La Crítica de Teatro en México, pasado, presente y futuro

OTTO

POR: Dalia De León Adams

 

“La Bomba Teatro” regresa con la puesta en escena OTTO, dramaturgia original de Azis  Gual y Lucía Leonor Enríquez que comenzó a partir del día sábado 27 de abril 2024, en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque.

OTTO es un espectáculo Clown familiar muy colorido, integrado por cinco payasos en escena entre los cuales está incluido OTTO, el payaso protagónico de ésta puesta en escena.  

Una Voz in OFF en determinados momentos escénicos se hace escuchar en pos de dicho peculiar personaje protagónico con las voces que emiten algunos breves diálogos. Al espectáculo se le suman tres músicos en vivo en vivo también ataviados de payasos, quienes amenizan la función con su música.

Todos ello aparecen maquillados y portando sus trajes tradicionales con brillantes y multicolores diseños, portando algunos una peluca o sombrero. Con respecto a éste show tipo circense, al respecto en cartelera teatral se expresa lo siguiente, en cuanto al contenido del texto en torno a la breve historia del payaso OTTO:

-OTTO emblemático personaje pierde su nariz, de la cual se va desprendiendo un hilo rojo que le muestra el camino hacia una gran aventura: un divertido viaje a su interior, donde enfrentará temores y recuerdos que se inspiran en la realidad del universo infantil. A través de este viaje OTTO nos mostrará cómo sobreponerse a la adversidad, utilizando el juego como arma y la risa como remedio y gran valor.-

Párrafo textual que en otrora se completara con las siguientes palabras al respecto a la temática medular del montaje escénico:

-OTTO enfrentará temores y recuerdos que se inspiran en la realidad del universo infantil y en la parte humana de todo artista escénico. OTTO nos mostrará como sobreponernos a la adversidad enseñando la cara luminosa de las cosas, utilizando el juego como arma, y la risa como remedio de gran valor. El contrabajo, el acordeón y el clarinete acompañarán en todo momento la atractiva puesta en escena.

A todo ello se le suman números de cierto rango cirsense como lo son los números acrobático y el uso tanto de zancos, como de bicicletas y monociclos, además de interactuar físicamente con su público a quienes les arrojan algunas mega pelotas inflables de gran volumen, con las cuales los espectadores corresponden el juego, regresándolas y dibujando grandes sonrisas y carcajadas.

En el espectáculo colaboran Anick Pérez, Santiago Manuel, Aldo Rodríguez, Paola Herrera e Ignacio Árago; payasos o Clowns, quienes interactúan con los músicos Diego Pérez en el contrabajo, Mario Alberto Gallardo en el acordeón, Omar Ranfla en el clarinete y la Voz en Off de “Perico” el payaso Loco.

Le comento qué “La Bomba Teatro” es una compañía que fue fundada e impulsada inicialmente por el Señor Azis Gual quien con el objetivo de hacer disfrutar principalmente al público infantil o joven, la creara.

Compañía que se consolidara en co-producción con el INBAL, contando con talleres de circo y teatro, cuyo proyecto se denominara “Convite de maromas”, en donde las maromas, por supuestos no deben faltar.

 

OTTO se presentará hasta el día 7 de julio del año en curso 2024,  los sábado y domingos a las 13:00 horas en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque (CCB) de la ciudad de México.

 

REQUIEM

POR: Dalia De León Adams

 

*Composición musical que se canta con el texto litúrgico de la misa de difuntos. También se llama réquiem o misa de réquiem a la misa de difuntos.*

 

Son los significados de la palabra REQUIEM, título muy ad-hoc que forma parte medular de la temática a tratar, en ésta puesta en escena original del dramaturgo Reynolds Robledo, presentada bajo la dirección escénica de Enrique Singer, con las actuaciones estelares de Alberto Estrella y Mónica Huarte.

Dos excelentes actores que una vez más demuestran tener madera de actores, como comúnmente se dice en la jerga teatral, a aquellas personas que demuestran poseer grandes dotes histriónicos, y ¡vaya que sí los tienen!.

Actuando con gran naturalidad y emotividad, ambos actores interpretan en escena un conflicto a tratar en torno a un niño homicida, quien está a punto de ser ejecutado, según el veredicto dictado por un juez y los abogados que forman parte de la corte, sin embargo, surge la posibilidad de que cese dicha condena a muerte.

Mónica Huarte caracteriza precisamente a una fiscal dura y severa. Es la abogada quien en aras de hacer “justicia” persuade a sus compañeros del jurado, a que se litigue en contra del menor, en base a la idea reducida a la frase “¡Ojo por ojo!, ¡diente por diente!”, que el personaje incluso incluye, dentro del diálogo de manera textual.

En contraposición al veredicto a punto de ser llevado a cobo, se presenta el sacerdote Michael Banks, quien entabla una conversación con la abogada, intentando persuadirla de su objetivo inicial, que es el de inculpar sin miramiento, al joven convicto.

Entre ambos se establece una especie de duelo verbal, en el cual cada uno de ellos expone su idiosincrasia, mostrando las heridas del pasado que les ha llevado a dilucidar y estar presentes justo en la sala de espera de una penitenciaría.

REQUIEM tiene como referente un día cualquiera, en los Estados Unidos, en donde el racismo de alguna manera se unifica con las resoluciones a tomar a favor o en contra de los implicados en el conflicto, que el autor Reynolds Robledo, logra perfectamente esbozar en su texto, utilizando argumentos inteligentes y emotivos.

Y ¿quién es Reynolds Robledo? En una página de la Internet se muestra el siguiente resultado:

-Es dramaturgo y productor de teatro mexicano que llegó a la CDMX cuando tenía 21 años. Su poca experiencia en la industria del entretenimiento y sus muchas ganas de encontrar un lugar en el mundo, lo impulsaron a buscarse oportunidades y a autogestionar aquello que realmente quiere contarle al público.

-Con tan sólo 28 Años de edad y originario de Monterrey, Nuevo León; Reynolds Robledo ha logrado incursionar rápidamente en el mundo del Teatro.

Volviendo al montaje escénico, le comentaré qué REQUIEM, es una obra teatral del Foro Shakespeare, puesta en escena en un tiempo escénico y un solo cuadro escenográfico en donde se expone un sala de estar, pequeña con una mesa al extremo en donde se puede servir café, como comúnmente suele haber en los sitios de espera y que le otorga un toque más de credibilidad a la obra.

Presenta un texto cruento, que ubica a la dramaturgia dentro del género del drama, con algunos tintes de la literatura naturalista y costumbrista en el contenido del texto, que permite de inmediato al público validar la idiosincrasia que impera entre los pobladores estadounidenses.

A colación del texto, la misma compañía creativa expone a manera de sinopsis, los siguientes párrafos textual en cartelera teatral:

-Esta historia no transcurre hoy, puede ocurrir mañana o dentro de muchos años, pero puede pasar. O quizás, ya esté ocurriendo…

Estamos en un día lluvioso en la penitenciaría de Huntsville, Texas entre reporteros y manifestantes que esperan la resolución de un caso que ha sido esperado, celebrado y descalificado por más de uno después de un polémico juicio. El día llegó. En un cuarto de espera, está Emma Solís, la imponente y dura fiscal estadounidense de ascendencia mexicana, quien logró que el jurado diera este controversial veredicto. Mientras lidia con una crisis familiar, espera a que esta condena pase sin mayor remordimiento.

La llegada del Padre Michael Banks, un sacerdote que ha sido llamado para escuchar la última confesión del sentenciado, ocurre cuando Emma recibe una llamada sobre una posible apelación que intenta detener la ejecución. Esto desatará en ellos una lucha de ideas, poder y secretos del pasado, el futuro y la humanidad, en un duelo donde presenciamos la muerte de un mundo.-

REQUIEM obra imperdible de Reynolds Robledo que conjugan un muy buen trabajo de dirección logrado por Enrique Singer, con las excelentes actuaciones de Alberto Estrella y Mónica Huarte, quienes se presentarán en el Foro Shakespeare tan sólo hasta el próximo día 4 de mayo 2024 en días viernes y sábado con doble función, pues tienen planeado llevar la puesta en escena hasta España.

 

 

CAZAR COMADREJAS

POR: Dalia De León Adams 

 

Una serie de paradojas se encierran en la frase CAZAR COMADREJAS que poco a poco se irán deshilando para encontrar respuestas, en la puesta en escena producida por el grupo creativo argentino Camarada-Escénica.

Obra teatral escrita por Antonella Felici, presentada bajo la dirección escénica de Laura Agorreca, con las actuaciones estelares de Lucas Solustri, Daniela vargas, Baruk Serna, Ariel Gil y  la misma dramaturga Antonella Felici.

Con respecto a la dramaturga de ésta obra, es decir Antonella Felici, en la Internet se puede leer qué es Actriz Productora Lic. en Comunicación Social Maestría en Teatro y Artes Escénicas CDMX, con experiencia en Disney Channel.

Su obra CAZAR COMADREJAS presenta una serie de vicisitudes que se forman en torno a la muerte del padre de la familia Mendoza, formada por dos hermanas muy unidas y Gerardo, el hermano varón que siempre se ha sentido desdeñado y poco tomado en cuenta.

Aparece un peón quien resulta atractivo para un de las dos hermanas, a quien ella intenta seducir sin gran éxito. Secretos en torno a ésta familia se irán conociendo justo en el momento en el cual los tres hermanos están por formular la manera de repartir la herencia del padre, que consiste en una propiedad ubicada en una selva, junto con varios objetos, entre los cuales se encuentra una cámara de video.

Los secretos cambiarán el rumbo planeado en éste drama peculiar, en donde un pozo encuentra cabida para dar pie a una serie de sucesos nefastos, por lo que un policía se verá involucrado.

En torno a la temática medular de éste drama, por su parte la compañía Teatral Camarada-Escénica expone la siguiente cita textual con respecto a su obra, en la cartelera :

-“ Dos hermanas viajan desde la capital al litoral argentino para vender la herencia que dejó su padre al fallecer. Allí, en un inmenso rancho ubicado en la selva, las esperan su hermano y el peón. Los peligros naturales y los mitos populares se hacen presentes y acechan. Al interior de la selva todos somos animales.”-

Puesta en escena en un solo cuadro y tiempo escénico, en el cual se muestra una sala, con una serie de cajas ubicadas a un extremo del escenario, en tanto que en el otro aparecen una especie de árboles que ambienta la selva.

Una radio vieja se suma para dar algunos mensajes a manera de noticiario, en donde se habla del percance de una mujer, quien tras de caer en un pozo, muere sin remedio.

Obra teatral perteneciente al género de suspenso en cuanto al tratamiento y presentación de la trama, la cual poco a poco va creciendo escénicamente, para mostrar una serie de conflictos inesperados.

CAZAR COMADREJAS dio inicio teniendo como madrina de honor a la invitada  Maya Zapata, momento en el cual todo el equipo creativo subió al escenario tras de la función con su directora escénica, Laura Agorreca, quien ofreció algunas palabras al público.

 

CAZAR COMADREJAS se presenta los días miércoles a las 20:30 horas en el Teatro Principal del Centro Cultural “El Circulo Teatral”.

 

EL INSÓLITO CASO DEL SEÑOR MORTON

POR Dalia De León Adams

 

*Comedia policiaca irreverente y políticamente incorrecta.*

(La Compañía)

 

EL INSÓLOTO CASO DEL SEÑOR MORTON es la reciente propuesta escénica sólo para adultos, producida por la Compañía Teatral “Los Tres Tristes Tigres; dramaturgia original de Martín Zapata, quien además la dirige con gran maestría, pese a no contar con apoyo escenográfico, y ¡vaya que no lo necesita!

Esto para lograr el ambiente de mediados del siglo pasado, que era recreado en los largo metrajes en donde los movimientos eran proyectaban en el cine entonces mudo,  de manera un tanto exagerados por parte de los actores.

Lo mismo sucede con la puesta en escena de EL INSÓLITO CASO DEL SEÑOR MORTON. Los efectos que causa cada actor al simulan abrir y cerrar, puertas, asomarse por las ventanas, o bajar y subir escalones, dan un efecto que nos recuerda de inmediato a aquella época en Hollywood.

Esta obra teatral tiene como referente a la Ciudad de Los Ángeles California. Montaje escénico que presenta a diversos personajes quienes son recreados en la década de los 40’s del siglo pasado (en el año 1949) lo cual de inmediato se lograr observar, gracias además al vestuario que porta cada uno de los actores en tonos café oscuro y blancos, que le otorgan a la obra ese toque de películas de la primera mitad del siglo XX.

La trama presenta un tono picante, pero totalmente impregnado de comicidad, en donde se muestra a diversos tipos de personajes, los cuales tienen prácticas socialmente incorrectas que se van mostrando a lo largo de ésta historia policiaca, presentada totalmente con situaciones chuscas.

Así va apareciendo en escena un detective policiaco, un hombre admirador y deseoso de ser un Clowns, un voyerista, la niña casi mujer exhibicionista, la dama que tiene encuentros clandestinos con su perro, , la abuela que cuida a su nieta sonámbula, la enfermera casada amante de un joven vecino, la chica que se escapa por las noches en busca de experiencias, una mujer beata que ama la flagelación, una prostituta enamorada de un enano, el marido homosexual,  y un joven oportunista en busca de dinero fácil.

Personajes que los actores caracterizan con gran plástica actoral e histrionismo escénico, actuando con movimientos y expresiones tanto faciales como corporales un tanto exageradas, como precisa el texto y la dirección escénica.

Excelentes actores, quienes son Rodrigo Vázquez, Arturo Barba, Sofía Sylwin, Andrea Méndez, Hamlet Ramírez, Antonio Trejo Sánchez, Fátima Favela, Carlos Patrick Casanova, María Antonieta Hidalgo, Rodrigo Hernández, Lariza Juárez, Austin Morgan, Amaya Blas, Alex Guerrero, Karen Furlong, Juan Pablo de Santiago y Paulina R. Menéndez.

La temática a tratar en ésta obra aborda la investigación realizada por un detective policiaco, apellidado Morgan, papel protagónico estelarizado majestuosamente por el actor Rodrigo Vázquez, y cuyo personaje busca algunas pistas o elementos que aclaren el móvil de un crimen, las cuales poco a poco va indagando, para encontrarse con muchas anécdotas vividas y contadas por los inquilinos del edificio.

Por su parte el autor Martín Zapata expone la siguiente sinopsis sobre su obra:

-“EL INSÓLITO CASO DEL SEÑOR MORTON es una comedia policiaca que expone la vida sexual secreta de una serie de personajes qué sin quererlo, colaboran en la creación de las circunstancias para que se produzca un crimen insólito.

Una mañana de 1949, el médico pediatra John O. Mathew, contrata los servicios del detective Morgan para resolver el asesinato de su mejor amigo, el Señor Morton, quien fue encontrado con un balazo en su pecho, en el patio trasero del edificio en el que vivía.

El principal sospechoso es un payaso, con quien Morton había sostenido una relación secreta durante los días previos a su muerte. El detective emprende una serie de interrogatorios con los demás inquilinos, relacionados con las circunstancias que rodean el crimen.

EL INSÓLITO CASO DEL SEÑOR MORTON se presenta en corta temporada en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque de jueves a domingos hasta el día 12 de mayo 2024.

 

¡Muy recomendable!

 

LOGIA, LA FLOR DE LIS, de Benjamin Bernal, novela negra

POR: Dalia De León Adams

 

Autor que compromete su pluma con su pensamiento. Penetra en un mundo de realidades viendo más allá de lo predecible, siempre alerta, siempre actualizado, inquieto por el devenir histórico y su sociedad, penetra abriendo puertas hacia lo posible, hacia lo racionalmente y concebible políticamente hablando.

Jorge Benjamín Bernal y Bifano ha incurrido en muy diversos campos conductuales y de aprendizaje, desde el tratamiento médico de la acupuntura, en su sapiencia sobre lo económico y politólogo, manteniéndose escribiendo durante cerca de 40 años con una prestigiosa columna de Finanzas y Política, en el rubro del periodismo de investigación, hasta penetrar con su pluma lo real imaginario incurriendo con ello en el mundo real imaginario del cuento, la dramaturgia y la novela. Director de la APT (Asociación de Periodistas Teatrales, además de periodista y publicista de su revista digital “Expedientes Secretos”.

En su última creación novelística la obra intitulada FLOR DE LIS cuyo personaje protagónico es Juan González dice “Quiero aparecer en Netflix” sueño que también acaricia el autor.

En su libro LOGIA FLOR DE LIS el personaje de JG (Juan González) es narrativo, para urdir en las paginas como protagonista de drama, quien en aras de cambiar el rumbo nefasto que se va creando en su país, decide herir a muerte al Señor Presidente en un acto fallido que le llevará a huir y esconderse temporalmente de manera clandestina, en otra latitud de ser preciso, borrando toda huellas e incluso hasta sus cuentas bancarias cambiándolas.

Novela negra de ficción, que por cierto participó en el 17º Premio de Novela de dicho género en el año 2023. “Una vuelta de Tuerca” con la Primera Edición Internacional con apoyo de La Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro.

JG es un potencial personaje que divide al país en tres secciones. La pasión y el romance no podía faltar, entremezclados con la argucia, peligro, suspenso, elegancia y persecución.

Roxana es el amor de la vida de dicho enigmático personaje JG quien en aras de las circunstancias se convierte en asesino serial. Finalmente y como probadita del inicio del texto del libro LOGIA FLOR DE LIS  finalmente expongo un fragmento inicial, del mismo.

 

Dos elegidos nos conducen

-“Todo parecía anunciar una noche tranquila, con una abundante cena de corte internacional o simplemente carne jugosa, con pasta y vino suficiente, para estar a solas con Roxana, pero fue absolutamente contraria a las expectativas. Apenas iba saliendo del majestuoso salón para la rueda de prensa que había terminado abruptamente con el malestar del señor presidente, cuando unos fuertes brazos me jalaron hacia la izquierda y a la bella chica que vestía de blanco, a la derecha. En un nivel de voz muy bajo le informaron que el que le jalaba del brazo era un hermano de la Logia, un Elegido, me dijeron que debía esconderme, que no me preocupara por Roxana porque ella había recibido una ayuda igual, separados era más probable que escapáramos y sobre todo que se perdiera todo rastro de mi JG, Juan González.”

 

LOGIA FLOR DE LIS se encuentra en Amazon en el formato llamado Kindle, y, en SECOGRAFIC como libro digital.

FESTIVAL HELLO WORLD

POR: Dalia De León Adams

 

 

El día de ayer 19 de abril 2024 en El Centro Cultural Rafael Galván de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM) inauguró el FESTIVAL HELLO WORLD presentada en su Galería “Rafael Galván” la Exposición de las “Tecno Tejedoras”

Para tal efecto estuvieron presentes la Directora del Recinto Rafael Galván, la Licenciada Nancy Durán, la Curadora de arte,  Viviana Díaz, la Licenciada Mónica Aguilar, y la Artista Tecno-tejedora Raisa Pimentel, junto con las demás expositoras de éste tecno-arte.

Todas ellas forman parte del equipo creativo HELLO WORD en su 4.0 edición, compuesto exclusivamente por mujeres, quienes muestran su capacidad tanto en el campo de la tecnología, como en la creación artística, manual, presentando piezas únicas.

-“Todo esto frente a las dinámicas capitalistas de producción, a la falta de reflexión con relación al desarrollo tecno-colonial, y a las formas en que persiste la explotación de todo lo vivo. Nos parece urgente preguntarnos y repensar la necesidad y los límites de la tecnologización en la existencia. Reivindicamos las tecnologías que tejen vínculos, remiendan emociones y posibilitan imaginar y construir futuros posibles junto a tecnologías más sensibles. (nota de la UAM).

EL FESTIVAL HELLO WORLD se presenta ya en su 4.0 edición. Posteriormente a la apertura, se realizarán los siguiente eventos agendados de la siguiente manera: un Conversatorio y la Noche Audiovisual Lives AV H (24 de abril); El Conversatorio Online (27 de abril); Live Act  (3 de abril); Conversatorio Online (8 de abril); Conversatorio Online (11 de abril); Live Act (17 de abril); Conversatorio y Visita Guiada (18 de abril); Conversatorio (22 de abril); Live Act (23 de abril); Clausura (24 de abril); Conversatorio Online (25 de abril).

 

Así se dio por inaugurado éste Festival concluyendo con un buen cocktail, estando presentes tanto algunos de los directivos del Centro Cultural Rafael Galván de la UAM, como las tecno-artistas, los invitados especiales y algunos medios de comunicación.

HÜZÜN

POR: Dalia De León Adams

 

*HÜZÜN palabra árabe que denota

 un sentimiento de pérdida profunda.*

 

Performance cuya temática se estructura en torno a la muerte, desde el punto de vista de los dolientes. Obra en la cual se conjugan diversos elementos artísticos, iniciando con números que presentan danza contemporánea, cantos y poesía,  dando lógica a diversos monólogos que presenta cada artista en escena, para mencionar la ausencia de uno o varios de sus seres más queridos.

Amor filial, pasional, amoroso y/o de amistad, se ligan estructurando éste proyecto intitulado HÜZÜN en donde la música, el juego de luces e iluminación, (con un poco de apoyo multimedia) permiten unificar la pieza creativa a presentar.

HÜZÜN expone algunos de los elementos culturales de pueblos tanto ancestrales como contemporáneas, constituyéndose en un breviario de algunas citas étnicas culturales, las cuales viven su duelo de muy diversas  maneras, que son narradas dentro de éste interesante performance.

Con cantos, festejos fúnebres, misas, llantos, luto,  cartas y tradiciones, rituales, que se realizan para no olvidar el paso del ser querido, por éste mundo. Maneras de honrar a los muertos de diferente manera, en distintos lugares y épocas se abordan para escenificar el trance inevitable del fallecer.

¿Trascender o no? la huella imborrable del andar efímero por éste sendero de vida, envuelve de luto y tristeza a los dolientes, quienes intentan atrapar la huella de lo que más se ha amado.

-Es la pieza escénica multidisciplinaria que aborda el tema de la muerte, la pérdida y el duelo, entretejiendo teatro, danza, arte visual y música. Esta propuesta busca honrar a seres queridos que han muerto y a quienes no pudimos despedir.- (boletín de prensa)

HÜZÜN es un performance puesto en escena en un solo tiempo. Contiene diversas historias a manera de representación unipersonal, pero cuyas tramas son hiladas ante el común denominador de la muerte.

Cinco bailarinas en escena, cantan, actúan, recitan y danzan, con el propósito unánime de honrar a sus muertos, entretejiendo historias, con arte, en el escenario, de donde surgen las artistas, adosadas con diversos trajes en negros, que terminan por cambiar por vestidos coloridos.

La danza presenta movimientos tanto rítmicos, como en otrora casi acrobáticos, pero con la finura que precisa el baile cadente del género contemporáneo, que ejecutan cinco chicas en el escenario. Mujeres quienes son parte del Colectivo ”Udâna Plataforma de Creación Escénica.

HÜZÜN es una pieza preformativa original de Sandra Milena Gómez, la cual se presenta en el “Teatro Casa de la Paz” del Centro Cultural y Académico, de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM) situada en Cozumel 33, Roma Norte, de la Ciudad de México.

HÜZÜN ofrece funciones en días jueves (20h), viernes(20h) y sábados (19h).

 

HÜZÜN; memoria de los duelos que como sociedad afrontamos cotidianamente

Así como también a duelos derivados de la pandemia

 

y la violencia (UAM)

 

MADRES E HIJOS

POR: Dalia De León Adams

 

La puesta en escena de Terrence McNally’s  MADRES E HIJOS, bajo la Dirección escénica de Diego del Río, y la traducción del texto realizada por Diana Bracho, quien además comparte escenario con el actor Juan Manuel Bernal, comenzará su temporada en el Teatro Milán a partir del 10 de mayo hasta el 30 de junio 2024.

De su icónico autor, quien fuera tanto dramaturgo como guionista de renombre internacional, se expone en una página Web de la Internet, lo siguiente:

Terrence McNally (San Petersburgo, Florida, 3 de noviembre de 1938-Sarasota, Florida, 24 de marzo de 2020) fue un dramaturgo, libretista y guionista, quien falleció en Sarasota, Florida en el año 2020.

Le comento qué en la reciente obra teatral que se presentará próximamente en el Teatro Milán de ésta Ciudad de México titulada MADRE E HIJOS, como a-priori he mencionado aparecerán dos actores muy destacados del medio artísticos, quienes son Diana Bracho y Juan Manuel Bernal.

Ellos compartirán el escenario con el joven actor Eugenio Rubio, y dos angelados pequeñitos; hecho qué  aunado de contar con una espléndida dramaturgia y un talentoso director escénico como lo es Diego Río, acabaran por hacer de éste montaje escénico, toda una promesa.

Con respecto a la puesta en escena, en cartelera teatral se pueden leer las siguientes aseveraciones a manera de Sinopsis:

-“La primavera llegará al Teatro con MADRES E HIJOS, el último proyecto de BH5 Studios con Troy Trujillo a la cabeza en dupla con Oscar Uriel, una obra atemporal y desgarradora bajo la dirección de Diego del Río. Este ensayo sobre el miedo y los prejuicios…

Una historia interpretada en tiempo real en la que se entrecruzan miradas, generaciones, formas de amar y manera de afrontar el duelo. Un breve encentro entre Bety, una acaudalada viuda que vive al otro lado del país, que camino a Roma hace escala en la Ciudad en donde vive Chris, ex pareja de su hijo Andrés, quien murió a causa del SIDA en 1990 y decide visitarlo de improviso.

Chris ha reconstruido su vida; está casado con Pierre y tienen a Dany, un hijo de 6 años. Han pasado más de dos décadas desde que Bety y Chris se vieron por última vez. A pesar del tiempo hay resentimientos que sanar y cosas que perdonar.”-

MADRE E HIJOS es una obra sobre el perdón y lo que sucede en nuestras vidas cuando los duelos no se enfrentan  (cita también incluida en el boletín de prensa).

 

MADRE E HIJOS se presentará en corta temporada en el Teatro Milán del 10 de mayo al 30 de junio con funciones de viernes a domingos, bajo la dirección artística de Diego del Río con las actuaciones estelares de la primera actriz Diana Bracho, Juan Manuel Bernal, Eugenio Rubio, y los pequeñitos actores Antuán Trejo y Eugenio Rubio. Todos ellos presentados bajo la Producción del ya destacado, Óscar Uriel.

 

EL POZO DE LOS MIL DEMONIOS

POR: Dalia De León Adams

 

Con la dramaturgia original de Maribel Carrasco, quien fuera homenajeada con el Premio Nacional “Juan Ruiz de Alarcón” se está presentando en México la puesta en escena de EL POZO DE LOS MIL DEMONIOS a cargo de la Compañía Española “Karlik” danza-teatro Cooperativa Cultura en Movimiento escénico y Axismundi, en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico.

Se trata de un montaje escénico para infantes, que pertenece al género surrealista, muy bien logrado, el cual incluye en términos escenográficos el apoyo multimedia de imágenes que surgen, dándole cierto efecto a varios cuadros y actuaciones estelares.

Y digo actuaciones, pues por ejemplo, el caminar de seres que se encuentran según reza la trama, dentro del pozo, parecieran continuar su andar saliendo de la pantalla para ser presentados en pleno escenario, lo cual le da un toque mucho más realista a la trama a tratar.

EL POZO DE LOS MOL DEMONIOS es una puesta en escena en donde se conjugan diversos elementos artísticos más, como la danza, ciertos malabares, musicalización y el efecto en Voz in Off.

