alarde del manejo del escritor estadounidense Rob Becker, en cuanto a la psiquis de sus personajes, haciendo hincapié constantemente en las diferencias que existen entre ambos sexos, las cuales han continuado manifestándose en términos esenciales, de la misma manera, empero al paso del tiempo.

Para concluir sin preámbulos DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA es una obra teatral muy divertida qué además como un plus, invita a reflexionar sobre la comprensión de la actitud de cada integrante en la pareja heterosexual.

DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA Se presenta bajo la dirección y adaptación de Jaime Matarredona y la Producción del importante Señor Morris Gilbert y su “Mejor Teatro”, quien por cierto siempre tiene el buen tino de encontrar textos muy duraderos en cartelera, en base a su experiencia y gran dedicación que se traduce en un “Real Amor al Teatro”.

 

DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA se presenta en el Nuevo Teatro Libanés de la Ciudad de México, con funciones los días lunes a las 20:00 horas.

NOVO, Un closet de cristal cortado

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

*Puesta en escena poetizada.*

 

Bajo la espléndida dirección de Guillermo Navarro, el montaje escénico de la obra “NOVO, Un closet de cristal cortado” da apertura a la obra, tras la tercera llamada ante la exquisitez de la presencia en vivo, de la bella partitura de La Traviata, tras de lo cual comienza la escenificación del monólogo, con varios efectos que hacen lucir como una estatua vida, al intérprete de Salvador NOVO, el actor  Gerardo González..

-“Es una entrañable obra de teatro unipersonal, donde Salvador NOVO evocara sus últimos encuentros desde su lecho postrero del Hospital General en la Ciudad de México, hasta donde  lo persiguen los fantasmas de su precoz infancia en Torreón Coahuila, sus lascivas andanzas y excesos en la furiosa Ciudad de México de los 20’s, su relación con Villaurrutia, con los chóferes, cadetes, el gueto gay del Centro Histórico, su tórrido encuentro con García Lorca en Buenos Aires que marcó su vida y obra, las rivalidades con sus contemporáneos, además de su relación con la política y el movimiento del 68, que del aún modo marcará su debacle.”-

Interesante propuesta escénica escrita por el dramaturgo Alejandro Román, dirigida por Guillermo Navarro, y protagonizada con gran sensibilidad e histrionismo escénico por parte del actor Gerardo González.

Es una puesta en escena en un solo cuadro y tiempo escénico,  la cual ventila parte de la vida íntima, del afamado poeta Salvador Novo., en la cual por supuesto son dramatizados algunas de sus poesías, entre música y efectos visuales y una ocasional Voz in Off.

-“Monólogo en el que los detonantes suceden en tres momentos de la vida del poeta, cronista e intelectual mexicano, Salvador Novo (1904-1974). En ellos, la fiebre será el puente entre su infancia en Torreón, Coahuila, su juventud en Buenos Aires, Argentina, donde conoce a Federico García Lorca, y el agónico lecho postrero del Hospital General en la Ciudad de México. La propuesta realiza un acercamiento a sus andanzas en la capital mexicana de los años veinte y las rivalidades con sus contemporáneos que entre carne, excéntrico dandismo, poesía y sagaz ironía iban construyendo su leyenda.”- (nota de la casa difusora).

Sin embargo se le da mayor peso escénico a algunas de las crónicas con respecto a su vida privada, las cuales son expuestas con “ciertos” matices de ficción, al introducir los diálogos al texto, pero no así mostrando sin tapujos los nombres de varias de las grandes figuras del momento.

El amor de su vida, el dramaturgo e inminente poeta Federico García Lorca, con quien vivió un tórrido romance, es mencionado, así como su relación de amistad con el Presidente López Mateos, razón por la cual se vería un tanto violentado por algunos, ante el suceso trágico de Tlatelolco, del cual escribiera una desafortunada nota periodística, o/y lo que se denominó el grupo de “Las tres chicas ” en el cual era incluido junto con Xavier Villaurrutia, o bien, su crítica la poetiza Pita Amor

Aunque esta escrita en formato de monólogo, la puesta en escena bajo la dirección artística de Guillermo Navarro presenta a dos personajes secundarios más, los cuales expresan pocas frases y fungen dándole vida a diferentes hombres  de manera muy breve, presentes en la vida del poeta.

La trama pertenece al genero biográfico por su tratamiento escénico dentro del cual, la temática gira en torno a la vida y parte de la obra Salvador NOVO, la cual se muestra gracias al apoyo multimedia, por lo que aparecen algunas fotografías de NOVO desde pequeño, de sus padres y de Federico García Lorca. con algunas fotografías y a una Voz en Off recitando varios de sus poemas, Todo esto amenizado ocasionalmente con música en vivo, ejecutándose algunas piezas melódicas con violín.

Las narraciones efectuadas por Gerardo González son efectuadas en un escenario cuya iluminación es a media luz, otorgándole ello un toque de melancolía y tragedia, que van acorde con varios de los diálogos que conforman el texto.

Recordemos qué Salvador NOVO López nació en el Distrito Federal, hoy día la Ciudad de México. Se destacaría como poeta, dramaturgo y ensayista, pero además abordaría la historia como profesión. Formó parte del Grupo intelectual denominado “Los Contemporáneos” quien junto con otros baluartes en las letras mexicanas colaboraban en tan prestigiada revista. Conoció a grandes intelectuales del momento. Además fue integrante de la Real Academia de la Lengua Española.

Al parecer, el gran amor de la vida de Salvador Novo sería el también dramaturgo y poeta español Federico García Lorca (1898-1936) quien fuera considerado uno de los escritores más importantes de la literatura española del siglo XX quien dicho sea de paso, estuviera adscrito al destacado grupo intelectual español denominado “La Generación del 27” .

El amor entre NOVO y Lorca se vería truncado; el destino los separó debido al fusilamiento por las fuerzas armadas de Franco, en el cual se le arrancó la vida a Federico Lorca en la tierra de Granada, España aún siendo joven.

 

NOVO, Un closet de cristal cortado  ya anteriormente se había presentado en el “Foro Novo” el cual fuera su hogar y hoy lleva su nombre, en el Teatro “La Capilla”, para posteriormente ser escenificada en el Teatro Benito Juárez. Actualmente se presentó en el Foro del las Artes en donde cerró sus presentaciones el domingo 6 de octubre del presente año 2024.

 

DINOROKERS

POR: Dalia De León Adams

 

*Los DINOROCKES regresan a la Tierra con un universo de diversión infantil.*

 

Eventage Like y LATE Producciones acaban de presentar su más reciente producción para niños y familia en general denominada DINOROCKERS en el Teatro XOLA Julio Prieto, este pasado sábado 5 de octubre 2025.

El evento comenzó con una clásica Alfombra Roja, en donde las estrellas invitadas mayormente fueron pequeñitos debutantes del medio artístico. Por supuesto también la recorrieron los Tres DINOROCKES, Jimi, Queen y Mick, tres entusiastas dinosauros músicos rockeros quienes se tomaron algunas fotos con sus fans infantiles y uno que otro adulto.

Los DINOROCKER asistieron con dos pequeños actores, quienes además cantan y bailan con ellos, junto con su abuelo:

-“Gracias a los cambios radicales que pudieron observar a su regreso, los DINOROCKERS decidieron poner las cartas sobre la mesa para atraer a su mágico universo a niños con una vasta imaginación para poder aprender y, sobre todo, rockear a su lado.

Luego de pasar bastantes décadas encerrados en un cajón viejo que yacía olvidado en el rincón del ático, los DINOROCKERS volvieron a la Tierra en pleno 2024 para conectar con la imaginación de los más pequeños del hogar.

Fue gracias a la curiosidad de los nietos de Jorge quien en los años 70’s dio vida a tres divertidos dinosauros -Jimi T-Rex, Mick Velociraptor y Queen Triceratos- basados en su estructura familiar que los dinosauros pudieron emerger del escondrijo polvoriento donde permanecieron olvidados.”-

DINOROCKERS es una obra teatral infantil escrita por Talía Yael, bajo la dirección escénica de Fede Di Lorenzo, en la cual actúa ésta última, junto con Santiago Aray, Tomás Ramírez Velasco, Priscila Tuero, Carolina Pérez Cano, Diego Yaru, Tiago Torres y Victoria Sanz.

Así es como se da vida a la historia: -“En la década de los 70’s un solitario niño de 10 años llamado Jorge dibuja a tres dinosauros con los que vivirá grandes aventuras”-. Aventuras narradas a través de las letras cantadas por todo el elenco estelar, las cuales tratan “Del agradecimiento y amor a la madre”, “De Lavarse los dientes para mantenerlos sanos”, “La admiración a la figura paterna”, “La necesidad imperiosa de cuidar nuestro planeta”, entre muchos temas más.

 

DINOROCKERS se presenta todos los días sábados a las 12:00 horas en el Teatro XOLA Julio Prieto.  

 

ANECDOTARIO BAIRES

POR: Dalia De León Adams

 

*¿Es posible quedarse sin nada, para recuperar lo único importante?*

 

-“Él está acostumbrado a las mudanzas; cuando era niño tuvo que mudarse de país, de familia, de abuelos y amigos. De adulto tuvo que mudarse de amor, desamores, de sueños frustrados y de historias tardías. Cuarenta y dos años, cincuenta y siete mudanzas. En cada casa ha ido dejando algo de sus deseos: la relación amorosa perfecta, el hijo al que podrá educar diferente, la reconciliación con el mejor amigo, el contacto con su madre y hermano. Un juego de ficción y realidad contando por un Argemex, con nostalgia de exilio y ecos de dictadura.”-

Esa es justamente la historia que presenta la puesta en escena ANECDOTARIO BAIRES que se acaba de estrenar en el Foro Shakespeare, original de Conchi León, bajo la dirección escénica de Matías Gorlero, con la Compañía Teatral Magnífico Entertaiment y A contraluz.

Es un melodrama hilarante con tintes de comedia, y un contenido dramático poco convencional, que tiene como trama de manera medular, el reencuentro de un hombre con su pasado, de una manera muy poco convencional, casi chusca.

ANECDOTARIO BAIRES contiene un texto muy bien estructurado, y presenta una temporalidad no lineal, pues constantemente se recurre a prospecciones y retrospecciones que ayudan de alguna manera, a replantar el pasado del personaje protagónico.

Es un montaje escenográfico a cargo de Félix Arroyo, que contiene un solo cuadro escénico, el cual tiene a manera de apoyo la presentación de algunos videos o dispositivo multimedia a cargo de Miriam Romero que ayudan a delucidar la historia.

El texto presenta diversas situaciones de conflicto ante la idea del personaje protagónico de reconectar con un pasado incierto, por lo cual realizará un largo viaje, en miras de recuperarlo. Sorpresa tras sorpresa, ahondarán más sus dudas, pero un reencuentro importante, finalmente calmará esas aguas y ansias profundas.

El elenco está formado por Alejandro Morales, Pedro de Tavira, Miguel Santa Rita, Nacho Tahaan, Lucio Giménez Cacho Goded y Muriel Ricard (alternando funciones). Todos ellos espléndidos en el escenario, logran que la obra, tras una gran dirección de Matías Romero y un texto con una temática fuera de lo común (Conchi León), sea un deleite.

 

ANECDOTARIO BAIRES se presenta en el Foro Shakespeare de viernes a domingos.

PUERTO DESEO

POR: Dalia De León Adams

 

*Una reinvención radical.*

 

En esta ocasión Gabriela Guraieb Rueda junto con Mariana Giménez reescriben la trama del afamado melodrama intitulado en 1951  “Un tranvía llamado deseo”, original del estadounidense Thomas Lanier Williams III (Columbus Misisipi, Estados Unido 1911-1983 New York) conocido en el medio artístico como Tennessee Williams.

Hoy en día dos talentosas mujeres del medio teatral en nuestra Ciudad de México, como lo son Mariana Giménez y Gabriela Guraieb destacadas por su talento histriónico, siendo la primera quien tras de también dirigir, ahora amplía sus perspectivas artísticas ubicándose como dramaturga, junto con su compañera Guraieb, para dar vida a la obra teatral recién estrenada intitulada PUERTO DESEO.

Consiste en una puesta en escena, por demás muy interesante y bien escrita, que reestructura la trama de Tennessee Williams dándole algunos giros y variantes en cuanto a los nombres de los personajes protagónicos, así como a los diálogos, ubicando el texto a manera de referente, en la época contemporánea.

Esto junto con el hecho de que el personaje protagónico de Blanche DuBois, (sacada de Un tranvia llamado deseo) una mujer madura perteneciente a una  familia adinerada sureña de los Estados Unidos, venida a menos, es sustituida dentro del texto original, por las dramaturgas de PUERTO DESEO, por un joven artista homosexual en crisis,  llamado Mariano, caracterizado espléndidamente por el actor Pablo Marín.

Todos esos elementos hacen que el melodrama PUERTO DESEO sea renovado en cuanto a los elementos dramatúrgicos, pero sin embargo, manteniendo la temática medular a tratar en “Un tranvía llamado Deseo”.

Bajo la dirección escénica de la también dramaturga Mariana Giménez, se presenta en escena el reparto estelar compuesto por el talentoso actor Cristian Magaloni, en el rol de Pau; un músico y mecánico español, quien interpreta el personaje que diera vida el actor estadounidense Marlon Brando, dentro del entonces largometraje producido en 1951, cuyo nombre fuera dentro del texto, Stanley.

En el papel del personaje protagónico de Blanche DuBois, hermana de Stella y esposa de Stanley, se encuentra el actor Pablo Marín quien logra una gran gama interpretativa.  Alex Gesso, Verónica Bravo, Natanael Ríos, Sunem Cedillo y Santiago Alfaro también son parte del reparto estelar.

Le comento qué el montaje escénico de PUERTO DESEO integra piezas musicales del género anarcopunk y bolero, siendo una de éstas, con la que se abre el telón, para iniciar en breve tras los tres llamados, ést interesante puesta en escena.

La música está compuesta por Miguel Tercero, y consisten en piezas melódicas algunas de ellas con el contenido poético de Alfonsina, entre otros poetas, que son cantadas por Cristian Magaloni y una ejecutada con una melodiosa voz, por parte de la actriz Vero Bravo, quien interpreta el personaje de Isabel en PUERTO DESEO.

Dentro del escenario se encuentra un automóvil (el clásico “Vocho”) además varios de los instrumentos musicales que ejecutan las piezas a presentar, y a un costado, un comedor que hace las veces de una humilde departamento en una vecindad; objetos escenográficos propuestos por Alita Escobedo y Mario Marín del Río, que logran enmarcar perfectamente los diversos cuadros escenográficos, durante los dos tiempos escénicos de aproximadamente 150 minutos.

PUERTO DESEO es la más reciente producción de Teatro UNAM que se presenta en el marco del Festival Cultural UNAM en el Teatro Juan Ruíz de Alarcón, con funciones de jueves a domingos, hasta el día 24 de noviembre 2024.

 

UNA PAREJA LÍQUIDA

POR: Dalia De León Adams

 

*POLIAMOR, en diversas facetas o formas.*

 

¿Qué se entiende por POLIAMOR? Resulta un cuestionamiento muy sui géneris a nuestra época, en la cual se habla no tan sólo de diversidades existenciales y preferencias sexuales más allá de la pareja tradicional, sino además de maneras distintas de vivir, enfrentar y gozar el sexo, e incluso de sufrirlo.

Y aunque se escucha más o menos frecuentemente hablar sobre ese tipo de amor carnal o convivencia sexual, la verdad es que poca gente tiene bien claro de qué trata. Le comento qué UNA PAREJA LÍQUIDA no es un curso o una manera de convencer o insistir sobre su práctica, de manera de consejo, o prohibición.

UNA PAREJA LÍQUIDA es solamente una divertida obra teatral con tintes de comedia, la cual es actuada por una pareja heterosexual convencional de actores Sonia Couoh y Pepe Carriedo), los cuales fueron invitados desde hace cuatro años atrás por su escritor, Hugo Yofee, para caracterizar ésta nueva propuesta escénica que expone algunos casos del POLIAMOR.

Le comento qué el mismo autor comentaría a la prensa que en realidad más allá del mundo teatral en el cual ha incursionado durante un largo periodo (como digamos una especie o manera recreativa  en la que incursiona) se desempeña como psicólogo.  

Motivo suficiente que lo llevaron en base a testimonios reales de algunos de sus pacientes incurrir en una nueva dramaturgia con una temática que aborda de manera medular, lo que él llama PAREJA LÍQUIDA; es decir, el modo de vivir el poliamor.

Sostiene en base a relaciones poli amantes qué dicha relación se vive de distintas maneras entre cada grupo de personas que la practican. Hechos que se muestran dentro de su texto a través de las actuaciones de los dos actores, quienes interpretan a diversos personajes, en torno a ésta temática a abordar.

Pero bien ¿cómo describir el POLIAMOR? Según algunas definiciones textuales, se trata de lo siguiente:

-“Se utiliza para definir cuando un grupo de personas mantienen una relación afectiva, íntima, emocional y sexual, entre ellas. Lo realizan de forma duradera y simultánea. En esa relación, como es obvio, son más de dos.”-

-“El POLIAMOR consiste en involucrarse emocionalmente con más de una persona a la vez y eso, además implica cuidar, mimar, preocuparse por la otra persona, estar presente, ofrecer tiempo de calidad… Todas aquellas cosas que exige una relación monógama, pueden estar presentes en POLIAMOR y hacia más de una persona. (definiciones que aún nos pueden dejar ciertas dudas al respecto.

Y acorde con la definición que brinda la Real Academia de la Lengua, el significante fluctúa de la siguiente manera:

-“Nombre masculino  (refiriéndose tan sólo a la la palabra) POLIAMOR es una relación erótica entre varias personas, efectuada con el consentimiento de todas ellas.”-

Aparentemente se define sin complicación alguna, y bajo tonos de certeza y claridad. Pero según asegura su dramaturgo, el psicólogo Hugo Yofee, resulta con más variantes de las evidentes, lo cual hace que el montaje escénico de UNA PAREJA LÍQUIDA resulte además de ser mayormente una obra teatral escrita a manera de comedia, de cierta forma también puede resultar aleccionadora, pero, según hizo hincapié, la obra teatral no lleva la intención de convencer a nadie de practicarla, o de seguir teniéndola, en el caso de otros. (u otres).

Con respecto a ésta puesta en escena, es interesante el advertir qué su director escénico (Alberto Lomnitz) practica junto con su pareja una relación POLIAMOROSA: hecho que le suma a su dirección escénica la posibilidad de guiar adecuadamente las actuaciones protagónicas, evitando exageraciones y haciendo caso omiso de prejuicios, moralismos, o bien, excesos en las interpretaciones.

-“UNA PAREJA LÍQUIDA es una obra que explora la complejidad de una relación moderna entre Francis y Joe, quien atraviesas un proceso de terapia de pareja tras años de altibajos y desencuentros emocionales. La historia se desarrolla a través de diálogos intensos y reveladores, dónde cada personaje enfrenta sus inseguridades y deseos, así como las consecuencias de sus decisiones pasadas.”-

Protagonizada por Sonia Couoh y José Carriedo, la obra se presentará en La Teatrería a partir del 12 de octubre del año en curso 2024, los días sábados a las 20:00 horas y los domingos a las 18:00 horas.

 

Y finalmente surge una nueva interrogante ¿Será posible el hecho de sentirse enamorada por varias personas, a la vez? 

 

VOCES INMORTALES

POR: Dalia De León Adams

 

*Realmente Inolvidables.*

Homenaje Tributo

 

¿Quién no recuerda a los cantantes Vicente Fernández, Jenny Rivera, Juan Gabriel, Celia Cruz, Selena o bien, a Rocío Durcal?. Voces y canciones que éstos grandes interpretes (algunos de ellos autores) con su estilo propio y colorido de voz, así como por su presencia en los escenarios, se convirtieron en íconos de la música popular, tanto en nuestro país y en otras urbes y latitudes, en donde aunado a un estilo peculiar y a sus grandes éxitos, se convertirían en VOCES INMORTALES.

Éstas por supuesto, son algunas de las razones por las cuales los productores del concierto ya en puerta, intitulado VOCES INMORTALES decidieron llevar a cabo su proyecto, junto con la empresa SINERGIAS para reunir a los mejores recreadores en tan sólo una noche, con fechas disponibles en Posadas* Fin de Año* Eventos Empresariales* y en General.

Evento creado por José Joel, también conocido como cantante e hijo del tan apreciado “Príncipe de la Canción” José José, al cual por cierto no incluirán dentro del repertorio, pues ya ha sido en diversas ocasiones homenajeado por su vástago.  

Al proyecto se uniría con José Joel, su socio, el Señor Miguel Ángel Medina (más conocido como Rocco Medina) por lo que decidirían reunir a diversos artistas, para revivir las canciones más destacadas y cantadas por medio de artistas recreadores, quienes con su talento, caracterización y voz darán vida en el escenario tanto a la voz, como a la imagen de los mencionados ídolos ya fallidos.

De tal modo qué se convocó a la prensa, para dar a conocer varios de los pormenores del Concierto VOCES INMORTALES, durante el cual se hizo saber que NO se tratará de “Parodias”, sino de un evento totalmente artístico.

La duración será aproximadamente de tres horas, durante las cuales estarán presentes los imitadores Oscar Rodrigo Robles como Juan Gabriel; Eduardo Javier Ramírez Banda como Vicente Fernández, entre otros artistas seleccionados mediante un casting, para presentarse en una gira que se realizará tanto en nuestro país, como en los Estados Unidos, Centro y Sudamérica.

 

 

Informes y Contrataciones: wa.me/5213330213830   

INVIERNO

POR: Dalia De León Adams

 

INVIERNO… ¿en el cuerpo?, ¿o en el alma?

 

IVIERNO es una propuesta escénica de la Compañía “Teatro bajo la Lluvia”, escrita e interpretada por Cristian Lara, bajo la dirección escénica de Antón Araiza que acaba de concluir temporada en el Centro Cultural “La Capilla”.

Es una puesta en escena escrita a manera de monólogo, montada en un solo tiempo y cuadro que fue montada bajo una propuesta escenográfica a cargo de Emilio Zurita, en el cual se mostrara únicamente un banco de sentarse manipulable por parte del actor protagónico, sobre un piso en el cual aparecía trazada una especie de enorme x, por así describirla, pues no tiene nada que ver con una letra de alfabeto, sino una manera gráfica de ir marcando las diferentes escena, para el actor.

Hecho que demuestra que para una buena escenificación en ocasiones tan sólo basta de una excelente dirección y actuación, aunado a una buena dramaturgia: elementos que ésta obra de teatro por supuesto contenía.

A manera de sinopsis se podía leer en cartelera teatral, la siguiente aseveración al respecto del contenido del texto:

-“Daniel toma un avión con destino a un lugar gélido. Ahí se reencontrará con Peps, su mejor amigo de la prepa, quien trabaja vendiendo pescado en el mercado del  pueblo. A partir de sus memorias, Daniel intentará trazar un mapa que lo ayude a conciliarse con su pasado y confiar en su presente.”-

La trama era en base al recurso de la narrativa del personaje protagónico, presentada bajo la voz de un Yo, Narrador, en primera persona, que respondía con su diálogo a una temporalidad no lineal, pues mostraba retrospecciones y algunas prospecciones temporales, aún cuando se daba inicio con  una situación en tiempo presente, en la cual el personaje de Daniel, caracterizado por el actor (y su dramaturgo) Cristian Lara, hacía evidente con su técnica unipersonal.