A manera de reseña la Compañía Española Karlik presentan la siguiente sinopsis sobre la obra:

-“Todos los que vivimos en la Tierra surgimos de barro, por eso nuestro cántaro es como nuestra alma y debemos cuidar que siempre esté lleno para que no nos sequemos.” Jacinta la protagonista de nuestra historia, escuchará estas palabras de su Nana y, tras el robo de su cántaro, tendrá que iniciar un viaje de aprendizaje, sorteando obstáculos y pruebas, para así tomar la responsabilidad de salvarse y salvarnos de la sequía. Un viaje para también hacernos partícipes de reconocer a la naturaleza como parte de nuestro ser.-

EL POZO DE LOS MIL DEMONIOS posee una narrativa  en donde la consigna a tratar de la “Leyenda del Barro” es simbólica, como gestora de la humanidad. Es una puesta en escena muy bien estructurada y artística, que hizo ser ovacionada  con el Premio del Primer Lugar en el Certamen Nacional de Teatro para Directoras de Escena de la Ciudad de Torrejón de Ardoz, en Madrid, España, a su Directora escénica, la Señora Cristina D. Silveira. Y ¡vaya que sí merece la ovación!

Con respecto a su dramaturga, en boletín de prensa se aprecia la siguiente aseveración:

-A tres décadas de su creación, Carrasco describe la obra como: “una Alicia en el país de las maravillas” dentro del imaginario e identidad cultural mexicana, se trata de una fantasía en blanco y negro, la creación de un mundo austero e incompleto que exige al espectado, niño o adulto, su participación activa, inteligente y libre.

La pieza la conforman relatos limítrofes entre la ficción y la realidad, entremezclados con las memorias de sus personajes, configurándose una simbiosis que transcurre en el fondo de un pozo seco, paisaje árido que recuerda que recuerda a los parajes míticos de Juan Rulfo y que están muy alejados de los paisajes actuales condicionados por la falta del líquido vital.

La obra de Maribel Carrasco contienen ciertos aspectos auto-biográficos., debido a la influencia de la zona en la cual viviera a manera de entorno, y que fue la región de los considerados “Brujos de Catemaco”; hecho que hizo sumergir a su obra dentro de la literatura del  llamado Realismo Mágico.

El elenco está formado por excelentes actores, como lo son Elena Rocha, Jorge Barrantes, Laura Reyes y Sergio Barquilla, quienes en colaboración con el equipo creativo formado junto con Iván Luis, María del Mar López Marin en el Diseño Escenográfico, la composición musical a cargo de Álvaro Rodríguez Barroso y el diseño de vestuario de Patricio Luengo logran presentar un excelente montaje escénico. Todos ellos bajo la Producción y Dirección Técnica de David Pérez Hernando.

 

EL POZO DE LOS MIL DEMONIOS representa en el Teatro Helénico con funciones los días sábados y domingos a las 13:00 horas.

LA ALIMAÑA

POR: Dalia De León Adams

 

Excelente puesta en escena dirigida por el maestro Víctor Carpinteiro, escrita por Patricia Suárez, cuyo texto se basa el la tragedia clásica griega de MEDEA, cuyo consagrado autor fuera Eurípides.

La obra de MEDEA como es bien sabido, forma parte de la Literatura Universal. Escrita por Eurípides MEDEA contó con su primera representación en el año 431 A.C., momento por cierto, en el cual se conmemoraba la Olimpiada número 87 en Grecia.

-La tragedia Medea (431 a. C.) se sitúa en Corinto, donde la joven de la Cólquide es la esposa de Jasón y la madre de sus hijos- (en Internet)

Medea en ésta ocasión se presenta bajo la versión de la dramaturga Patricia Suárez quien intitula a su dramaturgia LA ALIMAÑA. El texto continúa ubicando el drama en la cotidianidad griega. Medea aparece como la víctima de las circunstancias, cuyo destino se basa en el fallo premonitorio dado por el Oráculo, inmersa en una sociedad con diversos valores.

Empero, en el texto de Patricia Suárez se presentan ciertas modificaciones que se incluye en la nueva puesta en escena intitulada LA ALIMAÑA, dirigida con gran maestría por Víctor Carpinteiro.

En ésta puesta en escena se respeta el formato básico de la trama del clásico de MEDEA, es decir, la parte medular de la tragedia es la misma, pero presenta una cadencia escénica peculiar, en cuanto a dividir el texto en diversos monólogos presentados  por algunos de los personajes en escena.

-“La alimaña” entreteje los monólogos de tres mujeres, Medea, su nodriza y Creuza (La joven mujer con quien Jasón, padre de los hijos de Medea y su pareja y su pareja hasta entonces, ha de casarse por ambición).

“Medea, la peor de todas, la mítica bruja matricida una y otra vez llevada a escena desde la antigüedad.- (nota textual de la cartelera teatral).

A manera de Sinopsis, la trama de Medea aborda la siguiente temática de manera medular:

-“La obra indaga en las causas que llevan a Medea a castigar su honra, su honestidad, su lealtad y a su familia, por el privilegio de contar con el amor de Jasón, el proxeneta más popular de Grecia.

Él encuentra en ella herramienta ideal para embaucar a decena de mujeres que desean vivir el sueño de prestigio y fortuna. Sus deseos son la piedra angular de la traición y desdicha, pues en esa región lo que importa no es cuánto eres capaz de ser, sino cuanto puedes engañar y mentir.

Tras el acuerdo de Jason por contraer matrimonio con la hija de un hombre pudiente y adinerado de la localidad, Jason romperá su relación con MEDEA, arrebatándole a sus hijos.  (en página Web).

MEDEA, tiene un cierto paralelismo con el drama de una de las leyendas mexicanas más emblemáticas, me refiero a la  leyenda de “La Llorona” en donde la pasión y el amor desmedido de una mujer por su hombre, la llevan por despecho a asesinar a sus propios hijos.

Ésta versión de LA ALIMAÑA incluye un vestuario hermoso y llamativo y un maquillaje que cubre los rostros femeninos, mayormente en tono blanco, que bien nos podría ubicar en el mundo de la Antigua Grecia, cuna del Teatro, en donde las máscaras eran utilizadas por los actores (quienes siempre eran hombres) al caracterizar a sus personajes.

Víctor Carpinteiro tiene una manera muy peculiar, siempre docta, ingeniosa y estética que le caracteriza, en cada una de sus direcciones escénicas, mostrando tener gran gala y talla como director escénico.

Finalmente le comentaré qué las actuaciones son interpretadas con gran maestría, llevando de la mana al público al mundo trágico y desgarrador de LA ALIMAÑA. El elenco está formado por Marisela García, Perla Hoffman, Monserrat Ponce, Karla Luengas y Axel Guillén, quienes actúan con apoyo al  los efectos sonoros y de iluminación.

 

LA ALIMAÑA se presenta hasta el día 21 de abril en el Teatro Principal del Centro Cultural de “El Círculo Teatral”.

REESTRENA “LA TERNURA”

POR: Dalia De León Adams

 

¡Soberbia!

 

A tan sólo quince días de haberse estrenado por primera ocasión en nuestra Ciudad de México la obra teatral LA TERNURA del dramaturgo Alfredo Sanzol, su exitoso productor el Señor Morris Gilbert considero importante realizar un nuevo estreno, ¡muy buena idea! por cierto, apareciendo para dicho efecto un gran número de estrellas del medio escénico y galanes en voga del medio televisivo.

Volverla a ver la obra, continuó siendo un verdadero deleite, pues cuenta con una muy buena dirección por parte del Señor Benjamin Cann y con grandes actores como lo son Mónica Dione y Alejandro Calva.

Ellos realizan estupendas dramatizaciones, incluyendo al resto del talentoso elenco quienes son Arap Bethke, Carla Medina, Pierre Louis y Luisa G. Quintero, que se desenvuelven en el escenario mostrando tener también grandes dotes histriónicos.

La puesta en escena de LA TERNURA es una obra teatral perteneciente al género de la comedia, original del dramaturgo español Alfredo Sanzol quien expresa con tintes románticos algunos rasgos sugerentes de las icónicas obras del escritor inglés Williams Shakespeare (Stratford-Upon-Avon, Reino Unido 1564-1616).

Así encontramos inmersos en el texto de Alfredo  Sanzol, la influencia del icónico autor inglés, quien hace alarde de lecturas como lo son “La Tempestad”, “Sueño de una Noche de Verano”, “Noche de Reyes”, “Mucho ruido y pocas nueces”, y “Como gustéis”.

Empero LA TERNURA es una dramaturgia totalmente original, que constantemente hizo reír a carcajadas. Contiene elementos contemporáneos que se entremezclan con una estructura del teatro isabelino y frases a la usanza secular del siglo XVI, que van acorde con la osamenta de los personajes.

LA TERNURA contiene un texto escrito de manera actual e inclusivo, en el sentido en que presenta temas (aun cuando son de manera velada) sobre la igualdad de géneros, la defensa de los valores femeninos, el surgimiento de lo que entendemos por nuevas masculinidades, en donde se observa claramente el lado tanto femenino, como masculino, que toda persona posee, precisándolo de manera totalmente chuscas.

Le comento qué como nuevo estreno, de modo muy sui géneris subieron tras de concluir la función, los productores de la Compañía “Mejor Teatro” junto con parte del equipo creativo y con las  tres invitadas especiales que fungieron de madrinas, quienes son conocidas como “Las Meninas”, expresando un breve reconocimiento a la puesta en escena de LA TERNURA.

LA TERNURA se presenta en el “Nuevo Teatro Libanés” alternando con otras de las puestas en escenas producidas por la compañía “Mejor Teatro”.

 

 

SIGLO XIX El Espíritu del Agua.

POR: Dalia De León Adams

 

 

El día de ayer miércoles 10 de abril 2024 se presentó el libro recientemente publicado del maestro Ricardo Gutiérrez Chávez, intitulado “SIGLO XIX, El espíritu del Agua”.

 

El evento se llevó a cabo en el Auditorio Hombres de la Reforma, un impactante lugar; me refiero al espacio dentro de una de las Logias Masónicas de nuestra Ciudad de México, a la cual por cierto el Maestro Ricardo Gutiérrez Chávez pertenece.

 

La obra fue presentada en formato de libro físico por parte de la Doctora en Ciencias y Astronomía, la Señora Margarita Rosado Solís, junto con  el Doctor en Administración Pública, el Señor Carlos V. Jasso de Anda.

 

Ambos como parte integrante de la mesa directiva, formularon algunos cuestionamientos a su autor, tras de haber realizado una sinopsis sobre el contenido del libro.

 

Ricardo Gutiérrez Chávez respondió con gran inteligencia y maestría, haciendo hincapié en algunas de las anécdotas de los héroes patrios a tratar. Estuvo presente acompañado con su Maestro de la Logia, el Señor Reyes, quien le otorgaría un reconocimiento al finalizar la presentación, cerrándose el evento con autógrafos, fotografías y un brindis para festejar.

 

SIGLO XIX, El espíritu del agua en la contraportada presenta el siguiente párrafo, que se expone evidentemente para resumir tanto la trama, como el contenido medular que contiene la obra escrita:

 

“Aquí se narra la travesía geográfica y cultural del padre adoptivo de Margarita Maza Padilla: desde la España de Goya, pasando por la América de Morelos, hasta la República Mexicana de Guadalupe Victoria.

El espíritu del Agua es la cultura indígena, africana y europea, navegando por ríos y océanos hasta encontrarse en la lucha del adolescente Benito Pablo Juárez García la cual nunca fue solitaria; desde niño, Juárez estuvo acompañado por fuertes vínculos culturales que le permitieron descubrir en las frecuentes injusticias, la dignidad propia y la de los demás.”-  (párrafo de la contraportada del libro).

 

Ricardo Gutiérrez Chávez, anteriormente había publicado ·”El Templo de la Resiliencia” y como él mismo aseguró, va por otro libro más, el cual llevará por título “SIGLO XX, El espíritu de la tierra”.

 

Entre otras cosas más es el destacado Editor de la Revista Latente. Sobre él y su trabajo, se puede ver en algunas páginas Web de la Internet, los siguientes testimonios:

 

-“Experto en la planeación estratégica de comunicación y gestión del cambio y en la aplicación de nuevas tendencias de comunicación organizacional.”.

 

Nació en la Ciudad de México en el otoño de 1971. Graduado en ciencias de la comunicación por la Universidad Nacional Autónoma de México

 

Temporal o permanente, nuestra creación depende de las palabras que elijamos. Este espacio es para descubrir, crear, leer, deletrear y escribir. Deseo que lo ...

 

Humanista mexicano | Escritor | Fotógrafo | Periodista | Autor: El templo de la resiliencia. Ed. Latente.”

 

 

No me queda más que expresarle mis más sinceras ¡FELICITACIONES!

 

TECNO TEJEDORAS. Entrelazando Realidades

POR: Dalia De León Adams

 

En la Casa Rafael Galván, una de las instalaciones de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM) se efectuó una Conferencia de Prensa el día de ayer martes 9 de abril, en donde se dieron a conocer varios de los pormenores de lo que será El FESTIVAL HELLO WORLD en nuestra Ciudad de México.

_”El FESTIVAL HELLOW WORLD es un festival que visibiliza, proyecta e inspira la presencia femenina dentro del arte y la tecnología. Por medio de encuentros organizados, producidos y curados por mujeres, fomentamos la reflexión e inclusión de las mismas en una sociedad tecnológica, apoyamos la gestión de talleres, conversatorios, exhibiciones colectivas, actos en vivo, entre otras actividades.”- (nota de la Difusora de la UAM Adriana González).

Evento formado por solamente mujeres, quienes dan presencia a sus obras artísticas desde una perspectiva tecnológica; es decir, es decir qué  presentarán sus obras tecno-artísticas, cuyo material básico material será el “Textil”,  en cuyas piezas estará presentar la tecnología.

Por ejemplo, una de las piezas consiste en un tejido cuya forma tiene una temática intencional a presentar, la cual aparece iluminada a distancia, variando de intensidad mientras Usted se va acercando; otra obra artística consiste en un telar que produce un tejido colorido, el cual mientras se va accionando, produce música para dar un efecto además de visual, sonoro.

Piezas únicas que serán expuestas en el Museo que se encuentra dentro de la Casa Rafael Galván a partir del próximo día 19 de abril. TECNO TEJEDORAS quienes se cuestionan e intentan indagar cuál será el futuro entre la tecnología y la humanidad y su impacto en la sociedad.

-“Todo esto frente a las dinámicas capitalistas de producción, a la falta de reflexión con relación al desarrollo tecno-colonial, y a las formas en que persiste la explotación de todo lo vivo. Nos parece urgente preguntarnos y repensar la necesidad y los límites de la tecnologización en la existencia. Reivindicamos las tecnologías que tejen vínculos, remiendan emociones y posibilitan imaginar y construir futuros posibles junto a tecnologías más sensibles.”- (nota de boletín de prensa).

Y justamente esa es la premisa a seguir en dicho Festival, según se expresaron la Directora del Recinto “Rafael Galván” Nancy Durán, la Curadora  Viviana Díaz, la Licenciada Mónica Aguilar, y la Artista Tecno-tejedora Raisa Pimentel, quienes formaron parte del Panel o mesa directiva en la Confrencia.

Como a-priori he mencionado, EL FESTIVAL HELLO WORLD en su 4.0 edición tendrá apertura el 19 de abril del año en curso 2024, con la Inauguración que será efectuada en el Museo interno de La Casa Rafael Galván, al filo de las 18:00 horas.

Posteriormente a la Inauguración habrá un Conversatorio y La Noche Audiovisual Lives AV H (24 de abril); Conversatorio Online (27 de abril); Live Act  (3 de abril); Conversatorio Online (8 de abril); Conversatorio Online (11 de abril); Live Act (17 de abril); Conversatorio y Visita Guiada (18 de abril); Conversatorio (22 de abril); Live Act (23 de abril); Clausura (24 de abril); Conversatorio Online (25 de abril).

Eventos de las TECNO TEJEDORAS que incluirán tanto acción preformativa, como audiovisuales,  podios, conversatorios y visitas guiadas que se llevarán a cabo ente el 19 al 25 de abril 2024 en La Casa Rafael Galván de la UAM.

 

 

¿CUAL ES LA MEJOR DROGA PARA MI?

POR: Dalia De León Adams

 

Un estreno teatral totalmente sin cuatro paredes, como posteriormente a la función se comentara, ¡y sí que lo fue! Con esto deseo expresar que la puesta en escena presenta a un cálido personaje protagónico, que es el de Hanna.

Personaje interpretado por la actriz María del Carmen Félix, quien interactúa en gran medida con todo su público, al cual poco a poco va desplazando en diversos lugares del Centro Cultural Circulo Teatral, según las necesidades del texto a seguir.

Personaje protagónico que hace las veces de conferencista, además de actuar en el rol de Hanna presentando un espectáculo unipersonal, ofreciendo tasitas de café conjuntamente con galletitas, o bien, vino tinto o mezcal, acorde a la preferencia de cada uno de los espectadores.

Montaje escénico que es realmente toda una conferencia acerca de los diferentes tipos de drogas, así como de sus reacciones y por supuesto de los efectos posterior  dañinos.

Todo esto es presentado e interpretado a manera de melodrama, con situaciones un tanto chuscas y burdas en donde retrata la vida de una mujer amante de todo género de estimulantes.

El personaje de Hanna es una mujer casada quien vive las vicisitudes y ataduras del matrimonio como un compromiso un tanto rutinario e ineludible, aunado a la problemática de un hijo quien constantemente sufre de bullling por parte de sus compañeros en la escuela.

Por si fueran pocos esos problemas para el personaje de Hanna, ella deberá continuar y soportar a un marido que es ferviente bebedor de cerveza, quien encima la engaña con otra mujer. Todo ello la hará sumergirse en el mundo de las dragas.

Es una puesta en escena apoyada en juicios del filósofo, político, escritor y orador romano Lucio Anneo Séneca, cuyas frases icónicas y teoría filosófica introduce dentro del monólogo presentado a través de una narrativa que poco a poco va continuando, paralelamente con la explicación de los efectos de los enervantes utilizados.

El montaje escénico es en un solo tiempo de alrededor de 100 minutos en donde además aparece el actor Leopoldo Bernal, con un lenguaje totalmente coloquial, en cuya narrativa se introducen algunos personajes más, siendo dos de ellos presentados en escena; el maestro albañil y su chalán, quienes realmente utilizan breves diálogos que intercambian con el personaje protagónico de Hanna.

La excelente dirección escénica está a cargo de Aracelia Guerrero Rodríguez quien dirige la obra dándole un vuelco a la dramaturgia original del alemán Kai Hensei, quien publicara su obra en el 2003

“La actriz María del Carmen Félix, crea un personaje profundo, multicolor, lleno de matices como la vida, que nos lleva a mirarnos en Hanna, a conmovernos, a incomodarnos a disentir, a mirar sin juicio. María está acompañada en escena de Leopoldo Bernal, quien encarna dos personajes distintos entre sí, el esposo casi ausente de Hanna y un inesperado distribuidor de drogas.” (nota textual del boletín de prensa).

Finalmente le comento que la obra está escrita desde una perspectiva crítica con referencia al mercado y a los consumidores, que según su autor  Kai Hensel, es por parte del sistema operante, y cuya temática forma parte medular de ésta trama peculiar.

La traducción del texto fue realizado por Citlali Bemhardt, la propuesta escénica o diseño de espacio está a cargo de Efymero y, la Asistencia en General es de José Carlos Gutiérrez Cruz.

 

¿CUÁL ES LA MEJOR DROGA PARA MI? Se presenta en el Centro Cultural del Circulo Teatral los días domingos a las 17:00 horas.

LAS CRIADAS

POR: Dalia De León Adams

 

Afamado drama puesto en escena hoy en día en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz, del Centro Cultural UNAM, bajo la adaptación del texto por parte de Emma Dib y Lidia Margules.

-“Esta versión esta inmersa en un contexto de guerra, lo cual se refleja en la escenografía como un bunker antiaéreo, sonidos de armas y los uniformes militares que utilizan las actrices (Muriel Ricard, Teresa Rábago y Esther Orozco), que fueron diseñados por la española Helena Sanchis Mira, una de las habituales vestuaristas de series y película.

LAS CRIADAS, cuyo título original en francés es “Les Bonnes”, es una obra teatral del dramaturgo Jean Genet, fue estrenada en París en el siglo pasado, corriendo el año de 1947. Sin embargo, el drama alude a la época de la Revolución Francesa, iniciada en el año de 1789.

Fue una puesta en escena la cual causara mucha polémica, sufriendo en su estreno la crítica severa tanto del público asistente, como de los medios periodísticos, sin embargo con el tiempo se convertiría en una de las obra icónica del género dramático la cual ha sido escenificada en diversos idiomas.

Por tener un contenido cruento e irreverente, el texto bien puede también ubicarse como una obra del género naturalista, en el sentido de que se narran las relaciones entre la élite o aristocracia y la servidumbre, sin tapujo o disimulo alguno, tal y como suele suceder en la realidad, en la cual la apariencia oculta la intima relación y sentimientos, hacia terceras personas.

LAS CRIADAS recrea un drama en el cual se ven inmersas dos mujeres, Claire y Solange, al servicio de una apoderada y rica mujer casada, cuyo personajes aparece simplemente como Madame (La Señora), pero que alude de manera velada y un tanto fársica a la reina de Francia, María Antonieta, la reina decapitada a inicios de la Revolución Francesa, cuyos gastos se sabe que eran excesivos, y quien viviera de 1755 a1793.

El personaje del marido escrito en éste drama de Jean Genet, ha tenido el infortunio de ir a parar en la cárcel, debido al falso testimonio urdido por LAS CRIADAS mediante unas cartas que le comprometieron, y que urdieron las empleadas domésticas para poder despojar a sus patrones de sus bienes materiales y posición social, ante el odio gestado por el sentimiento de envidia hacia la Madame.

Obra cruenta que presenta como personajes protagónicos a Clara y Solange, dos hermanas que aman y odian a la Señora para la que trabajan.  En ausencia de los Señores de la mansión, a solas ambas empleadas representan el papel de ser la fina Señora de la casa, ideando matarla, así como el ser arrestadas y presas de la justicia, sin remedio.

 

En la puesta en escena estelarizan éste drama mostrando tener grandes dotes histriónicos, las actrices Muriel Richard, Teresa Rábago y Esther Orozco. Es una puesta en escena, la cual, como Usted podrá darse cuenta, se realiza solamente con artistas femeninos, empero, utilizan vestuarios masculinos.

La obra se presenta en un solo tiempo y un cuadro escenográfico en donde aparece  vestimenta colgada acorde a la época actual, y no al estilo secular sugerido en la dramaturgia de Jean Genet ,

Los personajes ejecutan una obra dentro de la obra; es decir qué en la puesta en escena se recurre a una “meta-obra” mediante la cual las criadas juegan a escenificar a su rica, bella y empoderada patrona, de cuyo vestuario y maquillaje hacen uso, acorde con el texto, y que en esta puesta en escena, simplemente es simulado de manera verbal.

LAS CRIADAS de Jean Genet, se presentan en el Teatro Sor Juana Inés de la Cruz del Centro Cultural UNAM, bajo la dirección escénica de Emma Dib, Directora del CUT, y la investigación de Lydia Margules, quien propone como referente a presentar, la época en que viviera su autor Jean Genet que fue en el marco de las dos Guerras Mundiales y en los albores de La Guerra Fría.

 

LAS CRIADAS tendrán funciones hasta el día 11 de mayo en el Teatro Sor Juana Inés de la Cruz, con funciones de miércoles a domingos.

12 PRINCESAS EN PUGNA

POR: Dalia De León Adams

 

Trece años en la coronación de la puesta en escena de 12 PRINCESAS EN PUGNA. Es una de las obras teatrales comerciales que ha logrado colocarse en el gusto del público, es sin duda el montaje escénico dirigido y escrito por el mismo Quecho Muñoz 12 PRINCESAS EN PUGNA.

Por tal efecto y festejando la ocasión, es que el día de ayer, jueves 4 de abril 2024 se invitó a los medios y a diversos artistas invitados para que se presentaron en la Alfombra Roja para compartir junto con todo el equipo creativo, el momento de la Placa Conmemorativa, cuyo padrino fue Fansy, uno de los actores y conductores más afamados del momento.

Y si Usted aún se pregunta el por qué del éxito obtenido de ésta obra teatral, le podría comentar qué entre varios aciertos, contiene un texto muy creativo y divertido en base a doce de los cuentos presentados bajo el formato de largometraje, por la afamada casa fílmica estadounidense de Disney.

Cuentos que hicieron y continúan haciendo soñar a millones de niños en el mundo convirtiéndose en unos verdaderos clásicos de cuentos infantiles. Por supuesto qué me refiero a La Cenicienta, Blancanieves y los siete enanitos, La Bella Durmiente del Bosque y Peter Pan.

 A los cuales continuaron tiempo más tarde las películas de La Bella y la Bestia, La Sirenita, Mulán, Tarzán, Pocahontas, Aladino y La Princesa y el Sapo. Obras de la literatura que la importante Compañía Disney utilizó en su repertorio, con ciertos arreglos.

Y justamente en base a éstos cuentos infantiles es que el escritor Quecho Muñoz basa su ya afamada dramaturgia de 12 PRINCESAS EN PUGNA rescatando los personajes femeninos protagónicos de dichos cuentos , los cuales presenta en su texto como personajes protagónicos, solamente que dándoles un formato más real; es decir, los presenta como en la vida real podrían ser cada una de las PRINCESAS, con dejos de defectos humanos, que hacen reír y pasar un grato momento al público espectador.

Con ello me refiero a que el texto está conformado por una especie de mezcolanza en donde las situaciones icónicas de cada una de éstas 12 PRINCESAS EN PUGNA, son presentadas a través de una fiesta, que dará pie a chismes, intrigas y comentarios entre ellas, bajo un dejo de aparente disimulo.

De tal modo que el autor de ésta obra teatral las transforma en mujeres que se relacionan durante una cena en el Palacio de La Cenicienta, la anfitriona, poniéndose en constante evidencia entre ellas al criticarse unas a las otras.

-Todo se desarrolla en  el castillo de Ceni, cuando ella realiza una misteriosa reunión para compartirles a sus amigas un secreto que la acongoja. Así, iremos descubriendo que todas las invitadas no son lo que aparentan y que, quizá, todos fuimos engañados con el “Felices para Siempre”. (párrafo de la cartelera teatral).

Por lógica es qué el público que ha llegado a ver las películas en su totalidad o en su gran mayoría, disfruta mucho más de la narrativa y diálogos de ésta puesta n escena obra, pues de inmediato capta los sentidos chuscos, que el autor Quecho Muñoz  le infiere a su dramaturgia.

Así el doble mensaje y significado que llevan inmersos cada uno de los diálogos, es lo que en consecuencia arranca las constantes carcajadas del espectador. Esto lo logra su creativo utilizando además frases con doble sentido, como es característica del mexicano, e incluso con el uso de palabras altisonantes en la narrativa.

Aunado a la escenografía presentada en un cuadro que simula a manera de cómics el Palacio de La Cenicienta, el vestuario que porta el reparto estelar de las 12 PRINCESAS EN PUGNA que adosan las actrices, acorde a cada uno de los cuento, junto con el maquillajes y el uso de pelucas, todo ello logra darles el perfil deseado acorde al texto.

Ellas son Leslie Martínez, Susy Lu Peña, Paulina de la Barrera, Mirsha Solorio, Paloma Jiménez, Mary Francis Reyes, Paola Contreras, Jimena Cornejo, Denisha, Melissa Hallivis, Gloria Toba, Naydelin Navarrete, y Nastassia Villasana.

Elenco estelar que se presenta junto con Job García y Juan Vidal y la ocasional presencia de actrices invitadas, entre las cuales se encuentran Lola Cortés y Carmen Sarahí.

Como comentario final le diré que su escritor Quecho Muñoz con ésta obra teatral de 12    PRINCESAS EN PUGNA invita a la reflexión de sí acaso, ¿Las princesas tienen una vida prometedora? Y ¿fueron muy felices para siempre?¿Es un común denominador o una realidad dentro del mundo de la realeza? ¿Los príncipes encantados dejaron en qué soñar… a sus princesas? Tal vez la respuesta podría encontrarse en 12 PRINCESAS EN PUGNA.

Y sean cuales sean las posibles respuestas, lo cierto es que dichos cuentos continúan cautivando al público infantil e, incluso a muchos adultos.

 

Se presenta la obra 12 PRINCESAS EN PUGNA en el Teatro antes Xola, “Julio Prieto” los días jueves a las 20:30 horas.

 

ALGO DE UN TAL SHAKESPEARE

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

Justo en el marco del 10º Aniversario de la puesta en escena ALGO SOBRE UN TAL SHAKESPEARE, el día de ayer martes 2 de abril 2024 se reestrenó en el Foro Shakespeare.

La obra es del talentoso dramaturgo, actor y director Adrián Vázquez había tenido tres años sin ser escenificada, sin comenzó ésta temporada de representaciones con el pie derecho con mucha mierda acorde a la jerga teatral, es decir, con foro totalmente lleno.

Con respecto a ALGO SOBRE UN TAL SHAKESPEARE la difusora Sandra Narváez había enviado la siguiente aseveración en su boletín de prensa:

-“Una obra de teatro que desde su primera temporada en el 2014 ha sido muy bien recibida por todo tipo de público ya que hace un acercamiento y respetuoso irreverente de la literatura de Williams Shakespeare. La puesta en escena hace un recorrido lúdico por algunas de las obras del más grande escritor dramático de la lengua inglesa de todos los tiempos.

Es una obra ágil, contada a dos voces, con sólo una mesa de cocina como recurso escenográfico. Algo de un tal Shakespeare, es una puesta en escena que explora diferentes lenguajes escénicos (Manipulación y transfiguración de objetos/narraturgia/metáfora del objeto/mima corporal en algunas de las obras más representativas de El bardo de Stratford (Romeo y Julieta, Macbeth y Titus Andrónicus).

Y en ésta ocasión menciona lo siguiente:

-El divertido y talentoso dueto, Sara Pinet y Adrián Vázquez regresan al escenario para dar cinco funciones en abril de la puesta en escena ALGO SOBRE UNN TAL SHAKESPEARE..

Adrián Vázquez transforma con habilitad el contenido eminentemente trágico de éstas obras convirtiéndolas en comedia con tintes de actualidad. Presenta varias de las tragedias consideradas de las más emblemáticas de William Shakespeare (Stratford-upon-Avon, Reino Unido1564-1616 ) como lo son Romeo y Julieta, Macbeth, y Titus Andrónicus, La Tempestad.

Representaciones que realizan bajo un divertido humorismo negro, al adaptar y sintetizar los textos bajo un lenguaje totalmente coloquial y altisonante como suele suceder hoy en día, con algunos matices sutiles de contemporaneidad, convirtiéndolas en una obra farsica.

En cuanto a la actuación de Adrián Vázquez resultó ser un deleite total para el público quienes gozamos de la habilidad del dueto que se presenta junto con la actriz Sara Pinet (egresada de la UNAM generación 2005-2009 quien goza de un curriculum laboral muy amplio y prometedor).

Los dos actores en escena muestran su agilidad en la realización de movimientos corporales, modulación de voces y, por supuesto en el histrionismo basado en la versatilidad con la cual caracterizar a los diversos personajes que precisa ésta trama, con toques de ilustración y cuya narrativa es presentada a dos voces.

De dicha manera, a la vez de escenificarse éstas tres distintas obras de Williams Shakespeare, se otorgan datos fehacientes que van desde la historia muy resumida de Inglaterra tras del la época del Medioevo, para con ello lograr ilustrar efímeramente las circunstancias históricas Isabelinas, en las que tan afamado escritor inglés viviese, dándole forma como resultado, a éstas icónicas tragedias.

Y si aún Usted no ha escuchado o visto alguna de las dramaturgias de Adrián Vázquez, le comento qué tras de haber sido egresado con el título de director, actor y dramaturgo, en la Universidad veracruzana, ha certificado talleres de Arte Escénico, así como programas.

Por supuesto ha sido director escénico en varias ocasiones, además de ser el creativo de exitosa obras teatrales como lo es por ejemplo “Wenses y Lala.”  Dramaturgia la cual le ha brindado diversos reconocimientos en el medio teatral.

Finalmente le comento qué como actor ha participado en diversas series con actores importantes como Mel Gibson, Matt Damon y José María Yazpik y aunque tiene dotes de actor, su pluma lo excede.

 

ALGO SOBRE UN TAL SHAKESPEARE es producido por la Compañía Teatral Los Tres Tristes Tigres” (de la cual es director) y se presenta en el Foro Shakespeare en días martes a las 20:00 horas.

 

GONZALO VILLANUEVA IRAÑETA

POR: Dalia De León Adams

 

*Reconocido director teatral argentino*

 

· Con 25 años de trayectoria, el dramaturgo, actor y director argentino tendrá en cartelera tres montajes en menos de cuatro meses, algo poco ...

-VILLANUEVA IRAÑETA se estrenó como dramaturgo y director de teatro con la obra “Los infieles”, en el desaparecido escenario de “Bajo Corrientes” ...

-El reconocido dramaturgo y director teatral argentino, GONZALO VILLANUEVA IRAÑETA está de visita en nuestro país, para presentar tres de sus ...

¡Pues así es! El destacado Director Teatral GONZALO VILLANUEVA IRAÑETA ha llegado a México debido a haber ganado un Concurso de Dramaturgia en 2022 que programara La Secretaría de Cultura, además de ganar el patrocinio por el Fondo Nacional  para la Cultura y las Artes (FONCA) y “México en Escena”, con cuya obra “La Casa por la Ventana” realizarían su publicación, así como la programación en el próximo mes de junio, la tercera temporada en El Foro Shakespeare.

Por ello y por su indiscutible talento obtenido a través de sus 25 años de labor artística, es que están en puerta tres montajes escénicos que dirigirá tan inminente Director.

Con respecto a su formación profesional, se sabe qué su carrera la cursó con varios de los íconos de la escena teatral, como lo continúan siendo Jaime Chabaud, Juan Mayorga, José Sanchis Sinisterra y Ariel Barchilón.

Le comento que también incursiona el medio de la dramaturgia, siendo el país peninsular de España el cual le ha brindado la oportunidad de adquirir lo que en jerga actoral se llama “tener pluma”.

Fue con la puesta en escena de “Los infieles” que GONZÁLO VILLANUEVA IRAÑETA por primera ocasión se presentaría como dramaturgo, dirigiendo también su propia obra teatral

Y qué decir de los Festivales Internacionales en los cuales ha podido participar exitosamente dándole a conocer más allá de su propio país. Con éstas palabras textuales  GONZALO VILLANUEVA IRAÑETA expresó lo siguiente últimamente:

-Estoy en un momento muy particular porque hace dos años y medio que llegué a México y ya tengo tres obras montadas, dos libretos escritos estrictamente para México y en la primera mitad de este año repongo tres obras que monté: “Medea o la llaga en el vientre”, “La casa por la ventana” y “Titanio Tecol”.-

Finalmente le comentaré sobre GONZALO VILLANUEVA IRAÑETA quien por si fuera poco, además funge como académico y es un experimentado en el Teatro Comunitario.

 

En hora buena y bien venido a nuestro país, Señor GONZALO VILLANUEVA IRAÑETA.

RÉQUIEM

POR: Dalia De León Adams

 

*Cuatro seres descienden a la región de los muertos

haciendo contacto con su más profunda huella.*

 

El concierto de RÉQUIEM, último concierto escrito por Wolfgang Amadeus Mozart es presentado con la música de cámara dirigida bajo la batuta del maestro Isaac Pérez Calzada.

Consiste en la música ejecutada en vivo por “El Ensamble Haendel” con un coro espléndido integrado por Lucía Elena Aguirre (soprano) Adrián Santana (tenor) Yréh Morales (contratenor) y Yudith Coelho Mezzosoprano).

También se presentan al unísono de la música de cámara y de los coros, Leislie Carrasco y Carolina Madrid interpretando a la presencia de la muerte durante la ejecución musical con su actuación.

Ello resulta muy sui géneris a la ocasión, si tomamos en cuenta que el concierto de Mozart tuvo como objetivo el ser creado para una ocasión mortuoria; pago que recibiera anticipadamente por parte de un hombre anónimo, quien aseguró sería para próximo funeral.

La composición de esta obra está rodeada de misterio. El réquiem fue encargado a Mozart por un desconocido enviado por el conde Walsegg. Este conde era un ...

La Misa de Réquiem en re menor, K. 626, es una misa de Wolfgang Amadeus Mozart, basada en los textos latinos para el RÉQUIEM, es decir, el acto litúrgico católico celebrado tras el fallecimiento de una persona. Se trata de la décimo novena y última misa escrita por Mozart, quien murió en 1791, antes de terminarla. (en la Internet)

 

El REQUIEM de Mozart está dividido en ocho bloques. Algunos de ellos, a su vez, se subdividen en otras partes más pequeñas…

 

Diversos mitos surgieron a raíz de éste tan peculiar hallazgo, pero lo que es cierto es  que uno de los discípulos cercanos de Wolfgang Amadeus Mozart, es decir Franz Xaver Süssmayr, bajo numerosas indicaciones de su maestro en el ocaso de su vida, al saberse muy enfermo, le encargaría.

 

Por ello Franz Xaver Süsmayr sería quien concluiría el REQUIEM, el cual es conocido e interpretado hasta la fecha, según comentaría en entrevista, el maestro Isaac Pérez Calzada.

 

Finalmente el equipo creativo de éste hermoso concierto intitulado RÉQUIEM, hicieron saber la siguiente aseveración textual al respecto:

 

-“Haciendo una exploración interdisciplinaria que conjuga música de cámara y teatro contemporáneo. RÉQUIEM es un suceso escénico que nos permite jugar en torno al duelo y a la pérdida.”- (nota en cartelera).

Le comentó qué la Agrupación Arte Nuevo tiempo atrás había presentado “Sabat Mater”, siendo RÉQUIEM la segunda parte del proyecto de música y escena, el cual es presentado en el Centro Cultural del Circulo Teatral.

 

Evento que realmente vale la pena acudir, pues mediante éste, se presenta una serie de artistas doctos en su materia, lo cual de inmediato se deja entrever al comenzar la función REQUIEM, la cual apertura con una breve ejecución del Concierto Grosso del compositor y violinista italiano Arcangelo Corelli (Roma 1653-1713).

PERCUSIONES

POR: Dalia De León Adams

 

*Aldo es un chico que busca ser visto por primera vez,

Que busca respuestas y no sabe dónde encontrarlas.*

 

Dramaturgia original de Aldo Martínez Sandoval escenificada bajo la magnífica dirección de Antón Araiza, quien con pocos actores y elementos escénicos logran un excelente trabajo.

PERCUSIONES es el título que conlleva implícito uno de los significantes de éste melodrama, contemporáneo, de índole naturalista, que reúne y presenta elementos cruentos, que en la realidad se padece en la vida de los homosexuales.

El despertar al amor en condiciones de inseguridad sufridas ante el nacer con preferencias homosexuales, que aún una parte de la sociedad continúa rechazando y, que desgraciadamente en el mayor de los casos, es la misma familia quien los sataniza, causándoles profundas inseguridades y frustraciones.

PERCUSIONES perfila a un joven, quien confunde el amor con la atracción física y la seguridad que le da el aparente aprecio de un compañero de clase, a quien cree amar ante el acercamiento de un joven percusionista.

Su sexualidad comienza en una relación prohibida, con un hermanastro. Despertar a la pasión y al deseo de caricias y amor, por lo que el personaje protagónico llamado Andy, recurre a encuentros casuales en los vagones del metro, en donde pasa horas subiendo y bajando ante la excitante probabilidad de encuentros clandestinos.

-“El metro de la Ciudad de México se ha convertido en su mejor pasatiempo. Explorar su sexualidad ha sido más fácil de lo que él cree, sin embargo su familia y un compañero en la escuela son detonadores de emociones y sensaciones nuevas.”- (Sinopsis de la trama en el boletín de prensa).

Puesta en escena en un solo acto que conlleva paralelamente la sub-historia del personaje secundario de la madre, quien vive con su pareja y sus dos hijastros. Ella es una mujer comprensiva, preocupada por su hijo Andy, más no le dedica mucho tiempo debido a su trabajo y su mala relación con su nueva pareja.

Su hijo Andy se enfrenta a una relación hostil con uno de sus hermanastros llamado Julio, quien lo maltrata y tiene amenazado por descubrir su preferencia sexual oculta con su hermano Christian.

La obra contiene elementos suficientes para pertenecer al género de la novela psicológica, en el sentido en que matiza el autor Aldo Martínez Sandoval, a cada uno de los personajes de manera bien delimitada.

Por un lado presenta a una madre que mantiene una relación un tanto distante con su hijo Andy debido a su jornada laboral y la relación con su pareja.

El manejo de la sexualidad del personaje protagónico conlleva una serie de frustraciones,  que lo llevan a sufrir de bullyng (-acoso físico o psicológico al que someten de forma continua, a un alumno sus demás compañeros- definición de la OPS).

Tras finalizar la obra, subieron al escenario junto con el equipo creativo y su productora, dos jóvenes “doctos” en la temática del homosexualismo, para hablar sobre este tema preocupante, y no tan sólo dejarlo en aras de una representación teatral.

Los actores en escena de la obra teatral PERCUSIONES son Daniel Páez, Alejandra N. Ramos, Alfredo Veldañez y Alejo Contreras alternando. Todos ellos actuando bajo la dirección escénica de Antón Araiza, con el texto de Aldo Martínez Sandoval.

 

PERCUSIONES se presenta los días sábados en el Teatro La Capilla a las 20:00, hasta el día 26 de abril 2024.

ANA CONTRA LA MUERTE

POR: Dalia De León Adams

 

Escrita por el dramaturgo Gabriel Calderón bajo la dirección artística de Cristian Magaloni, la obra resulta ser un canto a la desesperación de una madre, por su hijo enfermo de cáncer.

Entonces cabe aquí cuestionarnos, ¿Hasta dónde se puede llegar en circunstancias tan adversas, cuando la salud de un ser tan cercano y amado merma? problemática que se ahonda aún mucho más cuando se carece de recursos materiales para lograr sustentar los altos pagos que ésto genera.

Soluciones alternas mal tomadas por parte del personaje de Ana, que no llegan más que a complicar la situación en pos de lograr mantener en vida un poco más de tiempo, al ser que se le dio la vida.

Puesta en escena polémica y controversial que es lograda por un gran equipo creativo en donde Cristian Magaloni, como ya antes lo había demostrado, realiza una excelente dirección, aunada a las actuaciones de grandes actrices quienes con gran sensibilidad artística e histriónica, matizan a sus personajes con la sensibilidad que precisa un texto de éste género totalmente dramático.

El elenco está formado por la actriz Mariana Giménez en el rol protagónico, Noemí Espinosa, Montse Ángeles Peralta y Mariana Gajá, todas ellas con gran plática interpretativa, caracterizando diversos personajes, con excepción de Mariana Giménez quien siempre se presenta en el papel de Ana, a la cual interpreta con tanta sensibilidad, que logra que algunas personas del público, en ciertos momentos de la obra, derramen algunas lágrimas.

-“El hijo de Ana tiene cáncer, ella no puede costear otro tratamiento, pero tampoco puede dejar a su hijo que se muera. ¿Qué está dispuesta a hacer para salvarlo, hasta dónde piensa llegar y hasta qué punto somos capaces de entenderla? ¿Cómo vamos a defenderla cuando se vuelve peligrosa para el resto, inclusive para la muerte? (nota en boletín de prensa)

La obra es una producción nacional teatral (EFIARTES) efectuada bajo el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR. En el texto, el personaje protagónico ante verse forzada a infingir las leyes, ello le conduce ante un proceso legal, al cual deberá enfrentar, quedando a la disposición de la resolución de una jueza estadounidense, por ser parte del referente de éste montaje, en donde Ana intenta introducir droga al país vecino.

Surge entonces un diálogo totalmente anfípodo o antagónico elocuente, interesante e inteligente en ambas partes; es decir, cada personaje, el de la jueza y el de Ana, se enfrentan ante una lógica totalmente diferente de vislumbrar las consecuencias del acto delictivo.

Bajo dos maneras muy distintas de observar la situación de la presa, quien asume ser capaz de todo, antes de claudicar ante el intento proclamado; la jueza por otro lado asume qué su postura la llevará a perjudicar a mucha gente inocente, tratando de disuadirla ante una mala determinación de sus actos.

ANA CONTRA LA MUERTE es una puesta en escena en un solo tiempo durante el cual, se presentan diversos cuadros escenográficos construidos por diversas plataformas móviles las cuales, junto a los constantes cambios de vestuario y presentación de bisutería, logran dar el efecto deseado para ambientar éste drama a presentar.

 

ANA CONTRA EL MUNDO se presenta en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico de viernes a domingos hasta el 28 de abril 2024.

NADA ES PARA SIEMPRE, libro de Alberto Estrella.

POR: Dalia De León Adams

 

*Seña poética de amor y desamor*

 

El 27 de marzo 2024 en el Circulo Teatral se festejó el “Día Internacional del Teatro”, las “Dos Décadas del Circulo Teatral” y, sobre todo, la “Presentación del libro físico” NADA ES PARA SIEMPRE escrito por Alberto Estrella en su faceta como poeta.

El reconocido actor se presentó en el foro del Circulo Teatral interpretando sus hermosos sonetos, junto con la primera actriz Ángeles Marín, bajo la presentación de ésta ovación, por parte del maestro Miguel Sabido.

Como es bien sabido Alberto Estrella oriundo de Guadalajara, Jalisco, es un destacado actor mexicano quien ha incursionado tanto en el medio televisivo, como en el teatro y en el cine. Cuenta con su propio foro y Centro Cultural llamado Circulo Teatral, junto con el Señor Víctor Carpinteiro, en donde dicho sea de paso, se imparten cursos de carácter escénico y cultural.

Además de ser uno de los grandes promotores de Lectura promovida nada menos que por Bellas Artes; programas intitulados “El Círculo Teatral y Alberto Estrella y te invitan a leer” y  más recientemente “Ojos que no leen, corazón que no siente”.

Por otro lado le comentaré qué en la contraportada de su libro NADA ES PARA SIEMPRE se puede leer textualmente acerca de Alberto Estrella con más precisión sobre su labor artística, la siguiente consideración:

-“ Con casi 40 años de actividad actoral ha participado en más de 30 películas, 40 puestas en escena y varias telenovelas. Ha obtenido dos nominaciones al Ariel, dos Diosas de Plata y más de 15 reconocimientos teatrales”-

Alberto Estrella también ha destacado como dramaturgo, teniendo entre su autoría obras como Sombras en el paraíso, El consultorio de la Doctora Spellman, Aquí no pasó nada, Belén Borderline, ¿Quién mató a la Tongo?, La otra verdad, Apocalipsis Nel y Seis grados de reparación.

Director artístico y profesor de artes escénicas, imparte un cursos sobre teatro los días sábados en su Instituto. Y  por parte del APT (La Asociación de Periodistas Teatrales) obtuvo su más reciente presea con una estatuilla que se le otorgó en el rubro como “Actor Revelación” ¡y vaya que sí lo merece! 

Ahora acaba de hacerse acreedor a la Placa Conmemorativa otorgada por “Emergente”, la empresa de arte, comunicación, cultura y academia, que justo tras de la presentación de los poemas escenificados por él y la actriz Ángeles Marín que comprenden su libro intitulado NADA ES PARA SIEMPRE, le sería otorgada, como reconocimiento a su importante labor artística y específicamente, por sus bellos poemas.

Ocasión oportuna en la cual Alberto Estrella quien a-priori acababa de demostrar a su público y amigos tener grandes dotes como poeta. Un poeta sensible y apasionado, quien goza del amor, y quien acorde a sus poemas, ha vivido el duelo irremediable del desamor.

NADA ES PARA SIEMPRE es un compendio de Sonetos, cuyo Prólogo esta escrito por uno de los íconos del medio artístico, el Señor Miguel Sabido, quien define a Alberto estrella como *Actor Poeta, Poeta Actor*.

Pero en mi opinión, Alberto Estrella es mucho más que eso. Es una inmensa ESTRELLA ¡que sabe brillar!

 

AMOR Y RABIA

POR: Dalia De León Adams

 

 

AMOR Y RABIA es retrato de un malestar generacional tan antiguo

como la humanidad misma.

Siguiendo a una secta activista, la obra retrata el trasfondo que

puede tener el detonar una bomba en espacios públicos,

la rebeldía juvenil y los impulsos colectivos por una justicia

que sistemáticamente ha sido negada.

AMOR Y RABIA del dramaturgo David Olguín, como es común en todas sus obras, deja entrever el gran caudal de cultura y conocimientos que posee y, que en ésta ocasión es manifiesta además, con situaciones anarquistas vividas y padecidas en nuestro país, en diversos periodos del devenir histórico.

Ello bajo matices de índole filosófico e ideológico, que manifiesta el carácter igualmente anarquista del escritor, quien da voz a su voz, con sus personajes, ante el recuerdo de luchas perdidas y socavadas de la juventud.

Anarquismo es una ideología política que busca conseguir

la emancipación del hombre de todo tipo

de organización jerárquica

que limite coactivamente la libertad del ser humano.

AMOR Y RABIA da inicio con la introducción de uno de los personajes (Laura Almela) quien aparece inicialmente en la función, en el entrepaño de las escaleras del Lobby, a media luz, exponiendo al público un monólogo en el cual introduce un parámetro sobre el real desconocimiento que tenemos, debido a que comúnmente se actúa y se habla, tras una máscara invisible.

Narrativa muy ad-hoc y sui géneris a la presentación en paralelo de imágenes a través de una pantalla, en donde aparece el personaje tan icónico y misterioso del Señor “V”, presentado en el largometraje intitulado “V de VENGANZA” (V FOR VENDETTA) dirigida por el australiano James Mc Teigue, la cual convirtiera en guión cinematográfico junto con Lana Wachowski y Lilly Wachowski.

Aunque en realidad parte de las historietas de Alan Moor, David Lloyd Tony Weare, quienes escribieran el Comic del subsello DC. En México en el 2002 se presentaría como largometraje:

Historia de un futuro ficticio donde Inglaterra es un estado fascista y totalitario. Evey, una joven proveniente de la clase trabajadora, es rescatada por "V", un misterioso enmascarado que busca la destrucción del gobierno cruel y corrupto,

AMOR Y RABIA es mucho más. Presenta una serie de situaciones tanto oníricas como reales, que su autor David Olguín entremezcla, jugando con la temporalidad escénica presentada de manera no lineal, con cuadros escénicos diversos.

El montaje escénico de David Olguín cuenta con el diseño escenográfico de Gabriel, y con la afamada canción “What a wonderful World” con la cual se introduce al público a uno de los foros del Teatro El Milagro.

Finalmente le comentaré qué en ésta interesante puesta en escena, aparecen diversos personajes estelarizados por la primera actriz laura Almeda, Emmanuel Pavia, Santiago Alfaro, Sunem Cedillo y David Juan Olguín Almeda, todos ellos actuando espléndidamente sus personajes.

 

AMOR Y RABIA se presentan en el Teatro El Milagro (Calle Milán 24, colonia Cuauhtemoc) bajo la producción de La Secretaría de Cultura de la CDMX y la Fundación para las Letras Mexicanas y Pandemia Teatro.

TEMPUS FUGIT

POR: Dalia De León Adams

 

TEMPUS FUGIT, Tiempo fugas, tiempo efímero, tiempo que no vuelve y qué no importa que se haya ido, es la consigna que atrapa la filosofía de la vida encapsulada en un momento escénico y creativo.

Empero, TEMPUS FUGIT, es mucho más; es recordar el hastío de algunos días de la niñez, envueltos en un vacío. Son las constante preguntas sin resolver, que se cuestiona Anna; Anna en la infancia, Anna en la adultez.

Es el miedo a preguntar sin ser irreverente con lo Divino, pero que la inquietud del saber lleva más allá al personaje protagónico, interpretado por la actriz y dramaturga Anna Cristina Ross, personaje que se mezcla en la ficción y en la realidad.

TEMPUS FUFIT, remembranzas del pasado, inquietudes y momentos vividos, Anna Cristina Ross penetra en la psiquis de sus propios miedos e inquietudes mediante un dejo de arte que comienza en su cuerpo y se traslada a sus labios para expresar la memoria de un pasado “amor fugaz” que fue mucho sin ser nada, realizarse en el dejo del recuerdo casual de un encuentro con el alma gemela.

Es el recuerdo de la niña inquieta cobijada por el cariño de una dulce abuela, que ante el absurdo dogma del castigo divino, coartara su sed constante por saber y descifrar.

TEMPUS FUGIT es el definir el tiempo corriendo detrás del conejo del Reloj que persiguiera “Alicia en su País de las Maravillas” que se aviva y surge en la inquietud de Anna Cristina Ross, persiguiendo a su propio Conejo poseedor de un Reloj.

TEMPUS FUGIT reúne todos estos elementos interactúando con el público, logrando una puesta en escena propositiva surgida de un largo dialogo con su director escénico, Roberto Eslava.

Surge de un proyecto al cual se uniría Natalia Ángel añadiendo una bella creación vocal y sonora, que invita a soñar y dejar volar la imaginación:

-“Curaduría del texto dramático por Roberto Eslava, a partir de fragmentos de la obra de Virginia Woolf, Marcel Proust, Stanislaw Lem, Pascal Quignard, Wolter Benjamin y Memorias de Anna Cristina Ross.”- (nota de la Compañía Teatral Traslapo).

El vestuario de Sol Kellan  le da un plus, junto con el dispositivo escénico y de iluminación de Natalia Sedano a ésta dramaturgia propositiva de Anna Cristina Ross.

-“TEMPUS FUGIT es una locución latina que se refiere al veloz transcurso del tiempo, la fugacidad de un instante y su cualidad perecedera. El drama de la inevitable sucesión de los acontecimientos de la existencia es encapsulado en esta pieza intima, la cual creamos para formular interrogantes sobre nuestra condición como seres inevitablemente efímeros. Bordamos este acto teatral intercalando palabras ajenas con memorias personales, las cuales constituyen una cartografía de sueños, temores y esperanzas que esperamos recorrer acompañados por el público que asista a las primeras siete noches de este viaje. Nuestra máquina del tiempo fue creada desde el cuerpo, el sonido y la vibración, ojala que suspendamos con ella, aunque sea brevemente, la turbulencia y agitación de devenir cotidiano.”

 

TEMPUS FUGIT se presenta en el Teatro “El Milago” (Calle Milán 24, colonia Cuauhtemoc) con funciones los días miércoles a las 20:00 horas, hasta el 24 de abril 2024.

YOGA TIBETANO DE LOS SUEÑOS

POR: Dalia De León Adams

 

“Aprende a meditar en los sueños lúcidos”

Tenzin Wangyal Rimpoche

 

Casi toda la gente ha escuchado hablar sobre la meditación, e incluso han logrado practicarla, aunque de manera incipiente o elemental. Pero, ¿Qué se entiende por ello?

-“Se trata de técnicas basadas en el conocimiento de los vientos (lung) o energías vitales sutiles, de sus canales de movimiento (tsa) y del conocimiento de la respiración…”-

-“Es una práctica tibetana distintiva de yoga físico en la que la respiración y la concentración mental se integran ...”- (en Internet).

Para los Lamas (monjes Tibetanos) existen técnicas por medio de las cuales se puede lograr tener más allá de un descanso habitual, el lograr ir superando tanto el dolor, como el sufrimiento y los padecimientos físicos.

Según se sabe en base a estudios y encuestas realizadas, el ser humano pasa alrededor de un tercio de vida, durmiendo. Dormir es la capacidad que conecta a nuestro cerebro con nuestro cuerpo, día a día.

Acorde a los conocimientos del afamado Lama Tenzin Wangyal Rimpoché, debemos propiciar un buen sueño alejándonos de la ingerencia de alcohol y drogas, que son los detonantes de padecimientos y trastornos en los sueños; aunado a ello se debe habilitar el desarrollo espiritual, a través de la meditación.