Éste narraba su pasado como estudiante preparatoriano, en donde conocería a su amigo Peps, entre otros más, y a su primer amor, novia y compañera de vida María. Tiempo durante el cual Peps recibe por parte de un pequeño condado en un país Nórdico (Bélgica) la posibilidad de irse a radicar trabajando en dicho lugar.

Daniel, tras de su separación con María algunos años más tarde, decidirá aceptar la invitación de Peps, para pasar 70 días en aquel gélido país, el cual posee sorprendentes y hermosas Auroras Boreales.

La obra es una novela contemporánea bien estructurada, que muestra la candidez de dos jóvenes, quienes en aras de un mejor futuro, vivirán momentos apacibles dentro de un pueblo pesquero y hospitalario, en donde la música de la guitarra de Peps se hace sonar.

Por ello es que el montaje escénico muestra algunos momentos durante los cuales el personaje protagónico canta y simula en otros momentos hacerlo, con algunas piezas melodiosas que se hacen escuchas dentro del foro, para deleite del público.

El juego de iluminación de Emilio Zurita termina siendo otro de los aciertos de ésta obra la cual contiene ciertos tintes de novela del género romántico, pese a no tener peso escénico la parte amorosa narrada por el personaje; sin embargo se encuentra en un lugar frío, en un ambiente mayormente nublado u obscuro, que habla de un personaje que pareciera que tendrá un cierto final trágico (elementos de la novela romática) pero que su autor logra darle una gran vuelta, con un final inesperado, satisfactorio.

 

INVIERNO se estuvo presentado en el Centro Cultural “La Capilla” hasta el  domingo 29 de septiembre del año en curso 2024.

LOS FUNERALES DE PAPÁ

POR: Dalia De León Adams

 

*Amor y odio ante la ausencia.*

 

Dramaturgia original de Emma Malacara, su también intérprete, presentada bajo la dirección escénica de Micaela Gramajo, la cual se presenta en el “Teatro Casa de la Paz” los fines de semana. Es una puesta en escena unipersonal que gira en torno al “duelo” de un padre ausente.

LOS FUNERALES DE PAPÁ es una manera tanto dramática, como divertida de imaginar una relación inexistente, así como diversos modos figurados, de morir de un padre; la figura paterna imaginada por el personaje protagónico de una joven.

De tal modo que se exponen algunos sentimientos antagónicos de una chica carente de afecto paternal, quien mediante el recurso teatral de la narrativa, va expresando, admiración, desprecio, amor y odio ante la figura ficcionalizada de un padre, al cual ofrece una función teatral. Objetivo que pretende mediante las formas mortuorias del deceso, termina por ser la manera de vivir en carne viva aquel abrazo negado.

LOS FUNERALES DE PAPÁ es una obra teatral que incurre dentro del género dramático, presentada con ciertos tintes de humorismo negro, la cual también responde al género psicológico, por la manera constante en que el personaje protagónico hace evidente sus sentimientos antípodos o antagónicos, gestados por la necesidad de verse abrazada y protegida por una figura inexistente.

-¿Cuántas veces no matamos a nuestro padres para lograr entenderlos? ¿Cuántas veces los matamos para nombrar la ausencia? Quizá ésta obra, más que un intento  por matarlo, es un intento por revivirlo.

Estamos aquí para despedir a mi papá, que hoy ha muerto. Ha muerto y esta noche volverá a morir, y volverá morir una y otra vez de formas atroces. Necesito encontrar respuestas a todas las preguntas que tengo sobre su vida. Respuestas que un papá vivo no puede darme.

Mi papá es un enigma. Para desentrañarlo he creado a papá trapo, que jugará a ser todos los papás posibles, todos los que forman éste rompecabezas que es papá.

Cada noche un nuevo intento por descubrir quién es, REALMENTE, mi papá. ¡Papá mentira? ¿Papá verdad? Papá realidad ¿Papá ficción?

Así se expresa la dramaturga y actriz Emma Malacara con respecto a ésta peculiar puesta en escena, en dónde la respuesta a sus preguntas, bien podría estar en una de las múltiples representaciones escénica, propuesta en su texto emotivo, que hace que la actriz de pronto llegue a un estado emotivo extremo, para ser interrumpido con una sonrisa o, un simple juego.

LOS FUNERALES DE PAPÁ tiene como soporte técnico un video con el cual interactúa la actriz Emma Malacara dentro del foro en el cual se expone un féretro y se simula la figura del padre enmarcada dentro de un gran muñeco de tela, manipulado por la misma joven intérprete.

Algunos juegos son parte de este montaje escénico dirigido por Micaela Gramajo, que le da un tono muy distinto a la caracterización presentada inicialmente bajo un tono trágico, acorde a la temática cruenta a tratar del LOS FUNERALES DE PAPÁ en el cual se obsequia, como es frecuente en dicha ocasión real, ofrecer café y galletas, lo cual hace que la atmósfera sea propicia al sentimiento de duelo, ante el féretro expuesto en pleno escenario  (el Lobby del Teatro).

 

LOS FUNERALES DE PAPÁ se presentan en el Centro Cultural y Académico “Teatro Casa de la Paz” ubicada en la calle Cozumel 33, colonia Roma Norte, Cuauhtémoc, los jueves a las 20:00 horas, los sábados a las 19:00 horas y los domingos a las 18:00 horas.

 

NINA, NINA, NINA

POR: Dalia De León Adams

 

*Romper y unir´*

 

Una historia basada en la obra magnánime de LA GAvIOTA que va más allá, mostrándola posible alma de su escritor Antón Chéjov y de su personaje protagónico NINA, a través de la recomposición de la escritura de textos propuestos por el estadounidense Steven Dietz (nacido en 1958), que van fragmentando poco a poco a la obra afamada LA GAVIOTA, recapitulándola, dispersándola, justificándola, destruyéndola y glorificándola.

Recordemos qué Antón Pávlovich Chéjov (1860-1904) fue un cuentista y dramaturgo ruso (además de médico)  quien incursionó en las corrientes de los géneros literarias del realismo y el naturalismo que se enlistaban en el arte de vanguardia secular.

NINA, NINA, NINA recreada en su obra magnánime, es una peculiar obra teatral escrita por Steven Dietz, en la cual los actores de pronto se convierten en el autor de LA GAVIOTA para posteriormente interpretar fragmentos reales de su texto, y con ello dar paso a otros desenlaces posibles de manera paralela, dentro de la misma obra.

Por parte de la producción general de Juan Manuel Torreblanca, quien por cierto también es  director escénico y traductor de la dramaturgia, en el programa de mano aparece la siguiente aseveración al respecto:

-Ésta adoptación retoma el último encuentro entre el joven escritor y la joven actriz de LA GAVIOTA original de Chéjov (tras del cual él se quitará la vida) para detonar (como en un efecto dominó) una serie de variaciones de ese momento.

Cada variación es una nueva oportunidad, una nueva posibilidad, un juego, una revelación o una exploración tonal, y todas abren múltiples reflexiones sobre la vida, el amor, la vocación, el teatro, el arte, el dolor, la amistad y la muerte.

“The Nina Varietions” de Steven Dietz se pregunta ante la tragedia de aquel joven con una profunda herida de abandono que va más allá del corazón roto por un desamor romántico. ¿Existe un destino? ¿Podría haber sido diferente? Gabriel Treplev reescribe su historia una y otra vez para tratar de esquivar el mismo final.-

Esta puesta en escena se presenta a manera de un drama musicalizado, dentro de la cual no podía faltar de aparece un tercer personaje en el escenario; el de  Misha, para darle un poco más de coherencia y vida al texto de LA GABIOTA. Es un personaje secundario de novela de Chéjov, que converge dentro de éste montaje escénico, que por más esta decir, pertenece al género de la tragedia.

-NINA, NINA, NINA reimagina el desgarrador final de LA GAVIOTA de Chéjov en 42 variaciones de un mismo momento. Donde las vidas de Nina y Treplev se fragmentan en múltiples universos posibles, cada variación del encuentro final entre ellos es una nueva oportunidad para explorar los diferentes desenlaces de la relación. Nuestra versión se pregunta ante la tragedia ¿Será que podría haber sido diferente? (nota de la compañía teatral, en cartelera).

 

NINA, NINA NINA, tiene como elenco a los actores-cantantes María Uriarte, Andrés Torres Orozco y Geo Equihua (guitarrista también) que se presenta bajo la Dirección Artística y General del Maestro Boris Schoemann, en El Teatro “La Capilla” los días martes a las 20:30 horas

 

RÉQUIEM

POR: Dalia De León Adams

 

*¿Justicia o injusticia?*

¡Duelo de ideas!

 

Por segunda ocasión la puesta en escena intitulada RÉQUIEM del dramaturgo Reynolds Robledo volvió al Foro Shakespeare, bajo la dirección escénica del maestro Enrique Singer, y con la extraordinarias actuaciones de Alberto Estrella y Mónica Huarte.

Contando con un gran texto, muy bien estructurado, la maestría en la dirección del Señor Singer y con dos grandes actores, la puesta en escena por supuesto termina siendo una verdadera promesa para aquellos que saben apreciar el teatro serio.

Ambos actores se desgarran de dolor en éste drama con un contenido contrastante tanto en idiosincrasias, como en la manera retórica de asumir las experiencias de la vida y la religiosidad. Son dos personajes protagónicos, un hombre cuyas circunstancias le llevaron a tomar el hábito, quien de manera antípoda se enfrentará circunstancialmente a un duelo de ideas, con una mujer abogada (Emma Solís), quien ante situaciones vivenciales frustrantes, se convirtiera en una mujer implacable y severa, sin caer en la cuenta que la vida la llevará a tener que enfrentar una también severa y radical resolución de la autoridad, que aludirá en la cruenta realidad en carne filial, con la misma balanza propuesta por ella misma.

Realmente es una propuesta escénica muy emotiva propuesta en un solo tiempo y cuadro escénico que simula una estancia en la penitenciaría. Es una puesta en escena que precisa de grandes actuaciones, como la del maestro Alberto Estrella y la actriz de moda Mónica Huarte; ambos en escenario demuestran tener gran madera de actores.

-Esta historia no transcurre hoy, puede ocurrir mañana, o dentro de muchos años, pero puede pasar, o quizás ya esté ocurriendo.

Estamos en un día lluvioso en la penitenciaría de Huntsville, Texas entre reporteros y manifestantes que esperan la resolución de un caso que ha sido esperado, celebrado y descalificado por más de uno después de un polémico juicio. El día llegó. En un cuarto de espera, está Emma Solís, la importante y dura fiscal estadounidense de ascendencia mexicana, quien logró que el jurado diera este controversial veredicto. Mientras lidia con una crisis familiar, espera a que esta condena pase sin mayor remordimiento.

La llegada del padre Michael Banks, un sacerdote que ha sido llamado para escuchar la última confesión del sentenciado, ocurre cuando Emma recibe una llamada sobre una posible apelación que intenta detener la ejecución. Esto desatará entre ellos una lucha de ideas, poder y secretos del pasado, el futuro y la humanidad, en un duelo donde presenciamos la muerte de un mundo.- (Sinopsis de la obra en cartelera teatral).

Acerca del joven y entusiasta dramaturgo y productor de RÉQUIEM, es decir Reynolds Robledo, le diré qué en 2015 se dio a conocer por el éxito de su obra “El cumple de la abuela”, aunque ya había escrito tres años antes “Eliza”, y en el año 2013 “Las trampas del Deseo”.

El director de ésta obra teatral, el maestro Enrique Singer (actor maestro y productor teatral) ha incursionado en todo género durante 30 años tras de haberse graduado en la asignatura de Teatro y Letras Hispánicas; ha sido postulado como Académico y Director General en Difusión en importantes Recintos Culturales como La UNAM, El IMBAL.

Alberto Estrella es bien sabido qué ha abarcado todos los medios escénicos como actor, consolidándose también en la dirección y producción teatral, además de ser poeta (libro físico “Nada es para siempre” editorial Emergente) y profesor en el Centro Cultural “El Círculo Teatral” el cual fundara con su homólogo el también actor y director Víctor Manuel Carpinteiro. Ha recibido varias preseas como El Premio Arlequín en 1999, por su labor artística y justo ahora está por recibir un premio más  en el rublo de “Mejor Actor”.

Finalmente Mónica Huarte es una exitosa actriz, empresaria y escritora mexicana, quien realizó parte de sus estudios en Michigan, en Los Ángeles y en Madrid, especializándose en Letras Hispanoamericanas. Ha sido galardonada con dos “Diosas de Plata”.

 

Como podrá Usted saber, dichas talentosas figuras del Tetro hacen que la obra sea imperdible. Sin embargo, RÉQUIEM cerrará éste ciclo de representaciones en el Foro Shakespeare la próxima semana con doble función el sábado 28 de septiembre a las 18:00 y 20: horas, y el domingo 29 de septiembre a las 17:00 y 19:00, siendo en ésta última la ocasión en la cual se develará una placa conmemorativa con padrinos de lujo, entre los cuales se encontrará la actriz María Rojo.RÉQUIEM

POR: Dalia De León Adams

 

*¿Justicia o injusticia?*

¡Duelo de ideas!

 

Por segunda ocasión la puesta en escena intitulada RÉQUIEM del dramaturgo Reynolds Robledo volvió al Foro Shakespeare, bajo la dirección escénica del maestro Enrique Singer, y con la extraordinarias actuaciones de Alberto Estrella y Mónica Huarte.

Contando con un gran texto, muy bien estructurado, la maestría en la dirección del Señor Singer y con dos grandes actores, la puesta en escena por supuesto termina siendo una verdadera promesa para aquellos que saben apreciar el teatro serio.

Ambos actores se desgarran de dolor en éste drama con un contenido contrastante tanto en idiosincrasias, como en la manera retórica de asumir las experiencias de la vida y la religiosidad. Son dos personajes protagónicos, un hombre cuyas circunstancias le llevaron a tomar el hábito, quien de manera antípoda se enfrentará circunstancialmente a un duelo de ideas, con una mujer abogada (Emma Solís), quien ante situaciones vivenciales frustrantes, se convirtiera en una mujer implacable y severa, sin caer en la cuenta que la vida la llevará a tener que enfrentar una también severa y radical resolución de la autoridad, que aludirá en la cruenta realidad en carne filial, con la misma balanza propuesta por ella misma.

Realmente es una propuesta escénica muy emotiva propuesta en un solo tiempo y cuadro escénico que simula una estancia en la penitenciaría. Es una puesta en escena que precisa de grandes actuaciones, como la del maestro Alberto Estrella y la actriz de moda Mónica Huarte; ambos en escenario demuestran tener gran madera de actores.

-Esta historia no transcurre hoy, puede ocurrir mañana, o dentro de muchos años, pero puede pasar, o quizás ya esté ocurriendo.

Estamos en un día lluvioso en la penitenciaría de Huntsville, Texas entre reporteros y manifestantes que esperan la resolución de un caso que ha sido esperado, celebrado y descalificado por más de uno después de un polémico juicio. El día llegó. En un cuarto de espera, está Emma Solís, la importante y dura fiscal estadounidense de ascendencia mexicana, quien logró que el jurado diera este controversial veredicto. Mientras lidia con una crisis familiar, espera a que esta condena pase sin mayor remordimiento.

La llegada del padre Michael Banks, un sacerdote que ha sido llamado para escuchar la última confesión del sentenciado, ocurre cuando Emma recibe una llamada sobre una posible apelación que intenta detener la ejecución. Esto desatará entre ellos una lucha de ideas, poder y secretos del pasado, el futuro y la humanidad, en un duelo donde presenciamos la muerte de un mundo.- (Sinopsis de la obra en cartelera teatral).

Acerca del joven y entusiasta dramaturgo y productor de RÉQUIEM, es decir Reynolds Robledo, le diré qué en 2015 se dio a conocer por el éxito de su obra “El cumple de la abuela”, aunque ya había escrito tres años antes “Eliza”, y en el año 2013 “Las trampas del Deseo”.

El director de ésta obra teatral, el maestro Enrique Singer (actor maestro y productor teatral) ha incursionado en todo género durante 30 años tras de haberse graduado en la asignatura de Teatro y Letras Hispánicas; ha sido postulado como Académico y Director General en Difusión en importantes Recintos Culturales como La UNAM, El IMBAL.

Alberto Estrella es bien sabido qué ha abarcado todos los medios escénicos como actor, consolidándose también en la dirección y producción teatral, además de ser poeta (libro físico “Nada es para siempre” editorial Emergente) y profesor en el Centro Cultural “El Círculo Teatral” el cual fundara con su homólogo el también actor y director Víctor Manuel Carpinteiro. Ha recibido varias preseas como El Premio Arlequín en 1999, por su labor artística y justo ahora está por recibir un premio más  en el rublo de “Mejor Actor”.

Finalmente Mónica Huarte es una exitosa actriz, empresaria y escritora mexicana, quien realizó parte de sus estudios en Michigan, en Los Ángeles y en Madrid, especializándose en Letras Hispanoamericanas. Ha sido galardonada con dos “Diosas de Plata”.

Como podrá Usted saber, dichas talentosas figuras del Tetro hacen que la obra sea imperdible. Sin embargo, RÉQUIEM cerrará éste ciclo de representaciones en el Foro Shakespeare la próxima semana con doble función el sábado 28 de septiembre a las 18:00 y 20: horas, y el domingo 29 de septiembre a las 17:00 y 19:00, siendo en ésta última la ocasión en la cual se develará una placa conmemorativa con padrinos de lujo, entre los cuales se encontrará la actriz María Rojo.

 

NOVECENTO

POR: Dalia De León Adams

 

*Cautivo en el Océano y el emerger de las notas musicales.*

 

Obra teatral conmovedora presentada por “Nación Producciones” que tiene como referente los albores del siglo pasado, cuya trama recrea una peculiar historia de una leyenda del piano, la cual es contada por su amigo trompetista, quien se convierte en el narrador de la vida de éste inolvidable personaje llamado David Brown T.D. Lemon (limón) NOVECHENTO.se dice en italiano.

La historia da inicio tras del abandonado de un bebé, dentro de un enorme  barco llamado “Virginian”, con personajes de ficción adosados a la usanza de la primera mitad del siglo XX, cuyo referente es siempre en altamar, dando casi inicio los años 1900 y posteriormente concluyendo con la gestación de la Primera Guerra Mundial.

-Con el puerto lleno de expectación El Virginian se prepara para iniciar una travesía que promete convertirse en una leyenda. Este majestuoso trasatlántico bajo la experta supervisión de sus capitanes Axel Campillo y David Farji (co-director) está listo para surcar los mares con una tripulación dedicada a hacer de éste viaje una experiencia única.

Así es como de manera muy creativa, la Compañía Teatral “Nación Producciones” invita a su público a sentirse parte de ese icónico viaje, planeado para zarpar en un día 15 de marzo de 1929, justo dentro de un viaje en dónde NOVECENTO mora en la inmensidad del mar y el oleaje constante.

Es un viaje con invitación por escrito que recibe todo el público justo al entrar al foro; la supuesta invitación aparece dentro de un viejo sobre sellado y firmado por el Capitán del Trasatlántico, el Señor Ferrer Martí interpretado por el actor José Ignacio Aranda; sobre dado junto con un periódico secular (a modo de programa de ésta obra teatral).

Al comienzo el Capitán del barco le dará la bienvenida en la entrada al foro para que Usted forme parte como testigo presencial, de los sucesos que inician con el abandono de un recién nacido, adoptado por uno de los tripulantes quien decidirá ponerle su propio nombre, sumándole T.D. Limón NOVECENTO. (novecientos en español).

-Un trompetista de jazz, a través de sus recuerdos nos narra la extraordinaria historia del que fuera su mejor amigo NOVECENTO, un pianista excepcional nacido en uno de esos barcos que recorrían las rutas entre Europa y América a principios del siglo XX, en los que se mezclaban ricachones, golfos, emigrantes y turistas.- (sinopsis de la obra).

Se trata de una interesante y cautivador montaje presentado bajo un solo cuadro escenográfico que presenta el diseño visual del marketing por parte de la Señorita Sahara. Es una puesta en escena escrita por el dramaturgo italiana Alessandro Baricco (Premio Viareggio-Repaci y Doctor Honoris Causa).

NOVECENTO se encuentra bajo la excelente dirección de dos jóvenes entusiastas, Axel Campillo y David Farji (co-director) y las actuaciones del primer actor Juan Ignacio Aranda (Trompetista narrador y capitán inicialmente) junto con la actriz y cantante Majo Medellín (quien interpreta una bella melodía) y los actores Rodrigo Reséndiz y Ata, ambos infiriéndole gran versatilidad a su personajes.

NOVECENTO es una puesta en escena que cuenta con la presentación de un Yo Narrador, caracterizado por Juan Ignacio Aranda quien ejecuta con gran plástica actoral a sus personajes. En cuanto al lenguaje, se utilizan diversas frases coloquiales e introducción de algunas palabras altisonantes que son matizadas con gracia y aparente espontaneidad, que hacen reír al público. Papel caracterizado por Juan Ignacio Aranda quien ejecuta con gran plástica actoral y emotividad a sus personajes, modulando tanto su voz, como sus movimientos corporales.

Montaje escénico el cual se presenta bajo la propuesta escénica de Teatro de Sombras, complementada con grandes actuaciones en el escenario, apareciendo los actores ocasionalmente entre butacas y tras de bambalina que simula ser una de las paredes del barco.

La obra es amenizada con música que precisa el texto y que pertenece a los géneros del swing, jazz y blues, con piezas melódicas en las cuales resalta el piano y la trompeta que los personajes de Novecento y su amigo, acorde a la narrativa, son quienes los ejecutan.

Finalmente le comentaré qué a manera de sinopsis de la trama en cartelera teatral aparece la siguiente nota textual:

-En el majestuoso escenario de un trasatlántico que surca el Océano entre Londres y Nueva York se desenvuelve la increíble historia de NOVECENTO, un prodigioso pianista nacido y criado en el océano. Sin haber puesto nunca un pie en tierra firme NOVECENTO desafía las fronteras del mundo conducido con su música celestial que cautiva a todos los que lo escuchan. Con cada nota narra la grandeza y la melancolía de su vida vivida en movimiento perpetuo, atrapado entre la inmensidad del mar y el horizonte infinito.- (nota en cartelera teatral).

NOVECENTO se presenta los días miércoles a las 20:30 horas en el Foro Shakespeare.

 

 

@nacionproducciones

EL AMO DE LA CASA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

*¿Se identifica con AMO DE LA CASA?*

 

Hoy en día muchos hombres, con el cambio tan radical de la conducta y normas  sociales, cambio de roles, anulación de muchas parejas, matrimonios homosexuales o poligámicos, e incluso hijos clonados o adoptados, bien pudiera Usted ser todo un AMO DE LA CASA.

EL AMO DE LA CASA es una obra teatral escrita en bases reales por el dramaturgo Luis Miguel Osorio; puesta en escena que hoy en día se ha estado presentando en el Teatro del Centro Cultural “El Círculo Teatral”, la cual está por concluir temporada el martes de la próxima semana, es decir, el 24 de septiembre 2024.

-“A raíz de la ausencia de su mujer, Pepe, un hombre educado a la antigua, se verá obligado a asumir la responsabilidad de la educación de sus dos pequeños hijos además de llevar una casa, juntos aprenderán las labores domésticas y tal vez algo más.-

Así se expresaron tiempo atrás las compañías patrocinadoras “Díaz de Teatro Producciones” y “Ovejas Negras” con respecto al contenido de ésta dramaturgia Luis Miguel Osorio, quien además, por cierto, es el director artístico de ésta puesta en escena.

Hoy en día aparece en cartelera teatral la siguiente sinopsis sobre ésta divertida obra escrita a manera de comedia, pese a las vicisitudes que enfrenta el personaje dentro de la narrativa escénica:

-Es una obra que explora la relación entre un padre y sus hijos, y cómo se ve obligado a asumir la responsabilidad de su educación cuando su esposa se va. La obra está dirigida y escrita por Luis Miguel Osorio y cuenta con Vicente Ferrer y Mauricio Estrada en el elenco.-

Contando con las actuaciones estelares simultáneas de Vicente Ferrer y Mauricio Estrada, el montaje escénico de EL AMO DE LA CASA éste montaje escénico ya había sido presentado en el Bellescene, pero en esta ocasión se presenta aún más divertida, registrando algunos pequeños cambios tanto en el texto, como en la dirección escénica de Luis Miguel Osorio.

El texto esta escrito a manera de monólogo con el que el actor protagónico Vicente Ferrer/ Mauricio Estrada caracterizan el personaje de Pepe con gracia e histrionismo escénico.

Personaje que muestra lo difícil que resulta realizar las labores domésticas para muchos de los hombres educados a la antigua o de manera tradicional, quienes al no estar acostumbrados al cuidado de sus hijos, sufren, pero ésta dramaturgia deja por sentado que con amor “Todo se puede”.

La trama dramatúrgica nos presenta a un hombre quien de pronto ante la ausencia de quien fuera su esposa María, se encuentra ante la incertidumbre del cómo hacer para tener que educar sólo a su dos hijos, aunado al hecho del tener que llevar a cabo todas las labores domésticas.

Ante la imposibilidad de hacerlo, contratará a una mujer para atender el servicio de su casa, y con ello, solucionar lo que pensó sería tarea fácil pero, tras la imposibilidad de poder cubrir los pagos a su empleada doméstica, opta por pedirle matrimonio para con ello, obligarla de alguna manera a hacerse responsable de su hogar de manera gratuita.

Así es como en pocas palabras comienza la trama de ésta obra teatral en donde se descubre la psiquis del personaje, quien acostumbra constantemente hablarle a la fotografía de su exmujer María, ubicada en una mesita de su sala de estar.

Los hijos son representados por dos pequeños muñecos de peluche, a los cuales el mismo actor protagónico mueve de un lugar a otro en distintos momentos escénicos, con los cuales entabla pequeños diálogos, simulando ocasionalmente con ellos la voz de sus pequeños hijos.

Con una duración aproximada de 90 minutos la historieta se representa en un solo cuadro escenográfico, en el cual se ubica un sillón mediano, la mesita con la fotografía, una cocineta con algunos utensilios, una mesa de comedor, un taburete y una lavadora qué en total, dan la apariencia de una casa humilde.

Suficiente apoyo escenográfico para recrear la narración en primera persona de un Yo, protagónico, en ésta puesta escénica unipersonal, que en opinión a la casa difusora de Sandra Narváez el mismo Luis Miguel Osorio:

-“El director comentaría como EL AMO DE LA CASA muestra a través del amor y de la cooperación, incluso del sacrificio la transformación de estereotipos culturales, por más arraigados que estos se encuentren.

Pepe es un personaje atemporal con el que indudablemente en algún momento de la obra, identificamos a nuestro padre, abuelo o algún integrante de la familia y con ello, al igual que el personaje superar comportamientos negativos.”-

 

EL AMO DE LA CASA se presenta hasta el próximo día martes 24 de septiembre del año en curso 2024, a las 20:30 horas.

 

SYLVIA PLATH

POR: Dalia De León Adams

 

Drama perteneciente al género biográfico, escrito por la dramaturga Gilda Salinas, bajo la dirección escénica de Óscar Casanova y las actuaciones estelares de Patricia Bermúdez/ Fátima Torres y Mario Rendón, siendo éste último quien da vida a diversos personajes tanto femeninos, como masculinos que estuvieron presentes en la vida de la inminente escritora estadounidense Sylvia Plath.

La obra teatral SYLVIA PLATH se trata de una puesta en escena en un sólo cuadro escénico, en el cual inicialmente aparecen algunos muebles cubiertos por sábanas blancas, e incluso la misma actriz protagónica permanece sentada y totalmente cubierta.

Aunado al importante juego de luces, se muestra la escena inicial con una apariencia la cual de inmediato deja entrever que se presentará una historia que comienza con el final; es decir, ante la presencia post-mortem de la poetisa Sylvia Plath, su alma recobra vida, para introducir al espectador a su vida pródiga como artista, pero infructuosa emocionalmente.

Pero, y ¿quién era Sylvia Plath? Tal vez Usted se preguntó. Pues bien, siendo hija de un inminente  biólogo y profesor de la Universidad de Boston, Sylvia Plath se educaría en Newnham College para convertirse en una escritora.

Atormentada ante la ausencia de su padre, quien partió del hogar cuando ella contaba con tan sólo 10 años de edad y su mala o casi nula relación con su madre, también la marcarían, aunado al dolor del abandono de su conyugue tras de tan sólo un poco más de tres años de matrimonio; un hombre también poeta, quien huiría con otra mujer devastándola aún más, hundiéndola en depresión, hasta la idea del suicidio

La poetisa dejaría huérfanos a sus dos queridos hijos ante la negación de condenarlos a vivir junto a una madre atormentada. Los pequeños cuyos nombres fueran Frieda Hughes and Nicholas Hughes, quienes tenían menos de tres años.

-Sobre SYLVIA PLATH también se sabe qué:  Nació en Boston el 27 de octubre de 1932, y falleció en Londres en el año de 1963.

-Fue una escritora y poetisa estadounidense. Considerada una de las cultivadoras del género de la poesía confesional. Sus obras más conocidas son sus poemarios El coloso y Ariel y su novela semiautobiográfica La campana de cristal, publicada bajo el seudónimo de Victoria Lucas, cuatro meses antes de su suicidio. Estuvo casada con el poeta Ted Hughes, quien tras su muerte se encargó de la edición de su poesía completa. En 1982 ganó un Premio Pulitzer póstumo por sus poemas completos.

A manera de sinopsis de ésta obra teatral en cartelera podemos leer al respecto la siguiente aseveración:

-Primer ganadora póstuma del Premio Pulitzer de poesía, Sylvia Plath, se quita la vida el 11 de febrero de 1963.

En SYLVIA enfrenta sus demonios para entenderse y poder expiar todo lo que cargó durante su corta vida. Esta obra se basa en la poesía y diarios íntimos de  SYLVIA PLATH.-

Y efectivamente, el montaje escénico presenta varios de los poemas de la escritora, los cuales son declamados por la actriz protagónica Patricia Bermúdez (y/o Fátima Torres), mientras que interactúa con el actor Mario Rendón.

Ambos mostrando dotes histriónicos y haciendo uso constante de diferente vestuario, en especial el actor, para lograr matizar a sus diversos personajes, haciéndolo a discreción durante cada escena. La obra termina siendo una emotiva e ilustrativa representación, tras de la cual, su director escénico, el Señor Óscar Casanova, aparece en el escenario ofreciendo apoyo a aquellas personas que pasan de igual modo, un momento de depresión.

 

SYLVIA PLATH se presenta en la Sala Novo del Centro Cultural La Capilla, ofreciendo funciones los días viernes a las 20:000 horas.

RÍO DE PRIMAVERA Y NOCHE ILUMINADA POR LA LUNA

 

*A miles de kilómetros de distancia,

Nuestros corazones se comparten esta noche.*

(SICHUAN CO)

 

Concierto de Boutique en México, intitulado RÍO DE PRIMAVERA Y NOCHE ILUMINADA POR LA LUNA el cual se presentó en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico (CCH) el pasado día jueves 12 de septiembre, a manera de espectáculo multisensorial integrado por música, danza, caligrafía y pintura.

Evento de gran calidad artística por parte de la Compañía de China “Teatro y Danza de Sichuan Co., Ltd” quienes se presentaron en nuestra Ciudad de México a manera de celebración por el Festival de Medio Otoño, el cual es muy simbólico en su Cultura Oriental.

Evento que tan sólo fue presentado con una única función y entradas gratuitas, bajo la propuesta y con la finalidad de continuar una buena hermandad entre el pueblo de China y México, por lo que el evento incluyó varias canciones icónicas de nuestro pueblo, como “El Jarabe Tapatío” y “El Cielito Lindo”, orquestados por la compañía de China de refinada manera, con un toque especial y armonioso.

Mujeres oriundas de China ejecutaron diversas de las hermosas piezas melódicas representativas de su país, especialmente números musicales que aluden y festejan a la época del “Medio Otoño”, incluyendo en el concierto, mayormente instrumentos clásicos orientales.

Instrumentos tales como laúdes, citaras y violines con cuerdas hechas de seda, flautas de bambú, y el órgano boca hecho de calabaza; o bien piedras de mármol y/o jade, que cuelgan de una cuerda y son golpeadas para musicalizar con ellas.

Sus vestimentas también fueron acorde a la tradición china denominado QUIPAO que significa Toga Qi, nombre otorgado por los “Han” de la China Central Trajes portados con gran delicadeza al moverse, utilizando un juego especial de movimientos de brazos semi estirados con movimientos especiales de las manos, al bailar o deslizarse.

Un interlocutor poco a poco antes de cada uno de los capítulos a ejecutar, daba una breve explicación en torno a la región y simbolismo de cada número artístico a presentar de manera multisensorial.

 

Tras de los tres capítulos bellamente escenificados, el evento RÍO DE PRIMAVERA Y NOCHE ILUMONADA POR LA LUNA de la Compañía China “Teatro y Danza de Sichuan Co., Ltd” concluyó con un largo y efusivo aplauso y muchos espectadores de pie, que ovacionaron el Concierto Boutique (Evento musical que se caracteriza por ofrecer una experiencia más íntima y personal).

 

LO QUE EL VIENTO A  JUÁREZ

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

*Puesta n escena sui géneris al Mes Patrio.*

 

-Ésta es la delirante noche en la que Juárez se debate si fusilar o no a Maximiliano de Habsburgo. Juárez está en un dilema y la aspereza del desierto de Samalayuca donde se refugia de mercenarios imperialistas que lo persiguen no ayuda; menos ayuda la presencia de su Secretario, de quien teme una traición.

 La firmeza de Juárez flaquea y su mala conciencia lo lleva a un delirio que los confronta con sus decisiones políticas. Una irreverente farsa histórica que juega con las posibles bifurcaciones de la Historia y que , con humos crítico, denuncia nuestros vicios nacionales.-

Así se presenta la sinopsis de ésta obra en la cartelera teatral, con respecto al contenido medular de éste montaje escénico propuesto bajo tintes históricos. Obra que empero la pluma de su escritora, la dramaturga Silvia Ortega Vettoretti, matiza con elementos de ficción, al presentar los pormenores de los hechos vividos por  Benito JUÁREZ.

Acerca de Don Benito Pablo Juárez García, es bien sabido qué fue un abogado y político de origen zapoteca, quien llegó a ser presidente de la República México en diversas ocasiones entre el periodo del 21 de enero de 1858 al 18 de julio de 1872, llegando a conocerse como el «Benemérito de las Américas.

El texto de Silvia Ortega Vettoretti se encuentra plagado de datos fehacientes. La autora y directora de éste drama  retrata con sus diálogos a varios personajes trascendentales de la época juarista, que en aquel entonces fueron partícipes activos de dicho periodo histórico en conflicto, lo cual hace evidente la detallada investigación a-priori efectuada por ella.

Los pormenores que hicieron tomar a JUÁREZ la decisión del fusilamiento del entonces propuesto emperador Maximiliano de Habsburgo por parte de Napoleón Bonaparte, serán trascendentales en el desarrollo de la trama de esta puesta en escena.

Sin embargo darán un vuelco en la narrativa histórica, en donde la pluma de la autora es capaz de darle un pequeño giro a los sucesos acontecidos durante la presidencia de JUÁREZ, aún cuando se precisan múltiples datos históricos con precisión.

LO QUE EL VIENTO A JUÁREZ no tan sólo es un parte-aguas de lo acontecido, sino que va más allá introduciéndose en la psiquis de su personaje protagónico caracterizado por el actor Baltimore Beltrán (Juàrez) quien en el escenario mostró sus grandes dotes histriónicos junto con sus dos compañeros en escena, los también grandes actores, el Señor Arturo Reyes, en el rol del Secretario y, Salvador Hurtado; éstos dos últimos por cierto, interpretan a la vez a diversos personajes de la historia con gran versatilidad.

Ésta interesante propuesta escénica se encuentra dirigida, como ya h mencionado,  por su propia autora Silvia Ortega Vettoretti, quien logró además de construir una trama de carácter informativo, matizarla con maestría y cierto humorismo negro.

-Esta puesta en escena presenta hipotéticamente a un hombre que no puede sustraerse de su propio destino. Historia y ficción conjuntan un momento decisivo para México. LO QUE EL VIENTO A JUÁREZ retoma la historia oficial , leyendas, bifurcaciones y –hasta las antigas teorías de conspiración- para deconstruir el pensamiento político de Benito Juárez y el momento histórico que vivió. Se trata de un ejercicio escénico que construye un teatro entrañable con personajes que habitan paradojas, al tiempo que generan relaciones contradictorias y disfuncionales. (cita textual del difusor Raúl Medina Arce).

LO QUE EL VIENTO A JUÁREZ se presenta bajo la producción ejecutiva de Yuly Moscosa, el diseño escenográfico y de iluminación de Jorge Kuri Neumann, Mario Marín en el diseño del vestuario y  la musicalización original de Pablo Mondragón.

 

LO QUE EL VIENTO A JUÁREZ se encuentra en La Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque (CCB) hasta el día  6 de octubre del año en curso 2024, los fines de semana.

Y ¡AHORA QUÉ VER! ¿Harry Potter?

POR: Dalia De León Adams

 

*Experiencia interactiva.*

 

¡Pues sí! Leíste bien. Si tú, como millones de espectadores y lectores entraste al mágico mundo de HARRY POTTER, la novela escrita por la autora inglesa J. K. Rowling y, soñaste alguna vez ser parte de ese mundo en dónde la magia y seres extraños abundan, pues te daré una grata noticia querido fan.

Warner Bro Discovery Global Themend Entertainment y Original X Productions (OGX) co-presentada por Fever y operada por Bidur Entertainment, tienen planeado qué los visitantes acudan a vivir en carne propia las aventuras de Harry Potter.

En HARRY POTTER AND MAGIC AT PLAY se podrán explorar las instalaciones que se presentarán en nuestra Ciudad de México a partir del 26 de septiembre de éste año en curso 2024, en “La Casa Abierta del Monte de Piedad” (Calle la Palma 14, Centro Histórico).

El plan es que tú puedas sentir en carne propia que eres Harry Potter, o uno de sus jóvenes aprendices de magia y hechicería, interactuando y explorando los mágicos e impactantes lugares icónicos que la serie de películas basadas en éstas novelas del género fantástico te hicieron soñar tanto con sus lecturas, como con sus numerosas películas.

Recordemos qué las novelas de la talentosa escritora británica J. K. Rowling han llegado a ser las más vendidas en los últimos años, logrando reunir a un sin número de seguidores en muy diverso países y latitudes del mundo.

Motivo por el cual los productores en México, Mark Tacher, Jaime Salinas y Sebastián Saidman están sumando esfuerzos para presentar el evento HARRY POTTER MAGIC AT PLAY que está pensado para que lo disfrute todo tipo de generación.

-Desde el momento en que Harry Potter, de once años, conoció a Rubeus Hagrid, Guardián de Llaves y Terrenos en la Escuela de Magia y Hechicería de Hogwarts, sus aventuras han dejado una marca indeleble en la cultura popular. Hoy, más de 25 años después, el fenómeno de Harry Potter sigue siendo una de las propiedades de entretenimiento más exitosas y queridas de la historia.

Las novelas más vendidas de J.K. Rowling han cobrado vida en un universo interconectado en constante evolución, amado por millones de fanáticos en todo el mundo. Ocho películas taquilleras y tres épicas de animales Fantásticos dan vida a la acción cautivadora de Harry Potter.- (nota de la compañía productora)

Fenómeno que ha dado lugar a incursionar incluso en videojuegos, muñecos y prendas de todo tipo, pero en ésta ocasión se va más allá de simples ventas, recreándose además los sitios en que incursionara Harry Potter.

-Explora la Sala de los Dursley cuidando de no molestar a nadie en el armario bajo las escaleras. Descubre algunas de las clases más queridas de Howarts, domina “Wingardium Leviosa” y haz levitar una pluma en encantamientos; explora el calabozo de pociones con todos tus sentidos y defiéndete de un grupo de duendecillos cornish en Defensa Contra las Artes Oscuras; practica los fundamentos del Quidditch; encuentra Patronus en el Bosque Prohibido y mucho más. Una multitud de experiencias icónicas y sorpresas esperan a los visitantes mientras forjan su camino a través del querido viaje de Harry. (nota textual de la Compañía Productora).

 

Boletos en: 

 

www.HarryPotterMagicAtPlay.com 

 

POR: Dalia De León Adams

 

La subasta, en el Varsovia

 

*Concurso pensando SIEMPRE en tú bienestar.*

 

Interesante puesta en escena de género futurista, que dentro de la narrativa expone las posibles consecuencias que en un futuro, tal vez no tan lejano, cuando lo material deje de ser objeto de venta, para dar cabida a la SUBASTA de “almas”.

En el devenir histórico se ha ido gestado la esclavitud y la servidumbre humana como resultado del poderío del hombre, “sobre el hombre” escondiendo la podredumbre humana con frases sofistas que simulan el bienestar social.

Temática que aborda ésta obra teatral, pero desde una perspectiva muy diferente; es decir qué en el caso de la dramaturgia de LA SUBASTA se muestra otra manera nueva de subordinar a la humanidad, mediante justamente una SUBASTA.

El juego a seguir es el subastar inicialmente vienes materiales como una casa, auto, reloj, joya o cualquier objeto de importancia sentimental, para pasar a subastar actitudes, estados anímicos, hábitos, compromisos como una unión estable, fidelidad, entrega incondicional, o cualquier comportamiento ético, hasta llegar a perder “La propia identidad”.

La tónica a seguir es, acorde con las siguiente normas del juego, expuestas textualmente en el programa de mano, y repetidas por un interlocutor dentro del tiempo inicial escénico (actor protagonista de la obra).

-Al ingresar a LA SUBASTA aceptas los términos y condiciones del programa. Recuerde que su código Vacuvid es su número de identificación personal, su pase de acceso a todas las plataformas y su medio de pago para todas las interacciones. Escanee el QR Vacuidad para ver el programa de mano, revisar sus niveles de unidades psico-sensitivas y sus opciones para ofertar en la subasta.-

En la obra se presentan dos de los actores en escena interactúan con el público, explicando dichas reglas del juego y simulando LA SUBASTA. Posteriormente él o la ganadora, subirá al escenario, lo que le llevará a cambiar radicalmente su vida.

LA SUBASTA es un montaje escénico en donde aparecen algunas cámaras y pantallas televisivas, además de una especie de paredes cristalinas, en dónde los personajes de los concursante aparecen, vistos tanto por los productores del concurso, como por el público en general.

Le comento que ésta dramaturgia surgió justo en el momento de crisis en que el Coronavirus se fue filtrando, paralizando al mundo entero, según comentara uno de los integrantes de ésta Compañía Teatral denominada “Alquimia Escénica y Proyecto Actinio”.

El elenco está formado por sus propios dramaturgos y directivos en colectivo. Son además los intérpretes de ésta puesta en escena del género de Ciencia  Ficción, quienes son Omar Carrúm, Angélica Acuña, Hernán Gariglio y Carlos Algecira.

Le comentaré finalmente que ellos cuatro se reunieron en enero del presente año 2024, para concretar la obra LA SUBASTA, bajo el patrocinio de El Sistema de Apoyo a la Creación y Proyectos Culturales SACPC y la misma Compañía Actinio.

-Obra que cuestiona las relaciones humanas de un futuro, donde el contacto físico y la idea de comunidad se han desvanecido.

Bajo la idea de un Reality Show en vivo, lleno de sorpresas, los espectadores pueden ser testigos del comportamiento y aspecto de los personajes en dicho contexto.

El público tiene una participación activa en el curso del destino de los participantes de Reality, es una experiencia divertida y emocionante, pero trascendental para la reflexión de la actualidad y futuro de nuestra sociedad.-  (Nota en cartelera teatral).

LA SUBASTA se presenta en el Teatro Varsovia (Calle Varsovia 9 116, colonia Juárez, Cuauhtémoc, CDMX) en días domingos a las 18:00 horas

 

 

COMO MÉXICO, NO HAY DOS. ¡Gracias a Dios!

POR: Dalia De León Adams

 

*Casi un recorrido por las calles.*

 

Muy sui géneris al mes patrio, la puesta en escena COMO MÉXICO, NO HAY DOS. ¡Gracias a Dios! Se presenta en el Teatro Silvia Pasquel, retratando a nuestro país a través de los sketches de un Teatro de Revista, a la usanza de las carpas que en los albores del siglo pasado (XX), fuera la manera más importante y masiva de entretenimiento y crítica política, en el entonces Distrito Federal, de dónde surgirían algunos de los íconos de la comedia, como lo fuera Clavillaso, Resortes Tin Tan y Cantinflas; artistas que más tarde con “El Siglo de Oro” Cinematografía, trascenderían fronteras.

Evidentemente es una puesta en escena en formato costumbrista, pues retrata fielmente a nuestro MÉXICO visto a través de diversos sectores de la sociedad, como lo es en el ámbito popular desde el indigente, los teporochos, los moralistas, los viene vienes, los policías, los corruptos, los cornudos, el machistas, la clase acomodada, el religioso, los criticones, los juniors, los oportunistas laborales, e incluso los concursos de belleza, y, en fin, un serie de personajes múltiples que son presentados, gracias al ingenio de su joven dramaturgo Manuel Bauche Alcalde.

Es una puesta en escena dirigida con gran talento por la Señora Carla Lorena Bauche, en la cual recurre a la presentación de algunos bailes, números musicales, actuaciones, presentación incluso de chistes de humor blanco, que en ésta puesta en escena con tintes de comedia, presenta a través de múltiples sketches.

Sketches que son interpretados por José Luis Meneses (actor estrella), Andrea Hernández, Virginia Bauche, Valeria Villareal, Gabriela Andrade, Axel Victal, Raúl Larrauri y Rafa Morán. Todos ellos caracterizando a sus personajes con cambios constantes de vestuario, pelucas, sombreros y en fin diversos objetos que le dan vida a los característicos habitantes que día a día encontramos en nuestro  MÉXICO.