-“YOGA TIBETANO DE LOS SUEÑOS es una poderosa técnica de meditación empleada durante cientos de años por los grandes maestros de las tradiciones budistas tibetanos. Esta nos permite generar, a través de la lucidez en los sueños, una mayor conciencia durante la vigilia y con el propósito final de liberarnos del sufrimiento al momento de nuestra muerte.

La meditación es una tradición ancestral milenaria que con el tiempo ha perdurado y que el Lama Tezin Wangyal Rimpoché, quien pertenece al Bön Budismo, se ha consolidado sus estudios al respecto, presentados en su libro físico titulado EL YOGA TIBETANO DE LOS SUEÑOS.

Le comento qué emérito y prestigiado Lama Tezin Wangyal Rimpoché con su técnica ha ayudado a curar padecimientos físicos, emocionales y existenciales, a través de los sueños, los cuales según sugiere, de no contar con un tiempo mayor que de un sueño aparentemente reparador, las personas caen en desacuerdos incluso matrimoniales y de diversa índole, que incluyen sobre todo el malestar La práctica del Yoga, mencionaría, nos lleva a vivir una experiencia de percepción similar a los sueños, y con ello lograr la transformación nuestras perspectivas de dolor y sufrimiento, para liberarnos en el momento del fin de nuestra vida física.

Es importante mencionar qué el estado de “vigila” en que se logra, éste debe de entenderse como los momentos lúcidos, es decir, mientras no estamos dormidos, y que bajo la reflexión y abstracción podemos meditar.

-De acuerdo con la tradición Tibetana, se alcanzar la lucidez en los sueños no es un fin, sino un media a través del cual podemos conectar con prácticas efectivas que potencian nuestra capacidad de liberarnos del sufrimiento.”-

El prestigiado Lama Tezin Wangyal Rimpoché se encuentra en nuestra Ciudad de México, en el Hotel Radisson de la zona Perisur, en donde se ha proyectado presentar tres días continuos en el que se incluye una conferencia Magistral y tres Cursos de Conocimiento y Práctica sobre sus Técnicas Tibetanas.

*Mira tu experiencia en los sueños para saber cómo te irá en la muerte.*

La Conferencia y Seminario se llevan a cabo en el Hotel Radisson, Salón Paraíso, ubicado en Cúspide 53, Parques del Pedregal, en la Ciudad de México. Teléfono 55 5927 5959 Coordinadora Rosario Guerra.

 

 

LA TERNURA

POR: Dalia De León Adams

 

Os vamos a contar un cuento que os atrapará

De principio a fin. Y es que pareciese un delicioso e

Irresistible postre, que se antoja degustar a plenitud.

 

Desde España la puesta en escena LA TERNURA ha sido traída a nuestro país  través de la Compañía Mejor Teatro, con una dramaturgia plagada de algunos de los componentes de las obras de Williams Shakespeare, pero con un texto distinto y totalmente ingenioso.

LA TERNURA se ubica dentro del género de la comedia farsita. Es original del dramaturgo español Alfredo Sanzol la cual contiene elementos del genero románticos, que se matizan con algunos aspectos de las icónicas obras del escritor inglés, Williams Shakespeare (nacido en Stratford-Upon-Avon, Reino Unido 1564-1616) tal como lo son La Tempestad, Sueño de una noche de verano, Noche de reyes, Mucho ruido y pocas nueces, o, Como gustéis.

A juicio de la Compañía Productora Mejor Teatro, la trama de ésta ingeniosa comedia al estilo del “Cisne de Avon” contiene los siguiente aspectos a tratar:

-“Equivocaciones, disfraces, trucos, magia, hechizos, engaños, pócimas, carreras, elixires, naufragios, islas encantadas, lucha de sexos y amor, mucho, mucho, mucho amos… son algunos de los variados y seductores ingredientes de LA TERNURA. (nota textual del boletín de prensa).

Por supuesto que ofrece dichos elementos y otros más, como son algunos rasgos d característicos del teatro Isabelino, ubicado en el XVI y albores del VII. Para tal efecto, los personajes portan trajes a la usanza secular de dicha época;  vestuario acorde a la época en que la monarquía europea era reinante.

Por otro lado, también los diálogos muestran los rasgos distintivos de dicha época, presentando la manera estructural y fonética de la lengua española al estilo peninsular.

Sin embargo la temática sobre el amor es tan vigente como siembre, sólo qué con un sentido chusco que su escritor Alfredo Sanzol le infiere a la obra, y que termina siendo todo un deleite para el público.

Acerca de cómo y en donde surgió ésta obra teatral tan tradicional y actual a la vez, en boletín de prensa se expresa la siguiente aseveración al respecto:

-“LA TERNURA se estrenó en el Teatro de La Abadía en Madrid el 27 de abril del 2017en un exitosísimo montaje que recibió el Premio Valle Inclán de Dramaturgia; el Premio Max como Mejor Espectáculo de Teatro, y el Premio de la Unión de Actores para Natalia Hernández como Mejor Actriz Secundaria. Lego de su temporada en Madrid realizó una extensa gira en toda España y regresó a la capital donde continúa en cartelera.

Además, Vicente Villanueva adaptó la obra teatral al cine con el mismo título que se estrenó en septiembre de 2023, con un reparto encabezado por Emma Suárez , Gonzalo de Castro y Carlos Cuevas.”-”-

Morris Gilbert y su Mejor Teatro logran otro acierto más con ésta magnífica producción; puesta en escena propuesta por el talentoso director escénico, el Señor Benjamin Caan, quien apuesta por una escenografía minimalista muy sui géneris a la temática a abordar.

En ella actúan dos grandes actores como lo son Mónica Dione y Alejandro Calva, junto a grandes promesas en el medio actoral, quienes son Arap Bethke, Carla Medina, Pierre Louis y Luisa Guzmán Quintero.

Ya por ultimo le mencionaré qué la obra teatral LA TERNURA alternará funciones semana a semana con la obra teatral ¡Atrapados! (antes ESCAPE ROOM) ambas producidas por Mejor Teatro, quien se encuentra innovando la manera de presentar funciones, dando posibilidad a que se puedan llevar de gira la interior de la República de manera paralela.

LA TERNURA se presenta en el Nuevo Teatro Libanés y promete colocarse en el gusto de la audiencia como lo vislumbra la prensa, por contener los elementos necesarios para lograrlo.

 

¡EN HORA BUENA!  Y mucha mierda.

LA FERIA INTERNACIONAL DEL CABALLO

POR: Dalia De León Adams

 

Algo muy tradicional en nuestro pueblo mexicano, son precisamente las FERIAS. Coloridas, alegres, llenas de música, trajes tradicionales, luces, juegos, pirotecnias, gallos, etcétera.

Por supuesto el tradicional canto mexicano es un ingrediente importante más. Por ello es que LA FERIA INTERNACIONAL DEL CABALLO 2024 en éste año tiene contemplado presentar a la afamada intérprete llamada “La Rosa Mexicana”.

Como Usted sabe, es la cantante de música vernácula ROSY ARANGO, quien nuevamente regresa tras de éxito acumulado, pero en ésta ocasión presentándose con un nuevo Show.

ROSY ARANGO es el nombre artístico de la cantante mexicana Rosa Elvia Noli Arango, quien naciera el 30 de agosto de 1979 en Hermosillo, y cuyos padres son José Noli Vargas y Martha Arango.

Comúnmente ella goza de interpretar las canciones en vivo de autores emblemáticos como lo fuera José Alfredo Jiménez, de quien por cierto suele presentar algunos popurrís, entre los que se incluyen canciones como “Te solté la rienda”, “Pa’todo el año”, “Vámonos” y “El último trago”.

Su presentación se fechó para el 20 de marzo, día en el cual se programó por parte de la cantante, interpretar varios de los mayores éxitos en el género musicales ranchero.

Mariachis en vivo, la acompañan, siendo generalmente “La peculiar Banda Sinaloense”, la cual incluye en las interpretaciones, el tradicional acordeón norteño.

Tampoco podían faltar los instrumentos de cuerdas, como lo son las guitarras, de cuya banda se dice qué  prácticamente las hacen llorar, al ejecutar la música vernácula con éstas.

Le comento que el año pasado 2023, todos éstos artistas se presentaron, un poco de manera improvisada, ofreciendo un espectáculo que cautivó al público, por lo que duraría alrededor de tres largas horas.

En ésta ocasión en LA FERI DEL CABALLO 2024, se ha programado para tener mayor duración, lo cual es una muy grata noticia para todos aquellos amante de LAS FERIAS.

 

  

MIGUEL SABIDO

 

* Recibirá el premio "Victor Hugo Rascón Banda", de la APT, como dramaturgo, este viernes

 

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Quien no ha sabido hablar del Maestro MIGUEL SABIDO, quien con su brillante trayectoria como escritor, poeta, dramaturgo, teórico y director en los diversos medios artísticos., convirtiéndose en uno de los grandes íconos del teatro, el cine y la televisión  contemporáneo, cuya vasta obra se han consolidado en libros, videos, conferencias, conversatorios, que han trascendido.

Sus telenovelas como Senda de Gloria o El Carruaje, lo catapultaron, además de películas como La celestina o Ángel Luzbel” “; de obras emblemáticas como Falsa Crónica de Juana La Loca y, Las Guerras de Hidalgo.

Como si fuera poco, es creador de la Teoría del “Tono” y, entre muchas chas cosas más, actualmente tiene su propio Museo Miguel Sabido en una página WEB http://www.museomiguelsabido.org/

Innovador y creador del “La Compañía de Teatro Campesino” del cual hablara invitado por el maestro Alberto Estrella, expresándose con la sencillez que caracteriza a los grandes; momento en el que asegurara que tan sólo se presentó el año pasado en el Circulo Teatral, para dar una charla, pero en verdad constituyó una cátedra.

El Maestro MIGUEL SABIDO ha trabajado con varias personalidades del círculo escénico, como lo fueran Héctor Mendoza, Xavier Villaurrutia e incluso dramaturgos importantes de antaño como al internacionalmente reconocido dramaturgo e innovador teatral, Juan Ruiz de Alarcón.

Pero por si desea que le recordemos un poco más, ¿quién es el maestro SABIDO? en base a publicaciones que se encuentran en páginas digitales Usted mismo puede leer los siguientes testimonios :

-EL MAESTRO MIGUEL SABIDO José Miguel Sabido Ruisánchez (Ciudad de México, 20 de noviembre de 1937), citado como Miguel Sabido, es un dramaturgo y poeta mexicano…

Nació en la Ciudad de México, el 20 de noviembre de 1937. Dramaturgo y poeta. Estudió Literatura Dramática en la ffyl de la UNAM. Ha sido director de teatro ...

Este año celebraron la vida y trayectoria de José Miguel Sabido, dramaturgo quien es considerado el "padre del entretenimiento educativo"…

Dramaturgo, escritor, director y productor de teatro, cine y televisión, crítico y teórico de la comunicación…

Actualmente, el maestro Sabido trabaja en un sitio web que albergará su metodología de entretenimiento educativo así como su experiencia...-

En cuanto a reconocimientos y galardones:

-“Además de tener una Compañía de Teatro en Náhuatl, Miguel Sabido ha recibido 82 premios, seis de los cuales lo han llevado a ser llamado el “Padre del Entretenimiento Educativo”, así como la medalla Nezahualcóyotl y el Premio de la Comunicación”.-

MIGUEL SABIDO hoy en día está por recibir la estatuilla “Víctor Hugo Rascón Banda” por ser ganador en el 15º Concurso Nacional e Internacional de Dramaturgia, el próximo 22 de marzo 2024 www.wowmx.tv

 

¡Maestro MIGUEL SABIDO es Usted un verdadero orgullo y ejemplo a seguir!

CUERPOS SENSIBLES

POR: Dalia De León Adams

 

Una exploración desde la inteligencia artificial

y la fabricación digital sobre

la corporeidad sensible.

 

La Galería de La Casa Rafael Galván de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM) se vistió de gala, éste pasado viernes 15 de marzo, abriendo sus puertas a una exposición totalmente innovadora y contemporánea, desde una plástica digitalizada, muy ad-hoc a la época en que estamos viviendo; la Nueva Era Digital.

Bajo el rublo de FutureSelf los dos jóvenes artistas se presentaron. Ellos son Irune Arancibia y Rodrigo Garrido, quienes fueron apoyados y presentados en dicha ocasión, por parte de la Doctora Yissel Arce, quien es la Coordinadora General de Difusión Cultural UAM. Ella en entrevista se expresó con respecto al evento de la siguiente manera:

-“Estamos hoy inaugurando la Exposición CUERPOS SENSIBLES en la Casa Rafael Galván. Es un hito, un hecho muy importante en el escenario de las artes visuales en la Coordinación General de Difusión, porque justamente esta exposición CUERPOS SENSIBLES vincula, conecta las líneas de investigación y docencia de la Universidad, con un trabajo tan relevante como éste, que pone a la inteligencia artificial en el dialogo, con las conquistas más importantes del arte contemporáneo.

Justamente los artistas, un dúo de artistas, que son muy jóvenes y trabajan desde las perspectivas tradicionales del arte, la escultura fundamentalmente, pero le dieron un vuelco, se desplegaron, despegaron del lugar tradicional, para pensar la escultura, e incorporaron tecnología a esos objetos, digamos tecnológicos.

Y son objetos a los que les dieron vida, que están vivos, están activos, y  se relacionan con el público desde los circulitos, desde toda la programación que tienen detrás, pero le permite al público tener una interrelación, no con una obra de arte muerta, sino con una obra de arte con la cual pueden interactuar

Esta casa Rafael Galván esta siendo  destinada a producir un diálogo entre arte y tecnología y nos pareció que era muy importante, tener una exposición como ésta.”-

 Le comento que dentro de la Galería se ubicaron una escultura y dos grandes pantallas de donde aparecen tanto los dos artistas tecno-plásticos dando explicaciones acerca de su importante obra, como algunas imágenes de su arte sensible.

Acorde con la entrevista realizada al artista creativo Rodrigo Garrido, éste expresó qué las esculturas realizadas junto con su compañera Irune Arancibia, son piezas que inicialmente fueron fabricadas por una máquina, y terminadas por unas manos humanas; las de ambos grandes artistas, por supuesto.

Irune Arancibia por su parte comentaría qué CUERPOS SENSIBLES aborda los límites y las nuevas posibilidades que las herramientas que nos rodean hoy nos han otorgado, para explorar lo que significa ser humano, y el desarrollo de nuestra cultura, de donde nos desarrollamos y hacia donde vamos”-.

Su creación son esculturas son realmente CUERPOS SENSIBLES los cuales ahora se encuentran dotadas de sentimientos, piensan y tienen conciencia. No tan sólo poseen cuerpo, sino que también pueden nacer e incluso, morir, según explicaron.

Dos jóvenes sumamente talentosos, Irune Arancibia y Rodrigo Garrido, quienes sin duda, con su obra dejan una gran huella dentro de la Inteligencia Artificial Contemporánea.

 

¡MUCHAS FELICIDADES!

 

ESPERANDO

POR: Dalia De León Adams

 

Alguna vez ¿Usted se ha enamorado en la Sala de Espera de un hospital, mientras se cuestiona por la salud de un pariente cercano o ser querido? ¿Porqué no?, o Porqué si? Son dos preguntas sin una clara respuesta, peo lo que sí es cierto es qué el amor llega en cualquier lugar, asaltando si prejuicios.

Mientras Arturo tiene tiempo acudiendo a un hospital en el cual se encuentra su padre tras de repentinamente haber sufrido un infarto cerebral, de pronto una joven llamada Cristina aparece en la misma sala, angustiada y alterada porque su madre, con quien ella ya no vive, ha sufrido de una caída que ha puesto su salud en estado aparente de gravedad.

A manera de breviario, es justo la trama en la que se van desarrollando historias paralelas; una de un posible encuentro de amor, en tanto que otra, de una violación sufrida por un adolescente; suceso que se narra veladamente mediante un dialogo, y que el autor introduce en la narrativa como un acto que a un hombre, más allá de una experiencia que puede ser traumática, le es difícil de contar y asimilar sin correr el riesgo de sufrir las burlas de los demás.

Esto, aunado a la presentación de un personaje de una mujer madura quien vive en frustración con su esposo y su cuñado solterón, siendo éste último una persona de la tercera edad a quien no soporta íntimamente,  pero a quien debe aceptar y cuidar en su hogar, en aras del aparente amor o lealtad que le tiene a su marido. 

ESPERANDO es una puesta en escena perteneciente al género psicológico, en cuanto a que constantemente, el mismo el autor de ésta obra teatral, el Señor Isaac Richter, ahonda en la psiquis de sus personajes, a los cuales matiza de manera abierta, en cuanto al sentir, con la lógica conductual que detonan sus actos y pensamientos, los cuales surgieron de una experiencia personal.

Bajo la dirección artística de Aleyda Gallardo, la historia se desarrolla dentro de una escenografía propuesta por Miguel Moreno, junto con el diseño gráfico de Jonathan Persan, apareciendo en el escenario unos aparentes muros que simulan la Sala de Espera, en donde se encuentran colocados unos sillones y una mesita que tiene una jarra de café y demás suplementos para los parientes de los hospitalizados, para con ellos logran la atmósfera propuesta en el texto a representas

La música presentada por su creativo, Alejandro Pressier va acorde a algunos de los cuadros escenográficos en los cuales los actores representan sus roles protagónicos.

Elenco integrado por  Splash Morales, Alejandro Membrillo, Lucy Escandón y Rodrigo Mir. Caracterizando a tres jóvenes esperando respuestas de los médicos, y una mujer madura de carácter alegre y emotiva.

-“Cecilia y Arturo se conocen en la sala de espera de una Unidad de Terapia Intensiva, ella esperando a que den de alta a su mamá después de que le quitaron un tumor de la espalda, y él esperando a que su papá salga de un coma inducido, tras una hemorragia en el cerebro.

A lo largo de siete días, con largas horas que matar y mucha incertidumbre, éstos dos jóvenes encuentran en el otro una fuente de apoyo para pasar el tiempo, teniendo conversaciones acerca de sus vidas y sus diversos puntos de vista en cuanto al amor. (Sinopsis de la Compañía Teatral).

 

ESPERANDO se presenta en el Foro Contigo América, ubicado en la calle Arizona 156, colonia Nápoles, ofreciendo funciones los días miércoles durante el mes de marzo, y los días jueves en abril 2024.

 

LA RATONERA

POR: Dalia De León Adams

 

 

El Instituto Nacional Helénico está por concluir en dos semanas más la puesta en escena intitulada LA RATONERA (The Mousetrap) de la escritora inglesa Agatha Christie, bajo la producción y dirección escénica de Juan Carlos Turell.

Puesta en escena en dos actos, llevada a cabo en un esplendido y majestuoso lugar, como lo es la Sala Magna del Instituto Helénico (Avenida Revolución 1500) que sirve de marco escenográfico a ésta obra teatral, imperdible.

Fue escrita por Agatha Christie y se considera la obra teatral de mayor permanencia mundial en cartel, pues desde 1952 se presentó en Londres en forma ininterrumpida hasta el 16 de marzo 2020, cuando las representaciones teatrales tuvieron que interrumpirse debido a la pandemia de COVID-19. Fue estrenada en 92 países y se calcula que hasta la fecha fue vista por más de 60 millones de espectadores.

Agatha Mary Clarissa Miller, conocida como Agatha Christie, fue una escritora y dramaturga británica especializada en el género policial, por cuyo trabajo obtuvo reconocimiento a nivel internacional. (en Wikipedia).

Recordemos que la escritora ya fallida Agatha Christie nacida en Torquay, 15 de septiembre de 1890-Wallingford, fallecería en 12 de enero de 1976 dejando un importante legado de novelas.

Sus obras tienen como rasgo común característico el contener un dejo de suspenso, en donde todos los personajes en algún momento o cuadro escénico, parecieran ser los culpables,  o por lo menos sospechosos del crimen a abordar.

En el caso de la trama de la puesta en escena de LA RATONERA el detonante de la investigación policiaca será la muerte de lo que la mente criminal llamará “los tres ratoncitos” en cuya lista inicialmente comienza con la muerte de un menor de edad, dando pie a deslindar la lista de LA RATONERA.

En el montaje escénico presentado hoy en día en El Instituto Helénico, Juan Carlos Turell aparece en escena caracterizando el rol del policía, quien es enviado a la casa de huéspedes, en un inhóspito clima de invierno, en donde la nieve mantiene prácticamente cautivos a los huéspedes, los cuales son interpretados por actores con gran histrionismo escénico, además de presentar al unísono, un hermoso coro vocal ejecutado bellamente, que demuestra su educación vocal.

El vestuario es acorde con la trama de ésta obra policiaca, cuyo referente es una región cercana a Londres en los albores del siglo XX, y qué como a-priori he mencionado, se enmarca en la Sala Magna del Instituto, magníficamente con la época a presentar. 

Acerca de la sinopsis de ésta novela policiaca, en una página en Internet se muestra el siguiente párrafo:

Cuando Giles y Mollie Ralston, un joven matrimonio, inauguran su nueva casa de huéspedes en las afueras de Londres, poco pueden sospechar que su recién estrenado negocio se convertirá por unos días en el epicentro de un macabro juego criminal con un asesino suelto entre sus clientes.

En tanto que la cartelera teatral presenta el siguiente resumen, a colación de la temática a abordar en la narrativa:

Se ha cometido un crimen en los alrededores de Monkswell Manor. El asesino anda suelto. Los huéspedes de Monkswell Manor temen por sus vidas. Ocho oscuros personajes conforman esta magnífica obra de Agatha Christie, un clásico cuyo sorprendente final ha sido el secreto mejor guardado de la literatura policiaca.

 

Finalmente cabe mencionarnos ¿Quién es el asesino? LA RATONERA se presenta en el Instituto Helénico (Avenida revolución 1500) únicamente los dos próximos días viernes.

GALA ESPECIAL EN SEMANA SANTA

POR: Dalia De León Adams

 

Ya en vísperas de La Semana Santa, el Ballet Folklórico de México anunció su próximo estreno de GALA ESPECIAL que se llevará a cabo los próximos días 30 y 31 de marzo del año en curso 2024.

Ello recordando los 65 años que el BALLET Folklórico esta cumpliendo, por presentarse en el hermoso Palacio de las Bellas Artes, tras de sus 90 años de existencia de éste último.

Recordemos como dato complementario qué por primer ocasión un día 11 de octubre de 1959 se presentó la Señora Amalia Hernández, con el que sería la Compañía más importante en cuanto a Ballet Folklórico se refiere, logrando internacionalizarse, llevando la música y danza vernácula de nuestro país al  extranjero..

Empero, en ésta ocasión, con la finalidad de posibilitar a un mayor número de espectadores de nuestra urbe, a gozar del próximo evento del Ballet Folklórico de México, éste se llevará a cabo en el Teatro Ángela Peralta de la Ciudad de México, ubicado en la calle de Aristóteles s/n en la colonia Polanco.

El evento está programado para intenta reunir al mayor número de infantes, por lo cual el Director de la Compañía, el Señor Salvador López López, en rueda de prensa junto con la Señora Viviana Basanta Hernández, su Diectora Artística, comentarían dicho objetivo.

Por ello se incluirá el número “La vida es un Juego” presentando de manera musicalizada unos Gallos, una Rueda de la Fortuna y un emblemático Diablito, en éste Teatro poseedor de una gran óptica; lugar en donde la Señora Viviana Basanta Hernández recordó con emoción haber tenido la oportunidad de bailar tiempo atrás, y tener empatía con el público. Ella es la hija de fundadora de la Compañía, es decir, de la finada bailarina y coreógrafa, Amalia Hernández

Ambos directivos mencionaron qué los boletos para cada niño tan sólo tendrán un costo simbólico de $1.00 para con ello motivar a los adultos a que lleven al mayor número de pequeñitos.

Idea surgida tras de la experiencia del Señor Salvador López López que viviera en la Unión Americana con el encuentro de personas adultas, quienes recordaban haber asistido con sus padres a ver el Ballet Folklórico de México; hecho que en la actualidad les ha hecho acudir con sus hijos para encausarles el gusto por dicho ballet artístico.

 

Empero el evento cultural no será exclusivo para niños, pues como de costumbre, incluirá varios de los números icónicos de la Compañía, como lo es “La Danza del Venado”, haciendo en ésta oportunidad gala de la Fiesta en Veracruz y la Fiesta en Jalisco, para lo cual presentarán alrededor de 50 bailarines, utilizando más de 16 cambios de los hermosos trajes regionales, oriundos de nuestro país, que siguen siendo el orgullo de México. 

SOMBRAS EN EL PARAÍSO

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

SOMBRAS EN EL PARAÍSO es una dramaturgia unipersonal que su autor, el también actor de cine, teatro y televisión, Alberto Rodríguez Estrella (Guadalajara) reconocido en el medio como Alberto Estrella escribiera para ser interpretada por la primera actriz, Ángeles Marín, bajo la dirección artística de Víctor Carpinteiro, con quien desde años atrás comparte el Foro “Circulo Teatral” hoy en día vigente y moderno.

-“SOMBRAS EN EL PARAÍSO es la historia de “Alma”, una enfermera que transforma una habitación en un minúsculo universo en donde intenta encontrar su libertad….

Una canción acompaña a Alma, una enfermera que transforma una habitación en un minúsculo universo en donde intenta encontrar su libertad.

Alma al paso del tiempo, ha acumulado más deseos que anécdotas, siempre al servicio de Doña Jose; dos mujeres condenadas a acompañarse en sus soledades.

Son los párrafos que forman parte de las aseveraciones que encontramos como semblanza de la obra teatral intitulada SOMABRAS EN EL PARAÍSO del dramaturgo Alberto Estrella, quien con su texto ha demostrado tener muy buena pluma, como comúnmente se dice en la jerga profesional artística, a aquellos escritores poseedores de gran talento.

Con su emotivo texto Alberto Estrella logra atrapar la absoluta atención del público, lo cual se logra además con el apoyo de la magnífica dirección escénica, por parte del Seños Víctor Carpinteiro y por supuesto, por la excelentemente interpretación de la primera actriz Ángeles Marín.

SOMBRAS EN EL PARAÍSO es un texto escrito bajo el género teatral de drama al que se le suman elementos de la corriente naturalista, en el sentido en que expone las circunstancias que sufre una mujer atada a su madre enferma, esclavizándose por ende a un mundo de soledad.

Personaje perfilado como una mujer deseosa de vivir, amar y gozar su sexualidad; temas expuestos totalmente sin tapujos por el escritor, quien presenta un personaje lleno de frustraciones personales, quien reprime sus deseos más íntimos y coacta su sexuales.

Así es como Alberto Estrella esboza a una mujer madura, carente de total de afecto. Su vida privada de libertad ante el desaliento de cohabitar, cuidar, sanar e incluso soportar a la persona quien la recogiera en calidad de madre, sin comportarse ella nunca, como tal.

Eso y mucho más se expone mediante el recurso actoral de un monólogo, muy bien estructurado, sin linealidad temporal, pues constantemente se recurre a retrospecciones temporales, a modo de remembranzas del pasado.

Personaje interesante con el  que Ángeles Marín se desgarra en escena, dándole vida al personaje protagónico de Alma, la mujer a quien impusieran convertirse en enfermera.

En ciertos momento escénico de la obra, la actriz Ángeles Marin se transforma de pronto en el de su madre adoptiva, lográndolo gracias a la modulación de la voz, y con la adecuación de movimientos corporales y faciales, logrando con ello simulan el cuerpo longevo y enfermo Doña Jose.

La música es un plus en éste montaje escénico que sirve para dar paso a la memoria de lo sufrido en el pasado del personaje de Alma, así como el juego de luces, las cuales permiten el efecto adecuado para éste drama singular.

 

SOMBRAS DE EL PARAÍSO se presentó el día de ayer lunes 11 de marzo del año en curso 2024 en el Teatro Sylvia Pasquel como intercambio a manera de celebración del Día Internacional de la Mujer.