-Ven a divertirte de principio a fin con este género típicamente mexicano al estilo de sketches de Teatro de Carpa y disfruta los 90 minutos de carcajadas, mientras de forma creativa y divertida los actores dan vida a más de 50 personajes de nuestra “indio-sin gracia” mexicana. Humor blanco y crítica ingeniosa...-

La compañía creativa “Manuel Bauche Alcalde” cumple 58 años de labor artística, por lo cual se dieron a la tarea de festejar con ésta obra teatral que retrata a nuestra sociedad, en casi todos su status sociales, idiosincrasia y hábitos, que son presentados con ingenio y creatividad artística.

Finalmente le comentaré qué el día de ayer, sábado 7 de septiembre, tras de concluir la función de estreno, subió su directora escénica para acompañar y presentar al elenco y equipo teatral, de ésta ilustrativa puesta en escena, acompañándola en este momento tan importante para la Compañía Teatral “Manuel Bauche Alcalde”, la misma Silvia Pasquel.

 

COMO MÉXICO, NO HAY DOS. ¡Gracias a Dios! Se presenta los días sábados en el Foro Silvia Pasquel (ubicado en la Avenida Juan Escutia 96, colonia Condesa) con funciones los días sábados a las 18:00 horas

GEMELOS

POR: Dalia De León Adams

 

*Son como el agua y el aceite.*

 

Divertida comedia presentada en El Circulo Teatral escrita y dirigida por Emiliano Santa Cruz. Es una puesta en escena que de inmediato nos recuerda la película TWINS que se estrenara en 1988 en los Estados Unidos, teniendo como intérpretes a los actores Arnold Schwarzenegger y Danny De Vito presentada bajo la dirección de Iván Reitman; cinta fílmica en la cual, dos personas descubren ser hermanos gemelos, producto de un experimento genético.

Empero, aunque tanto el título, como las características de los dos personajes protagónicos coinciden, la dramaturgia de la puesta en escena GEMELOS de Emiliano Santa Cruz, contiene un texto muy diferente a la del largometraje.

La obra teatral GEMELOS se trata de una muy divertida puesta en escena que incursiona dentro del género de la comedia. Contiene un texto en la cual dos hermanos físicamente muy diferentes, con personalidad y perfil psicológico totalmente antípodos, viven juntos una serie de situaciones en la cual convergen con una pareja de hermanos GEMELOS que habitan en el mismo edificio, en el departamento número 14 B.

A manera de Sinopsis de ésta puesta en escena, el grupo creativo, es decir “La Compañía Argentina CAT” presenta la siguiente aseveración acerca de su obra teatral:

-Corren los años 80’s, Bertulio un hombre gay de mediana edad al que acaba de abandonar su pareja, abatido y sin tener dónde ir, la idea del suicidio empieza a rondar por su cabeza. Su hermano Olivio (al que él llama GEMELO pero en verdad es su hermano mayor) es consciente de la depresión en que ha caído su hermano y se ofrece en recibirlo en su casa hasta que se recupere. El único problema es que los dos son como el día y la noche. Olivio es bohemio, extrovertido y un completo desastre. Bertulio es tímido, hogareño y un completo maniático del orden hasta extremos obsesivos, compulsivos. El conflicto está servido. Dos hermanos GEMELOS enfrentados en una situación límite, desastre tras desastre, hasta que ésta hermandad se ponga a prueba minuto a minuto.-

El reparto estelar está compuesto por su mismo dramaturgo y director, el Señor Emiliano Santa Cruz, quien aparece en escena en el rol de Bertulio, junto con Alejandro Poggio quien caracteriza el personaje de Olivio, compartiendo ambos personajes protagónicos el escenario, con los actores Patricio Belmont, Valeria Lordugain y Ana Graciano; todos ellos en mayoría presentando varios cambios de vestuario llamativos, realizado tras bambalinas.

Es un montaje escénico propuesto en un solo cuadro y tiempo (75 minutos) en el que se simula un pequeño departamento en el que habita Olivio; diseño escenográfico a cargo de Alejandro Poggio, que se presenta bajo el diseño de luces de Carmen Hernández Ceja y el proyecto gráfico de Pavel Quiroz.

 

La obra teatral GEMELOS la podrá Usted ver en el Centro Cultural El Círculo Teatral, bajo la producción Ejecutiva de Pat Belmont, con funciones los días viernes a las 20:30 horas.

 

Placa Conmemorativa para el MAESTRO ARTURO MÁRQUEZ

POR: Dalia De León Adams

 

*A 30 años de haber sido compuesto el DANZÓN 2.*

 

El DANZÓN 2 del Maestro Arturo Márquez ha sido el concierto más tocado y escuchado en las últimas décadas, en diversas y múltiples latitudes, según expresara con otras palabras el Maestro Roberto Cantoral Zucchi, Director General de La Sociedad de Autores y Compositores Mexicanos (SACM), así como el mismo ARTURO MÁRQUEZ.

Por ésta composición y por los variados conciertos que han incursionado en diversos géneros musicales de su autoría, es qué el MAESTRO ARTURO MÁRQUEZ recibirá una placa Conmemorativa a manera de homenaje, por su importante labor y trayectoria artística musical.

Homenaje que se efectuará el próximo día 13 de septiembre en el Centro Cultural Teopanzolco (CCT) en Morelos, en donde se develará una placa conmemorativa, según afirmó el Director General del CCT, el Maestro Hugo Juárez, quien además tuvo a bien mencionar qué es un verdadero privilegio que tan inminente músico eligiera vivir en el Estado de Morelos.

Por su parte el MAESTRO ARTURO MÁRQUEZ agregaría que Morelos ha sido además del lugar de su residencia en las últimas décadas, el lugar de inspiración de sus más recientes conciertos, aunado al Proyecto “SONEMOS” que desarrollara impulsando desde tiempo atrás a alrededor de mil quinientos niños, para que incidieran en su formación musical. Generaciones que hoy en día se han convertido en jóvenes universitarios.

En la rueda de prensa efectuada en dichas hermosas Instalaciones de la Sociedad de Compositores de México, es decir en “El Centro Cultural Cantoral” también estuvieron presentes el Maestro Hugo Juárez (Director General del CCT), y el Maestro Martín Urieta Solano (Presidente del Consejo Directivo de la SACM). Ambos expresando algunos pormenores del Homenaje, así como su apreciación a la importante labor que ha desarrollado el MAESTRO ARTURO MÁRQUEZ.

Y tan sólo por recordar ¿quién es tan inminente compositor mexicano, le comento finalmente qué:

-Jesús Arturo Márquez Navarro, nació el 20 de diciembre de 1950, en Álamos Sonora. Conocido como ARTURO MÁRQUEZ, es un director de orquesta y compositor mexicano, reconocido por utilizar formas y estilos musicales oriundos de nuestro país, incorporándolos en sus composiciones.

Fue galardonado en 2009 con el Premio Nacional de Bellas Artes, Premio Distinguished Alumnus Award, entre otros premios y distinciones, siendo la última ocasión en Tokio, sólo por nombrar algunos y recordando que el Festival Internacional de Caracas Venezuela en 1994, llevó su nombre, y por si fuera poco, actualmente es El Vicepresidente de la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores (CISAC) y Vicepresidente Ejecutivo de la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM).-

 

¡EN HORA BUENA MAESTRO ARTURO MÁRQUEZ!

NO TE VAYAS SIN DECIR ADIÓS

POR: Dalia De León Adams

 

*Es un adiós en el escenario para el actor Juan Ferrara.*

 

Contando con una lluvia de estrellas en el Teatro Rafael Solana, el día de ayer martes 3 de septiembre, tras de quince representaciones de la dramaturgia de Óscar S. Ortiz de Pinedo, se intitulada NO TE VAYAS SIN DECIR ADIÓS, por fin fue presentada la obra para la prensa e invitados.

Teniendo la excelente dirección escénica del maestro Enrique Singer y como actor protagónico al Señor Juan Ferrara, se presentó al concluir la función, su Productor General, es decir el Señor Jorge Ortiz de Pinedo.

Tras un tiempo de no incursionar en el teatro, empero Jorge Ortiz de Pinedo se había dedicado tanto a actuar como a producir algunas series de comedias, como lo es por mencionar alguna “Una familia de 10”, entre otras producciones más con el éxito que comúnmente le caracteriza.

Es bien sabido qué el Señor Jorge Ortiz de Pinedo se ha destacado por ser un actor, comediante, director y productor en los diversos rublos escénicos, es decir, en el cine, el teatro y la televisión, por lo que muchos actores que han trabajado con él, asistieron a dicha función para apoyarlo y disfrutar del evento el cual por cierto, terminó en un espléndido cocktail como es su costumbre.

Pero volviendo al montaje escénico de NO TE VAYAS SIN DECIR ADIÓS le comento que es una obra muy bien estructurada, que conmovió y sorprendió al público en general, con una temática muy interesante..

En el texto Óscar S. Ortiz de Pinedo presenta una serie de conflictos, que se van desarrollando en el momento de que una familia se reúne para celebrar un año más de vida del abuelo, (interpretado por Juan Ferrara) y lo que debió ser un evento fortuito, terminó en una serie de conflictos y tragedia.

NO TE VAYAS SIN DECIR ADIÓS aborda una temática de manera medular, en donde se muestra el machismo y la misoginia arraigada en uno de los personajes; por otro lado, se muestra su lado agresivo con las mujeres, como suele ser característico de dichas personas; propuesta que puede ser analizada desde una perspectiva psicológica.

La vulnerabilidad, la enfermedad genética, la depresión y el encubrimiento de la verdad, por amor, son los elementos que integran éste drama mediante una narrativa que recurre a sucesos y remembranzas del pasado, en base a algunas retrospecciones temporales.

Puesta en escena en un solo tiempo y cuadro escenográfico que muestra la estancia y el comedor de una vivienda, en donde transcurren sucesos inesperados para todos, con un referente de cualquier día, en la actualidad.

El elenco está conformado por Juan Ferrara, Andrea Torre, José Manuel Lechuga, Natalia Madero, Óscar Medellín, Adrián Rubio, Karla Gaytán, Camila Rivas y Renata Chacón, éstas tres últimas actrices alternando las funciones.

-Una cena familiar donde todo era alegría se transforma en pleitos, reclamos e insultos. Existe una verdad oculta que los ha hecho vivir una gran mentira, esta verdad inconfesable está a punto de salir a la luz y podría provocar la devastación de la familia.

Una obra impactante que muestra los rencores, odios y envidias ocultos entre las bromas y risas de algunas reuniones familiares… ¿Te suena conocido? En tu familia nadie oculta un secreto inconfesable? Una historia que te estrujará el corazón pero te dejará un rayo de esperanza- (Sinopsis de la obra en cartelera teatral). 

 

NO TE VAYAS SIN DECIR ADIÓS se presenta en el Teatro Rafael Solana (Miguel Ángel de Quevedo 687, colonia San Francisco, Coyoacán) con funciones de viernes a domingos.

 

TEORÍA BUTTERFLY

POR: Dalia De León Adams

 

*Yo sé dónde está.*

(Frase de la Compañía Teatral)

 

Dramaturgia de la Compañía “La Vida Real” y Jimena Eme Vázquez, quien además dirige ésta puesta en escena en base a la memoria de quien fuese “La Mariposa del Barrio, es decir, a la fallida cantante mexicana-estadounidense Jeny Rivera.

Por dicha razón no es extraño que el título de ésta obra teatral lleve en nombre de TEORÍA BUTTERFLY, palabra última en inglés, la cual significa MARIPOSA en español, como Usted bien sabe. Es un texto que además intenta teorizar o conceptualizar en base a algunas ideas al respecto de dónde se dirigen las almas de los muertos.

Conceptos que utiliza la escritora del texto, a manera de teoría; es decir la autora, directora escénica e intérprete para en base a su texto, asegurar una respuesta muy peculiar. La dramaturgia presenta a un personaje que admira al extremo a la Diva, asegurando tener contacto con ella mediante su celular y mediante algunos acontecimientos que le dieran pauta para creer contactarla, y con quien asegura, se encontrarán en dicha dimensión, post-mortem.

Teoría que sostiene que el tiempo en dicho lugar no es línea, pues transcurre tanto en el tiempo presente, como en el futuro y el pasado, en una misma ocasión. Así la TEORÍA BUTTERFLY termina siendo prácticamente un homenaje a Jenni Rivera, “La Gran Señora” por lo cual se hacen escuchar varias de sus más afamadas interpretaciones, aunadas a algunos comentarios que alguna vez fueran gravados, de sus padres, quien hablaran acerca de los inicios de Jenni Rivera, como cantante.

Mediante el formato de espectáculo unipersonal, la interprete Jimena Eme Vázquez, en determinado momento de ésta puesta en escena, se viste acorde al look que en el escenario mantenía la Mariposa del Barrio, como también era conocida, cantando al unísono con los discos, algunos de sus éxitos y letras que se volvieron icónicas.

-La obra no solo aborda la figura de Jenni Rivera como un ícono de la música regional mexicana, sino que también explora su lucha personal contra el sistema patriarcal y la violencia que enfrentó a lo largo de su carrera.- (nota en cartelera teatral).

Con respecto a la frase que utiliza en varias ocasiones la interprete de ésta obra de género biográfico y que es: “Yo sé en dónde está” es la manera de contar algunas anécdotas o mitos que se crearon tras de su muerte accidental, las cuales comenta a colación del recuento de su vida, mediante la narrativa del monólogo.

La puesta en escena es en un solo cuadro escenográfico que muestra un escenario en forma de cruz, y en medio se encuentra un aparato con el que simula modular tanto el sonido de las canciones, como la reproducción de las voces de los familiares de Jenni Rivera.

Acerca de la biografía de Jenni Rivera, se puede leer en una nota en Wikipedia, la siguiente aseveración al respecto:

-Dolores Jenney Rivera Saavedra (Long Beach, 2 de julio de 1969 Iturbide Nuevo León, 9 de diciembre del 2012 conocida como Jenni Rivera fue una cantante estadounidense. En Estados Unidos y en México se estima que vendió 25 millones de discos, lo que la convierte en la intérprete de banda sinaloense más importante. Varios medios de comunicación incluyendo CNN, Billboard, Fox News y el New York Times la etiquetaron como la figura femenina más importante y de mayor venta en el género de la música regional mexicana. También llegó a ser nominada a cuatro Premios Grammy.-

 

Entre algunos tequilas y cervezas se llevó a cabo éste montaje escénico peculiar intitulado TEORÍA BUTTERFLY el cual se está presentado en el Teatro “El Granero, Xavier Rojas” del Centro Cultural del Bosque con funciones de jueves a domingos hasta el día 14 de septiembre del año en curso 2024.

 

LA FÁBULA DEL TODO

POR: Dalia De León Adams

 

*Una disertación científico-escénico-musical.*

(Aseveración del grupo creativo)

 

Bajo la dirección del maestro Claudio Valdez Kuri cuya dramaturgia es de su autoría, junto con Mónica Hoth, su coautora, el día de ayer viernes 30 de agosto se estrenó en el Teatro Helénico, la puesta en escena intitulada LA FÁBULA DEL TODO.

Título muy sui géneris a la parte medular del texto, el cual presenta al público una serie de información acerca del TODO de la creación, el universo, La existencia, el pensamiento y sus componentes, a través de una interesante narrativa que muestra los más recientes conocimientos científicos es base a la teoría desarrollada por la Física Cuántica, la Bio-neurología, entre algunos preceptos einstenianos.

Y en el título además aparece la palabra FÁBULA, en la medida en que esta obra se presenta en un formato teatral en donde la ficción tiene cabida con lo real; es decir qué aún cuando la obra presenta muchos elementos científicos, no se trata de un documental, sino de un montaje escénico divertido, en dónde la propuesta escenográfica es mostrar una aula de estudios de algunos adolescentes problemáticos, y de sus docentes, quienes aparecen como los personajes que permiten discernir con elementos científicos, a manera de expresión teatral.

Aunado a ello, la propuesta escénica presenta elementos musicales de gran engranaje artístico, como suele hacer el maestro Claudio Valdez Kuri en las sus obras en las cuales se hace inminente su gran cultura y talento.

Obras teatrales con dramaturgias presentadas por la Compañía Teatral denominada “Ciertos Habitantes”, la cual fue fundada por el mismo Claudio Valdez Kuri, quien incluye a personajes dotados de conocimientos en el manejo de instrumentos musicales, los cuales ejecutan con soltura y en movimiento continuo, tanto corporal, como instrumental; rasgo distintivo de sus puestas en escena, en las cuales mayormente incluye además melódicas voces educadas en dicho rublo artístico.

Con respecto a Claudio Valdez Kuri, encontramos qué: Es un dramaturgo y director mexicano, reconocido como uno de los artistas latinoamericanos con mayor presencia internacional. Fundó y dirige su propia compañía “Teatro de Ciertos Habitantes”. Es director egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica, con mención honorífica, especializándose en documenta. (nota en página WEB).

 

Acerca de la Sinopsis de la obra LA FÁBULA DEL TODO en el boletín de prensa y cartelera teatral se puede leer de manera textual la siguiente aseveración:

-La preparatoria “Corazón de Jesús Borraz Moreno” se distingue por recibir a estudiantes mayormente rechazados de otros planteles y por la leyenda del fantasma de Borraz Moreno, quien supuestamente toca una marimba que sus descendientes donaron a la institución. A pesar de la desesperanza de los alumnos sobre su futuro, los maestros los motivan con avances en cosmología, física, neurociencia y biología. Ante la amenaza de cierre de la escuela. Por bajo rendimiento, estudiantes y maestros se unen para salvarla, poniendo en práctica los principios que las investigaciones de vanguardia en torno a la consciencia están reconociendo que nuestros pensamientos inciden en la materia y la modifican.-

El reparto  estelar se encuentra conformado por Carolina Blanco, Emiliano Campos, Xóchitl Galindres, Alexis García, Abril Ramos, Xochiteotzin y Rodrigo Sánchez Maya. Todos ellos calificados músicos y actores.

Como podrá usted ver LA FÁBULA es una puesta en escena en donde además de pasar un tiempo sumamente agradable, se presencia un espectáculo de calidad artística e informativo. La obra tiene funciones en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico de viernes a domingos, hasta el día 13 de octubre del año en curso 2024.

 

*El universo no es una máquina insensible, sino un sistema vivo consciente, en el cual la mente juega un papel esencial en su evolución y manifestación.*

(La Compañía Teatral CIERTOS HABITANTES).

 

 

CARNALES

POR: Dalia De León Adams

 

*La violencia en todas sus formas

llevadas al extremo.*

 

-Hace más de un año , Tito Casanova me invitó a dirigir esta obra. Leer el texto fue conmovedor y perturbador. La ficción de la obra encara, de una forma salvaje, aspectos de la condición humana que no son fáciles ni agradables, pero sí reales y cotidianos, Y la esencia de la obra se vive no sólo en México, sino en todo el mundo de formas emocionales, psicológicas y sexuales.

Casanova volcó sus esfuerzos en convocar a un grupo de actores para realizar al proyecto. Con ellos, exploramos el texto a fondo y sugirieron nuevas situaciones y conflictos. El texto fue desarrollándose  fiel a la idea de Casanova, pero ahora propiedad de cada personaje, de cada actor. (aseveración textual del director José Acosta).

La irresponsabilidad ante la paternidad, la falta de ética profesional, la deslealtad, el segregarísmo, la impotencia mezcla de miedo y vulnerabilidad, el abuso sexual y psicológico aunados al desamparo, son los temas medulares en que incurre ésta dramaturgia.

Obra teatral perteneciente al género del realismo y naturalismo, en la medida en que proyecta problemáticas existentes sin tapujo alguno, de una sociedad que esconde sus miserias del alma, justificando sus aberrantes acciones y manera de vivir la vida, ante la destrucción deshumana en su entorno.

El abuso sexual a menores es el punto de arranque que va develando poco a poco situaciones adversas sufridas por los huérfanos de una institución corrupta, como suele suceder, y aunque el texto parte de la ficción, recordemos que pese a ser muy cruento, la realidad desgraciadamente siempre supera a la ficción.

Es un juego en el que los participantes son víctimas y victimarios y qué en la pluma del actor y ahora dramaturgo y productor Alberto Casanova (Tito), adquiere matices cruentos, los cuales se muestran de manera implícita dentro  del texto, presentando una desenmascarada cuartada que invoca a la denuncia social.

Es una obra de denuncia que además contiene tintes que le hacen incursionar dentro del género teatral psicológico, pues sus personajes van proyectando mediante la emotividad, los móviles que les hicieron destrozar sus almas con una infancia en soledad y abusos constantes, en donde el juego era pagar con sometimiento irracional, incluso sólo por comer.

CARNALES es una obra como a-priori hago saber, original de Alberto Casanova, quien actúa y la produce junto con el Señor Oscar Rubí, que conmueve y consterna al público. Contiene un texto muy bien estructurado que es llevado al escenario de la mano de su director artístico, el Señor José Acosta, quien presentando varios cuadros escénicos que posee el texto, mediante prospecciones y retrospecciones temporales, que Acosta logra con el apoyo del juego de luces y sonidos, aunados al uso de objetos de utilería movibles, los cuales son manipulados rápidamente y a discreción, por los mismos actores.

El cambio de algunas prendas del vestuario efectuadas por los actores, en conjunto proyectan dos épocas distintas que precisa la obra, y que son la de la década de los 40’s cuando mediante las remembranzas del pasado los personajes aparecen en calidad de infantes, y la época de los 90’s del siglo pasado ya siendo adultos en un encuentro programado.

Referentes temporales que se ubican en un internado de menores de edad, y en una cantina, en donde el encuentro como personajes ya un poco maduros, los lleva a recordar y revivir un pasado tumultuoso compartido.

El elenco está formado por el mismo Tito Casanova, quien comparte créditos en el escenario con los actores León Michel, Ricardo Reynaud, Aarón Baldert, Roberto Castañeda y Roberto Ríos,; todos desempeñando un magnífico papel.

La obra teatral CARNALES se presenta todos los jueves en el Teatro Rafael Solana a las 20:30 horas.

 

 

28 METROS SOBRE EL NIVEL DEL MAR

POR: Dalia De León Adams

 

*Pone el acento en la naturaleza, los recuerdos, la familia, la comunidad.*

 

La compañía teatral “Pelo de Gato, un Ojo al Gato y otro al Teatro” está presentando el montaje escénico 28 METROS SOBRE EL NIVEL DEL MAR en el Teatro Xavier Villaurrutia. Es una obra de la dramaturga Esmeralda Aragón, quien además dirige esta puesta en escena, con tan sólo dos actores muy versátiles, quienes se desprenden de sus prendas para agregar otras a su atuendo, haciendo con ellos la construcción de diversos personajes.

Cuenta con una escenografía en donde los objetos de utilería y el juego de iluminación son de gran peso escénico para desarrollar estas historias de manera muy amena y breves, que muestran a un grupo étnico costeño, oriundo de nuestro país.

Es justamente lo que la hace incursionar dentro del género teatral costumbrista, pues presenta a diversos personajes que a través de la narrativa y algunos diálogos, logran esbozar a diversas personajes de una comunidad autóctona en nuestro México, así como su forma de vida, de relacionarse, e incluso de pelear.

Son dos actores que gracias a la magia de la actuación, pasan por ser tanto jóvenes, como ancianos, un homosexual con su amiga, una pareja, una comadre intolerante, un hombre solitario y su burro, un perro muerto, entre otros personajes que retoman vida.

28 METROS SOBRE EL NIVEL DEL MAR tiene como referente un día cualquiera de la actualidad, en dónde dicha sociedad se ve rodeada de parientes y vecinos emparentados o cercanos, quienes de pronto se reúnen o incluso no son invitados;

Son relatos actuados que testimonian diversas situaciones, entre las cuales se evidencia a un difunto ante la imprudencia que gesta el alcoholismo, es balaceado. Así la realidad se entreteje con la ficción en ésta dramaturgia sobre la cual la misma compañía teatral a través de la empresa difusora expone lo siguiente:

-Una fotografía viaja de un par de ancianos, imagen al borde del olvido, será el eje para recuperar la memoria de una comunidad costera desplazada en la puesta teatral de la dramaturga Esmeralda Aragón, la cual pone el acento en lo que, a veces se nos olvida, es importante la naturaleza, la familia, la comunidad, la vida…

Estructurada en ocho escenas, seis de las cuales traerá al escenario la vida en la costa frente al Océano Pacífico, la obra cuenta la historia de una pareja de ancianos. Hay un juego entre la realidad y la ficción.-

Su autora asegura identificarse con varias de las escenas o historia a contar en dicha comunidad rural ubicada principalmente en los pueblos costeros de la Chontal Baja de Oaxaca, en dónde la vejez es vista como base de la sabiduría del pueblo que legan a sus jóvenes; un lugar en donde, la vida y la muerte se dan la mano.

Pueblos costeros que se ven desplazados y que cuentan su historia a través de ir penetrando en varios hogares que muestran su manera de transitar este mundo cotidiano, a través de la pluma de Esmeralda Aragón quien en el teatro encontrara un medio para expresarse.

28 METROS SOBRE EL NIVEL DEL MAR se presenta en el Teatro Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque (CCB) con funciones de jueves a domingos.

 

 

UN TRANVÍA LLAMADO DESEO.

POR: Dalia De León Adams.

 

*El deseo, un ingrediente de doble filo en el amor.*

 

Es un clásico estadounidense del  escritor Tennessee Williams, cuya dramaturgia fue distinguida con el premio Pulitzer en 1948, en la categoría de drama. Tal fue el éxito de ésta obra teatral, que fue llevada a la pantalla grande en 1951 basándose íntegramente en la obra homónima bajo las caracterizaciones de dos grandes del cine en Hollywood, como lo fueron Marlon Brandon y Vivien Leigh.

Ahora se encuentra escenificada magníficamente en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque, bajo la excelente adaptación y dirección escénica de Diego del Río, quien aunado ha este drama clásico de Tennesse Williams quien le introduce diversos elementos artísticos, como cantos corales, excelente música e interpretación de algunas piezas de diversos géneros, la ejecución de algunos instrumentos musicales en vivo y efectos sonoros que hacen simular el paso de UN TRAVÍA LLAMADO DESEO

Los personajes protagónicos de la historia son Blanche DuBois, Stanley Kowalski, Stella Kowalski y Michel. Todos ellos muy bien pincelados por su autor, interpretados en esta ocasión por Marina de Tavira en el rol de Blanche de Dubois quien se desgarra en el escenario en cada escena por su gran talento histriónico, interpretando a su personaje con gran sensibilidad y realismo, aunado a su buena dicción Del francés, idioma en el cual ocasionalmente recurre con algunas frases o breve diálogo y, con su canto.

Junto con ella actúan también con gran plástica actoral Rodrigo Virago caracterizando a Stanley Kowalski, un rudo, brusco y poco gentil, pero hermoso hombre pasional, enamorado esposo de Stella Kowalski, personificado por Astrid Mariel Romo.

En el elenco además se presentan Ana Clara Castañón K.,Alejandro Morales, Mónica Jiménez, Federico Di Lorenzo, Diego Medel, Diego Santana y Patricia Vaca. La obra teatral se encuentra muy bien caracterizada por sus actores protagónicos, quienes logran matizar la psiquis de los personajes.

Con respecto al autor de la obra, como información complementaria le recuerdo qué:

-“Tennessee Williams, nacido en Columbus, Ohio en 1911. Dramaturgo de carácter autodestructivo, pero con una enorme sensibilidad para recrear en la psique de sus personajes, su propio miedo a la locura, el deseo sexual por encima de las buenas costumbres, y la fragilidad humana. Es sin duda uno de los dramaturgos del siglo XX.”-

La escenografía aparentemente vacía, está conformada por una plataforma rodeada por una serie de butacas por sus cuatro extremos, en donde el reparto estelar sube y baja acorde con los cuadros a presentar, y para los cuales poco a poco se integran algunos objetos para  mostrar una casa habitación austera y pequeña, como precisa el texto, y que el público de inmediato identifica, para poder desarrollar con ello la trama, en donde una pareja de casi recién casados, ve invadida su privacidad  por la llegada de una pariente cercana.

La pasión, la agresión y la locura son la parte médular de la trama. En ella se narra a una pareja de jóvenes Stanley y Stella, de distinta nacionalidad y estatus social qué empero a todo vencen las barreras con su amor pasional y agresivo.

La hermana de Stella, es Blanche Dubois, es una mujer un poco madura, culta y elegante de clase social acomodada, con pretensiones de continuar siéndolo aún ante el derrumbe familiar económico evidente, qué entre otras cosas, la llevan a pretender instalarse en el hogar de su hermana, al no encontrar otra alternativa por falta de solides económica y  empleo.

El amor parece tocar nuevamente a la puerta de Blanche, ante la llegada de un hombre célibe humilde, pero noble de corazón, un tanto ingenuo y necesitado de afecto de una pareja, quien se llama Michel (Mich).

Los conflictos no se hacen esperar desde la llegada de Blanche a la casa, con su cuñado Stanley a quien mira como salvaje, impetuoso y agresivo; motivo que le causará la antipatía de él y momentos de desavenencia.

UN TRANVÍA LLAMADO DESEO es un texto mediante el cual su autor Tennesse Williams hace una crítica a la sociedad prejuiciada, racista y clasista de su época, en donde se evidencia además la violencia de género, tolerada ante el amor pasional.

UN TRANVÍA LLAMADO DESEO tiene una duración apróximada de 180 minutos que Usted empero disfrutará por todos los elementos artísticos que se reúnen en ésta puesta en escena exceptional.

 

Se presenta en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque (CCB) con funciones de miércoles a domingos a las 19:00 horas.

FIU FIU

POR: Dalia De León Adams

 

*Mujeres Clown.*

(Risas y Reflexión.)

 

Sin pretender ser feminista, no hay duda de qué el ámbito laboral, resulta ser en muchos sectores, de difícil reconocimiento para la mujer, y el ser Clown para una chica, a veces no resulta fácil en un mundo en dónde predominan en éste sector los hombres, sin por supuesto desmeritarlos en su gran desempeño entusiasta.

Simplemente la tónica que retoma cada uno de ellos es un tanto diverso, aún cuando ambos son absolutamente divertidos, resultan ser abordados de muy diversa manera. En el caso específico de FIU FIU, la puesta en escena resulta presentar tanto la conducta, como intereses, comportamiento y el trato muchas ocasiones violento, con respecto a un mundo en donde imperan los caballeros.

FIU FIU tras largos años de ir y venir en diversos escenarios y latitudes en las cuales han debido cargar con una escenografía totalmente fácil de desmontar, empacar y trasladar, pero qué empero a ellos resulta bastante suficiente para escenificar los diversos cuadros que precisa el montaje escenográfico, de ésta divertida puesta en escena.

La selección de música a cargo de David Quintana constantemente se hace sonar en éste espectáculo colorido, con una propuesta de distintos cambios de vestuario que coordinan las escenas a caracterizar, y que llevan implícitas una hilaridad al presentar una historia coherente con el mundo femenino.

La coquetería, importancia hacia la propia imagen, inseguridad, competitividad y amor pasional hasta el límite de la violencia, son temas que aborda ésta obra teatral Clown, pero siempre bajo una perspectiva risible y digerible que no trasgrede al texto, pese a la seriedad de los temas a abordar de manera medular.

Le comento qué FIU FIU es una puesta en escena que cuenta ya con 10 años de ser presentada para el público familiar, original de la Compañía “Sopa de Clown” la cual se encuentra celebrando 20 años de trabajo en la línea del género Clown, compañía que cuenta con un estímulo SACPC a través del programa ENERTES en Ciudad del Carmen, Campeche, por su labor de excelencia.

Equipo creativo que se cuestiona el ¿Cómo ser Clown sin dejar de ser mujer? Rutinas como piruetas, malabares, maromas o acrobacias, no son parte de ésta presentación artística de la Compañía “Sopa Clown”, la cual en cambio presenta un número de marioneta viva, un baile con un muñeco guiñol de tamaño humano, y  un especie de estriptis, en la historia a contar; elementos que la hacen ser más autenticas y diferentes a los otros espectáculos del mismo género, que suelen divertir bajo otros elementos escénicos de calidad también artística.

En boletín de prensa de presenta la siguiente opinión al respecto al objetivo de presentar ésta puesta en escena :

FIU FUI ¿Cómo ser clown sin dejar de ser mujer? Es un trabajo escénico que aborda la necesidad de sensibilizar al espectador sobre la situación de violencia de género en México. Cada día, diez mujeres son asesinadas en el país, y este montaje busca promover un ambiente de sonoridad, reflexión y cambio a través del clown.

Reflexión que hace que el espectáculo de FIU FIU sea más que un divertimento, convirtiéndose de alguna manera en una obra teatral de denuncia, sin perder la línea que una representación Clown,  tiende ante todo a hacer pasar un muy grato momento en el teatro a Usted, en compañía del público  en general.

 

FIU FUI ya comenzó temporada de representaciones de jueves a domingos hasta el 13 de septiembre 2024 en el “Foro de las Artes” del CENART, contando con la dramaturgia y dirección escénica de Nubia Alfonso y Ana María Moctezuma, bajo la producción ejecutiva de Janett Landin, la Asesoría de Técnica Clown de María Goycoolea, el diseño escenográfico de Jesús Aguilar y Arturo Trejo, el diseño de iluminación de Aarón Mariscales y la difusión y prensa de Sandra Narváez.

 

AÚN NO RECUERDO SU ROSTRO

POR: Dalia De León Adams

 

-AÚN NO RECUERDO SU ROSTRO habla del apego a la tierra y a la memoria; sus personajes se encuentran abandonados en medio de una guerra donde los culpables, las víctimas, y los cómplices se desdibujan y confunden ante un futuro incierto.-

Y justo es esa la temática que aborda de manera medular la puesta en escena AÚN NO RECUERDO SU ROSTRO de la dramaturga Itzael Lara, presentada bajo la excelente dirección escénica del maestro Boris Shoemann, actor de teatro cine y televisión, traductor y directivo del Centro Cultural “La Capilla”, en donde justamente se ha estado representando ésta obra, los días viernes en la Sala Novo.

Le comento qué Boris Shoemann es además editor y docente. Es el fundador de La Compañía Teatral LOS ENDEBLES además de ser el Directivo Artístico en el Centro Cultural “La Capilla” desde hace mucho tiempo atrás,  en donde cada fin de año bajo su propuesta, presenta puestas en escena “Anti-Navideñas” con diversos textos escritos por entusiastas, iniciados en la dramaturgia contemporánea.

Pero volviendo al montaje escénico de la obra teatral AÚN NO RECUERDO SU ROSTRO le comento qué aún cuando los personajes protagónicos permanecen sentados durante prácticamente todo el tiempo escénico, la propuesta en la dirección y la actuación, exceden más allá de lo que serían diversos cuadros a presentar.

La trama es divertida como a-priori lo comento; poseedora de un texto un tanto chusco en dónde una cabeza sin cuerpo aún permanece viva, y es parte de conflicto a desarrollar dentro de un rancho llamado “San José.

En él es dónde tan sólo habitan cuatro personas, quienes son Doña Dulce, una mujer madura de apariencia juvenil quien espera inútilmente el regreso de su hijo; su enamorado, un hombre viudo quien tras el paso del tiempo ha guardado un gran secreto; María una no ya tan joven, quien también perdiera al amor de su vida, y, un joven no muy valiente, bonachón, incapaz de poder ver correr la sangre, quien es la autoridad del pequeño poblado. A ellos el destino les llevará la cabeza de un mensajero degollado.

El elenco esta formado por Cyntia Tenorio, Mariana Trejo Nieblas, Ivanna Montalban, Sandra Corona Loya y Lucía. Todas ellas buenas actrices, quienes algunas caracterizan roles masculinos con cierta gracia, la cual se precisa para la presentación del texto melodramático, con tintes un tanto fársicos o de comedia, que ofrecen al espectador una obra interesante y muy entretenida.

 

AÚN NO RECUERDO SU ROSTRO cerró temporada de representaciones en la Capilla, el día de ayer, viernes 23 de agosto 2024.

LA MECÁNICA DE LOS SUEÑOS

POR: Dalia De León Adams

 

*Puesta en escena que

revela a las infancias algunos secretos teatrales.*

 

LA MÁQUINA DE LOS SUEÑOS presentada por la compañía “25 Producción y la Caja de Teatro” bajo la dirección artística de Mariana Hartasánchez, permite justamente tener la sensación de soñar despiertos en el mundo mágico de las historietas que en la niñez formaron parte del mundo creíble e increíble, en dónde los piratas, personajes míticos e incluso payasos coloridos, de pronto aparecen en el foro, en dónde todo es posible, incluido el divertirse sanamente interactuado con los actores en vivo.

-Una aventura escénica que permite acercar a las niñas, niños y adolescentes a la magia que se oculta tas las bambalinas en un teatro, es lo que ofrece la obra LA MECÁNICA DE LOS SUEÑOS…

De este modo se desarrolla una pieza escénica en la que se establece una interacción cercana con el público, quien recibirá instrucciones de lo que se deben hacer durante la obra la cual descansa en gran medida en los artificios lumínicos, los despliegues escenográficos y la vistosidad de los vestuarios.

LA MECÁNICA DE LOS SUEÑOS busca mostrar a las jóvenes audiencias la forma en la que las máquinas teatrales, el vestuario, la iluminación y la interpretación histriónica pueden recrear mundos imaginarios tangibles y asombrosos que trascienden el mero especto visual del que depende la virtuosidad de Hiperespacio. (Según Mariana Hartasánchez).

Es una puesta en escena de alrededor de 90 minutos dentro de la cual aparece el reparto estelar dándole vida a diversos personajes, los cuales son ejecutados con gran versatilidad histriónica, en el espacio escenográfico en donde aparecen tanto un barco, como un gran pez (huachinango o mojarra), olas, y un escenario dentro del mismo escenario, para dar cabida a la representación breve de algunas meta-obras, es decir a cortas representaciones teatrales que contiene el mismo texto a representar.

El púbico coopera e interactúa en base a las instrucciones de algunos personajes, como el del pirata, el cual después aparece en calidad de cantante de rock junto con sus compañeros, quienes tras un rápido cambio de vestuario entonan algunas piezas musicales.

Muestras de alegría y risa por parte del público presente se dejaron escuchar y percibir dentro del Teatro Julio Castillo, del Centro Cultural del Bosque (CCB) el pasado 17 de agosto, iniciando así la temporada de representaciones de la obra infantil LA MÁQUINA DE LOS SUEÑOS que concluirá hasta el día 6 de octubre del presente año 2024, ofreciendo funciones los días sábados y domingos a las 12:30 horas.

*Nos interesa desatar la imaginación desbordada.*

 

(Aseveración de la compañía.)

 

LA GUITARRA HOY, CON GIOVANNI PIACENTINI

POR: Dalia De León Adams

 

*Ciclo de Guitarra*

 

El hermoso Palacio de las Bellas Artes se engalanará con EL ENCUENTRO INTERNACIONAL DE GUITARRA en el cual por primera ocasión se presentará el guitarrista y compositor mexicano  nacionalizado estadounidense GIOVANNI PIACENTINI.

El evento tendrá lugar el viernes 30 de agosto en la Sala Manuel M. Ponce, del Palacio de Bellas Artes, a las 18:00 horas, contando también con la presencia de la afamada soprano María Garci-Crespo, reconocida por su coloratura poblana, y cuya tesitura de voz encaja perfectamente con el evento musical en puerta.

Con respecto a tan eminente guitarrista, se sabe qué nació en la Ciudad de México en el año de 1979, siendo hijo de padre italiano y madre mexicana, y que actualmente reside en los Estados Unidos de Norteamérica en la Ciudad de Los Ángeles, California, en donde imparte clases de música en la Universidad de Mount San Antonio y en el National Children’s Chour.

-Se graduó suma cum laude de Berklee College of Music, con una licenciatura en composición y música electrónica. Comenzó a componer sus primeras obras instrumentales como “Transformaciones Caóticas” para dos marimbas que se estrenó en la Biblioteca Pública de Boston, así como “Tríptico” para trío de piano. Fue entonces cuando escribió su primera pieza para guitarra “Suit Lacanja”, una obra programática inspirada en el paisaje del río Lacanja en el sur de México.

Giovanni se sumergió en los sonidos más experimentales de Ligeti y  Xenekis, mientras exploraba la polifonía medieval y renacentista de Joaquín Des Pres y Palestrina…. Recibió su doctorado en composición musical de la Universidad de California, en donde también es profesor asociado de teoría musical y entretenimiento auditivo.- (Parte de una publicación extensa en WIKIPEDIA).

LA GUITARRA HOY es un evento de gran nivel artístico, organizado tanto por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, como por El Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación de Nacional de Música y Ópera.

Durante el recital, GIOVANNI PIACENTINI interpretará dos obras de su autoría, además de algunas de las piezas musicales de la compositora francesa Ida Presti, de la alemana Hildegard von Bingen, de la chilena Violeta Parra y, de la brasileña-estadounidense, Clarice Assad.

Le comentaré como dato adjunto qué GIOVANNI PIACENTELI entre cada ejecución en la guitarra, hará intervalos mencionando algunos datos sobre cada una de las compositoras cuya música interpretará, de quienes a-priori hizo algunas investigaciones a colación; compositor que ha logrado una gran carrera artística en los Estados Unidos, y quien expresara con otras palabras qué es importante la presentación de éstos eventos culturales en nuestro país, pues poseemos un gran número de excelentes jóvenes guitarristas que podríamos disfrutar tanto en México, como en otras latitudes.

 

LA GUITARRA HOY, CON GIOVANNI PIACENTELI se llevará a cabo en la Sala Manuel M. Ponce, del Palacio de Bellas Artes, el próximo 30 de agosto a las 18:00 horas.

RELATOS DEL PERRO AZUL

POR: Dalia De León Adams

 

¿Vida, después de la vida?

*Una pregunta a considerar*

 

Omar Ávila, productor y adaptador de uno de los cuentos de Gabriel García Márquez, intitulado “La otra costilla de la muerte” está siendo presentada por éste dramaturgo, quien la intitula RELATOS DEL PERRO AZUL. 

Se trata de un interesante montaje escénico, que fue dirigido bajo la idea original de María T. Garagarza, presentándose hoy en día con la excelente versión de Omar Ávila. Cuenta con la actuación estelar de Iván Molo, quien caracteriza con gran plástica actoral e histrionismo, infiriendo profundo sentimiento y emotividad.

Le comento qué RELATOS DE UN PERRO AZUL se ha estado presentando en la hermosa “Aula Magna” del Instituto Helénico, con una breve temporada que va del 3 al 25 de agosto, teniendo como funciones los días sábados (19:30 horas) y domingos (18:30 horas).

Es una puesta en escena que fuera escrita en los inicios del afamado escritor colombiano Gabriel García Márquez, quien en ese entonces comenzara a incursionar en la corriente literaria del “Realismo Mágico” como según hizo saber el Señor Omar Ávila.

-¿Se pueden ver los colores en los sueños? ¿En verdad estoy muerto?, dos personajes que asumen su muerte física diversas maneras. Obra basada en cuentos de Gabriel García Márquez.-  (nota en cartelera teatral).

Cuestionamientos que forman parte de ésta interesante puesta en escena en torno a la experiencia post- mortem de dos individuos; es decir, a la supuesta manera de afrontar el paso al más allá, tras el inevitable acaecido velo de la muerte.

A manera de breviario le recuerdo que Gabriel José García Márquez fue un destacado y premiado novelista y cuentista. Un escritor, guionista, editor de libros, y periodista quien naciera el 6 de marzo de 1927 en Aracanta, Colombia, y quien falleciera en nuestra Ciudad de México en donde radicaba, justo en el año 2014.

Su obra ha sido traducida a varios idiomas y ha sido apreciado como uno de los máximos exponentes de la literatura hispana. Entre sus obras más icónicas se encuentran “Cien años de soledad”, “El amor en tiempos de cólera”, “El coronel no tiene quien le escriba” y “Crónica de una muerte anunciada” en las cuales esbozara como parte de la realidad, la parte mítica-mágica preexistente en toda  Hispanoamérica, con ciertos dejos de la novela costumbrista, que de inmediato remite al lector hacia la cultura y costumbres a esbozar en su obra, como parte de la ambientación de sus narrativas.

Pero volviendo a la puesta en escena de RELATOS DEL PERRO AZÚL se trata de un monólogo muy bien logrado y bien estructurado por parte de su dramaturgo adaptador, Omar Ávila, pese a la dificultad de escenificar una trama en la que el personaje a través de un monólogo juega constantemente con la temporalidad, acudiendo a constantes prospecciones y retrospecciones para dar testimonios como un ser tanto vivo, como descarnado en la historia de éste cuento para adultos.

Esto se logra en un solo tiempo y cuadro escénico, enmarcado bellamente por la exquisitez de la Aula Magna en el cual ocasionalmente aparece la actriz Aranza Vázquez como narradora de la introducción y de algunos pormenores, para darle lógica y secuencia a ésta obra en la cual, el efecto de sonido a manera de marcar el indetenible paso del tiempo, es parte importante para su escenificación.

RELATOS DEL PERRO AZÚL desafortunadamente tan sólo contará con dos funciones más en el Aula Magna del Instituto Helénico; funciones que se llevarán a cabo los próximos día 24 y 25 de agosto del presente año 2024.

 

NADA ES PARA SIEMPRE

POR: Dalia De León Adams

 

*Seña Poética de Amor y Desamor.*

 

Un velo de magia y romanticismo se hicieron sentir en la atmósfera intima y cálida que se creó el día de ayer lunes 19 de agosto en el Foro “El Tejedor”, de la Cafetería del Péndulo (Álvaro Obregón) durante la presentación de los “Sonetos Dramatizados” del destacado actor Alberto Estrella.

Para tal efecto la actriz Ángeles Marín, junto con el ahora gran poeta, brindaron una tierna y delicada interpretación basándose en algunos de los versos que se hacían escuchar y sentir, al ser recitados e interpretados con el gran talento que les caracteriza a ambos, quienes los caracterizaron con gran finura, elegancia y prestancia.

Material poético surgido del libro intitulado NADA ES PARA SIEMPRE del maestro Alberto Estrella, quien muestra esta nueva faceta de su vida, en donde la tinta y las letras brotan de su pensamiento como un manantial fresco, haciendo alarde de una métrica poética nacida del canto al “Amor y Desamor”, acaecido en lo más recóndito del alma del poeta. 