 

CAMILLE CLAUDEL

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Por demás está decir qué esta obra teatral en formato unipersonal trata de una de las artistas plásticas más destacadas del siglo XIX. CAMILLE CLAUDEL nació en Fère-en-Tardenois, Francia el 8 de diciembre de 1864. Fue una escultora que además pertenecería al movimiento artístico simbolista muy reconocida solamente post-mortem.

Puesta en escena muy bien lograda del dramaturgo y cineasta Gaël  LeCornec, bajo la dirección escénica de Diego Vázquez, con la actuación protagónica de Yuriria Fanjul, quien logra una gran interpretación, entre algunos diálogos y canciones en francés, que le da un toque de credibilidad a su interpretación.

Yuriria Fanjul expone mediante un monólogo de índole biográfico, la vida difícil e injusta de CAMILLE CLAUDEL quien como es bien sabido fue recluida durante treinta años, en un manicomio tan sólo por ser un espíritu libre y manejarse abiertamente ante sus inquietudes y deseos, lo que la llevó a ser rechazada tanto por su familia, como por la sociedad secular llena de prejuicios en que le tocara vivir; suceso que finalmente la llevó hacia la muerte, como se deja saber en éste montaje escénico.

Como dato complementario le comento qué sus obras maestras hoy en día se encuentran en la Galería de Arte en Bremen y en el Museo Nacional de las Mujeres en Alemania. Entre sus obras más famosas se encuentran “Joven con una gaviota”, “Las hambrientas”, “El gran vals”,”La edad madura” y “La pequeña castellana.”

El encuentro con el destacado escultor August Rodin de 43 años con Camille Claudel a la edad de los 19, terminó siendo una relación amorosa que duraría 15 años. De él recibió gran influencia tanto en técnicas como en temática artística. Otro de los amantes de Camille Claudel sería el también destacado compositor, Claude Debussy. Ambos son mencionados dentro de la dramaturgia de Gaëel LeCornec, dando pie con ellos a que la actriz Yuriria Fanjul en algunos momentos escénicos, interactúe con el público asistente.

Todos estos pormenores y más son expresados con gran plástica actoral, bajo un toque de elegancia, en la puesta en escena ejecutado por la actriz Yuriria Fanjul quien nació en México dentro de una familia de artistas, realizando sus estudios en Londres. Yuriria Fanjul aparece en escena caracterizando el rol protagónico de CAMILLE CLAUDEL.

Ello bajo la dirección escénica del joven director Diego Vázquez.  Es una puesta en escena unipersonal, presenta mediante un interesante monólogo de índole biográfico, aún cuando mantiene la técnica de un drama propuesto bajo un doble final.

La talentosa actriz Yuriria Fanjul interpreta CAMILLE CLAUDEL expresándose en diversos momentos escénicos de la obra en un perfecto francés, lo cual le infiere a la obra teatral, mayor credibilidad en cuanto a la interpretación del personaje que como a-priori menciono, fuera oriunda de Francia.

Ésta puesta en escena, aún siendo unipersonal (como comúnmente suele suceder en los monólogos) la actriz caracteriza a la vez a diferentes personajes secundarios, dándoles vida, al modular tanto su voz, como sus movimientos corporales en las escenas. cuando es preciso.

La trama ventila las críticas de las que constantemente fue victima, así como las relaciones con otras personas que CAMILLE CLAUDEL tuvo y, que fueron de trascendental importancia en su vida, como la que sostuvo con su amoroso padre, su madre inflexible y, la hosca relación con su hermano Paul Claudel, quien trascendería en la historia del arte, como un gran escritor francés. 

La obra también tiene un dejo de modernidad que se observa en la dirección artística de Diego Vázquez, al introducir, por ejemplo un micrófono a mitad de la obra en el cual la actriz habla simulando las voces del afamado escultor August Rodin y de CAMILLE CLUADEL. Otro elemento escénico a considerar es la presentación artística del desnudo a espaldas, del torso de la protagonista, a media luz, que le da un toque de belleza y elegancia.

También la actriz Yuriria Fanjul interactúa en algunas ocasiones con el público, rasgo vanguardista que rompe la estructura clásica de la interpretación de una obra, para sacudir al espectador, quien comúnmente se mete en la temática, al cual hace consciente de que tan sólo se encuentra presenciando una interpretación artística en el teatro.

Finalmente comentaré qué ésta puesta en escena está montada en un sólo acto y cuadro escenográfico a cargo de Edita Rzewuska, en el cual se observan grandes telares los cuales con el efecto de la iluminación, cambian de tonalidad.

 

La obra CAMILLE CLAUDEL ya había sido anteriormente presentada en el Teatro “La Capilla en el sur de la Ciudad de México, y en el Teatro Benito Juárez. Hoy se presenta en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque, con funciones de jueves a domingos..

PARIS

POR: Dalia De León Adams

 

El bello recinto de la Capilla Gótica sirve de marco escenográfico a la puesta en escena intitulada PARIS, del dramaturgo Luis Miguel Osorio, bajo la dirección artística de Eduardo Reza.

Luis Miguel Osorio Martínez, le comento como dato anexo, participó en un taller de dramaturgia “Trasdrama” en el año 2014, al igual que en u taller de novela histórica, lo cual le daría herramientas para escribir su novela PARIS.

Montaje escénico que pertenece al género histórico, en tanto que la trama se desarrolla en el ocaso de la Segunda Guerra Mundial entre los años 1944-1945, cuando las tropas nazis ya habían tomado Francia, al igual que casi todos los países europeos, con excepción de Inglaterra y Rusia.

Bajo el liderazgo del dictador Adolf Hitler, la Alemania nazi se enfocó en la adquisición de un vasto y nuevo imperio de “espacio vital” (Lebensraum) en Europa.

La Segunda Guerra Mundial (también escrito II Guerra Mundial) fue un conflicto militar global que se desarrolló entre 1939 y 1945.

El 22 de junio se cumplen 80 años del principio del fin para el régimen nazi: la decisión de invadir la URSS. (anotaciones de índole histórico en la Internet).

Sin embargo los personajes y el marco narrativo en el cual se desarrolla la trama de PARIS, por supuesto son ficticios, colocando a ésta obra en términos de novela histórica, con tintes románticos, por el tratamiento escénico y el texto a desarrollar.

Es una puesta en escena en dos tiempos escénicos que presentan la música en vivo de un grupo integrado por instrumentos de aliento y teclado principalmente, quienes ejecutan música al estilo secular, tanto francesa, como estadounidenses.

Aunado a ello, se presenta el reparto estelar compuesto mayormente por mujeres, quienes presentan algunos números coreográficos y musicales, destacándose la canción francesa que canta el actor Francisco de la O, con gracia y soltura.

A manera de sinopsis, en la cartelera teatral, se presenta la siguiente aseveración con respecto a la parte medular que presenta el texto de la obra teatral PARIS, utilizando el siguiente párrafo textual:

-“La acción se desarrolla en el cabaret “Paris” en la Francia ocupada por las tropas nazis. Tras de cinco años de lucha, los alemanes aún ganan la guerra, pero todo está a punto de cambiar. Francine es la bailarina estrella del cabaret Paris, quien además realiza labores de espionaje para la resistencia francesa, también conocidos como los *Maquis* . Es entonces cuando aparece Bruno, un teniente del ejército alemán, acompañado del implacable capitán Kurt buscando información sobre los miembros de la resistencia, en especial de la mítica espía *Alberta* y todo lo que puede saber sobre el inminente desembarcoaliado, después conocido como el día *D*.”-

La obra teatral cuenta con un reparto estelar encabezado por Francisco de la O., Eduardo Reza, Pauline Tareq, Daniella Cortés, Paul Isaac Gil, Paulina Vega Garza/Laura Luna, Joyce Cherylane, Marisol Martínez de la Rosa, Jaime Botello y Karla Galván.

 

PARIS tiene dos funciones más hasta el 22 de marzo, en días viernes a las 20:00 horas en la Capilla Gótica del Centro Cultural Helénico.

 

EL VIAJE DE BRETON

POR: Dalia De León Adams

 

*Un viaje al pasado para mostrar el legado

de algunos artistas del surrealismo en la obra

El viaje de Breton.*

 

Justo es la temática que se aborda en la obra teatral EL VIAJE DE BRETÓN del dramaturgo Guillermo León, bajo la idea original y la dirección escénica de David Psalmon.

Es un montaje creativo del Colectivo TeatroSinParedes cuyo texto inicia a partir de la estancia  que en la realidad tuviera en México el francés André Breton hacia el año 1938; Recordemos qué André Breton fue el poeta y escritor francés quien es considerado como el “Fundador del Surrealismo” y uno de sus principales exponentes.

-“André Breton (Tinchebray, 19 de febrero de 1896-París, 28 de septiembre de 1966) fue un escritor, poeta, ensayista y teórico francés del surrealismo, ...

(Tinchebray, Francia, 1896 - París, 1966) Escritor francés. Participó durante tres años en el movimiento dadaísta, al tiempo que investigaba el automatismo ... (nota en Internet).

Entre sus obras se encuentran los libros intitulados Los campos magnéticos (19209), Clair de Terre (1923), Manifiestos del Surrealismo (1924), Nadja (1928), El amor loco (1937), Antología del amor (1940).

En el montaje escénico de la obra EL VIAJE DE BRETON se logra entrever los dogmas o características más relevantes en la corriente artística Surrealista, por lo cual no es de extrañar que el mismo Breton se hubiera encontrado en nuestro paíss, como se muestra claramente en escena, con pintoras como Remedios, Varo, Frida Kahlo; además del cubista y posteriormente muralista Diego Rivera y, con el activista político y también muralista David Alfaro Siqueiros, con quien por cierto, Breton discrepara en términos ideológico-políticos.

También conocería durante su viaje al padre del Teatro de la Crueldad, es decir, a su compatriota Antonin Artaud, cadmeas de haber contactado ocasionalmente con el político revolucionario ruso León Trotsky y con la chamana oriunda de chihuahua, conocida como “Pachita” de quien se dice, practicaba transplantes de órganos a través de un espíritu que la poseía, según sostenía, y que era nada menos que Cuauhtemoc, cuya traducción fuera “El Águila que cae”, el último Emperador Azteca.

El rencor y la desavenencia de Breton por el pintor surrealista Salvador Dalí, también se incluye en uno de los cuadros escenográficos de la puesta en escena de EL VIAJE DE BRETÓN de manera un tanto chuscas.

La obra presentan imágenes acorde a cada una de las experiencias vividas por el afamado fundador de Surrealismo, al cual introduce el autor de ésta obra teatral, utilizando diversos cuadros escénicos e incluso la presentación de una canción por parte de un mariachi.

El montaje escénico de ésta obra también pertenece al género surrealista, pues está plagada de elementos de la misma corriente, como lo es la presentación de varios de nuestro presidentes que van desde Calles hasta López Obrador, en donde las frases que identifican durante el sexenio de cada uno de ellos, son mencionadas, y quienes en mayoría no estaban en activo durante la estancia de Breton en México.

Obra teatral surrealista  que muestra la cabeza de Villa e incluso hasta de la misma Llorona, así como la venta del Avión Presidencial por parte de AMLO que usara el expresidente Peña Nieto, además de la presentación de Programa Televisivo de Ventaneando, entremezclándose el tiempo histórico real, lo cual no podía faltar  para plasmar a México, como el  país que André Breton considerada “más surrealista, que el mismo surrealismo”.

A manera de sinopsis de ésta obra, la compañía TeatroSinParedes muestra en cartelera el siguiente breviario al respecto del texto de Guillermo León:

-“André Breton viaja a México para dar una conferencia, pero nada sale como estaba previsto en “el país más surrealista del mundo” y se embarca en un viaje de lo más inesperado, en una sucesión de encuentros delirantes con los personajes más imprevisibles como León Trotsky, Frida Kahlo, Remedios Varo, Siqueiros, Antonin Artaud y Pancho Villa entre otros. Cuando lo que espera no puede suceder, comienza lo que debe imaginarse, más allá de la realidad. Y quien venía a “enseñar” el surrealismo termina en un viaje que revolucionará su visión y arrojará, quizás un nuevo sentido a su existencia.

El elenco está formado por Bruno Mestri, Beatriz Luna, Roam León, Erwin Veytia, Lou Bet, Itzel Tovar, Jorge Maldonado  y David Psalmon. Todos ellos en mayoría hablando algunos textos en francés y actuando espléndidamente al desempeñar diversos roles, dándole vida a variados personajes, con excepción del actor Bruno Mestri, quien interpreta al personaje protagónico de André Breton.

 

EL VIAJE DE BRETON de Guillermo León, se presenta bajo la magnífica dirección escénica de David Psalmon n el Teatro Julio Castillo del centro Cultural del Bosque (CCB)-

FUERA DE CASA SIN PERMISO

POR: Dalia De León Adams

 

Con una escenografía que simula la esquina de un lugar poco concurrido, un hombre y una mujer suelen encontrarse con cierta frecuencia. Entre ellos solamente ha habido un pacto surgido mediante un préstamo y, un beso.

¿Hasta dónde puede llegar una extraña relación de encuentros continuos clandestinos FUERA DE CASA entre una mujer casada y un prestamista? Esa es justamente la premisa a responder en ésta peculiar dramaturgia escrita por Ximena Escalante, a manera de paréntesis del texto de “Casa de Muñecas del escritor noruego Henrik Ibsen, según expresa la misma autora de éste drama.

-“Casa de muñecas (ET DUKKEHJEM) es una obra de teatro de Henrik Ibsen que se estrenó el 21 de diciembre de 1879 en el Teatro Real de Copenhague.

*He sido muñeca grande en esta casa, como fui muñeca pequeña en casa de papá. Y a su vez los niños han sido mis muñecos.*  (en Internet).

Frases que encajan en el personaje protagónico femenino, que inspiró a Ximena Escalante para matizar el perfil de su personaje femenino (Nora) en FUERA DE CASA quien deseosa de conocer otro tipo de vida, de pronto se ve enredada en circunstancias adversas, las cuales no sabe cómo resolver y que le llevarán a la búsqueda de emancipación como mujer.

Texto que es explicado de la siguiente manera por el equipo creativo de ésta puesta en escena dirigida por Ruby Tagle-Willingham:

-“Este montaje presenta uno de los encuentros de Nora, una ama de casa y Krogstad, un prestamista dedicado a los negocios fraudulentos. Cada mes se dan cita para que Nora le pague la letra de un préstamo, mismo que constituye el mayor secreto de su vida. En esta ocasión es Krogstad quien le pide un favor a ella, y lo que era una cita usual se transforma y nos devela los complejos y tortuosos lazos que han formado entre ellos.”-

Puesta en escena en un solo acto, la cual inicia con la hermosa música de un instrumento de aliento poco usual, ejecutado en vivo por su compositor, Pablo Ramírez.

La obra es un drama en la cual los personajes son matizados de manera psicológica, dejando cada uno mostrar diversos sentimientos y frustraciones acompañados por un dejo de sinceridad, que enemista aún más a ambos personajes protagónicos, quienes desnudan sus almas, uno frente al otro, avivando una serie de emociones envueltas en blanco-oscuro que permiten al espectador reflexionar sobre la condición humana, plagada de contradicciones.

 

Bajo la excelente dirección escénica de Ruby Tagle-Willingham, la obra teatral SIN PERMISO FUERA DE CASA de Ximena Escalante, bajo las actuaciones bien ejecutadas de manera histriónica por parte de los dos actores, quienes son Patricia Madrid y Everardo Arzate, la puesta en escena se presenta en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque (CCB) los días martes a las 20:00 horas.

 

LES DESERTORES

POR: Dalia De León Adams

 

LES DESERTORES. “Les” como hoy en día se intenta hacer referencia a todas las personas sin distinguir sexo o auto-identidad, ante el ideal de igualdad sin distinción de ningún especie de genero, utilizando un lenguaje que se ha ido creando últimamente, para expresión de la diversidad.

Y justamente como sugiere el título de esta obra teatral LES DESERTORES la cual no consiste en un documental, pues carece de información a nivel científica, la cual además suele se escasa.

Empero, el texto propone una visión en base a experiencias que se sugieren como personales, lo cual sustentan a través de las voces de los personajes que aparecen, cuestionando ocasionalmente al público asistente.

Por su parte el equipo creativo expresa la siguiente aseveración textual, al respecto del contenido de ésta dramaturgia surgida a través de un laboratorio de experimentación, en un taller de actuación.

-“Esta es una obra de teatro documental queer que abre la discusión de la identidad de género, el cuerpo, la disidencia, desde y con infancias y juventudes transgénero. Este ensamble queer, comparte sus experiencias al desafiar los guiones y roles de género preestablecidos que dictan como sentir, pensar y vivir. LES DESERTORES busca trascender las identidades fijas y abrir espacios para relaciones y vínculos no binarios, mutables y transespecie…

Esta puesta en escena busca imaginar nuevas formas de representarnos, cuestionando los cis-temas de representación binarios y la representatividad, visibilizando experiencias, actos de resiliencia y (re)existencia personales y colectivos de estas disidencias sexogenéricas, que han desafiado al cis-tema heteropatriarcal imperante, tanto en su expresión de género como en sus prácticas de vida.”-

Dramaturgia basada en la búsqueda de nuevas formas de representatividad en los grupos trans, que está siendo apoyada para su producción, por parte de la Secretaría de Cultura federal y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL). Obra teatral que surgió a través de la siguiente premisa, bajo la asesoría de la Directora de la Asociación de Infancias Tras, la Señora Tania Morales:

LES DESERTORES fue creada a partir de un laboratorio de experimentación teatral con infancias y juventudes trans Estx cuerps que (re)existe. Esta actividad formó parte de una residencia que ofreció L.A.S., titulada Cuerpo, género, distancias y biodiversidad, como parte del programa de Residencias Artísticas del Centro Cultural Helénico en 2023.

 LES DESERTORES es una dramaturgia escrita y dirigida por Laura Uribe, propuesta bajo el diseño de Arte de Sabina Aldana, en donde actúan Samanta Channel Cantú, Dan Escárraga, , Dan Nicolás Fonseca y Andrea Vázquez.

 

LES DESERTORES se presenta en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque (CCB) hasta el día 21 de abril 2024.

LA DUQUESA DE MALFI

POR: Dalia De León Adams

 

*Amor, Poder y Venganza*

 

Son las temáticas medulares que conforman el drama de LA DUQUESA DE MALFI. Una obra teatral que tiene como referente el ducado de Amalfi región situada en las orillas del Golfo de Salerno, en Italia,  que sirviera a John Webster Londres 1580-1633) de marco de referencia para su historia LA DUQUESA DE MALFI recreada a finales del siglo XV y los albores del XVI.

Montaje escénico presentado en dos actos, cuya obra es original del dramaturgo inglés John Webster, que a saber por la casa productora, por primera ocasión se presenta en nuestro país.

Bajo la dirección escénica de la maestra Ruby Tagle Willingham la puesta en escena refleja perfectamente la idiosincrasia secular de la época Medieval, propuesta bajo un lenguaje coloquial.

La música de Ramón Márquez y la vestimenta  de Carlo Demichelis retratan la época Isabelina, anterior a la jacobina, al igual que los peinados a cargo de Emil Rzajev que la obra de Webster sugiere.

Como marco de referencia le recuerdo qué el autor vivió entre ambos siglos marcados por dos épocas distintas:

-“La época isabelina es la era en la historia inglesa marcada por el reinado de la reina Isabel I (1558-1603), y hasta la muerte de Jacobo I en 1625. Los historiadores representan a menudo a este periodo como la edad de oro de la historia de Inglaterra.”- (en Internet)

-“La época jacobina es el periodo de la historia inglesa y escocesa que coincide con el reinado de Jacobo VI de Escocia (1567–1625), que también heredó la corona de Inglaterra con el nombre de Jacobo I.”- (en Internet)

La dirección de la maestra Tagle incluye movimientos corporales que simulan los constantes enfrentamientos entre los caballeros de las cortes europeas, enfrentamientos que no podían faltar en esta puesta en escena de corte épico y, qué a manera de sinopsis la compañía creativa presenta con el siguiente párrafo textual:

-“Puesta en escena que versa sobre los hermanos Ferdinando y el Cardenal, quienes harán todo lo posible para impedir que su hermana, la joven duquesa, se vuelva a casar, ignorando que ella lo hará en secreto. Para ello contratarán a Bósola, un melancólico rufián, para espiarla. Locura venganza y un brote de licantropía se confabulan creando una gran intriga en la corte de Malfi…”-

El elenco estelar esta formado por Paulina Treviño, Everardo Alzate, Jorge Ávalos, Daniel Martínez, José Carriedo, Sonia Couoh, Coral de la Vega, Antonio Peña, Mariana Estrada, Katya Bizarro y Juan Pablo Aguayo. Todos ellos mostrando tener gran madera de actores, por lo que el tiempo escénico de más de dos horas, corre sin sentirse, gracias también a todo el equipo creativo que conforma el drama de John  Webster.

 

LA DUQUESA DE MALFI s presenta n el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico de viernes a domingos en hasta el día 14 de abril 2024.

SÍ, ME LLAMAN MIMÍ

POR: Dalia De León Adams

 

Bajo el Libreto de G. Giacosa y L. Iliaca, con la adaptación del texto a cargo de  Andrea Parra, la obra SÍ, ME LLAMAN MIMÍ se presentó por el único día de ayer viernes 1º de marzo de éste año bisiesto, en el Teatro El Granero Xavier Rojas por parte del Estudio de Ópera de Bellas Artes, bajo la dirección escénica de Andrea Parra.

Basada en la Bohème de Giacomo Puccini cuyo título original es SI, MI CHIAMANNO MIMI la ópera alude a las siguientes aseveraciones:

-“ MimÍ responde con la historia de su vida (¿no?), "SI. MI CHIAMANO MIMÌ". Se oye a los bohemios abajo en el Café instando a Rodolfo a darse prisa. El primer acto ...”-

-“La historia se centra en el romance entre dos parejas, la primera, Rodolfo y Mimí, los protagonistas de la historia, y la segunda, Marcello y Mussetta, ambos amigos de los protagonistas”-

“-El viento apaga la vela de Mimí y, a propósito, Rodolfo apaga su vela para encontrar la mano fría de ella en la oscuridad.

“-La Bohème una de las operas más aclamadas de la historia hecha por el compositor Giacomo Puccini. “-

Con respecto a tan inminente compositor, se puede leer lo siguiente en una de las páginas de la Internet:

Fue uno de los pocos compositores de ópera capaces de usar brillantemente las técnicas operísticas alemana e italiana. Se le considera el sucesor de Giuseppe ...

Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini, más conocido simplemente como Giacomo Puccini, fue un compositor italiano de ópera, considerado entre los más grandes, de fines del siglo XIX y principios del XX.

 

SÍ, ME LLAMAN MIMÍ es una hermosa pero triste historia entre dos personas que se aman, pero que el destino se encarga de separarlos ante la presencia irremediable de la muerte, como suele suceder en la mayor parte de las obras operísticas, las cuales son presentadas a manera de drama debido a los funestos desarrollos de las tramas, que llevan comúnmente a la muerte o al suicidio.

Ópera en donde los protagonistas unen sus voces junto con los hermosos coros constituidos por los personajes de los amigos, quienes constantemente interrumpen los dialogos cantados por la pareja protagonistas.

Voces interpretadas por Hildelisa Hanguis, Gerardo Rodríguez, Lili Noguera, Jose Luis Gutiérrez, Luz, quienes aparecen en escena junto con Valeria Viveros, Alejandro Paz, Juan Marcos y Hugo Barba.

-“En una fría víspera de Navidad, en el Barrio Latino de Paris, un grupo de bohemos devienen en sus carencias. Mimi toca la puerta de u vecino Rodolfo para pedirle fuego y se desmaya porque está enferma. El viento apaga la vela de Mimí y a propósito Rodolfo apaga su vela para encontrar la mano fría de ella en la oscuridad.

Uno de los amigos de Rodolfo es un pintor llamado Marcello, quien se sorprende cuando en el Café Momus aparece Musseta, su antigua amante. Musseta está feliz de despertar deseo y admiración por su belleza cuando camina por la calle.

Ha pasado el tiempo. Mimí muy enferma habla con Marcello porque Rodolfo se ha vuelto muy celoso. Rodolfo a la vez le dice que desea separarse de ella porque se siente culpable de empeorar su enfermedad por las condiciones en las que viven. Mimí ha escuchado la conversación  y se despide de Rodolfo, pero deciden esperar hasta la primavera, paradójicamente Musseta y Marcello pelean…

 

* (Parte de la Sinopsis de la trama por parte de la compañía de Bellas Artes).

LA TERNURA

POR: Dalia De León Adams

 

Brillante y muy divertido homenaje al amor

 

Palabras textuales con las que la “Compañía Mejor Teatro” se expresa en torno a la nueva producción del Señor Morris Gilbert, ya en puerta, del montaje escénico de la obra intitulada LA TERNURA, bajo la dirección escénica de Benjamín Cann.

Obra teatral por la cual el día de ayer 29 de febrero de éste año bisiesto, se presentaron en el Restaurante Bistro Chapultepec para dar a conocer algunos pormenores con respecto a la obra LA TERNURA junto con quienes formarán el reparto estelar integrado por Mónica Dione, Alejandro Calva, Arap Bethke, Carla Medina, Pier Louis y Luisa Guzmán Quintero.

LA TERNURA es una obra teatral perteneciente al género de la comedia, original del dramaturgo español Alfredo Sanzol con tintes románticos, pincelada con algunos elementos de las icónicas obras del escritor inglés Williams Shakespeare (Stratford-Upon-Avon, Reino Unido 1564-1616), tal como lo son La Tempestad, Sueño de una Noche de Verano, Noche de Reyes, Mucho ruido y pocas nueces, y Como gustéis.

Empero LA TERNURA es una dramaturgia nueva, con rasgos contemporáneos que se entremezclan con una estructura tipo isabelina, cuyos diálogos son sugeridos a la usanza secular del siglo XVI, así como la osamenta de los personajes.

LA TERNURA  según se hizo saber, contiene un texto escrito de manera actual e inclusivo en el sentido en que presenta temas como la igualdad de géneros, la defensa de los valores femeninos, el surgimiento de lo que entendemos por nuevas masculinidades, los logros del LGBTQ+, el Pro en defensa de la ecología, e incluso el boom del arte culinario.

Todo ello constituyó aciertos en la obra de Alfredo Sanzol, por lo que le hicieron ser galardonado en el rubro de Mejor Dramaturgia con el Premio Valle Inclán, además del Premio Max por ser calificado como el Mejor Espectáculo Teatral y, por añadidura, El Premio de la Unión de Actores otorgado a la actriz Natalia Hernández, quien interpretara en el estreno de la puesta en escena LA TERNURA, a uno de los personajes secundarios.

-“Alfredo Sanzol es autor y director de teatro. Licenciado en Derecho por la Universidad de Navarra y en Dirección de Escena por la Real Escuela Superior de Arte Dramático. Miembro de la Asociación de Directores de Escena de España y de la Sociedad General de Autores.”- (nota Wikipedia).

Todo esto han hecho que el afamado productor Morris Gilbert una vez más apueste por escenificar una comedia la cual promete será además muy divertida, la cual ha traído en mente de escenificar, llegando ahora en el momento justo.

LA TERNURA se estrenará el día 21 de marzo en el Nuevo Teatro Libanés, bajo la dirección escénica de Benjamin Cann y la Producción de Morris Gilbert con su “Mejor Teatro”.

*Os vamos a contar un cuento que os atrapará de principio a fin.

Y es que pareciese un postre, que se antoja degustar

 

a plenitud.*

LOS SINIESTRADOS

POR: Dalia De León Adams

 

Bajo la dirección artística y el texto de Javier Malpica, la puesta en escena LOS SINIESTRADOS se presenta en la Titería, teniendo como reparto a la actriz Mahalat Sánchez y el actor Alejandro Navarrete, quienes interpretan una historia llena de gamas psicológicas en una historia de corte totalmente contemporáneo.

Dos primos ante una visita, se enfrentan mediante el dialogo a una serie de situaciones adversas que han vivido juntos, siendo tanto cómplices, como víctimas y autores de una serie de malversaciones en sus vidas.