NADA ES PARA SIEMPRE ya había sido presentado meses atrás en El Círculo Teatral, cuando recientemente fue publicada por primera ocasión la obra del maestro Alberto Estrella, bajo el formato de libro físico, por parte de la casa editorial “Emergente”.

Libros cuya edición fue agotada y ahora se vuelve a reeditarse, incluyéndose ahora algunas bellas fotografía a color a colación, cuyo Prólogo fuera escrito en ambas publicaciones, por el ilustre maestro Miguel Sabido, quien docto en la materia manifiesta sobre el contenido del texto del autor:

-No se anda con medias tintas: o te dejas poseer por su poesía que sorprende con deslumbrantes descubrimientos poéticos cuando dice: Del sol brillante trino de alondra, o te quedas fuera. Para lograrlo no se inhibe al usar el hipérbaton, que es un recurso poético que desafía abiertamente las normas.-

Y por supuesto en la parte posterior de libro a manera de colofón, se presenta parte de la obra de Alberto Estrella, pues su currículo vitae laboral es muy basto como actor, quien con una larga y exitosa carrera ha demostrado tener “gran madera”, incursionando tanto en el medio cinematográfico, como televisivo y teatral, siendo en éste último rublo artístico en el cual además, se ha desempeñado como dramaturgo, director y pedagogo.

Y si esto fuera poco, además ha beneficiado al medio escénico al crear un Centro Cultural denominado “Círculo Teatral” junto con su homólogo Víctor Hugo Carpinteiro en donde se promueve la lectura y la poesía, además de impartirse clases para formar a los futuros valores teatrales.

Su talento ha atravesado el Océano hacia tierras europeas para hacer gala de su talento histriónicos y actoral, junto con la actriz Aída López, al presentándose en “Los errantes, o ese amor” con el texto original de Verónica Musalem, tanto en España, como en Francia, llevando muy en alto a nuestro país.

 

Definitivamente ¡ALBERTO ESTRELLA, es un ejemplo a seguir!

 

 

9ª. SINFONÍA 

POR: Dalia De León Adams

 

*Maestro invitado en la batuta Lior Shambadal.*

 

Al marco de los Doscientos Años de haber sido compuesta La 9ª. SINFONÍA de Ludwig Van Beethoven, su icónica pieza de concierto reconocida con alta validez universal, fue que “La Orquesta Filarmónica de las Artes”, en homenaje a ésta, decidió presentar en la Sala Ollín Yoliztli *Tres importantes Novenas Sinfónicas*.

La primera 9ª. SINFONÍA en ser ejecutada en éste importante recinto de la Ciudad de México, sería La 9ª. SINFONÍA de Antonín Dvorak compuesta entre 1892 y 1893, quien fuera musicólogo, organista, pianista, director de orquesta y profesor.

-Antonín Leopold Dvorak fue un compositor checo posromántico, originario de Bohemia cuando éste territorio pertenecía al Imperio Austriaco, nacido el 8 de septiembre de 1841 y fallecido en 1904, considerado como el primero de los grandes músicos a nivel internacional, del siglo XIX, quien utilizara ritmos de originarios de Moravia y su ancestral Bohemia.-

La segunda  gran 9ª. SINFONÍA en ser presentada, fue la de Gustav Mahler (compuesta en 1909) teniendo como director invitado al afamado Lior Shambadal, quien por cierto, tras de haber colaborado en 2023 en la “Orquesta Filarmónica de las Artes”, el día de ayer sábado 17 de agosto regresó a nuestro país, para estar en la batuta de éste concierto.

-Gustav Mahler fue un compositor y director de orquesta austro-bohemio, cuyas obras se consideran, junto con las de Richard Strauss, las más importantes del posromanticismo. Nació el 7 de julio de 1860 en Viena y falleció en 1911-.

La Tercera y última 9ª. SINFONÍA, por supuesto que es la de Ludwig Van Beethoven, para cerra con ella con “Broche de Oro”, por lo cual se programó para el último día del Homenaje rendido por La Filarmónica de las Artes, el domingo 18 de agosto del año en curso 2024.

9ª. SINFONÍA que a juicio de los musicólogos y el público en general, se reconoce como la más bella y exitosa de todas. Le comento qué en Baden, cerca de Viena, Beethoven fue escribiéndola poco a poco en los veranos que fue pasando en dicho pequeño lugar a partir de 1821, para ser concluida en 1824, y consagrarle como uno de los máximos exponentes musicales a nivel mundial.  

Para concluir, finalmente le recordaré qué:

 

Ludwig Van Beethoven fue un compositor de orquesta, pianista y profesor de piano de origen alemán (Bonn 1770-1827 Viena). Su legado musical arrasó las convenciones musicales clasicistas y esbozó un puente hacia el periodo musical del romanticismo.

CARLOS CELDRAN, Master Class.

Por: Dalia De León Adams

 

*Cuya tónica es la verdad y la realidad.*

 

El día de ayer viernes 16 de agosto se llevó a cabo el Master Class intitulado “Las personas que fui en el Teatro” en El Circulo Teatral; un curso programado tanto para estudiantes como para gente de teatro, o interesados en la temática a abordar por el CARLOS CELDRAN.

Para tal efecto estuvieron presentes los dos directivos de dicho Centro Cultural, es decir, nuestro destacado actor mexicano Alberto Estrella (dramaturgo, director, profesor y poeta) y su homólogo Víctor Manuel Carpinteiro, junto con personalidades del medio artístico como lo son el Maestro Miguel Sabido o Ángeles Marín, entre profesores y gente de teatro.

Recordemos que el Señor CARLOS CELDRÁN es un inminente dramaturgo, director escénico, actor y catedrático cubano, radicado en el extranjero, cuya labor ha sido mostrar el lado real de la situación en su pueblo cubano, lo cual no fuera un impedimento para que su propio país le otorgara una presea Nacional por su labor artística, otorgándole el Premio Nacional de Teatro de Cuba.

Su grupo creativo es denominado “Argos Teatro” el cual creó corriendo el año de 1997. El maestro CARLOS CELDRÁN sería además quien ofreciera el mensaje que se dio a conocer en “El Día Mundial del Teatro”, y actual es el Presidente del Centro Nacional del Instituto de Teatro Internacional (ITI).

Por ello y por su importante labor dada a conocer en diversos países, es que que sería invitado al Circulo Teatral, en donde el costo de entrada a la Master Class, se dedicó íntegramente a una Asociación Cultural.

La catedra consistió en mencionar tantos las ideas innovadoras del entonces joven cubano en cuanto al teatro de su país, como sus teorías y logros que lo han llevado a presentar su trabajo tanto en aulas, como en escenarios en Brasil, en Italia, Inglaterra, España, Alemania, Bolivia, Venezuela y Estados Unidos.

 

CARLOS CELDRÁN nació el 23 de septiembre de 1963 en la Habana Cuba. Obtuvo su título de Licenciatura en Teatrología-Dramaturgia en 1985, en el Instituto Superior de Arte, con un trabajo de tesis cuyo título fuera “Catálogo de Señales”. Contando con un impresionante currículo vitae que se ha ido agrandando por su labor como Hombre de Teatro, desde entonces no ha dejado de dirigir y de escribir textos, siempre bajo el concepto de la VERDAD y REALIDAD como dogma teatral.

DOS LOCAS DE REMATE

POR: Dalia De León Adams

 

*Duelo de hilarantes actuaciones.*

*Ovacionada con el público de pie.*

 

DOS LOCAS DE REMATE se estrenó el día de ayer, 14 de agosto en el Nuevo Teatro Libanés, bajo la dirección escénica del argentino Manuel  González Gil y las actuaciones estelares de Biby Gaytán y Dalila Polanco quienes por cierto, recibieron el caluroso aplauso de su público, al cual pusieron de pie para ovacionarlas.

Se trata de la puesta en escena del dramaturgo español Ramón Paso, la cual está siendo producida por la importante Compañía productora “Mejor teatro”. Le comento qué en marzo del 2023 la prestigiada compañía ya había apostado por ésta divertida obra, sólo que en aquella ocasión fue interpretada por Susana Zabaleta y Gabriela de la Garza con 117 exitosas funciones, las cuales serían interrumpidas por múltiples compromisos a priori contraídos por las actrices y varios creativos.

Cifra que se dice fácil, pero que en realidad en el medio escénico no es difícil de lograr; aunque para el afamado productor Morris Gilbert y su Compañía “Mejor Teatro” constituye un logro más, pues como es bien sabido, ha alcanzado colocarse constantemente en el gusto de su audiencia con representaciones estratosféricas de montajes escénicos de diversos géneros, destacándose tanto la comedia, como sus musicales de gran altura artística, que no le han pedido nada a los presentados en la ciudad de Broadway.

Morris Gilbert Raisman es el más importante productor teatral mexicano quien cuenta con más de 40 años de trayectoria, siendo un gran visionario del mundo teatral que le han llevado a producir innumerables montajes con gran éxito.

El texto de DOS LOCAS DE REMATE como le he comentado, es original del dramaturgo Ramón Paso, guionista y también reconocido director  español, nieto del afamado escritor Alfonso Paso, además del bisnieto del inminente escritor Enrique Jardiel Poncela.

La obra fue estrenada por primera ocasión en la ciudad de Madrid bajo el título de EL REENCUENTRO, siendo el año 2018. Contiene un texto con ciertos tintes melodramáticos, que con la gracia que le infieren las actrices interpretes, termina siendo una divertida comedia.

DOS LOCAS DE REMATE tiene un texto muy bien estructurado, el cual presenta  situaciones chuscas matizadas bajo un velo de humorismo negro;  elementos los cuales logran arrancar las constantes carcajadas del público espectador, aunadas al talento de las dos actrices protagónicas, quienes son Biby Gaytán y Dalilah Polanco.

La trama es muy divertida. Ventila varias de las situaciones que dos hermanas enfrentan, tras de una lejana relación filial. Empero algunos problemas suscitados harán que las dos mujeres intente compartir en un mismo espacio, tras de la muerte de dos personas muy cercanas.

-En tono de comedia disparatada, y con diálogos divertidos, la obra inserta al espectador en el complejo mundo de las relaciones fraternales, que queramos o no, son vitales en la vida de todos, pues la familia sirve para los buenos, los regulares y los malos momentos.

Comedia irreverente en la que en medio de las más sonoras carcajadas se escucharán las más fuertes verdades.. Y para un texto como éste, dos grandes actrices: Biby y Dalilah. (reflexión de la casa Difusora).-

La puesta en escena esta dirigida por el argentino Manuel González Gil, el director repositor es Alex Lavallén, en tanto que el director residente es Mauricio Galaz; ellos logran en tan sólo un cuadro escenográfico compuesto por una sala habitacional, los diversos cuadros que precisa la obra mediante dos tiempos escénicos.

A manera de Sinopsis se puede leer en el programa de mano la siguiente consideración textual:

-Con la familia uno se permite ser todo lo desagradable que jamás se permitiría ser con un desconocido, simplemente por vergüenza, esta es la premisa del reencuentro de dos hermanas luego de 20 años de alejamiento. Al intentar retomar su relación, surgen toda clase de problemas actuales y decenas de recuerdos dolorosos, terribles, divertidos, angustiosos, entrañables, enloquecidos.-

Tras de concluir la obra teatral, por supuesto subieron al escenarios varios de los creativos y sus dos productores, el Señor Morris Gilbert y César Riveros. Ambos dirigieron emotivas palabras, al igual que sus dos interpretes..

DOS LOCAS DE REMATE se encuentra en el Nuevo Teatro Libanés en donde la podrá Usted verla los días martes y miércoles a las 20:00 horas.

 

 

PANORAMA DESDE EL PUENTE

POR: Dalia De León Adams

 

*Los límites del amor.*

 

Interesante y profunda propuesta escénica en torno al amor y la pasión, que invita a la reflexión de ¿hasta dónde la razón, lleva a la sinrazón, cuando los sentimientos surgen a flor de piel?; obra teatral escrita por el dramaturgo estadounidense Arthur Miller, presentada en el Teatro Helénico, bajo la dirección escénica de Antonio Castro, a través de la “Sociedad Artística Sinaloense.”

Su autor vanguardista, Arthur Miller, es considerado como una figura controversial del medio escénico del siglo pasado, durante el cual ha sido reconocido tanto en el medio cinematográfico, como en el ámbito teatral.

Arthur Miller es un escritor de “buena pluma” quien por ende ha sido galardonado con premios muy importantes como lo son El Príncipe de Asturias, El Premium Imperiale, Premio Jerusalén y El Premio Dorothy y Lilian Gish.

Temáticas como lo son el odio, la frustración, la incomprensión, la falta de lealtad, de honor, de justicia y la venganza, también forman parte medular de éste texto intitulado PANORAMA DESDE EL PUENTE (muy sui géneris) que aborda la inmigración y el proceso de legalidad ante la población indocumentada que emigra de sus tierras de origen, en aras de una mejor vida, o incluso por simple sobrevivencia.

En términos generales se puede observar qué ésta dramaturgia, está escrita con tintes de tragedia; elementos los cuales se van evidenciando poco a poco, en el desarrolla la trama, pero qué empero, inicialmente comienzan a intuirse mediante la voz del personaje del Narrador, un abogado caracterizado por el magnífico actor Rodrigo Murray, quien además funge como testigo del drama, y forma parte del desarrollo de la historia a tratar, bajo el nombre de Alfieri.

La Sinopsis de la Compañía presenta dentro del boletín de mano, la siguiente aseveración al respecto:

-El libreto magistral de Miller ubica la acción en Red Hook, barrio de inmigrantes junto al puente de Brooklyn. PANORAMA DEESDE EL PUENTE es una historia contada por un abogado cautivado por la historia de Eddie Carbone, un estibador inmigrante de segunda generación víctima de un final trágico. Eddie es un hombre trabajador de familia que lleva una vida tranquila al lado de su esposa Beatriz y Catherine, su sobrina, a la que ha criado desde bebé.

La tragedia llega a la vida cotidiana de éstas personas, cuando en una buena acción dan cobijo a dos primos ilegales de Beatrice, Rodolfo y Marco, quienes necesitados de mejorar, llegan persiguiendo el sueño americano. Catherine y Rodolfo se enamoran, pero Eddie lo desaprueba; duda de la honestidad del muchacho, y se debate internamente por el cariño, casi obsesión que siente por su sobrina. Este sentimiento incontenible llevará a Eddie al extremo. Pasando por sus propios valores y todo lo que ha construido, comete un acto despreciable entre seres que debieran protegerse y cuidarse ante la fragilidad de su estado de ilegales.-

Magníficos actores engalanan ésta puesta en escena, como lo son Roberto Sosa (en el rol protagónico), Rodrigo Murra y Montserrat Marañón, quienes por demás está decir que actúan con gran calidad actoral y plástica histriónica que les ha otorgado el reconocimiento del público.

Junto con nuevos valores como lo son Estephany Hernández, Jonathan Ontiveros, Martín Peralta, Ricardo Razco y Ernesto Rocha. Todos ellos bajo la excelente dirección de Antonio Castro, y un gran texto, de antemano hacen una promesa de ésta  obra teatral.

 

El Centro Cultural Helénico y la Secretaría de Cultura están presentan PANORAMA DESDE EL PUENTE de Arthur Miller bajo la traducción de Eduardo Mendoza, en una corta temporada que concluirá el 18 de agosto del año en curso 2024.

 

ANA CONTRA LA MUERTE

POR: Dalia De León Adams

 

*¿Qué hacer cuando no se cuenta con recursos

 para salvar a un hijo?*

 

Escrita por el dramaturgo uruguayo Gabriel Calderón bajo la excelente dirección artística de Cristian Magaloni, la obra resulta ser un grito de desesperación de una madre por su hijo enfermo de cáncer.

Entonces cabe aquí cuestionarnos, ¿Hasta dónde se puede llegar en circunstancias tan adversas, cuando la salud de un ser tan cercano y amado, merma? Esa es justo la problemática que se aborda en ésta conmovedora puesta en escena.

Una mujer se enfrenta a tomar una resolución para intentar reestablecer la casi carente posibilidad de sobrevivencia de su pequeño vástago, careciendo de recursos materiales para lograr sustentar los altos pagos que ésto le generarían.

Soluciones alternas por parte del personaje protagónico de Ana, que no llegan más que a complicar la situación en pos de lograr mantener en vida un poco más de tiempo, al ser que se le dio la vida.

Acerca del autor uruguayo Gabriel Calderón en una página Wikipedia encontramos la siguiente aseveración:

-Dramaturgo, director de teatro y actor. Formación académica. Fue becado en 2004 por la Fundación Carolina para realizar en España el "Curso de profesionales. En 2005 recibe el premio Florencio a la mejor dirección… (En Wikipedia).

ANA CONTRA LA MUERTE es una puesta en escena polémica y controversial la cual  está lograda gracias a un gran equipo creativo en donde Cristian Magaloni, como a-priori menciono, realiza una magnífica dirección escenica, aunada a las actuaciones de grandes actrices poseedoras de gran sensibilidad artística e histriónica, quienes matizan a sus personajes con la sensibilidad que precisa un texto de éste género totalmente trágico-dramático.

El elenco está formado por la excelente actriz Mariana Giménez en el rol protagónico de Ana, quien actúa con otras grandes actrices como lo son Noemí Espinosa, Mariana Gajá y Montserrat Ángeles Peralta, todas ellas con gran plática interpretativa, caracterizando diversos personajes, con excepción de Mariana Giménez quien siempre se presenta en el papel de Ana, a la cual interpreta con tanta sensibilidad, que logra que algunas personas del público en ciertos momentos de la obra derramen algunas lágrimas.

-“El hijo de Ana tiene cáncer, ella no puede costear otro tratamiento, pero tampoco puede dejar a su hijo que se muera. ¿Qué está dispuesta a hacer para salvarlo, hasta dónde piensa llegar y hasta qué punto somos capaces de entenderla? ¿Cómo vamos a defenderla cuando se vuelve peligrosa para el resto, inclusive para la muerte? (nota en boletín de prensa)

Dentro del texto, el personaje protagónico se verá forzada a infingir las leyes estadounidenses; hecho que conduce a Ana a comparecer ante un proceso legal, el cual deberá enfrentar quedando a la disposición de la resolución de una jueza, por el delito de intento de introducción de droga, al país vecino.

Surge entonces dos diálogos totalmente anfípodos o antagónicos, siendo ambos totalmente elocuentes, interesantes e inteligentes, por en ambas partes; es decir, cada personaje, el de la jueza y el de Ana, se enfrentan ante una lógica totalmente diferente de vislumbrar la una con la otra, ante el acto delictivo.

Así su autor Gabriel Calderón presenta dos maneras muy distintas de observar la realidad. Por un lado la cruenta problemática que enfrenta la presa, quien asume ser capaz de todo, antes de claudicar; por otro el de la jueza quien asume qué su postura la llevará a perjudicar a mucha gente inocente, tratando de disuadirla ante lo que deduce, es una mala determinación de los actos.

ANA CONTRA LA MUERTE es una puesta en escena propuesta en un solo tiempo durante el cual, se presentan diversos cuadros escenográficos construidos por diversas plataformas móviles las cuales, junto a los constantes cambios de vestuario y presentación de bisutería, logran dar el efecto deseado para ambientar perfectamente, éste drama a presentar.

 

ANA CONTRA LA MUERTE es una Producción Nacional de  Teatro (EFIARTES) que se presentará hasta el día de mañana 4 de agosto 2024, en la Sala Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque (CCB).

 

CABARET

POR: Dalia D’ León Adams

 

*CABARET MASQUERADE NIGHT.*

 

El día de ayer, 25 de julio se cumplieron las 100 representaciones de la revista musical CABARET en el Teatro de Los Insurgentes; obra la cual tras el éxito obtenido tanto en Broadway como en nuestro país y otras latitudes, se ha consolidado como un clásico, permanente en cartelera por la preferencia del público.

Musical que la Señora Tina Galindo (DEP) produjera en varias ocasiones en el Teatro de los Insurgentes , y a quien por supuesto se le recordó haciendo mención de ella, con una luz que simuló por unos instantes su presencia sobre el escenario de dicho recinto cultural en dónde por largo tiempo produjo textos de fama internacional.

Producción que hoy en día está a cargo de Daniela Romo, Claudio Carrera y Diego Luna, en Co-Producción con Alonso J. González, Daniel Villafañe, Priscila Alba y María Elena Galindo, quienes invitaron a celebrar las 100 Representaciones de la obra CABARET.

Para tal ocasión se leyó la placa conmemorativa, estando presentes en calidad de padrinos de lujo  Olivia Bucio, Chantal Andere, Kika Edgar, Tiaré Scanda, Flavio Medina y Bruno Bichir, además de otras figuras más del medio del espectáculo como Lizandro y muchos jóvenes actores.

CABARET es un musical  con libreto de Joe Masteroff, música de John Kander y letras de Fred Ebb, basado en la obra de teatro “I Am a Camera” de John Van Druten, que a su vez es una adaptación de la novela “Goodbye to Berlin de Christopher Isherwood.(nota en página WEB)

Le comento como dato anexo qué por primera ocasión fue puesta en escena en la Ciudad de Boston, en el “Shubert Teathre” un 10 de octubre de 1966, bajo el libreto de Joe Masteroff. De la Ciudad de  Boston se llevaría a Broadway, West End, posteriormente a México, Argentina, España y Londres; lugares en los cuales con el tiempo se ha seguido presentado en muy diversas ocasiones.

Sobre el contenido de la dramaturgia la obra fue:-Ambientada en Berlín de 1929, cuando el nazismo empezaba a tomar fuerza, el argumento del musical gira en torno al decadente “Kit Kat Klub” y a la relación de su estrella principal , la cantante inglesa Sally Bowles, con el escritor estadounidense Cliff Bradshaw, quien llega a la ciudad en busca de inspiración para su novela.

Otra de las tramas de la obra se centra en el romance otoñal entre Fräulein Schneider, una mujer alemana que regenta la pensión donde se alojan Cliff y Sally, y Herr Schultz, un viudo judío propietario de una frutería, todos ellos observados por los ojos del maestro de ceremonias de “Kit Kat Klub”. El cabaret sirve como metáfora de los terribles cambios políticos que tuvieron lugar en los últimos días de la República de Weimar.- (Nota en Wikipedia)

La obra CABARET tanto en formato de novela, como de dramaturgia, logró ser presentada en el medio cinematográfico, bajo la dirección escénica de Bob Fosse y la adaptación de Jay Presson Allen, quien por cierto omitió varios de los números musicales, e hizo cambios en la trama de la novela de “Goodbye to Berlin”.siendo la actriz protagónica del rodaje la actriz potencial del momento, Liza Minnelli; la película recibió nada menos qué ¡8 Premios Óscar!

CABARET presentada en el ya icónico Teatro de Los Insurgentes, cuenta con la magnífica dirección escénica a cargo de Mauricio García Lozano, propuesta con una gran escenografía compuesta por diversos cuadros escénicos, así como un numeroso reparto estelar compuesto por Irene Azuela, Cassandra Sánchez Navarro, Gustavo Egelhaaf, Nacho Tahhan, Anahí Allué, Alberto Limita, Majo Pérez, Julián Segura, Astrid Prado, Sofía Pelletero, Víctor Oliveira, Gazel Rojo, Efraín Félix, Renta Bajo, Jorge Garza, Harón Ayón, May Rubión, Tomi Martínez, Augusto Fraga, Teresa Ríos, Ignacio Pereda, Damiana Ven, y Marco Camarena.