Es una puesta en escena montada en dos tiempos escénicos, propuesta mediante una narrativa no lineal, plagada de retrospecciones temporales que el mismo autor utiliza para matizar el perfil de cada uno de sus personajes a presentar, plasmándolos bajo un dejo de oportunismo, argucia e irreverencia.

La obra también tiene matices de romanticismo y drama, en cuanto al manejo de situaciones que dos personas quienes finalmente no están atadas por ningún lazo consanguíneo, viven toda su vida bajo ese aprecio de parentesco.

Situaciones chuscas empero se advierten en éste especie de drama, planteado en la dramaturgia bajo tientes de humorismo negro, que envuelve a ambos personajes por igual.

Es una obra contemporánea que se recrea en la Ciudad de México, esbozando en un momento dado, el Sismo padecido en 2017, así como la manera en que las Redes Sociales han ido invadiendo la privacidad de muchos cibernautas.

Con la obra de Javier Malpica de LOS SINIESTRADOS le comento, es que da inicio el Ciclo #LasTardesDeLaTeatrería, presentada, en La Titería, las cuales empero, no serán dedicadas a los menores, sino al público tanto joven como adulto.

Acerca de la sinopsis de la trama de ésta obra teatral, perteneciente al género qué bien puede ubica en el costumbrismo, en cuanto a que refleja situaciones reales que vive y padece la urbe mexicana:

-“LOS SINIESTRADOS es una historia divertida sobre dos almas en busca de redención y amor en medio del caos urbano. La historia aborda temas como los desastres naturales, las estafas por Internet, los asuntos no concluidos y la lucha por encontrar un lugar en una ciudad implacable.”-

Y justamente esas son las temáticas medulares que aborda la trama interesante y a la vez divertida de LOS SINIESTRADOS, en donde dos almas gemelas se encuentran, no para amarse, sino para utilizarse, en donde lo que bien pudo ser amor, está en aras del oportunismo individual, más allá de los sentimientos personales.

 

LOS SINIESTRADOS de Javier Malpica se presenta bajo las actuaciones de Mahalet Sánchez y Alejandro Navarrete en La Titería (Calle Vicente guerrero, colonia Carmen Coyoacán) los sábados a las 19:00 y los domingos a las 18:00 horas hasta el 31 de marzo 2024.

VERBENA SORORA

POR: Dalia De León Adams

 

ARTES VISUALES, DANZA, CABARET, MÚSICA, STAND UP, será la programación que cubrirá el evento denomino VERBENA SORORA que la actriz y cantante Alejandra Ley tiene contemplado presentar, siendo su 3ª Edición consecutiva, bajo una propuesta multidisciplinaría que se efectuará el día sábado 9 de marzo en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

Recordemos que la pequeña que comenzó en una telenovela del Canal 2, ahora cuenta con 30 años de trayectoria, convirtiéndose en una artista polifacética, quien entre varias actividades propias del mundo del espectáculo, se ha convertido en una activista en Pro de Ejercer sus derechos como persona y como mujer.

Ahora en la VERBENA funge como productora y estrella, con el apoyo de la Dirección de Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, en un espectáculo que cuenta ya con su 3ª Edición, de manera consecutiva. 

Al respecto en el comunicado de prensa se observa la siguiente aseveración en cuanto a la BERVENA SORORA:

-“El espectáculo es un encuentro feminista trasincluyente, lleno de música, stand up, cabaret, danza, artes visuales y mucho más, que cuenta, en su tercera edición, con la participación de la performancera Erika Bulle, de Cuerpo Lab: de los grupos femeniles Las Pinups y Las Billies, las standuperas Paty Becelis y La Bea, y la compañía Gordas Expansivas Burlesqueras.

Alejandra Ley y sus amigas, en la presente edición, toman nuevamente por asalto el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris para reunir a mujeres diversas en el espectáculo hecho por y para todas las personas. “Este #9M sí nos moveremos. ¡Por nosotras! Las que luchamos , las que resistimos! Y cantamos por las que no están. ¡#NiUnaMenos! Afirma la artista, quien es la autora de la idea original y de la curaduría del espectáculo, así como del tema musical, junto con Alba Rosas.”-

El evento contará con la presencia de Kenya Cuevas, quien fungirá como una de las conductoras; Ophelia Pastrana “La Explicatriz” quien realizó el script, con la escritora y actriz Claudia Silki, con la patinadora artística Fernanda Ley, con Erika Bulle creadora de Cuerpa Lab, el Grupo Gordas Burlesqueras, las standuperas Paty Becelis y La Bea; el grupo Las Billies, la cantante rapera Audry Funk y las Pinups, integrado por Alba Rosas, Alejandra Ley, Andy Mora, Clau Arellano y Zoilé. 

Todas ellas subirán al escenario con además, la participación de Cumbia-cabaret-beat electrónico de Las Luz y Fuerza, quienes están celebrando sus 10 años de trayectoria profesional, contándose con el trabajo visual artístico de Andrea Murcia, quien le comento, ha sido galardonada con varios premios en el rublo fotográfico.

 

LA VERBENA tendrá lugar en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, el día sábado 9 de marzo 2024 a las 18:00 horas.

ARCHIPIÉLAGO

POR: Dalia De León Adams

 

Nudos que se atan y desatan en el seno de una familia en donde la reconciliación real y emocional pareciera muy distante de ser realizables por las situaciones dolorosas causadas en un pasado común, que une y separa a la vez a cuatro hermanas.

Esto y mucho más, constituye la dramaturgia intitulada ARCHIPIÉLAGO, muy ad-hoc a la temática a tratar como parte medular del texto, pues de manera metafórica ARCHIPIÉLAGO cuya definición es expuesta en un momento de la obra significa:

Un archipiélago es aquel conjunto, generalmente numeroso, de islas agrupadas en una superficie más o menos extensa del mar. Estas islas se encuentran cercanas entre sí y pueden tener su origen de diferentes maneras, y por eso hay varios tipos. (en Wikipedia)

Para Sandra Burgos precisamente constituyen las hermanas a presentar en su obra, en la cual muestra a la agrupación familiar, cercana aparentemente, pero muy distantes, perfilando la autora a cada uno de sus personajes, de una manera cuadrada y definida en cuanto a perfil psicológico se refiere.

Un pasado las une por la ausencia de la madre que continúa pesando como un lastre en la vida personal de cada uno de ellos, manteniéndolas lejanas y aparentemente, ausentes de amor filial.

Una Navidad como podría ser cualquier otra, sirve de referente a la escritora para romper con no tan sólo la cotidianidad sino, para vencer la adversidad en aras de un suceso inesperado.

ARCHIPIÉLAGO, obra original de Sandra Burgos, la cual presenta a personajes rotos y conflictuados, mediante una narrativa no lineal, pues constantemente recurre al recurso de las retrospecciones temporales, para lograr encajar cada situación y reacción de sus personajes., en sus distintos cuadros escénicos

-“ARCHIPIÉLAGO expone a una sociedad que ha crecido sin herramientas para vincularse de una manera sana y es una reflexión a la reconciliación familiar.-

ARCUIPIÉLAGO es la historia de cuatro hermanas que fueron abandonadas por su madre cuando eran niñas. Este incidente las marcó de tal forma que ahora, de adultas, les es difícil consolidar sus propias familias y reconciliarse entre ellas y con ellas mismas.

Son un ARCHIPIÉLAGO: están cercadas, pero sin relación. Son islas luchando sus propias batallas contra sus propios demonios. Galya, la menor, tras de haberse encontrado el diario secreto de su madre, se jugará su última carta para unir al ARCHIPIÉLAGO de los González en una cena.

Dirigida por Valeria Febbi, la obra teatral de Sandra Burgos presenta el reparto estelar compuesto por Sophie Alexander-Kats, Viridiana Olvera, Pilar Ixquic Mata, junto con los actores Manuel Cruz Vivas, César V. Panini, Roberto Cazares/Andrew Lenan Rogers y el infante Antuan Trejo.

 

ARCHIPIÉLAGO escrito a manera de drama, es la puesta en escena de Sandra Burgos que Usted podrá ver en el Foro Shakespeare en días miércoles y jueves a las 20:30 horas, hasta el 25 de abril.  

STAND DE LA UAM -Feria del libro-

POR: Dalia De León Adams

 

Como ya es de costumbre, cada año se realiza en nuestra Ciudad de México “La Feria Internacional del Libro”, en donde importantes casas editoriales y Universidades Editoras de nuestro país, comparten un espacio para dar a conocer sus nuevas publicaciones abarcando todo género de investigaciones en Ciencia,  Arte y las distintas Asignaturas en General.

Por dicha razón es que la UNIVERSIDAD AUTÓNOMA METROPOLITANA (UAM) ha incluido en el “Palacio de Minería, en donde a partir del día jueves 22 de febrero 2024 se está presentando tan prestigiada Feria del Libro, un Stand, el cual fue inaugurado recientemente por la Doctora Yissel Arce, quien funge como Coordinadora General de Difusión Cultural.

Así fue como distinguida Doctora cortó el listón rojo, tan tradicional en dichos eventos, con sus tijeras para dar paso a tal momento tan emotivo, como lo es el de la Inauguración del STAND DE LA UAM.

Ello en presencia de su Rector, el Doctor José Antonio de los Reyes Heredia y la Doctora Freja Cervantes Becerril, entre otros Catedráticos y Coordinadores de la misma prestigiada UNIVERSIDAD AUTÓNOMA METROPOLITANA.

Evento que se celebró en el margen de las 16:00 horas, tras de las palabras dirigidas hacia los presentes por parte de su Rector, el Doctor José Antonio de los Reyes Heredia, ya mencionado a-priori, quien comentara con algunas palabras más, el siguiente discurso:

-“Esta es una Exposición muy importante porque estamos concurriendo con los libros qué justamente son el espejo de la cultura, que se desarrolla en la UNIVERSIDAD AUTÓNOMA METROPOLITANA, y también de la generación de nuevos conocimientos en las distintas asignaturas, así como temas que actualmente aborda la Casa Abierta al Tiempo.

Además nos encontramos muy contentos de Celebrar los 50 Años de Vida de la Editorial. Desde su fundación en 1974, ha respondido a lo que en su Ley Orgánica en ese momento se decretó, y que es el estar acompañando a las necesidades sociales de éste país.”-

La Casa editora de la UNIVERSIDAD AUTÓNOMA METROPOLITANA se vistió así de gala ofreciendo además algunos ejemplares de su autoría editorial, tras del registro y entrega de kits a la prensa.

Finalmente le comento lo expuesto la Internet con respecto a tan inminente Feria:

La Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería (FILPM), llega a su 44 edición. La Feria es organizada anualmente con el objeto de dar a conocer a la ...

45 Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería Del 22 de febrero al 4 de marzo de 2024 ; ORGANIZA: Facultad de Ingeniería de la Universidad Nacional ...

Palacio de Minería, Tacuba 5. Centro Histórico CP 06000, Cuauhtémoc, Ciudad de México Teléfonos.: 55 5512 8723, 55 5521 4687.

 

 

 

*Y como dato anexo, ya que estamos hablando de libros, le diré qué LOGIA LA FLOR DE LIS del maestro, novelista, dramaturgo, periodista, acupunturista e ingeniero, entre otras cosas más, el Señor Benjamín Bernal, ya se encuentra en Amazon.

GRAMMA, GEOMETRÍA DEL ENCENTRO, EL CUERPO COMO GENERADOR DE DISCURSOS POÉTICOS.

POR: Dalia De León Adams

 

Teniendo dos únicas funciones en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, la propuesta de Danza Contemporánea GRAMMA se presenta con un proyecto estético, inspirador y propositivo, por parte de un grupo juvenil entusiasta, el cual  en base a movimientos entre lúdicos y dancísticos, logra compartir una gama de sensaciones de diversas gamas emotivas, aunados a la música electrónica en vivo.

GRAMMA, GEOMETRÍA DEL ENCUENTRO, EL CUERPO COMO GENERADOR DE DISCURSOS POÉTICOS es justo lo que sugiere su título, movimientos corporales que se realizan ante un anhelo de gestar un discurso corporal que proyecta poesía.

Proyecto escénico que lleva por nombre “Plataforma PM”. Y, ¿Quiénes son?, ¿De qué se trata?, ¿Qué proyectan? Tal vez Usted se cuestione:

-“Plataforma PM es un proyecto interdisciplinario que presenta la propuesta GRAMMA: GEOMETRÍA DEL CUERPO, ópera prima coreográfica de gran formato del artista multidisciplinario y Director escénico Mauricio Rico.

*El cuerpo es capaz de generar discursos poéticos* es la premisa de la que parten Rico y el dramaturgista Antonio Salinas. La Puesta alternativa ….

GRAMMA : GEOMETRÍA DEL ENCUENTRO se alimenta de elementos del teatro contemporáneo, la danza y el performance. En un principio-dice el coreógrafo- la pieza surgió del estudio de la figura geométrica del eneagrama y su derivación al ámbito de la psicología conocida como Eneatipos de la Personalidad, sistema de clasificación utilizada como herramienta de autoconocimiento, el cual divide las personalidades en nueve tipos (el reformador, el ayudador, el exitoso, el individualista, el investigador, el leal, el entusiasta, el investigador, el leal, el entusiasta, el desafiador y el pacificador).”-(Párrafo informativo de la Difusora Sandra Narváez)

Así es como van surgiendo en el escenario cuerpos radiantes de emotividad poética, que sugieren con sus movimientos dancísticos al irse desplazando la mayor de las veces entre luces tenues y música rítmica sonora, apacible en breves momentos, que descubren los pasos cadenciosos con trajes variados y coloridos que culminan en el negro de los atuendos.

Son un grupo de bailarines que giran, se derrumban, atraviesan y continúan su recorrido en el escenario, rodeados del público espectador, quien puede seguirlos físicamente, o tan sólo con la mirada, mientras la coreografía rítmica, o suave  en otrora, culmina en movimientos un tanto bruscos, un tanto elegantes.

-“La pieza se divide en nueve capítulos, que a modo de caleidoscopio, durante 70 minutos, lleva al espectador por los vicios y virtudes de lo humano, por los cuales lo superficial y lo profundo se toman de la mano para danzar en un ritual contemporáneo en el que la geometría, la moda, la fiesta y lo sagrado se atraviesan para invitar al espectador a la celebración, explica el autor.

No se cuenta una historia lineal –Explica Mauricio Rico- porque no es una representación en el sentido estricto, sino cuerpos que generan un propio idioma de comunicación, diseñado para conectar desde el movimiento y la mirada, una lectura abierta para el espectador.

Bajo la dirección coreográfica de Mauricio Rico se presentan los bailarines en escena Ana Paula Ricalde (quien además guía con su voz, mientras transcurre uno de los cuadros coreográficos), Dionisia Isadora, Nancy Arroyo Toledo, Sebastián Dante, Luis Ángel Cerón, Meraqui Pradis, Juan Pablo Zavala, José Ángel Rochín, Claudia Guerrero, Erandi Mondragón y Daniela Plaza.

Todos ellos portando atuendo diversos y mayormente coloridos, diseñados por María Ponce, que los bailarines adosan mientras surgen los movimientos inspirados también por la música original de Sebastián Espinosa y Alejandro Ávila, bajo el dispositivo escenográfico y de iluminación de Sergio Écatl.

 

GRAMMA: GEOMETRÍA DEL ENCUENTRO, EL CUERPO COMO GENERADOR DE DISCURSOS POÉTICOS se presenta con dos únicas funciones en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, los días 22 y 23 de febrero 2024.

REVENTADAS

POR: Dalia De León Adams

 

Dramaturgia escrita por los uruguayos Fernando Schmith y Christian Ibarzaba, la cual está siendo puesta en escena en el Teatro La Capilla a partir del día de ayer, martes 20 de febrero 2024, bajo la dirección artística de Pilar Boliver y Ana Karina Guevara, siendo esta última quien además actúa junto con la actriz Gicela Sehedi.

REVENTADAS es un montaje en un solo tiempo y cuadro escenográfico en donde se ubican dos muebles con su espejo y banco al estilo de tocador, con cuatro lockers de donde cuelgan unos disfraces de Cenicienta y la Hada Madrina cuyo concepto escenográfico es  creado por Pilar Boliver, en coordinación de Mano Noriega.

Trajes icónicos del cuento que los dos personajes protagónicos femeninos utilizarán para actuar a manera de meta-obra,  en dicha obra infantil de Walt Disney, planeada en un Centro Comercial.

Uno de los personajes abraza su oficio en miras de no ser desempleada y gozar de un sueldo ya estipulado con la empresa encontrándose, quien se enfrenta en el camerino  con una mujer madura, seria, poco empática, quien resulta tener un objetivo personal muy peculiar para asistir a colaborar en dicha función.

Así surgirá de pronto una conversación entre ambas mujeres, la cual se tornará un tanto antagónica y difícil, mientras esperan la llegada de quien será la persona quien interprete al Príncipe Azul del Cuento.

Los diálogos son coloquiales con uso constante de palabras altisonantes, inmersos en una narrativa de tipo lineal cronológico, es decir no existe uso de retrospecciones temporales, sino tan sólo algunas remembranzas del pasado en el caso del personaje protagónico maduro.

Escrita con un dejo de risibilidad ante situaciones adversas, la obra tiene como referente la época actual, en donde dos aparentes mujeres sencillas, compartirán más allá de lo que es un camerino.

-“Una ácida comedia, en la que dos mujeres diametralmente opuestas se encuentran en el vestidor del exclusivo Centro Comercial Plaza Cuarzo, donde van a participar como personajes en un espectáculo basado en un cuento infantil. Mientras ellas se disfrazan, se van conociendo e intimando, hasta revelar su verdadera ideología y las poderosas razones para haber aceptado este bizarro trabajo.”- (nota en cartelera teatral)

REVENTADAS inició con el pie derecho, pues se presentó tanto público deseoso de presentar ésta comedia dirigida por la maestra Pilar Boliver, que algunas personas no lograron en el estreno, su entrada.

 

REVENTADAS es una comedia hilarante  que se presenta a cargo de la Compañía “Aladas Escénicas” SA de CV, en el Teatro La Capilla con funciones los días martes a las 20:00 horas.

EL HOMBRE ELEFANTE

POR: Dalia De León Adams

 

Puesta en escena por demás emotiva, y llena de matices que contrastan en dicho sentido, pues basada en un hecho real, la obra presenta a un ser deforme, quien sufre y padece al extremo, sin perder la capacidad de goce ante pequeñas acciones de la gente que le rodea y, momentos que la vida le ofrece en el ocaso de su vida.

Es un montaje escénico basado en torno a un caso clínico que fue real, en donde un joven de tan sólo 21 años padecía de malformaciones degenerativas, que se gestara en un síndrome sin cura alguna.

La obra presenta como referente el año de 1884 en Inglaterra, momento en el cual, un eminente Médico londinense conoce a través de un Circo, a tan peculiar persona, cambiándoles la vida a ambos en ese encuentro.

-El hombre elefante (The Elephant Man) es una película britanoestadounidense de 1980 basada en la historia real de Joseph Merrick, llamado John Merrick en la película.

Un médico rescata a un hombre deformado del circo en esta adaptación sobre la vida de John Merrick de David Lynch.”- (nota en Internet).

Largo metraje que tal vez Usted recordará por el furor que causó. Fue dirigido por David Lynch, quien llevó la historia presentada por Frederick Treves y Ashley Montagu a recibir las nominaciones en los rublos de Premio Óscar al Mejor Actor, Premio Óscar a la Mejor película, obteniendo , entre otros más. Finalmente la Película obtendrá el Premio Óscar al Mejor Director.

 

En ésta ocasión en México bajo la dramaturgia y dirección del francés Antoine Chalard, se esta presentado EL HOMBRE ELEFANTE en el Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández, a través de la Compañía Teatral “Midi” junto con la Coordinación Nacional de Teatro, bajo la producción de La Secretaría de Cultura y El Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).

 

A colación de la obra, su director y dramaturgo Antoine Chalard, como ya le he mencionado a-priori, comentaría con respecto a haber presentado en ésta ocasión la obra teatral EL HOMBRE ELEFANTE, la siguiente aseveración:

 

-“Llevar hoy esta historia en el escenario, es defender una vez más el derecho a la diferencia y a la indiferencia. Es, desde el punto de vista didáctico, reafirmar  que una discapacidad esconde a menudo muchas riquezas y que la monstruosidad es muy relativa. Pero, antes de todo, es contar una historia magnífica que parece condensar todas las emociones humanas y que ofrece un desarrollo dramático lleno de sorprendentes.”- (en boletín de prensa).

 

Compañía Teatral “Midi”que ha tenido a bien presentar la siguiente Sinopsis en la cartelera teatral

 

-“En Londres de 1884 el entusiasmo de la población por los monstruos llegó a su pico más alto. El más famoso entre ellos fue sin duda Joseph Merrick, alias EL HOMBRE ELEFANTE, exhibido como una bestia por sus deformidades extraordinarias. Su encuentro con el Doctor Treves, un inminente cirujano le devolverá la fuerza para vivir”.-

 

Puesta en escena escrita a manera de melodrama, adaptada y presentada por Antoin Chalard en un solo acto escénico, que tiene como reparto estelar a los actores Gabriel Betancourt, el mismo Antoin Chalard, Florent Malburet, Leopoldo Bernal y Esperanza Penagos.

 

Elenco el cual se presenta con la Compañía “Midi” cada año trayendo distintas propuestas escénicas, muy interesantes, a nuestra Ciudad de México, como hicieron mención tras concluir la función.

 

Todos ellos, le comento, son magníficos actores, quienes en ésta ocasión se presentan en el escenario adosados a la usanza secular, para abordar la trama que acontece en la Ciudad de Londres, entre los años de 1884 a 1886, utilizando maquillaje, sombreros, capas y máscara e utilería acorde, logrando con ello llevar de la mano al público espectador, sumergiéndolo en éste drama singular denominado EL HOMBRE ELEFANTE.

 

 

EL HOMBRE ELEFANTE tiene funciones de jueves a domingos en el Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández, hasta el día 3 de marzo del año en curso 2024.

(No tan kosher) VA DE NUEZ

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Es una puesta en escena que inicialmente se presentó bajo el título de “No tan Kosher” cuya frase hace referencia a los alimentos o nutrientes qué de manera ortodoxa la comunidad judía podía incluir en su dieta diaria.

Nuevamente ha regresado pisando escenario en el Teatro Varsovia, bajo la dirección de Daniela Pavia

Montaje escénico que consiste en un compendio de varios teatros breves, es decir en la presentación de cuatro historias que presentan algunas de las costumbres que siguen manteniendo la comunidad hebrea en México, como son los Yidish y los Sefaradíes.

-“Los sefardíes fueron los judíos que vivieron en la Corona de Castilla y la Corona de Aragón hasta su expulsión en 1492 por parte de los Reyes Católicos. Sin embargo, los judíos es la etnia más antigua de todas.-

-“El yidis, yiddish (ייִדיש yídish, pron. ['jidiʃ]) o ídish (אידיש ídish), también conocido como judeoalemán, es un idioma perteneciente a las comunidades judías asquenazíes tanto del centro como del este de Europa, y sus emigrantes y descendientes en Israel, el continente americano y otros lugares del mundo.”- (página Web)

Como es de todos bien sabido, los judíos en diáspora han logrado mantener tanto su idiosincrasia, como idioma, su religión y sus costumbres al margen del resto de las comunidades y sociedades entre las cuales se encuentran inmersos en la actualidad.

Y es precisamente de algunas de estas normas socio-culturales, que trata la temática de la obra. Sólo que vistas desde una manera un poco chuscas o exageradas, rasgos que vistos de esa manera, arrancan las carcajadas de los espectadores, quienes disfrutaron VA DE NUEZ (especialmente de quienes conocen o participan de dichas costumbres)

En los años 2015 y 2016 la misma productora y el mismo equipo técnico de la Fundación Teatral Davar, ya habían presentado la obra teatral bajo el rublo de SUCEDIÓ EN POLANCO en el Foro Shakespeare.

La dramaturgia continúa escrita bajo la misma tónica,  es decir, el presentar varias historietas que hacían gala o ventilaban algunos de los rasgos culturales judaicos, bajo textos sencillos que se maquillaron con un toque de risibilidad, al igual que NO TAN KOSHER.

En total son cuatro mini-obras presentadas en veinte minutos cada una de ellas, denominadas “Teatro Breve”; la primera se llama “La Azotea” y es original  de José Appo, al igual que la obra titulada “La Fuga”.

 Otro montaje escénico que comprende VA DE NUEZ es el de “Ojo por Ojo” escrita por Jacobo Levy; en tanto que “La Prueba” se encuentra bajo la autoría de Hugo Yoffe, quien además es el productor artístico de la obra teatral.

Son solamente cuatro actores quienes se presentan en escena interpretando a diez diferentes personajes, haciendo para el buen resultado de esto, rápidos cambios de vestuario tras bambalinas.

Le comento qué cada una de ellas aborda diferentes temáticas, y tan sólo tienen una línea escénica común, en cuanto a que comparten la misma musicalización y no así, una línea temática a abordar en común.

Las cuatro se encuentran bien escritas y bien estructuradas, reflejando el pensamiento judío como a-priori he mencionado, sin embargo, cada una de ellas presentan una temática diferente, siendo una escrita en torno a la manera en que se inmiscuye la servidumbre, quienes se preguntan el ¿por qué sus patrones no comen jamón? ésta vista como una constante que puede alcanzar y modificar la vida de terceras personas; la segunda penetra en la difícil intimidad de una pareja cuyo novio es judío y la novia católica; la tercera pone en evidencia la rivalidad que en algunas ocasiones se gesta entre hermanos por los celos o envidias entre éstos; finalmente la cuarta dramaturgia hace manifiesto el sentimiento del posible contacto del ser humano y lo divino mediante sueños y señales.

Todas ésta cuatro breves puestas en escena son manifiestas bajo la constante hebrea del significante de NO TAN KOSHER, y Usted seguramente se preguntará, pero ¿a qué se refiere? Al respecto el programa de mano, así como el inicio introductorio a la obra mencionan literalmente:

-“ El termino KOSHER de acuerdo con la ley judía se usa para denominar a aquellos alimentos aptos para su consumo ya que se ajustan a las leyes derivadas principalmente del Levítico y Deutoronomio. Coloquialmente ese término también puede ser utilizado para referirse a acciones y actividades consideradas como apropiadas –KOSHER-o, en su caso, no tan apropiadas –NO TAN KOSHER-

 

En el reparto estelar  de VA DE NUEZ  esta compuesto por los actores Astrid Mariel Romo, Carlos Ordóñez, Ana Isabel Esqueira y Hamlet Ramírez. Se presentan en el Teatro Varsovia (Calle Varsovia 9, colonia Juárez, Cuauhtémoc, Ciudad de México).

LEONARDO

POR: Dalia De León Adams

 

Interesante y peculiar puesta en escena, del monólogo intitulado LEONARDO; ello no tan sólo porque se exponen algunos de los momentos más trascendentales de la vida y obra del pintor Leonardo da Vinci, sino también por la manera de ser representada por  talentoso dramaturgo e interprete Rodrigo Murray, quien posee grandes tablas y dotes histriónicos actorales, aunado a una escenografía escultórica, lo cual es otro acierto y plus en el montaje escénico.

Diseño escenográfico creado por el maestro Carbajal, quien presenta una enorme construcción a base de grandes piezas de colores que al moverlas se van modificando acorde a los acontecimientos narrados e interpretados por Murray, quien las transforma, aún cuando sugieren visualmente tener una masa muy pesada.

La obra es un parte-aguas de dos historias y tiempos paralelos a escenificar, en donde el actor protagónico, representa al afamado pintor, científico, inventor e ingeniero, entre otras cosas, Leonardo da Vinci, a la vez qué de manera paralela caracteriza a un actor de la época actual.