La dramaturgia es un libreto escrito por Fred Ebb y John Masteroff bajo la adaptación y traducción de Enrique Arce, y la música de John Kander, contando con una buena coreografía y un gran diseño de vestuario. Todo ello hace que la obra CABARET lusca espectacular.

 

CABARET se presenta en el Teatro de los Insurgentes de jueves a domingos. ¡FELICIDADES!

 

VITRINA MUSEOGRÁFICA AL MAESTRO TOMÁS MÉNDEZ

POR: Dalia De León Adams

 

*El ícono de la canción vernácula.*

 

Eduardo Méndez integrante del grupo musical “Habitación 69” el día de hoy, 25 de julio, fue invitado por la Sociedad de Autores y Compositores Mexicanos (SACM), La Fonoteca Nacional, La Cineteca de Zacatecas, el Museo Aroga y el Sistema Nacional del Transporte Colectivo Metro, para develar la “VITRINA MUSEOGRÁFICA AL MAESTRO TOMÁS MÉNDEZ quien fuera su padre y quien por su gran legado artístico continúa siendo recordado por su público.

 

Recordemos qué TOMÁS MENDEZ SOSA, originario de Fresnillo, Zacatecas, nacido justo el 25 de julio de 1926 y fallecido el 19 de junio en el entonces Distrito Federal en 1995, ha sido uno de los más importantes baluartes de nuestro país, quien compusiera entre otras canciones el tan coreado “Cucurrucucú. Paloma”, “Paloma Negra”, “Paloma Déjame Ir”, “Leña de Pirul”, “La Muerte de un Gallero”, “Gorrioncillo Pecho Amarillo”, “Huapango Torero”, “Puñalada Trapera” y “Paloma Déjame Ir” todas estas consolidándose como grandes éxitos de la música vernácula.

Según hizo saber su hijo, el también afamado cantante Eduardo Méndez (identificado por la canción Gabriela, e integrante de “Habitación 69”) la canción “Cucurrucucú, Paloma” ha llegado a obtener la categoría de “Joya Musical” por tener alrededor de *Mil Versiones*, lo cual ha hecho que sea tocada en casi todo el mundo, desde hace 70 años, tras los cuales fue creada.

Fue por ello que tan sonada canción, es decir, el “Cucurrucucú, Paloma” fue interpretada por diversos cantantes y en diferentes géneros musicales, tanto en vivo, como en video, en el pasillo del Metro División del Norte, que lleva el nombre del Maestro Tomás Méndez.

Y el homenaje no acabó ahí, pues también interpretaría algunas bellas melodías Eduardo Méndez, además de presentarse “El Ballet de Colores del Metro”, amenizando el evento con sus danzas coloridas.

 

 Finalmente le comento qué es el mismo lugar de la celebración, en donde a partir de hoy 25 de julio del 2024 Usted podrá observar junto con algunos objetos personales, y por supuesto con un disco *Don Play* que no podía faltar con su fotografía, la VITRINA MUSEOGRÁFICA DEL MAESTRO TOMÁS MÉNDEZ.

Metro Division del norte, en un pasillo. Permanentemente. 

 

SHOWer DIVA… ¡A jicarazos!

POR: Dalia D’ León Adams

 

*Teatro Cabaret.*

 

LOU BEST CABARET está presentando su nuevo Espectáculo Musical con el tono chusco, picante y divertido que precisa el Teatro Cabaret, escenario en donde las actrices demuestran ser realmente vedettes; es decir, acorde con el significado que ofrece la Real Academia de la Lengua Española, es la figura:

-Principal o muy destacada en un ambiente o en una actividad, especialmente en el mundo del espectáculo.-

LOU BEST conjuga exactamente esos elementos que la caracteriza como una verdadera vedette, quien logra con su simpatía, un alto nivel de comicidad, hermoso colorido y tesitura de voz, con mucha proyección (aunado un poco al parecido físico con la cantante estadounidense Liza Menilla) con el que logra  interpretar a grandes DIVAS del medio musical como la misma Minnelli, o la afamada francesa Edith Piaf .

LOU BEST es oriunda de Tijuana, lugar en donde es reconocida como artista escénica vocal, quien posee un toque especial que se logra identificar en su SHOW, en el cual incluye el repertorio del Espectáculo “Tunes de Broadway”, bajo un toque totalmente Cabaret.

Sobre el contenido de su SHOWer DIVA… ¡A jicarazos!, la compañía Difusora presenta la siguiente semblanza:

-LOU BEST es una DIVA de regadera que sabe que su destino marcado es realizar un espectáculo en el Carnegie Hall de New York y cantar las canciones de Broadway y de cabaret que la han inspirado desde niña… sin embargo el destino se empeña en hacerla aparecer en cualquier escenario, menos ese. ¡Qué descubrirá esta DIVA Cabaretera sobre sí misma mientras persigue su destino? ¿Llegar algún día a cumplir su sueño o seguirá distrayéndose en el camino?

Utilizando una metáfora fantasiosa y surrealista, éste espectáculo de Cabaret Musical busca celebrar esa parte de nosotras qué a pesar de las dificultades , los retos o los desvíos que la vida invariablemente nos pone enfrente, vive y arde en el fondo de todas: nuestra versión más gozosa.

 ¿Qué tanto has perdido de tu capacidad de gozar tu sueño? Al final de cuentas… ¡Una DIVA es igual de DIVA cantando en Nueva York o cantando en la regadera de su casa!...

 Bajo un tono burlesque la artista LOU BEST logra presentar un espectáculo en el que combina el canto con la parodia, con respecto de las grandes figuras que brillaron en el medio musical, de las cuales además imita sus gestos, ademanes y peculiares voces que las hicieron consolidarse como íconos de su época.

Empero LOU BEST ofrece con remembranzas del pasado, adosándolas bajo un colorido contemporáneo que muestra que es una verdadera SHOWer DIVA, dentro de un espectáculo que bajo un texto chusco parte ¡A jicarazos!, logrando la atención de su público, sus risas constantes, sus aplausos largos y efusivos, así como el reconocimiento.

 

SHOWer DIVA… ¡A jicarazos! Se presenta en el Teatro-Bar “El Vicio” se presentará con una sola función más, el próximo domingo 28 de julio a las 17:30 horas (calle Madrid 13, colonia Del Carmen Coyoacán). 

80 CIRCUNAVEGACIONES DEL SOL

POR: Dalia D’ León Adams

 

*Exploración de la condición humana donde lo mundano se convierte en mágico,

los objetos cotidianos cobran vida y el paso del tiempo

se suspende en un momento de contemplación.*

(nota de la difusora)

 

80 CIRCUNAVEGACIONES DEL SOL es justo el título de la Exposición traída a México del maestro cubano-estadounidense Julio Larraz la cual cuenta con alrededor de 30 piezas artísticas seleccionadas por su autor para ser presentadas en “La Casa Nuestra” ubicada en la Sede del Senado de la República (ubicado en la esquina de la avenida de los Insurgentes y Paseo de la Reforma).

La Sede como es bien sabido, es un órgano legislativo en dónde se celebran y organizan eventos, siendo en ésta ocasión bajo la colaboración de la Galería “Duque Arango” del país hermano de Colombia.

Evento celebrado justo ahora que se está cumpliendo el 80° Aniversario de vida del artista Julio Larraz, oriundo de la Habana, Cuba, isla en dónde nació en el año de 1944, para ser acogido por la Unión Americana en donde reside.

Es un artista que incursiona dentro de la corriente pictórica del Realismo la cual fusiona con elementos Surrealistas, al plasmar algunos elementos de índole oníricos, acordes a su gran inventiva artística.

Todo ello bajo una perspectiva renovadora y transformadora, con cuyo arte intenta incentivar e iluminar con sus trazos y formas plásticas, a sus contempladores y seguidores, en base a la imaginación en la que se  inspira, la cual refleja en cada una de sus obras artísticas.

Acerca de su obra, la casa difusora expresa la siguiente consideración al respecto:

-A lo largo de su carrera Larraz ha explorado diversos temas a través de la pintura, la escultura, el grabado y la caricatura; colaboró con algunas publicaciones como The Rolling Stone y Time Magazine, donde se manifestó su destreza para eternizar la esencia de las personas con trazos precisos y humor agudo.

El reconocimiento profesional del creador nacido en la Habana, floreció con su primera exposición individual en la Pyramid Gallery de Washington, D.C., en 1971, y posteriormente en galerías de los  Estados Unidos, Europa y Sudamérica. Su lugar en las artes visuales ha sido gracias principalmente a su formato bidimensional. En la década de 1970 incursiona en la escultura, con notables piezas que han formado parte de espacios públicos y galerías.-

 

*Su arte transforma lo mundano, en lo mágico.*

IG: @casanuestramx

FB: CasaNuestraMx

hppt://juliolarraz.com

IG: @Duquearangogaleria

 

www.galeriaduquearango.com

CIVILIZACIÓN

POR: Dalia D’ León Adams

 

*Con 7 montajes en cartelera , Los Endebles se preparan para

celebrar 25 años de actividad.*

 

Con el reestreno de los monólogos “Bashir Lazhar” que a su vez celebra XV años sobre las tablas, y “Hasta luego” estrenada en 2023, además de los estrenos del Ciclo “En Cadena de Montajes”: Civilización, aún no recuerdo su rostro, Un niño en el jardín, Cuenta regresiva, y más adelante, Alto rating.

La Compañía Los Endebles tiene una agenda plena de presentaciones durante el segundo semestre de 2024y, con ello, se prepara para celebrar, en 2025, sus primeros 25 años de existencia y actividad ininterrumpida. (información del boletín de prensa)

Es por ello que la Compañía Teatral “Los Endebles” la cual se ubica dentro del Centro Cultural “La Capilla” (Madrid 13, Coyoacán) convocó a una rueda de prensa, para dar información, así como para presentar algunos fragmentos de las obras teatrales las cuales hoy en día se encuentran en cartelera teatral.

CIVILIZACIÓN como a-priori se menciona, es una de estas puestas en escena, presenta con un texto original del fallecido dramaturgo mexicano Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio (LEGOM), bajo la dirección artística del Maestro Boris Shoemann (actor, director, traductor, editor y profesor) junto con David Barrera Bautista.

Acerca de su autor se dice: -Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterios más conocido como LEGOM nació en Guadalajara, Jalisco, el 3 de diciembre de 1968 y, fallecido en Xalapa el 23 de mayo del 2022. Fue un dramaturgo, ocasionalmente poeta y narrador, quien ganara varios premios nacionales, como el Manuel Herrera. Su obra “Las chicas del tres y media Floppies, se tradujo al francés, inglés y hebreo.

Montaje escénico que tiene como reparto estelar a los actores Talía Marcela, Julio César Luna y David Barrera Bautista; actores cuyas actuaciones resultan ser espléndidas, matizadas con histrionismo y gran plástica actoral.

CIVILIZACIÓN cuyo título mantiene un sentido sarcástico que el autor le otorgara, para con ello hacer mofa y evidenciar de manera ficcionalizada, el juego que comúnmente utilizan algunos líderes políticos, para beneficio propio.

La máscara social, el abuso, la prepotencia, el oportunismo, el fraude, la manipulación, el engaño y  el soborno, además del encubrimiento, son los temas medulares a tratar, en ésta puesta en escena la cual, empero es presentada con un dejo de humorismo negro y manejo fársico.

A manera de Sinopsis de ésta puesta en escena, la propia Compañía “Los Endebles” presenta la siguiente aseveración al respecto, en su cartelera teatral:

-Una empresa está determinada en construir un edificio de veinte pisos en el centro histórico de su municipio; el presidente municipal no lo va permitir. Hoy somos el resultado de cuatro mil millones de años de evolución, y si en algo nos deja en claro esta obra,  es que sobrevivir es “matar antes de que te maten”. ¡Tú sobrevivirías?

 

Los Endebles con su montaje escénico de CIVILIZACIÓN  se están presentando los días domingos a las 18:00 horas en el Teatro Novo, del Centro Cultural “la Capilla”.

 

MITOS PREHISPÁNICOS

POR: Dalia D´León Adams

 

*Espectáculo multidisciplinario.*

 

Asistir a presenciar la puesta en escena de MITOS PREHISPÁNICOS es un deleite, en el sentido de que se puede apreciar una música orquestada por un músico en el teclado; una flauta transversa, un violonchelo, una batería, un jambé y una marimba se hacen sonar, siendo éstos tres últimos instrumentos ejecutados por un mismo músico percusionista.

Música en vivo que acompaña a la lectura de algunos cuentos o leyendas prehispánicas; es decir qué se recrean cuatro narraciones autóctonas de diverso grupos étnicos, como el maya, o el zapoteca, los cuales son presentados bajo diversas piezas musicales compuestas a colación de cada MITO.

Mismos que son recreados a través del recurso de la presentación de videos proyectados en el fondo del escenario teatral. Recurso multimedia que es utilizado para ilustrar cada una de las cuatro narraciones que conforman el compendio seleccionado de los MITOS PREHISPÁNICOS a presentar al público.

Así es como surgen a través de la lectura, las leyendas que entrelazan a los Diose totémicos, convertidos en fuerzas o creaciones de la naturaleza, para con ello contribuir a resarcir los errores o problemas de los humanos.

Cuatro MITOS que son coordinados y seleccionados por el dramaturgo Alberto Carral y que conforman las historias que entrelazan las leyendas presentadas de la religiones autóctonas; religiones que como es bien sabido surgieron bajo la perspectiva panteísta.

Así por ejemplo, un pájaro heroico tras de intentar salvar las semillas de una milpa en llamas, quema sus alas y se llena su cuerpo de ampollas, tras lo cual los diose le premiarán, o bien el MITO en donde la luna se enamora de tres hermosos ciervos.

Historias característica del mundo religioso precolombino, en donde se fusionaba el heroísmo, con la virtud, el chamanismo, la intervención de los dioses del trueno, la lluvia, la cosecha, por mencionar algunos; cercanía de las deidades con el mundo pagano, que se logran vislumbrar perfectamente.

En donde los dioses son capaces de transformarse para castigar o beneficias por sus actos buenos o malos a los seres humanos, en dónde la conciencia colectiva juega en favor del reconocimiento ancestral en donde el valor y el orgullo están en voga con el bien colectivo.

Se trata de un espectáculo bajo la dirección musical de Pilar Gadea y la composición de Jacobo Lierberman, Alejandra Hernández, Pablo Chemor y Marcos Carral, quienes convergen ante el objetivo de crear: Un espectáculo multidisciplinario que crea una sinergia única entre estas cuatro leyendas indígenas. 

 

MITOS PREHISPÁNICOS solamente ha contado con dos funciones, siendo la primera en la Fonoteca Nacional el pasado 19 de julio, la segunda en el foro de “Un Teatro” el día de ayer 20 de julio, y la tercera será el día 5 de septiembre, en la Sala Julián Carrillo de Radio UNAM (Adolfo Prieto 133) a las 20:00 horas.

 

PAR DE COMODINES

POR: Dalia D’ León Adams

 

*Arte y Risas*

 

La compañía “Gran Pompa” integrada por Valerio Vázquez y Malcom Méndez inicia temporada en el Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández, con un espectáculo intitulado PAR DE COMODINES. Título que surgiera a manera muy sui géneris tras de una época en la cual ambos interpretes se vieran en la necesidad de realizar varias funciones para poner en marcha su obra.

Espectáculo tipo “clown” que comúnmente han presentado tanto en espacios abiertos como lo son los parques, como en carpas, circos, o foros, en dónde lo importante es presentar una obra con elementos tanto artísticos, como circenses en cuanto a presentación de maromas, malabares, etcétera, y por supuesto divertidos.

PAR DE COMODINES en esta ocasión incluye la legendaria hazaña de “La Manzana y Guillermo Tell”, aunada a otros números en donde ambos payazos realizan un homenaje a su maestro finado, Anatoli Lakachtchouk, quien fura el fundador y director artístico de la Compañía “Escuadrón Jitomate Bola” en donde tanto Valerio Vázquez como Malcom Méndez inicialmente trabajaran.

-Dos payasos se disponen a repetir la hazaña del legendario Guillermo Tell: colocar una manzana en la cabeza de uno de ellos para que su compañero la atraviese con una flecha, pero antes sufrirán múltiples desacuerdos que los harán tropezar y navegar por situaciones absurdas, desatando actos circenses y de malabares, así como de intrépidas machicuepas y equilibrios temerarios.- (En cartelera teatral)

Son sketches sencillos, originales de Malcom Méndez y Valerio Vásquez, que parten de la provocación o interacción con el público, para jugar con ellos y hacer un evento totalmente interactivo y divertido.

Ambos artistas quienes introducen bajo su dirección escénica números bufos y excéntricos, es decir, según explicara Valerio Vázquez, manejan muchas habilidades circenses, o teatrales, al tiempo que tocan instrumentos y cantan; siendo esto último lo único lo cual no realizarán por ésta ocasión.

-PAR DE COMODINES es una colección escénica de piezas cómicas y virtuosas inspiradas en el circo clásico, como actos excéntricos, musicales, acrobáticos, de malabares, danza cómica, magia y equilibrismo, a manos de un par de payasos que invitan a romper la solemnidad del teatro. (Párrafo en boletín de prensa)

 

PAR DE COMODINES se presentará del 20 de julio al 22 de septiembre en el Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández del Centro Cultural del Bosque (CCB) en días sábados y domingos a las 12:30 horas.  

 

LOS ERRANTES, o ese amor

POR: Dalia De León Adams

 

 

Estando en plena gira el grupo creativo de la obra teatral “LOS ERRANTES o ese amor” (cuya dramaturgia fue escrita e 2015 y por su también directora escénica Verónica Musalem) el día de hoy convocaron a una rueda de prensa.

Por si aún no se había enterado, le comento qué dicha obra fue seleccionada para ser representada en escenarios europeos, desde donde se celebró la Conferencia a las 11:00 AM hora de MÉXICO y, las 19:00 horas desde la Ciudad de Paris.

Verónica Musalem comentó acerca de los cambios que sufrió su texto actualmente, en tanto que el actor interprete Alberto Estrella, habló sobre los cambios escenográficos y de adaptación de la dramaturgia del español, al francés, la cual no sería tarea fácil, pues el texto incurre en modismos o localismos mexicanos, imposibles de traducir en su contexto real, al francés.

Hoy en la conferencia de prensa vía ZOOM efectuada desde Paris, estuvieron presentes los interpretes de la obra, quienes como a-priori he mencionado es el actor Alberto Estrella, junto con la actriz Aída López, además de estar presente su dramaturga y directora escénica, la señora Verónica Musalem.

Aída López nos hizo saber acerca de la ovación de pie recibida tras de la ultima representación teatral realizada en Madrid, así como de algunos pormenores que han pasado en esta gira, los cuales han llegado a buen puerto de manera satisfactoria.

Hicieron saber qué la Compañía a-priori fue acogida en Madrid (del 11 al 13 de julio) por “La Casa de México en España”, para posteriormente viajar y formar parte del Festival Latino nada menos que en Paris, y justo cuando inician las Olimpiadas, será  que concluirá la gira en dicha emblemática ciudad.

“LOS ERRANTES o ese amor” es una dramaturgia perteneciente al género del drama, con tintes románticos, la cual cuenta con dos talentosos y reconocidos actores, como lo son Alberto Estrella y Aída López, quienes por demás esta decir que han logrado importantes nominaciones y premios por su excelentes dotes y madera de actores, tras de demostrar su gran talento histriónico tras de incurrir en el medio artístico, tanto en el cine, como en el teatro y la televisión..

En “LOS ERRANTES o ese amor” ambos actores interpretan los roles estelares de dos enamorados, quienes ven destruido su amor ante la llegada de una tercera persona; una mujer casada con hijos quien en vías de colaborar en un proyecto teatral, mantendrá una relación clandestina con su director y actor, coadyuvando dicha relación.

Recodemos qué LOS ERRANTES fue parte de la Trilogía La Tierra” y por primera ocasión la obra fue puesta en escena en octubre 2022 en el Foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico, en donde concluiría su temporada el día 17 de diciembre 20222.

A manera de Sinopsis la compañía difusora expondría entonces los siguientes párrafos a colación de la trama:

-“Dos actores ensayan la representación más importante de su vida: su propia separación...-

-Los dueños de un teatro itinerante se separan luego de 20 años de relación. El duelo de la ruptura los alcanza en una sierra, donde supuestamente, se encontrarían nuevamente como pareja. Pero las palabras ya no alcanzan y el sentido de lo que alguna vez fue su amor se les escapa de las manos.”-

Puesta en escena que se presentara en un solo cuadro escénico en donde el actor Alberto Estrella iba sacando de un baúl, según fuera la ocasión, algunos artefactos que lograban adecuar las diferentes escenas a presentar, en ésta dramaturgia emotiva, tratada a base de diálogos entre los dos personajes.

Empero, la pluma de la escritora introduce de pronto la voz de un Yo, Narrador, mediante el personaje masculino, para contar más allá de los sucesos y con ello entrar en la psiquis de la pareja a presentar.

Interesante propuesta escénica que mostrara más allá de lo evidente, hurgando dentro de los sentimientos de los personajes, quienes desnudan su alma en torno a sentimientos románticos.

El amor hasta la locura, la pasión, los celos, el hastío y la desavenencia, son los ingrediente medulares de ésta trama en búsqueda de reconstruir lo perdido; ello sazonado con la traición y la ruptura de un amor, quienes empero, nunca dejaron de amarse.

Cabe aquí mencionar si el lenguaje del amor eterno bajo una promesa de amor, no es tan sólo un atadura social, venida del ansia y necesidad de poseer hasta los más íntimos deseos de nuestra pareja.

Los personajes son caracterizados con gran plástica actoral o histriónica por parte de los dos grandes actores Aída López y Alberto Estrella, quienes dan vida a sus personajes plagándolos de una gran emotividad desgarradora.

Puesta en escena propuesta mediante una temporalidad llena de prospecciones y retrospecciones temporales, que poco a poco se iban hilando dentro de la trama a tratar, para con ello dar coherencia a la historia de amor de LOS ERRANTES, título muy sui géneris a las compañías itinerantes que invita a la reflexión en torno a cómo lidiar con nuestros más íntimos deseos, sin destruir una relación, sugerida mediante momentos de meta-obra, es decir, la presentación de una obra, dentro de la misma obra.

LOS ERRANTES es una obra que se está planeado presentar en temporada, en el “Circulo Teatral” cuyo Centro Cultural como es bien sabido, pertenece al actor, director, dramaturgo y poeta Alberto Estrella, junto con su homólogo Víctor Hugo Carpinteiro. Esto será posiblemente durante el me de octubre de año en curso, 2024.

 

 

¡EN HORA BUENA! Y ¡Muchas Felicidades!

 

ILUSIONES

POR: Dalia D’ León Adams

 

Christian Magaloni (actor, docente y director teatral en cuyo rublo ha sido ovacionado como el Mejor con la obra Indecente nacido en la Ciudad de México en 1982). Es un extraordinario director escénico, lleno de ideas innovadoras que transmite comúnmente a las puestas en escena, e ILUSIONES no es la excepción, en donde su talento se hace totalmente evidente. 