El perfil de Leonardo da Vinci lo logra acomodando en su cabeza de manera rápida una peluca, y por supuesto una barba a la usanza secular del afamado pintor italiano, potando para ello, una vestimenta usual en la época renacentista, que sugiere de inmediato el referente de la obra, que es la Italia del siglo XVI.

Leonardo da Vinci, (15 de abril de 1452-Amboise, 2 de mayo de 1519) fue un polímata florentino del Renacimiento italiano. Fue a la vez pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo, botánico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista.-(párrafo WEB)

Implementos del vestuario que retira el actor con destreza, para dar vida de manera inmediata,  a un actor a punto de ser desempleado, quien pretende hacer (a manera de meta-obra) una puesta en escena en donde caracterizará al célebre Leonardo da Vinci.

Rodrigo Murray con su magnífica interpretación, da vida a otros personajes más, modulando su voz para simular tesituras tanto femeninas, como masculinas, apoyado por la plástica actoral con movimiento corporales y faciales, según sea la escena o cuadro a representar.

Le comento que su actuación gustó tanto al público, de tal modo que los espectadores le ovacionaron de pie, inicialmente al presentarse en el Teatro Helénico, ante lo cual Murray reaccionó con gran emotividad, pero sin perder la sencillez que le caracteriza.

Hoy en día se ha estado presentando en el Teatro Xola, también con gran impacto y según testimonio que diera su autor e interprete tiempo atrás, pretende escenificar su obra LEONRDO, más allá de fronteras mexicanas.

La Sinopsis de ésta obra es presentada en cartelera teatral con las siguiente palabras textuales:

-          A 500 años de nacimiento de Leonardo da Vinci, los que habitamos el planeta seguimos maravillados por la capacidad inventiva y creativa que desarrolló durante toda su vida. En 75 minutos Rodrigo Murray nos lleva de la mano por la Italia renacentista y nos trae de regreso al convulso siglo XXI, mientras interactúa con Leonardo 4, la monumental pieza diseñada por el arquitecto Enrique Carbajal (mejor conocido como Sebastián).

La obra teatral LEONARDO resulta ser muy ilustrativa para el público tanto infantil como adulto, pues Rodrigo Murray aporta datos, tanto de fechas, como lugares y personajes importantes seculares, que formaron parte de la vida del pintor.

Finalmente le comentaré qué éste montaje teatral de LEONARDO, se logra en tan sólo un cuadro y tiempo escenográfico, en donde los dos personajes protagónicos lograron ser escenificados a la vez, bajo la mágica pluma de su dramaturgo, director y actor, el Señor Rodrigo Murray.

 

LEONARDO, Arte Teatro, esta por concluir temporada en el Teatro Xola Julio Prieto el próximo domingo 18 de febrero a las 13:00 horas.

ASÍ DE SIMPLE

POR: Dalia De León Adams

 

Muy ad-doc con el mes del amor y la amistad, se presenta la obra teatral ASÍ DE SIMPLE. Una puesta en escena con un texto que aborda el amor de la pareja, como hoy en día lo viven los jóvenes, sin ataduras ni compromisos reales.

Y cabe aquí cuestionar ¿Qué paralelismo existe con las parejas de antaño, si es que lo hay? Empero a la época de la cual se trate, el amor sigue siendo intenso, con una fuerte atracción sexual que se presenta entre ambos, con la necesidad que se va creando en aras de una convivencia diaria, pero siempre, con una dosis de celos que inicialmente une, pero que termina por fracturar cualquier relación que la encumbra.

Todo esto y más, forma parte de la comedia ligera de ASÍ DE SIMPLE, la cual tiene la peculiaridad de presentar a tres personajes a la vez, protagónicos femeninos y, tres masculinos, los cuales en conjunto hacen las veces de una sola pareja sentimental; es decir los actores Bárbara Falconi en el rol de Clara, y Enrique Montaño, estelarizando a Joaquín.

Sin embargo, cada uno de ellos se presenta en el escenario junto con dos actores más, quienes caracterizan la parte interna Pro positiva, y negativa emocional, de cada uno de los personajes, quienes están por finalizar un romance; son los personajes secundarios interpretados por los actores Flor Benítez, Lorena del Castillo, Juan Pablo Rocha y Ricardo Baranda.

ASÍ DE SIMPLE esta escrita por Sofía González Gil e Ignacio Bresso, bajo la dirección escénica de Jorge Seleme, cuya sinopsis en cartelera menciona qué los personajes protagónicos inicialmente se presentan en el escenario con miras de una separación. Posteriormente en el escenario se mostrarán las causas o razones para dicha determinación.

Texto que se logra mediante diversas escenas que muestran retrospecciones temporales propuestas en un sólo tiempo y cuadro escenográfico, en el cual se simula el departamento de Joaquín.

Y finalmente le comentaré que tanto los personajes protagónicos, como los personajes secundarios, en cuanto a su respectivo género sexual son adosados exactamente con la misma vestimenta, para que el espectador logre ver a las tres actrices, como una sola persona, sucediendo lo mismo con los tres actores masculinos. Aunado a ello, los movimientos que ejecutan ocasionalmente refuerzan la intencionalidad.

 

ASÍ DE SIMPLE se presenta en su 6ª Temporada se presenta los días martes en el Teatro Xola, ubicado en la Avenida Xola-

 

LA QUINTA DEL SORDO

POR Dalia De León Adams

 

En el marco del  60º Aniversario de la compañía  “Odín Teatret” se escenificó el día de ayer 7 de febrero 2024, la obra biográfica recreando la vida  de uno de los íconos  del arte pictórico español, me refiero al pintor Francisco Goya.

-Odín Teatret fue creado en Oslo, Noruega, en 1964 y se trasladó a Holstebro (Dinamarca) en 1966, cambiando su nombre a Nordisk Teaterlaboratorium/Odin Teatret. En diciembre de2022, El Odin Teatret abandonó el Nordisk Teaterlaboratorium/Odin Teatret para continuar de forma autónoma con sus actuaciones y actividades culturales en Holstebro y en el extranjero.

Odin Teatret ha recreado hasta el momento 81 espectáculos dirigidos por Eugenio Barba, representados en 65 países y diferentes contextos sociales. En el transcurso de estas experiencias, ha crecido una cultura específica de Odin, basada en la diversidad cultural y la práctica del “trueque”: los actores de Odin se presentan a través de su trabajo a un entorno particular que a cambio, responde con canciones, música y danzas de su propia tradición local. El trueque es un intercambio de manifestaciones culturales y ofrece no sólo una visión de otras formas de expresión, sino que es igualmente una interacción social que desafía los prejuicios, las dificultades lingüísticas y las diferencias en el pensamiento, el juicio y el comportamiento. (nota del boletín de prensa del INBAL, dirigido por Raúl Arce).

El elenco está formado por Else Marie Laukvik, Rina Skeel y Ulrik Skeel, bajo la dirección escénica de Eugenio Barba, siendo la dramaturgia de éste último y de la actriz protagónica ya mencionada, la Señora Else Marie Laukvik, una muy talentosa actriz.

En el texto se utiliza la narrativa como recurso escénico, con un discurso en el cual se mencionan algunos de los pormenores de la vida íntima del pintor Francisco Goya.

La actriz y co-dramaturga Else Marie Luakvik interpreta a los personajes femeninos narrando y cantando acompañada por la música en vivo que ejecuta el también actor Ulrik Skeel mediante un instrumento de cuerda.

La puesta en escena presenta algunos cuadros o impresiones de pinturas que formaran parte de la producción pictórica de Goya, como parte escenográfica (y de tramoya), dando un toque de mayor acercamiento a los hechos Biográficos a presentar.

La vestimenta incluye algunas túnicas que nos remonta a épocas pasadas de la Europa de los siglos XVII y XVIII, durante el reinado español de los Borbones Carlos, III, Carlos IV y del rey Federico, bajo el tutelaje Inquisitorio establecido secularmente y una guerra que el mismo Goya plasmara en algunas de sus obras.

Recordemos qué Francisco José de Goya y Lucientes nació en Fuendetodos, España en 1746 y moriría en Francia en el año de1828. Fue uno de los más grandes artistas plásticos, internacionalmente reconocido. Vivió en la corte real y al final de su vida enloqueció, tras de haber quedado sordo e invidente.

El texto de Eugenio Barba y Else Marie Laukvik, muestra además de los datos anteriores, su vida amorosa, en donde una mujer llamada Cayetana, la Duquesa de Alba tuvo u lugar preponderante, además de su esposa y su amante Leonora Zorrilla con quien procreara una hija.

LA QUINTA DEL SORDO Puesta en escena en un solo cuadro en el cual sus actores muestra tener gran talento en el arte actoral, y quienes además se desenvuelven con gracia y frescura en el escenario.

LA QUINTA DEL SORDO es un montaje escénico que fue presentado por La Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) a través de la Coordinación Nacional de Teatro y el Laboratorio de Artes Escénicas Jersy Grotowski.

 

 

 

MARINA & ISABEL

POR: Dalia De León Adams

 

MARINA & ISABEL es una puesta en escena de la dramaturga Bárbara Colio, quien sin importarle exponer su pluma de escritora, escribió esta obra teatral con tintes del género Biográfico, en donde dos grandes personajes femeninos quienes en la realidad tuvieron un papel preponderante durante el llamado “Encuentro entre Dos Mundos” son ubicadas ahora por la autora, en la época actual, haciendo un juego competitivo de palabras y diálogos retóricos entre sus dos personajes protagónicos, yendo mucho más allá de lo históricamente establecido.

Pero, ¿quién es Marina? Tal vez Usted se pregunte aún. En 1519, fue una de las 19 mujeres esclavas dadas como tributo a los españoles por los indígenas de Tabasco, tras la batalla de Centla. ... Jugó un papel trascendental…

Por otro lado –“Isabel I de Castilla (Madrigal de las Altas Torres, 22 de abril de 1451-Medina del Campo, 26 de noviembre de 1504) fue reina de Castilla desde 1474 hasta 1504, reina consorte de Sicilia desde 1469 y de Aragón desde 1479, por su matrimonio con Fernando de Aragón. También ejerció como señora de Vizcaya”-. (Notas en Wikipedia)

MARINA & ISABEL es la puesta en escena dirigida por su creativa Bárbara Colio, quien aparece por primera vez en uno de sus montajes escénicos mediante unas imágenes multimedia.

Colio se inspiró justo en el difícil paso del Corona Virus, que azotó al mundo en momentos de encierro e incertidumbre, y escribiría sin saber qué una vez más sería un gran acierto en su producción dramatúrgica.

En opinión al jurado: -“es una obra que actualiza mitos fundacionales de la cultura iberoamericana de manera original y arriesgada. Destacamos su versión de figuras históricas a través de una marcada ironía y un humor iconoclasta.-

Aseveración que la hizo ser galardonada con el Premio Nacional  “Oscar Liera” en 2021, como según hizo saber la misma autora. En su obra pincelada con características muy humanas; dos mujeres inmersas en la cotidianidad de un día cualquiera. Ello sin hacer a un lado datos reales recabados en la historia en torno a éstas dos importantes figuras.

-“Un encuentro imposible que la ficción hace posible. Isabel (La Católica) es la directora de una empresa trasnacional. Esta es la primera vez que visita la sucursal mexicana, en la otra mitad del mundo. Sin que nadie se entere, ni Cortés, Isabel se entrevista con Marina (Malinche) la obrera que ha logrado ser la líder y traductora de los trabajadores que amenazan con una huelga, poniendo al mundo en juego.

MARINA & ISABEL rompe la tradición de éstos dos personajes históricos y los instala en el aquí y ahora, en éste mundo voraz de producción mercantil, en este frágil mundo a punto de colapsar por un virus indescifrable. Y rompe también con el teatro, en el confinamiento, la autora dudó en terminar esta obra y os personajes lo saben, por lo que unidas y con más fuerza que nunca, emprenden su propia batalla para poder existir.”- (párrafos del boletín de prensa de la casa Difusora IQ).

Así es como el encuentro imaginado por Bárbara Colio entre dos mujeres de la época del Renacentismo; mujeres quienes de distinto modo transformaron el modos vivendus de toda una época sin tomar conciencia de ello, durante y que Bárbara Colio enfrenta en un duelo de ideas, e incluso, de tenis..

MARINA & ISABLE es una obra que expresa dos puntos de vista antagónicos, durante el imaginario gracias a la magia del teatro. Recordemos que en la vida real nunca se conocieron Marina (más conocida como en los capítulos de La Conquista Española, como “La Malinche”, mujer inteligente quien sirviera de traductora a Hernán Cortés durante su labor de conquistador) e Isabel 1ª “La Católica”, reina de Castilla y Aragón, a partir de 1474 hasta su muerta acecina en 1504.

Sin embargo, tomemos en consideración que el teatro es magia, e incluso penetra en lo onírico del ser; es donde los sueños y pesadillas retoman vida, bajo el hechizo de la tinta de los dramaturgos, quienes introducen mediante  diálogos, diversas formas y características que legan a sus personajes mediante lo que aseguran se debe al “mágico duende” que habita en los “foros”.

MARINA & ISABEL se presenta ya en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky, en el Centro Cultural del Bosque (CCB) hasta el 10 de marzo del año en curso 2024, con funciones de jueves a domingos.

 

CCB, ubicado en el Campo Marte de la Ciudad de México.

CUENTOS DE BICHOS

POR: Dalia De León Adams

 

Obra teatral original de afamado “Cuenta Cuentos”, como se le conoce actualmente al Señor Mario Iván Martínez, quien presenta en ésta ocasión una obra teatral infantil intitulada CUENTOS DE BICHOS bajo la musicalización y composición del Grupo Cántaro.

La puesta en escena es interpretada por su mismo autor Mario Iván Martínez, quien como es de costumbre, inicialmente recorre los pasillos y butacas para saludar de cerca de su numeroso público, a quien ocasionalmente obsequia algunos juguetes u objetos infantiles durante la función.

CUENTOS DE BICHOS comprende cuatro narraciones , las cuales son actuadas y presentados dentro de una escenografía colorida, que tiene como función el introducir al público al mágico mundo de sus cuentos, presentado a colación algunos muñecos, a quienes da vida en el escenario además de narrar, cantar y bailar.

-“Afanosas hormigas, “Cigarras cantarinas”, “Astutas cucarachas” y Bellas mariposas, protagonizan este programa escénico y familiar. Pero que no cunda el pánico y ¿no fumiguen el teatro Hidalgo! Porque este contingente de patas y antenas coloridas no viene solo, le acompaña el actor y cantante mexicano Mario Iván Martínez, quien con ellos da inicio a 2024 ofreciendo un programa de inusitadas historias las cuales giran alrededor de estos bichitos voladores, saltarines y rastreros”.- (nota en cartelera teatral).

A manera de breviario le comento qué nacido en el entonces Distrito Federal, Mario Iván Martínez pertenece a una familia de artistas, siendo su madre la actriz fallida, Margarita Isabel, y su padre quien fuera Don Mario Iván Martínez, un prestigiado locutor de radio y conductor, quienes influenciaron con su talento y cultura a su vástago, ahora reconocido como “El Cuenta Cuentos”

Por su trabajo, el actor Mario Iván Martínez (también cantante, dramaturgo y creador de libros y discos infantiles) ha sido muy reconocido en el medio artístico. Entre las nominaciones y galardones recibidas se encuentran entre otras más Nominaciones el Premio Ariel como Mejor Actor, Premio Ariel a la Mejor Co-actuación Masculina, Premio Ariel al Mejor Actor de Cuadro.

-“Mario Iván Martínez realizó sus estudios de canto y actuación en Londres, Inglaterra, bajo el auspicio del Consejo Británico. En doce ocasiones, las más relevantes asociaciones de críticos de teatro le han otorgado el premio al mejor actor”.-

Hoy en día también se encuentra interpretando el difícil monólogo de DIIARIO DE UN LOCO (en el Teatro Helénico) en donde excelente actuación, son la demostración de sus grandes dotes histriónicos.

Al finalizar la puesta en escena de CUENTOS DE BICHOS Mario Iván se da a la tarea de dar autógrafos a todos sus pequeños amiguitos, quienes salen sonriente y satisfechos, tras de además haber adquirido un larguísimo nombre por escrito, acorde a su último cuento a interpretar en el escenario del Teatro Hidalgo, en donde se presenta los días domingos a las 13:00 horas, hasta el día 31 de marzo 2024.

 

 

TEATRO HIDALGO, Avenida Hidalgo 23, Centro Histórico.

DEL MAGO AL LOCO, UNA REVELACIÓN DEL TAROT

POR: Dalia De León Adams

 

El arte se desborda en ésta puesta en escena del grupo creativo “Ciertos Habitantes” creada y dirigida por el maestro escénico y músico Claudio Valdés Kuri, en cuyo título, DEL MAGO AL LOCO, se descubre la parte medular de ésta trama peculiar, que es justamente –UNA REVELACIÓN DEL TAROT aunando diversos elementos artísticos como lo son la interpretación de diversos géneros musicales y utilización de instrumentos a colación de la ejecución escénica, incluyéndose hermosos cantos corales, danzas y bailes que amenizan los cuadros escénicos, aunados a una introducción filosófica en torno a la psiquis y a la pestidigitación - Se presentan en el .Museo de San Carlos.

Los arcanos para descubrir el futuro se vislumbran a través de los artistas integrantes de la Compañía, quienes dan voz a algunas de éstas cartas las cuales son dirigidas por un mago prestidigitador, interpretado por el mismo Claudio Valdés Kuri, quien habla con sapiencia y elocuencia filosófica en torno a la consciencia del “Ser uno mismo y auto-descubrirse” como parte integrante de un todo universal.

“Como es arriba, es abajo”, es la frase repetitiva en ésta puesta en escena lograda en un solo tiempo escénico, que se compone principalmente de dos cuadros escenográficos enmarcados en el hermoso Museo Nacional de San Carlos, en el cual ha renovado temporada.

Tiempo atrás DEL MAGO AL LOCO, UNA REVELACIÓN DEL TAROT se había estrenado con tanto éxito, que el mismo público pidió su regreso, el cual acaba de acontecer el reciente sábado 3 de febrero del año en curso 2024.

A manera de Sinopsis de la obra teatral, la misma compañía creativa de Ciertos Habitantes presenta a manera del programa que es ofrecido a los espectadores, el siguiente párrafo textual en cuanto al contenido medular de la dramaturgia:

-“DEL MAGO AL LOCO, UNA REVELACIÓN DEL TAROT Puesta en escena interdisciplinaria que, de forma alegórica, muestra el universo de los arquetipos que conforman la psique humana, representado a través de las imágenes del tarot. El espectáculo narra las pruebas que atraviesa “El viajero” quien a través de 22 estaciones correspondientes a los arcanos mayores del tarot, se dispone a ir más allá de sus propios límites.”-

Le comento qué la compañía no solamente ha logrado un importante lugar en nuestro país, como se puede leer en uno de los sitios WEB de la Internet:

-“Fundado en 1997, Teatro de Ciertos Habitantes ha sido ampliamente reconocido en el ámbito internacional a través de sus montajes Becket o El honor de Dios, De monstruos y prodigios: la historia de los Castrati, El automóvil gris, ¿Dónde estaré esta noche?, El Gallo, Todavía… siempre y La vida es sueño…”

Y con respecto a su fundador el Señor Claudio Valdés Kuri, también podemos leer algunos de logros, siendo el más reciente, entre muchos otros, el Premio Nacional de las Artes y Literatura 2023 en el campo de las Bellas Artes –“en reconocimiento a su deslumbrante y multifacética trayectoria de incesante creatividad escénica, paradigmática por su enjundia, su empatía social, su integridad, su generosidad y su continua indagación en la esencia del ser humano.-“ (periódico Milenio).

-“Director mexicano, reconocido como uno de los artistas latinoamericanos con mayor presencia internacional. Fundó y dirige su propia compañía: ...

Claudio Valdez Kuri is known for Strawberry Sunday (1990), El automóvil gris (2002) and Antes de la música (1992). IMDbProStarmeterSee rank.”- (notas en la Internet).

 

¡CLAUDIO VALDÉS KURI y su equipo creativo, FELICIDADES POR SUS 25 AÑOS DE EXITOSA TRAYECTORIA!

 

Reconocimiento al actor Juan Martín Jáuregui, en ESCAPE ROOM

POR. Dalia De León Adams

 

A manera de presentación del actor JUAN MARTIN JAUREGUI es que la compañía “Mejor Teatro” efectuó el día de ayer, 2 de febrero 2024 en el marco de las cien representaciones de la puesta en escena de ESCAPE ROOM, un reconocimiento por su trayectoria.

Para tal motivo se presentó a colación un video en donde se habló de la trayectoria laboral de Juan Martín, quien tuvo como invitado especial o padrino del evento para tal efecto, al actor de moda Horacio Pancheri.

Ambos por supuesto ofrecieron algunas palabras de agradecimiento al público y al equipo creativo, junto con el productor Morris Gilbert, quien subió al escenario proponiendo además un minuto de aplausos por parte del público, por la ardua y exitosa labor de quien también fuese productora de ésta obra, la Señora Tina Galindo, recién fallecida.

Como Usted sabrá en ésta ocasión la obra teatral estaba siendo co-producida por Tina Galindo, el Señor Morris Gilbert, destacado productor y fundador de la empresa “Mejor Teatro”, como es bien sabido en el gremio artístico y Claudio Carrera, quien también agregó algunas palabras.

Pero volviendo al actor homenajeado en ésta ocasión, le comento qué Juan Martín Jáuregui Bertolami es un actor nacido en Mar del Plata, Argentina, ya radicado en nuestro país. Se le conoce principalmente por sus participaciones en El señor de los cielos, Sin tu mirada y La candidata.

El elenco además está integrado por el conductor y actor Faisy, por Alejandra Barros y Paly Duval. Son cuatro actores en escena que acorde a la trama de la obra, forman las dos parejas protagónicas, estando a cargo de la adaptación de la obra el Señor Enrique Arce.

ESCAPE ROOM es una dramaturgia emblemática, contemporáneas y frescas, que ha consolidado gran éxito en España y algunos otros  países. Está escrita bajo un tono de drama, suspenso y terror, matizada con un tono de humorismo negro y una narrativa un tanto ácida y cruenta.

Obra teatral original de dos dramaturgos, los catalanes Joel Joan y Héctor Claramunt, siendo por cierto el primero de éstos quien inicialmente al proyecto escénico se presentó en México para hablar respecto a algunos pormenores de la obra.

Obviamente ESCAPE ROOM fue estrenada en Cataluña, lugar de donde según sostuviera Joel Joan, fue un éxito total que se tradujo en tres años continuos de producción, para después ser representada en otros lugares del mundo, además de presentarse en formato de largometraje, colocándose en la segunda película más vista en Netflix, durante su transmisión.

Para su autor Joel Jean, ESCAPE ROOM es una comedia catártica que constituye un gran reto en cuanto a la propuesta de dirección por un lado, y en cuanto a la capacidad histriónica de los actores en escena, quienes precisan de tener la capacidad de transmitir una inquietud progresiva, que se desea generar entre los espectadores de la obra.

Fue escrita en el idioma catalán, por lo cual evidentemente se tuvo que traducir al español, e incluso recurrir a la readaptación del texto, debido al juicio de sus creativos quienes consideran que en cada lugar en que se ha presentado, se incurre en otra idiosincrasia distinta a la sociedad de Cataluña. En México es presentada con uso de un lenguaje coloquial, que hoy en día solamente utilizan los jóvenes de ésta ciudad.

La escenografía en nuestro país también es otra, pues aún cuando está inspirada en el mismo montaje catalán, termina por adaptarse a nuevos espacios escénicos y necesidades.

El diseño escenográfico que ahora está a cargo de Emilio Zurita presenta inicialmente la fachada de un lugar en donde los cuatro personajes protagónicos iniciarán lo que fuera paneado como un juego.

 El efecto sonoro de Miguel Jiménez que serán de gran importancia para ejecutar el montaje, ya que está plasmado de constantes sorpresas y retos, a los que los jugadores deberán de acceder.

 

ESCAPE ROOM se presenta en el “Nuevo Teatro Libanés” teniendo siempre actores invitados,  con funciones dobles los viernes y sábados, además de una en días domingos.

 

FOTOGRAFÍA DE TRES MUCHACHAS

POR: Dalia De León Adams

FOTOGRAFÍA DE TRES MUCHACHAS consiste en un compendio de tres historias acerca de las interpretes, quienes escriben y cuentan su propia historia. Puesta en escena presentada por La Compañía Centinela, La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).

El reparto estelar está integrado por Mahalat Sánchez, Mónica Jiménez y Verónica Olmedo, quienes escriben su propio texto, asesorados cada uno de éstos, por Itzel Lara en cuanto al formato y la presentación de lo que finalmente constituye ésta dramaturgia colectiva.

FOTOGRAFÍA DE TRES MUJERES es una obra teatral expuesta en un solo tiempo escénico, bajo la dirección de Ximena Sánchez de la Cruz, y la misma actriz protagónica Mahalat Sánchez; ambas intercalan cada texto en las diversas escenas, logrando unificar la dramaturgia.

Al respecto de éste montaje, se puede leer en el boletín de prensa, los siguientes párrafos textuales:

-“FOTOGRAFÍA DE TRES MUCHACHAS es una propuesta escénica que entrelaza las historias de tres mujeres que deciden ser actrices. En el trayecto para lograrlo se enfrentan a un mundo ordenado desde una visión que las mantiene siempre en desventaja por ser mujeres. La obra habla de la violencia simbólica con la intención de encontrar las raíces que sostienen este orden tan difícil de identificar en nuestra realidad.

Este será un collage escénico que presentará la historia de cada una de las protagonistas en su búsqueda por ordenar desde otra lógica el universo afectivo que ha construido, y a partir de haber aceptado año tras año el desafío de ser actrices, examinan con mirada crítica el entorno. Ahora el espejo les revela la fotografía de su presente, los retos y cambios son parte de la experiencia, sin embargo, la noche será el espacio ideal para tomar riesgos e intentar hacer algo diferente, quizás por la noche los sueños son realidad.”-

Textos construidos por sueños destruidos, en tanto que en otrora fueran aciertos en la carrera de cada una de las tres actrices.   Dentro de la narrativa se muestran entre dejos de tristeza y de alegría plasmados en las remembranzas del pasado de cada interprete, la premura del tiempo que corre irremediablemente y, que se advierte en el espejo.

Es una puesta en escena que pertenece al género de denuncia, en cuanto al sentido de su contenido conceptual el cual se expone la violencia de género hoy en día denunciada por muchas mujeres, en aras de un cambio radical.

FOTOGRAFÍA DE TRES MUJERES se presenta en un cuadro escénico que expone diversas tiras plateadas que cuelga en el escenario, enmarcando el rectángulo del Foro, que dan con ello la impresión de presentar un espectáculo nocturno, en donde el juego de luces individuales desempeña un papel preponderante para la escenificación de la puesta en escena.

 En un solo tiempo, mediante el recurso de la narrativa se realizan monólogos que van alternándose uno a uno con los demás, ejecutándose ocasionalmente números musicalizados, cantados y por supuesto, escenificados, con algunos cambios de vestuario que se efectúan las actrices de manera pronta, para dar entrada finalmente a un camerino que se abre ante los ojos de los espectadores, que sirve un tanto de pretexto para unir sus diálogos, bajo la protesta y el acierto en sus carreras, como actrices. Todo ello bajo un tinte de risibilidad, que ameniza durante todo el montaje escénico.

FOTOGRAFÍA DE TRES MUJERES se presenta en la Sala CCB del Centro Cultural del Bosque con funciones  de jueves a domingos, hasta el día 18 de febrero 2024.

 

 

DIARIO DE UN LOCO

POR: Dalia De León Adams

 

Por segunda ocasión el Teatro Helénico se presenta la icónica puesta en escena de DIARIO DE UN LOCO del escritor Nikolái Gogol bajo la dirección de Luly Rede y la magnífica actuación de Mario Iván Martínez,

Siendo justamente en el año 2012 sería que surgiera la primera adaptación de éste magistral texto, muy difícil por cierto de ser interpretado, pero que la calidad y gran maestría histriónica que caracteriza en el escenario al actor, productor, cuenta-cuentos, dramaturgo y cantante de música operística, Mario Iván Martínez, excede. Talento, amor por el arte escénico y amplia cultura que heredo de sus padres Margarita Isabel y Mario Iván Martínez.