La puesta en escena ILUSIONES contiene un texto escrito por el dramaturgo Ivan Viripaev. Es una propuesta escénica la cual cuenta con una trama difícil de escenificar, pues presenta a personajes que fungen como narradores de los sucesos ocurridos o ejecutados por otro, de los personaje de ésta historia peculiar.

Pero y ¿quién es Ivan Viripaev? Ivan Alexandrovich Vyrypaev (1974) es un dramaturgo polaco de ascendencia rusa, guionista, director de cine, actor y director de arte. Es una persona destacada del movimiento New Drama y fundador de WEDA PROJECT.

Es una comedia romántica, en el sentido en que la trama trata en torno a la temática del “amor”. De dicho modo el autor presenta a dos parejas, quienes visualizan, definen viven y sienten el amor de diferente manera, y bajo diversas perspectivas, en cuanto a cómo experimentar, vivir y expresar dicho sentimiento.

El “amor” aparentemente es un tema fácil de abordar, empero ni los filósofos, ni los poetas, ni los científicos lo han podido definir con exactitud. Siempre se recurre a acercamientos en base a un circunloquio de palabras, que no acaban por precisarlo.

En el caso del escritor Iván Viripaev, sus definiciones sólo llevan a diferenciarlo en torno a dos vertientes; al sentimiento compartido por dos seres, lo cual define como “verdadero amor”, en contraposición con el sentimiento unilateral, que no espera ni recibe a cambio “nada”.

ILUSIONES cuenta la historia de Dani, Sandra, Margarita y Alberto, dos matrimonios entrelazados, que por medio del amor, intentan encontrar su lugar en el mundo. A través de una serie de narraciones intimas, cada persona contará su propia trayectoria de vida e irá descubriendo como todo lo que creyó que daba forma y sentido a su existencia podría no haber sido más que una simple y efímera ilusión. (Sinopsis en cartelera teatral).

El apoyo escenográfico, resulta muy fortuito e importante en éste montaje escénico, en donde  las retrospecciones temporales son marcadas en base a una especie de nichos colocadas en la parte posterior del escenario, que se abren y se cierran acorde con las escenas de la trama a tratar en los relatos de los personajes, los cuales están interpretados por los actores con gran histrionismo actoral. Ellos son Adriana Montes de Oca, Xavier García, Paola Arrioja y Carlos Patrick Casanova.

Una pieza musical es interpretada por una de las dos actrices (Adriana Montes de Oca) de manera melódica y armoniosa; canto el cual se hace escuchar casi al finalizar de éste melodrama, en compañía de un músico, quien con su teclado, ameniza ésta puesta en escena de aproximadamente 90 minutos de duración.

ILUSIONES de Iván Viripaev, bajo la dirección de Christian Magaloni se presenta en el Teatro Milán con funciones de viernes a domingos hasta el 25 de agosto del año en curso 2024.

 

DE-GENERADXS

POR: Dalia De León Adams

 

*¡No soy mi propio trauma!, ¿O lo soy?*

 

Una reconstrucción física de fracturas de

inocencia a través de un viaje

psíquico-cósmico de nuestra infancia.

XX es un viaje para encontrar el sentido en el

caos de nuestras cuerpas y mentes

entelarañadas. Habitando cuerpos heridos más

allá de lo que la mente entiende.

(La Compañía Teatral)

 

DE-GENERADAS es un viaje regresivo hacia la infancia, en donde todo parece transcurrir de manera perfecta, y con el abrigo de una familia la cual de pronto se frustra ante la ausencia inesperada de uno de los dos seres que nos cobijan; nuestros progenitores.

Es casi una oda a la adolescencia cautiva en cambios, y envuelta en una idiosincrasia dogmática que pretende la negación de la esencia humana, flagelándola con frases que más allá de servir como consejos, sólo consiguen el deterioro de la autoestima y la valía propia como persona.

DE-GENERADAS es una dramaturgia escrita por Azul Álvarez Ávila, Joselyn Amaya y Valeria Suaste; mismas quienes son las interpretes de éste montaje escénico que tiene como objetivo el hacer cambiar, o por lo menos pensar al público, de que los errores retrógrados en los cuales incurren muchos de los padres al intentar formar a su hijas, no debieran ser repetidos en las nuevas generaciones las cuales cada vez son más conscientes de qué no es necesario ir por la vida en búsqueda de la otra mitad, sino de la misma integridad como persona; un ser completo e inteligente, en el difícil andar por la vida.

Es así como tres jóvenes advierten la problemática vivencial que enreda la mente ante el inminente cambio repentino de niña a mujer, con los avatares tanto hormonales, como psicológicos implícitos, e incluso a veces ante una obligada maternidad.

DE-GENERADXS es el sentimiento de culpa creado ante el deseo de ser “sí mismo”, lo que por herencia natural se ha legado, que lleva tan sólo a reprimir la esencia, y a evocar a la mentira, y la frustración.

Por supuesto que esto se extiende a cualquier adolescente, como se podrá comprobar en el título, el cual lleva una X, proponiendo ser leído como “de-generades”, como la sociedad aún llena de prejuicios, cataloga a aquellos que desean ser, lo que por natura, son.

 

DE-GENERADXS es un drama que tan sólo se presentará una ocasión más en el Foro Shakespeare, el próximo sábado 20 de julio a las 12:30 horas.

LA ÚLTIMA MAÑANERA y me voy a la C#IN64D4

POR: Dalia De León Adams

 

*Me canso ganso*

 

El gobierno de México informa

al respetable público

 

-La presidencial de México informa que con

base, o en bace, o como se diga,

Que los artículos XXXXL, XCII, VXIII, y XI del

Segundo transitorio, del tercer supositorio de la

Ley de gravedad creada para la fiscalía Especial

Del Caso es lo Mismo quedan como artículos

De primera necesidad porque ya no alcanza para

Comprar los que había antes en la canasta básica

Y que los asistentes a este espectáculo serán

Sujetos a las disposiciones vigentes o vi gentes,

O como se diga.

 

Por lo que esta obra no es apta para cajamanes, conservadores, fifís, reaccionarios, racistas, facistas, clasistas, golpistas, maristas, artistas, budistas, turistas, taxistas, pianistas, modistas, aristas, autopistas, bañistas, oculistas, ciclistas, feministas, optimistas, juristas, flautistas, coristas, masajistas, tenistas, nudistas, mayoristas, fetichistas, autistas, malabaristas, y todo lo que termine en ista, pero como no tenemos ningún control para impedirlo sólo podemos señalar que si vienen a la función, es porque además son masoquistas.

Tras de leer lo anterior como parte del programa de mano sobre la obra teatral LA ÚLTIMA MAÑANERA y me voy a la C#IN64D4” como es evidente, se trata de una puesta en escena totalmente cómica y divertida presentada con la idea original y la producción de Juan Prese.

Cuenta con el libreto de Antonio Garci y bajo la dirección escénica de Óscar Rubí y las actuaciones del mismo Juan Frese, quien caracteriza a los personajes de Luis Américo, Andrés Manuel, Gatell y Noroña, quien actúa en compañía de Luis Lozano y Érick Cuéllar.

El actor Juan Frese con su gran parecido físico, así como por la facultad que tiene al modular su voz imitando la manera peculiar de hablar y expresarse de nuestro aún legislador, hace una parodia sobre el presidente de la República Mexicana, el Señor Andrés Manuel López Obrador, en la cual las frases que ha repetido durante su sexenio, salen a colación aunadas a un texto que parte del supuesto de cuando se lleve a cabo su ÚLTIMA MAÑANERA; momento en el cual, acorde con el texto, el exmandatario se irá rumbo a su rancho conocido como “La C#IN64D4”

El montaje escénico se muestra en dos tiempos escénicos, y cuenta con el apoyo multimedia con el cual proyectan tanto gráficas como a otros personajes que incluyen tanto políticos, como gente común.

Le comento qué el estreno se efectuó el pasado 8 de julio teniendo como padrinos de temporada al periodista Luis Cárdenas y al actor Alfredo Adame, quienes asistieron junto con otras personalidades del medio artístico como lo son la comediante Liliana Arriaga “La Chupitos”, Pocholo, Yurem Rojas y Andrés Tovar, entre otros invitados más.

 

Esto con el juego de iluminación que ayuda a dar los efectos deseados en cada cuadro escénico, para llevar a buen puerto a ésta comedia de humorismo y parodias. LA ÚLTIMA MAÑANERA y me voy a la C#IN64D4, se presenta en el Teatro Rafael Solana los días lunes a las 20:30 horas.

 

LA ÚLTIMA PACIENTE

POR: Dalia De León Adams

 

*Basada en sucesos reales*

 

Controversial puesta en escena des escritor, dramaturgo y psicólogo Miguel Ángel Díaz Barriga N. quien tras de escribir su novela LA ÚLTIMA PACIENTE la llevaría a escenificar al Nuevo Teatro Versalles, teniendo como reparto estelar a los actores Alejandro Faugier, su también director escénico, Anahí Medina, Guada Espinosa y Xareni Aguilar.

Actores que dan vida a tres personajes matizados bajo una gama de problemas psiquiátricos, que se entrelazan en un consultorio, tras la amenazante rutina que empaña la existencia de dos jóvenes y su psicoanalista.

La obra teatral, así como el libro que contienen por cierto el mismo texto, emergen de algunas citas reales que motivaron al escritor Miguel Ángel Díaz Barriga N. para crear una dramaturgia en la cual surgirían los personajes ficticios, tratados bajo una gama contextual que hace que esta novela esté dentro del género teatral psicológico, contemporáneo.

La trama esta compuesta por tres monólogos que se empalman, dando como resultante un final totalmente inesperado que le da vuelco a la lectura inicial, en la cual los tres personajes protagónicos parecen tener tan sólo como lazo existencial, un consultorio cualquiera.

A manera de sinopsis, en cartelera teatral se presenta el siguiente párrafo textual:

-“Jacobo es un psicoanalista harto de su vida gris y monótona en un pueblo atrasado y aburrido. Dos de sus pacientes, Zaira y Melissa acuden a él por problemas aparentemente típicos: la primera con anorexia y la segunda con dilemas propios de una madre adolescente. Sin embargo, conforme avanza la obra, el espectador irá descubriendo lo atípica y torcida que es la vida de estos personajes, pues cuando la oscuridad es revelada, cuando conocemos nuestro lado más oscuro es cuando la luz puede resolverlo todo.

La puesta en escena cuenta además con una muy buena dirección escénica por parte de Alejandro Faugier, quien la presenta en dos tiempos escénicos en donde aparece a modo de escenografía, un escritorio con dos sillones que simulan ser el consultorio del psicoanalista Jacobo, quien ocasionalmente al también ser uno de los interpretes estelares, se presenta como el Yo narrador en primera persona, de éste drama peculiar, incluyendo una lectura muy bien acentuada.

 

Finalmente le comentaré que tras las primera función que se llevo el día de ayer domingo 7 de julio, subieron tanto el dramaturgo, como el productor de esta obra teatral  en compañía de dos grandes figuras, como lo son el maestro y creador de telenovelas históricas. Además de un museo virtual https://www.museomiguelsabido  el Señor Miguel Sabido, quien dedicó algunas palabras al público, con respecto a su opinión sobre la obra, junto con el escritor y crítico Álvaro Cueva, quienes fueron invitados en calidad de padrinos de lujo del evento, el cual incluyó la presentación del libro físico de LA ÚLTIMA PACIENTE cerrando con broche de oro, al incluir un cocktail.

 

LA VIRGEN LOCA

POR: Dalia De León Adams

 

Realmente el Primer Actor Alejandro Camacho extasió a su público con su majestuosa interpretación protagónica, en la cual evidenció tener gran madera de actor, logrando poner a todos de pie para ovacionar su actuación unipersonal en LA VIRGEN LOCA con un caluroso y prolongado aplauso.

Le comento qué es una puesta en escena que ha logrado mantenerse durante el largo periodo de 41 años, logrando con ello un Récord Guinness. Original del dramaturgo Hosmé Israel, la obra teatral LA VIRGEN LOCA bajo la excelente dirección escénica de Enrique Pineda, quien por cierto ha ganado 20 premios tras de dirigir en 70 ocasiones.

El montaje escénico se presenta a manera de melodrama con tintes de comedia, resultando ser todo un deleite que se conjuga con un buen texto, una actuación extraordinaria y una gran dirección escénica.

Como expresó el actor Alejandro Camacho en rueda de prensa, la obra se representa bajo un formato “Bululú” debido a qué la interpretación es de por lo menos cinco personajes, los cuales desde luego, son propuestos en el texto y que fueron caracterizados por Camacho, con gran plástica actoral e histrionismo escénico.  Formato qué como continuaría expresando, es “una fiesta teatral”, debido a que lleva del llanto a la carcajada, de la tristeza al pensamiento, y de la vida a la muerte, o bien, a la nada.

Por otro lado y como pudimos leer en el programa de mano con respecto a la reconocida trayectoria de Alejandro Camacho: Es un actor con una impecable y vasta trayectoria en cine, teatro y televisión. Comenzó su carrera en la década de los 80’s y desde entonces se ha mantenido activo. En cine destaca en películas como “Los renglones torcidos de Dios”, “Como si fuera primera vez” y “Amores incompletos”. Ha participado en más de 50 telenovelas entre las que destacan “Cuna de lobos”, “Alma de hierro”, “Minas de pasión” y “Marea de pasiones”. En teatro destacan las obras “Drácula”, “El extraño incidente del perro a medianoche”, “Los mosqueteros del Rey” y “A puerta cerrada”.

A manera de sinopsis del contenido de la trama se expresa lo siguiente en cartelera teatral:

-En esta puesta en escena nos sumergimos en un día más en la soledad y el abandono de una mujer de más de ciento sesenta años que se ha conservado virgen y no ha conocido el amor. Que día con día, le pide, le ruega, le suplica con mucha devoción a San Antonio, el santo al que se le pide pareja, le conceda varón, no importando que sea manco, tuerto, tullido o cojo, y no importando que esté enfermo o que se muera pronto para que le dé un buen difuntazo. -

Y como expresa finalmente la Compañía Productora “Oscar Rubí”: Montar una obra de teatro no es cosa sencilla, se arriesga mucho y son demasiadas las personas que están involucradas y que empeñan su tiempo, su talento y su servicio hacia un sueño en común.

 

LA VIRGEN LOCA se presenta en el Teatro Rodolfo Usigli con funciones los sábados a las 20:30 horas.

MADRE CORAJE Y SUS HIJOS

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

Icónica dramaturgia de Bertolt Brecht, representada bajo la producción de la Compañía “Telón de Arena”, la cual cuenta con la versión y excelente dirección escénica del maestro Luis de Tavira.

Es un director quien como siempre hace alarde de su talento,  presentando la mayor de las veces numerosos cuadros escenográficos movibles y vistosos, que se remarcan con el uso de un vestuario a la usanza secular del texto a tratar, que en éste caso es parte del territorio europeo, durante un conflicto bélico gestado entre protestantes y católicos..

-Es la guerra de los treinta años. Eso que pasaba allá es justamente lo que pasa aquí, hoy: una guerra permanente convertida en normalidad. La perspectiva elegida es la de los conminados a sobrevivir semejante estado de cosas. La guerra como costumbre, como origen oculto de la desigualdad. La traficante Ana Fierling, mejor conocida como MADRE CORAJE, se encuentra en el apogeo de su carrera comercial, empuja un remolque, como se empuja el carro de la historia.

 Esa guerra de la que saca provecho le quitará al mismo tiempo lo más preciado, a sus tres hijos. Miles han muerto en la carnicería, los lobos rondan por las aldeas calcinadas. MADRE CORAJE debe seguir sola su camino, aunque todavía falta mucho tiempo para que la guerra termine. Esta pieza proyecta la crudeza de sucesos lejanos que intentarán referir los rasgos de la realidad actual: el crimen organizado, las guerras de los cárteles, el negocio violento de los sicarios, los tratantes, los secuestradores, el tráfico de armas y los feminicidios.-

Así es como hizo referencia la compañía Difusora del Teatro Helénico al presentar la sinopsis de la puesta en escena de LA MADRE CORAJE Y SUS HIJOS estrenada el día de ayer 1 de julio 2024, cuya dramaturgia presenta la guerra en algunas de sus cruentas y deshumanizadas facetas, con un cierto dejo de humorismo negro.

MADRE CORAJE Y SUS HIJOS es un montaje escénico dirigido por uno de los mas brillantes maestros de la dirección, es decir por el Señor Luis de Tavira, quien ha puesto en escena la dramaturgia de uno de los pilares del teatro alemán y universal, es decir de Bertolt Brecht, como inicialmente he mencionado.

Recordemos qué Eugen Berthold Friedrich Brecht, fue un dramaturgo y poeta alemán. Uno de los más importantes e influyentes del siglo pasado, a quien se le considera como el creador del teatro épico, también llamado teatro dialéctico. Brecht nació el 10 de febrero de 1898, Augsburgo, Alemania y fallecido el 14 de agosto de 1956 en Berlín del Este.

Su obra MADRE CORAJE Y SUS HIJOS fue escrita en 1941. Se considera una pieza teatral fundamental en el teatro de Bertolt Brecht, la cual se estrenó en Berlín en el año de 1949, con la música adicional de Paul Dessau.

Por otro lado Luis Fernando de Tavira Noriega (México 1949) además de excelente director, es dramaturgo, ensayista y pedagogo. Autor de varios libros como lo son El corazón de la materia: Teilhard, el jesuita, El espectáculo invisible: paradojas sobre el arte de la actuación, Hacer teatro hoy, entre otros.

La versión del texto y la dirección de Luis de Tavira por sí solas hacen que las representaciones sean una promesa para el espectador; hecho que aunado a los magníficos actores, termina siendo la obra teatral, un deleite.

Bajo el género del drama, la puesta en escena cuenta con grandes actores como lo son Perla de la Rosa, Jesús Piña Meza, Saura Emilia Subiate, Ezra Padilla De la Rosa, Marco Antonio García Delgado, Cesar Cabrera Sánchez, María Guadalupe Balderrama Vela, Guadalupe de la Mora Covarrubias, Alan Gabriel Escobedo Meléndez, Mario Alberto Vera Lizalde, Claudia Cecilia Rivera Carrera y Norma Meraz Herrera. Todos ellos actuando con gran plástica actoral e histrionismo escénico.

Con una duración de 180 minutos, se presenta éste montaje en dos cuadros escénicos, con utilería movible que logra enmarcar cada cambio escenográfico, acompañado por un grupo de músicos de cámara en vivo, quienes amenizan y matizan cada una de las escenas a representar.

Finalmente el vestuario se presenta a la usanza secular de la que fuera la llamada Guerra de los Treinta Años; es decir, el conflicto armado librado en la Europa Central entre los años 1618 y 1648 en la que intervinieron la mayoría de las grandes potencias europeas de la época, cambiando el futuro de Europa.

 

MADRE CORAJE Y SUS HIJOS se está presentado en breve temporada con funciones de lunes a viernes a las 19:00 horas, hasta el próximo día 16 de julio, en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico (CCH).

 

LA TERNURA

POR: Dalia De León Adams

 

 *Homenaje a la trayectoria a la actriz Mónica Dione*

El Señor Morris Gilbert, junto con la Compañía “Mejor Teatro el día de ayer sábado 22 de junio 2023 distinguieron a la gran actriz Mónica Dione por su larga y exitosa trayectoria tanto en el medio cinematográfico, como televisivo y por supuesto teatral.

Para tal efecto estuvieron presentes cuatro padrinos, quienes dedicaron palabras de reconocimiento a la actriz Mónica Dione, han quien han conocido tanto en el ámbito profesional, como un tanto en lo cotidiano. Ellos fueron los periodistas o comentaristas Mónica Garza, Alejandro Springall y Adal Ramones, junto con Zahie Téllez, figura del momento.

Le comento qué Mónica Xóchitl Dione Lazo nació en Waterbury, Connecticut, en los Estados Unidos en el año de 1967. Es una actriz hispano-americana que por su talento ha logrado incursionar y destacar en todos los medios escénicos durante un poco más de 30 años consecutivos.

Recordemos qué actualmente Mónica Dione funge en el papel de “La Reina Esmeralda” en el montaje escénico de la obra intitulada LA TERNURA, bajo la dirección escénica de Benjamín Cann y la producción del Señor Morris Gilbert.

Obra que estelariza Mónica Dione junto con Alejandro Calva, Arap Bethke, Carla Medina, Pier Louis y Luisa Guzmán Quintero. Todos ellos logrando gran plástica actoral que le infieren a cada uno de los personajes en tono de comedia, guiados por supuesto por una excelente dirección artística por parte del Señor Benjamín Cann, como a-priori he mencionado.

LA TERNURA es una obra teatral perteneciente al género de la comedia, original del dramaturgo español Alfredo Sanzol con tintes románticos, pincelada con algunos elementos de las icónicas obras del escritor inglés Williams Shakespeare (Stratford-Upon-Avon, Reino Unido 1564-1616), tal como lo son La Tempestad, Sueño de una Noche de Verano, Noche de Reyes, Mucho ruido y pocas nueces, y Como gustéis.

Empero LA TERNURA es una dramaturgia nueva, con rasgos contemporáneos que se entremezclan con una estructura tipo isabelina, cuyos diálogos son sugeridos a la usanza secular del siglo XVI, así como la osamenta de los personajes, los peinados y maquillajes.

LA TERNURA contiene un lenguaje mayormente al estilo secular que presenta la dramaturgia,  es decir acorde al siglo XVI; empero tiene un texto escrito de manera actual e incluyente en el sentido en que presenta temas como la igualdad de géneros, la defensa de los valores femeninos, el surgimiento de lo que entendemos por nuevas masculinidades, los logros del LGBTQ+, el Pro en defensa de la ecología, e incluso el boom del arte culinario.

Todo ello constituyó aciertos en la obra de Alfredo Sanzol, por lo que le hicieron ser galardonado en el rublo de Mejor Dramaturgia con el Premio Valle Inclán, además del Premio Max por ser calificado como el Mejor Espectáculo Teatral y, por añadidura, El Premio de la Unión de Actores otorgado a la actriz Natalia Hernández, quien interpretara en el estreno de la puesta en escena LA TERNURA, a uno de los personajes secundarios.

-“Alfredo Sanzol es autor y director de teatro. Licenciado en Derecho por la Universidad de Navarra y en Dirección de Escena por la Real Escuela Superior de Arte Dramático. Miembro de la Asociación de Directores de Escena de España y de la Sociedad General de Autores.”- (nota Wikipedia).

Todo esto han hecho que el afamado productor Morris Gilbert una vez más apueste por escenificar una comedia plagada de elementos interesante y divertida, la cual ha logrado ser escenificar cumpliendo en tan breve tiempo 48 representaciones, las cuales el día de hoy domingo 23 de junio, sumarán las 50.

LA TERNURA se estrenó el 21 de marzo en el Nuevo Teatro Libanés, bajo la dirección escénica de Benjamin Cann y la Producción de Morris Gilbert con su “Mejor Teatro” y les pronosticamos larga temporada.

*Os vamos a contar un cuento que os atrapará de principio a fin.

Y es que pareciese un postre, que se antoja degustar

 

a plenitud.*