-“Mario Iván Martínez realizó sus estudios de canto y actuación en Londres, Inglaterra, bajo el auspicio del Consejo Británico. En doce ocasiones, las más relevantes asociaciones de críticos de teatro le han otorgado el premio al mejor actor (nota Google Books).

Nominaciones: Premio Ariel al Mejor Actor, Premio Ariel a la Mejor Coactuación Masculina, Premio Ariel al Mejor Actor de Cuadro y más.”- (información de la Internet).

En DIARIO DE UN LOCO el texto tiene como referente la Ciudad de San Petersburgo, en la época Zarista, lugar en donde se recrea el personaje protagónico el funcionario Aksenti Ivanovich Poprishchin, quien mediante el recurso actoral del monólogo, muestra diversas facetas de la locura, siendo un hombre modesto, sumido en la pobreza.

Para ello el actor recurre a la interpretación versátil de diversos personajes que va poco a poco interpretando mediante la narrativa del texto, que van desde un tercer asistente de escritura de cartas, su jefe, una joven llamada Sophy, y hasta el de un zar (rey o emperador), entre algunos animales como perros, gallos e incluso un caballo, de quienes  simula sus movimientos y sonidos característicos que emiten.

La escenografía muestra un cuarto en donde los muebles e incluso la supuesta pared con su ventana, se desplazan para el montaje de los diversos cuadros que precisa la obra de tan afamado dramaturgo.

Nikolái Vasílievich Gógol fue un escritor ruso de origen ucraniano (Velyki Sorochyntzi 1809-1852). Cultivó varios géneros, pero fue notablemente conocido como dramaturgo, novelista y escritor de cuentos cortos. (en Wikipedia).

En cuanto a la manera en que surgió la obra EL DIARIO DE UN LOCO la compañía difusora presenta la siguiente nota textual al respecto, qu resulta muy interesante:

-“ El escritor ruso Nikolái Gógol fue víctima de intensas ansiedades y, en su DIARIO DE UN LOCO mostró el desarrollo de un cuadro clínico compatible con lo que hoy sería la esquizofrenia. Así es como, en ésta obra, se narra la historia de un burócrata que experimenta múltiples trastornos eróticos y demenciales…

EL DIARIO DE UN LOCO forma parte de una colección de breves relatos: La avenida Nevski, El Capote, El retrato y la nariz, que Gógol ubicó en la ciudad imperial rusa de San Petersburgo y que fueran publicados entre 1834 y 1842. Estos textos representan lo más característico del arte narrativo del autor, así como su combinación de denuncia con sátira social, fantasía, ternura y compasión.

Finalmente le comentaré sobre la dirección escénica de Luly Rede. La cual deja entrever los pormenores de ésta obra magnánima, perteneciente al género de la novela psicológica, en cuanto al perfil que presenta el personaje protagónico de Gógol y que el actor, pese a los limitados objetos de tramoya, o elementos escenográficos, logra matizar con gran maestría actoral y un tanto por la cooperación del Doctor Horacio Reza Garduño, quien les comentara acerca del comportamiento real de algunos de sus pacientes psicóticos.

 

DIARIO DE UN LOCO se presenta en el Teatro Helénico los días lunes a las 20:00 horas. 

MERCAN

POR: Dalia De León Adams

 

Creo que es la primera ocasión en que presencio una puesta en escena en donde el texto se confunde con la sinceridad, mentira y la actuación. Ello empero no está mal, simplemente es una novedosa manera de hacer teatro, en donde no tan sólo se hace presenta la colaboración verbal de público, a quien se invita a decir abiertamente mentiras y verdades, marcadas por su interlocutor, actor y director escénico, el Seño Fernando Bonilla.

También el reparto formado por cierto, por dos grandes actores como lo son Christian Magaloni y Sophie Alexander-Cats, expresan mentiras y verdades manifiestas en ésta puesta en escena original del polémico artista conceptual Rigoberto Duplás.

Y como Fernando Bonilla, quien hizo manifiesta la idea de Duplás acerca del “Arte”, éste a su parecer, debe de asombrar para ser considerado como tal, lo cual en éste montaje escénico, logra su cometido.

Se muestran escenas que incluso, van siendo marcadas o corregidas por el director escénico, quien hace que cada uno de los actores repita algunos de los diálogos, pero en diversos tonos dramáticos, al ser ejecutados.

Las escenas un tanto subidas de tono, con contenido ocasional irreverente, son también marcadas en los cuadros escénicos, un tanto a manera de denuncia por el abuso o intimidamiento del que son sujetas las actrices (y/o actores) por parte de sus directores o productores.

MERCAN mediante la Compañía Puño de Tierra, formó parte del Festival Cervantino, causando revuelo, según se nos informara en el boletín de prensa presentado por El Centro Cultural Helénico, a través de su difusora.

Acerca de su autor el Señor Rigoberto Duplás, y en específico de su obra MERCAN, se puede leer la siguiente aseveración por parte de la casa Difusora:

-“Rigoberto Duplás –siempre polémico y provocador- estrenó MERCAN, su exposición más reciente, en la galería de arte contemporáneo La Purísima. Aparentemente el autor pretendía explorar los límites del arte y exponer la violencia sexual que se vive en la industria del cine y la televisión, pero recibió numerosas críticas negativas y un rechazo generalizado después de que diversos colectivos feministas lo denunciaran por lucrar con el dolor de las mujeres y, específicamente por revictimizar a su pareja, la popular actriz de televisión Carmen Aldama, quien involuntariamente (¿?) sirvió de inspiración para el trabajo de su esposo.

La respuesta de Duplás a este vendaval cancelador ha sido la creación de un apéndice peRformativo de MERCAN , una experiencia escénica para la que ha contratado a un par de actores que lo interpretan a él y a Carmen Aldama, y que recrearán escenas verídicas que el artista ha documentado desde la intimidad de su matrimonio. Así se pondrán en escena temas como: la ética del mundo del arte, la violencia en los procesos creativos, la cosificación de la mujer, el morbo del espectador y la mercantilización de los valores que consideramos más puros…

El tema central de la obra es la ambigüedad del monstruo y la pertinencia (o no) de su arte, Rigoberto no pretende decir que es inocente, o que no debería de ser cancelado, pero intentará sembrar dudas respecto a nuestra ligereza para erigirnos como jueces.”-

 

MERCAN, letras las cuales se utilizan para escribir el nombre de “Carmen”, se presenta en el Teatro La Gruta del Centro Cultural Helénico, hasta el día 25 de febrero.

 

Los obscenos de SILEREL VÓRTEX.

POR: Dalia De León Adams

 

Obra teatral perteneciente al género de ficción, qué empero conlleva una amplia reflexión filosófica acerca de lo absurdo e incomprensible de la existencia humana y, aún más allá, vislumbra, auque de manera un tanto velada conceptos de la física cuántica, así como conceptos de índole astrológicos como los hoyos negros.

El proceso de transformación y la posibilidad de crear vida artificial está latente en esta obra teatral, en donde se cuestiona además la existencia divina y se da por hecho, la posibilidad de que la eternidad, sea tan sólo un tiempo repetitivo que los seres viven una y otra vez, sin consciencia de ello, pero con un dejo de recuerdo, que bien pudiera ser la explicación de un déjà vu (suceso ya vivido).

La posibilidad de viajar al espacio sideral más allá de la velocidad de la luz para llegar a otros universos y el derrame de la ciencia en Pro de instituciones privadas, entre otros conceptos, se plantean dentro de la temática a tratar en torno al texto de Josué Almanza; es decir, el dramaturgo de ésta obra.

-“Josué Eli Almanza. Nacimiento 30 de junio de 1988. Puebla, Puebla. Es dramaturgo y director de teatro. Autor de libros como Sturm Ruger o El rugido de los huesos, entre otros.”- página WEB.

-“Mi interés por las artes y la cultura me ha llevado a la profesionalización en diversos ámbitos a fin de poder convertirme en un artista crítico.”- (referencia del mismo autor)

“Los   obscenos de SILEREL” VÓRTOX es una obra que además se encuentra matizada con dejos filosóficos que invitan a la reflexión, la cual se entreteje con algunos conceptos de índole “científicos” tratados de manera somera que se plantean dentro del texto, como es la posibilidad de existir a la vez, en universos paralelos al mismo tiempo.

El juego del tiempo un tanto Einstiano, en el sentido de la negación del mismo, así como la posibilidad de repetir las experiencias  o existencia vivida en nuestra aparente  efímera razón, son parte de los elementos temáticos de la dramaturgia de Josué Almanza.

Obra teatral que es resumida por la compañía teatral bajo la dirección escénica de Julián Reyes Botello, realmente logra un gran trabajo en éste montaje difícil de escenificar, el cual logra además con el apoyo de un gran diseño escenográfico, de vestuario, maquillaje, música y apoyo multimedia, entre otros elementos más, como comúnmente se precisan en una puesta en escena, pero que menciono en ésta ocasión, por su importante y valioso apoyo en cuanto a la realización de éste drama de ficción.

A manera de Sinopsis, la obra está resumida de la siguiente manera por parte de la misma compañía teatral, en la cartelera:

-“Año 3217. La gente vive como siempre ha vivido. Pobres en las calles sobreviviendo mientras el hombre más poderoso del mundo disfruta una copa de vino en su biblioteca. Él llegó ahí porque el mundo estuvo a punto de terminarse hace diez años. Es un científico que descubrió una crisis energética antes de que sucediera, una que terminaría con la vida de la Tierra. Su solución estuvo en otros dos descubrimientos: la capacidad de generar energía a través del dolor humano y la existencia de un universo paralelo con el que podía hacer un vínculo. La explotación a este otro universo y el dolor generado en esa realidad permitió que la vida no se extinguiera. Todo parece ir de maravilla, pero una conspiración que no tiene un origen comienza desenmascararlo todo. En el otro universo ya se reunieron, llegó un mensaje a través de la sangre. Un juego de parafonías donde el final sea, quizás, el inicio de todo.

El elenco está formado por Jennifer Mápula, Aldo Bringas, Natalia Verduzco,  Sandra Vázquez, Samantha Mejía y Adalberto Márquez. Todos ellos interpretando con gran plástica actoral a dobles personajes, que terminan siendo uno sólo.

Puesta en escena presentada en dos tiempos escénicos en donde muebles movibles con apariencia de cubículos, forman parte de los diversos cuadros escenográficos que precisa la obra, además del apoyo multimedia en donde se actúa el crimen del científico, que mediante la presentación de retrospecciones y prospecciones temporales, logran darle el juego no lineal planteado en el texto, para lograr la trama llena de concomitantes y posturas científicas.

Y como se puede leer en el programa de mano, acerca de la reflexión sobre el futuro de la humanidad, que se plantea como consigna de la obra en las diversas acepciones de lo que significa “obscenidad”:

-“Quizás el lenguaje, el logos pueda  articular esa obscenidad cuando las reglas de la realidad sean fallidas, cuando el tiempo se rompa y el espacio pierda sentido, cuando la huella sea antes de la pisada, el recuerdo antes del suceso, la sangre antes de la herida, el amor antes del ser amado.”-

“Los obscenos de SILEREL VÓRTOX” anteriormente se había presentado en el Teatro “La Capilla”  y en ésta ocasión Usted la podrá ver en la Sala Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque hasta el día 18 de febrero, los fines de semana.

 

 

Sala Xavier Villaurrutia, Centro Cultural del Bosque (CCB) Bosque de Chapultepec 1ª Secc. Miguel Hidalgo 11580 Ciudad de México.

PIC NIC

POR: Dalia De León Adams

 

PIC NIC es una obra escrita por el dramaturgo español Fernando Arrabal (Melilla, España 1932) en tono farsico que bien puede ubicarse dentro del genero del teatro del absurdo, en cuanto a que aborda una temática cruenta y terrible como es la guerra y el conflicto bélico, pero bajo matices de amabilidad y dulzura en cuanto al perfil que el autor le infiere a los personajes, lo cual por supuesto, no suele sucede en la realidad.

Ello hace reír al público aunado a algunos elementos actorales que el elenco les infiere al caracterizar a los soldados y a una pareja que se inmiscuye dentro del campo de bélico, con el objetivo de visitar y realizar un PIC NIC junto con su vástago, quien se encuentra en el campo de batalla.

Alberto Estrella es quien protagoniza este divertido melodrama junto con David Hevia, Víctor Carpinteiro y Ainé Martelli; actuaciones que ejecuta todo el reparto estelar, con gran plástica actoral e histrionismo escénico que siempre les ha caracterizado, aunado a la gracia que cada uno de ellos le brinda a su interpretación, al ejecutar algunos números coreográficos muy bien ejecutados.

Le diré qué a manera de Sinopsis, la trama trata de lo siguiente:

-“La obra muestra en género absurdo a un matrimonio que va de visita al frente de la batalla con la intención de vivir un día de PIC NIC junto a su hijo que se encuentra n la trinchera. Allí aparece un soldado enemigo con el que comparten el día de campo en un clima amistoso.

Sorprendidos descubren que ningún bando desea la guerra y deciden terminar con ella. La ingenuidad de los personajes se rompe cuando la realidad de la guerra desata toda su furia matando sus ilusiones al final de la obra.”- (nota en la Internet).

La dirección escénica se encuentra bajo la tutoría de la maestra Marta Luna, quien bajo la propuesta de un solo cuadro y tiempo escenográfico, logra dar secuencia y ritmo a ésta peculiar dramaturgia en donde todo tiene un dejo de amabilidad y prestancia, junto con la labor de todo el equipo creativo que hacen posible esta puesta en escena en El Círculo Teatral.

Sobre esta obra teatral, tiempo atrás se escribiría en una página Web, las siguientes aseveraciones al respecto:

-“Un excelente texto… PIC NIC de Fernando Arrabal es una obra teatral que denuncia el absurdo de la guerra através de personajes ignorantes e inocentes.”-

-“ Picnic, PIC-NIC o Picnic en el campo de batalla es una obra escrita por Fernando Arrabal con un largo proceso de creación entre 1952 y 1961. 1952 siendo la fecha que propone el autor para una versión “cero” en la obra y 1961 siendo el año en donde se publica PI NIC en el segundo volumen del Teatro de Arrabal.(1) La obra tal y como lo trata de representar Arrabal, es un claro alegato contra la guerra. En la actualidad se sigue representando en todo el mundo para evidenciar lo absurdo de la guerra sorda según las palabras del propio autor.(1)”_

Al respecto del autor, en términos generales le comentaré lo siguiente: -“Fernando Arrabal Terán es un dramaturgo, poeta, novelista, cineasta y creador plástico español radicado en París desde 1955. Con Alejandro Jodorowsky y Roland Topor fundó en 1962 el Movimiento Pánico. ( en Wikipedia)

La puesta escénica de PIC NIC en el Círculo Teatral, tiempo atrás ya se había presentado a manera de lectura dramatizada bajo la dirección escénica de la maestra Marta Luna, quien en esta ocasión ofrece una magnífica versión en donde la música y la coreografía son un plus dentro del montaje.

En la cartelera del Círculo Teatral se puede leer de manera textual, la siguiente cita:

-“En esta obra se expone la sin razón de la guerra, el absurdo de la misma, el miedo, la desesperanza, la ignorancia, la soledad y la muerte en un contexto simultáneo de horror y humor.

El autor Fernando Arrabal realiza una crítica mordaz del entorno, tomando como escenario una trinchera. Convierte un hecho tan cruel como la guerra, en un espectáculo donde acusa lo terrible de este acto.

PIC NIC es la primera puesta en escena que se presenta en éste año en el Circulo Teatral, como lo hizo saber el actor, director, productor y maestro Alberto Estrella. Se presenta en corta temporada de viernes a domingos hasta el día 3 de marzo 2024.

¡FELICIDADES A TODOS!

 

CIRCULO TEATRAL, Avenida Veracruz 107, Colonia Condesa

LA SEÑORA KONG

POR: Dalia De León Adams

 

Puesta en escena escrita y dirigida por Ignacio Escárcega, bajo la dirección musical de David Almaga que se está presentando en el Teatro El Granero Xavier Rojas, del Centro Cultural del Bosque, bajo la producción de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Colectivo Escénico “El Arce”.

Las actuaciones corren a cargo de Karen Alicia, Alfredo Monsiváis, César Alcazar, Nadia Cuevas y Enrique M. Aguilar, quienes actúan en ésta comedia que pertenece al género romántico, debido al peso escénico que llevan los personajes que representan a una pareja de enamorados.

Por otro lado también tiene tintes de melodrama, pues el texto presenta algunas situaciones infructuosas que enfrenta una familia, en donde una viuda joven de pronto se ve en la necesidad de trabajar arduamente con su máquina de cocer, para lograr el mantenimiento humilde y mesurado de sus tres hijos, además de enfrentar la enfermedad que invalida físicamente a uno de sus infantes.

Dramaturgia que tiene como referente los años 40’s en México, por lo cual los actores se presentan ataviados a la usanza secular, mencionando algunos largometrajes que fueron icónicos para aquella época.

Uno de éstos es precisamente la película del clásico de King Kong dirigida por Peter Jackson, y por supuesto la legendaria historia de Tarzán, que dejan una huella importante en la actitud que adopta la pareja, y que su escritor muestra e introduce dentro de sus diálogos al utilizando algunas señas que identifican a ambos largometrajes.

Sobre la película de King Kong y de Tarzán recordemos brevemente su contenido medular, por lo que expongo a continuación dos citas informativas de la Internet:

-“Un grupo de exploradores, liderado por un extrovertido director de cine, visitan Skull Island para investigar todo lo relacionado con la leyenda del gorila gigante llamado King Kong. Ahí encuentran una jungla llena de criaturas prehistóricas.”-

“-Tarzán de los monos (inglés: Tarzan of the Apes) es una película muda en blanco y negro de 1918, dirigida por Scott Sidney y protagonizada por Elmo Lincoln. Fue la primera película basada en la novela Tarzán de los monos de Edgar Rice Burroughs.”-

Acerca de la trama se menciona a colación de manera textual la siguiente cita textual al respecto, en el boletín de prensa precedida por el Difusor Raúl Medina Arce:

-“Esta obra transcurre en los años cuarentas del siglo pasado: una joven viuda apasionada del cine y de la música, lucha por sacar adelante a tres hijos pequeños y rehacer su vida amorosa, las tares y actividades son infinitas y agotadoras, le gustaría tener la fuerza y resistencia de un nuevo mito de la pantalla: King Kong.

En palabras del director, se trata de una historia que tiene que ver con la fuerza, con la decisión de salir adelante. Durante mucho tiempo mi abuela paterna fue una imagen de dulzura, de energía. Poco cariñosa con sus nietos, se desvivía en atenciones con sus hijos. Fue una joven viuda qué, en la década de los cuarentas del siglo pasado, sacó adelante a dos hijos y una hija, trabajando en un internado en la colonia Santa María La Rivera. Para ellos tres fue una infancia de limitaciones y algunas enfermedades. Creo que su posterior dulzura viene de allí, de hacerse fuerte y abrirse camino por sí misma.

*Me asomo a ese mundo secreto, através de la mirada del niño que fue mi padre, el título alude al clásico del cine, que en su momento fue un acontecimiento, King Kong y que se relaciona con el gran gusto que ella tenía por el cine, elle es LA SEÑORA KONG, fuerte y frágil a la vez* añadió el director

 La mímica y algunos bailes forman parte del juego escénico al cual recurren en diversas escenas y cuadros escenográficos. Por otro lado, en el piso del escenario, aparecen algunas fotografías de algunos importantes momentos de la industria cinematográfica, tanto del cine de Oro Mexicano, como del cine en Holliwood.

LA SEÑORA KING es una tierna historia que usted puede ver en el Teatro el Granero Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque, con funciones de jueves a domingos hasta el día 18 de febrero 2024.

 

VA DE NUEZ

POR: Dalia De León Adams

 

Se trata de un compendio de dramaturgias breves que forman parten del montaje escénico titulado VA DE NUEZ . Cada una, está escrita por diferente autor, pero todas ellas se encuentran bajo la dirección escénica de una sola dirección escénica a cargo de Daniela Parra.

En total son cuatro mini-obras presentadas en veinte minutos, denominadas “Teatro Breve”; la primera se llama “La Azotea” y es original  de José Appo, al igual que la obra titulada “La Fuga”.

 Otro montaje escénico que comprende VA DE NUEZ es el de “Ojo por Ojo” escrita por Jacobo Levy; en tanto que “La Prueba” se encuentra bajo la autoría de Hugo Yoffe, quien además es el productor artístico.

Cuatro actores se presenta en escena interpretando a diez diferentes personajes, haciendo para el buen resultado de esto, rápidos cambios de vestuario tras bambalinas.

Le comento qué cada una de ellas aborda diferentes temáticas, y tan sólo tienen una línea escénica común, en cuanto a que comparten la misma musicalización y no así, una línea temática a abordar en común.

“La Azotea” de José Appo presenta a dos empleadas de limpieza quienes se sorprenden ante la obviedad de que, sus patrones no acostumbran a consumir jamás en sus alimentos, el jamón. Personajes caracterizados por los actores Carlos Ordóñez en el papel de Hortensia, y Astrid Mariel Romo como Lupita.

“La Prueba” original de Hugo Yoffe, gira en torno a una chica enamorada, quien se jugará el todo, por el todo. En ella actúan Astrid Mariel Romo, en el rol de Clarisa, y el actor Carlos Ordóñez interpreta a Eitán.

“Ojo por Ojo” escrita por Jacobo Levy, presenta a dos matrimonios quienes en base a falsas supersticiones intentarán recurrir a la venganza. Dramaturgia en la cual aparece todo el reparto estelar, el cual está formado por  Hamlet Ramírez, Ana Isabel Esqueira, Carlos Ordóñez y Astrid Mariel Romo. Aquí su misma directora escénica Daniela Parra, cubrirá el papel de una mesera.

“La Fuga” dramaturgia de José Appo, trata de una extraña mancha qué de pronto aparece en una pared en la cocina. Obra breve que es protagonizada por Ana Isabel Esqueira, quien aparece en escena como Miriam, y Hamlet Ramírez se presenta interpretando a Carlos.

VA DE NUEZ contiene dentro de sus variados textos, algunos elementos de la cultura judía que hoy en día habita en nuestro país, que como dato complementario de diré, son una entidad étnica de 6´740,055 judíos,  según los estudios sobre los estándares de población, realizados por el INEGI 2021; cifra que muy probablemente en la actualidad se excede.

Según el Señor Hugo Yoffe son elementos culturales qué de manera sutil se dan a conocer mediante los diálogos que comprenden sus dramaturgias y qué se fusionan también con los de la cultura y sociedad mexicana. Todo ello en una puesta en escena de 90 minutos escritas a manera de comedia, pero con ciertos tintes de humorismo negro.

VA DE NUEZ se presentará a partir del día 1º de febrero en el Teatro Varsovia, (Varsovia 116, col. Juárez) bajo la producción de la Fundación Teatral DAVAR teniendo funciones todos los días jueves, hasta el 25 de abril 2024.

 

 

EL ÚLTIMO TREN

POR: Dalia De León Adams

 

Contando con dos excelentes actores, me refiero a Rodolfo Guerrero y Rodrigo Vázquez, la obra teatral EL ÚLTIMO TREN esta siendo presentada en el Teatro La Capilla, bajo la dirección escénica de Luis Ángel Gómez.

La trama está escrita a manera del género del drama, en donde los dos personajes protagónicos “El Negro” y “El Blanco”  se encuentran casualmente un día cualquiera en un andén, justo cuando uno de ellos está dispuesto a perder la vida  en EL ÚLTIMO TREN.

-“EL ÚLTIMO TREN nos presenta un duelo de ideas entre un profesor nihilista, Blanco, y un expresidiario creyente, Negro, después que éste impidiera que aquél se suicidara arrojándose al paso del primer metro del metro del día. Negro lleva a Blanco “a salvo” a su casa y, a lo largo de la obra, intentará convencerlo de que la vida tiene un propósito. La desolación y la esperanza están encarnadas e las palabras y cuerpos de ambos personajes, permitiéndonos ser testigos de un trepidante enfrentamiento de visiones sobre la vida y la muerte.”- (nota en cartelera.).

Recordemos qué la teoría filosófica “nihilista” sostiene qué la vida está nula de cualquier propósito, valor, o significado, pues se mantiene en el absurdo de la existencia; en tanto qué por otro lado, una persona muy religiosa o beata, comulga con la idea de qué existe un Dios omnisciente y omnipresente, quien decide el destino humano, bajo dejos de sapiencia y virtuosismo.

El dramaturgo de ésta puesta en escena es el escritor estadounidense Cormac McCarthy, quien utiliza de cierta manera a sus dos personajes para mostrar dos caras de la moneda, enfrentándolos a un duelo de palabras bajo circunstancias extremas, quienes poseen una idiosincrasia filosófica y existencial muy diversas.

Cormac McCarthy (1933-1923) fue un escritor estadounidense ganador del Premio Pulitzer de ficción por La carretera y del National Book Award por “Todos los hermosos caballos”. Wikipedia.

Los diálogos muy bien estructurados son parte de éste juego retórico, en donde la emotividad y la angustia de uno (el Negro) por salvar al otro, bajo halos de fe, lo enfrenta con palabras queriéndolo hacer recapacitar ante el intento de suicidio. Por otro lado el Blanco, se mantiene renuente ante la promesa de extinguir una vida que considera absurda y llena de sufrimientos.

La puesta en escena se presenta en un solo cuadro y tiempo, con una escenografía en donde aparece un modesto comedor y su cocineta, que sirven para la representación de las diversas escenas que presenta el texto.

El perfil psicológico que poseen los personas de Cornac McCarthy son antagónicos; el Negro es un personaje humilde con una profunda creencia religiosa, quien empero ha matado y es un ex-recluta de la penitenciaría.

Por otro lado Banco, es un hombre culto, un profesor quien vive atormentado y ajeno de cualquier tipo de roce social y familiar, a quienes recuerda con amargura y cierta indiferencia.

 

EL ÚLTIMO TREN Usted podrá verla en el Teatro La Capilla del 4 de febrero al 17 de abril 2024 los días domingos.

 

DJANGO CON LA SOGA AL CUELLO

POR: Dalia De León Adams

 

-“La compañía Por Piedad Teatro, fundada por Ana Graham en 1999 la cual desde 2009 cuenta con una oficina en Nueva York bajo la dirección artística de Antonio Vega, ha llevado a escena obras  de autores de México, Estados Unidos, Reino Unido, Irlanda, Alemania, Croacia, Italia, Argentina y Rusia. Entre sus producciones más recientes se encuentra La Reina de Belleza de Leenane, El Síndrome Duchamp, El ensayo (10 out of 12) y Los Baños.”- (cita en boletín de prensa).

El párrafo anterior alude a la compañía “Por Piedad” que el día de ayer estrenó la obra DJANGO CON LA SOGA AL CUELLO la cual está siendo presentada en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Universitario Cultural UNAM, por lo cual me pareció importante comenzar la presente nota , con la cita textual anterior.

Realmente se trata de un montaje escénico altamente creativo, bello y artístico, en el cual la trama alude a un personaje protagónico llamado DJANGO, el cual es presentado a manera de meta-obra, dentro de la misma obra; es decir que la trama ubica a un personaje el cual es en escritor, quien en aras de escribir una dramaturgia con un contenido feliz, cae en la cuenta de que su personaje protagónico se encuentra en dicho momento “deprimido” por lo cual intentará suicidarse.

De tal modo que el título de DJANGO CON LA SOGA EN EL CUELLO propuesto por su autor,  acaba siendo muy ad-hoc al contenido medular de la trama de ésta puesta en escena tan original, como por el hecho de iniciar supuestamente introducir al mismo autor, contando algunos pormenores que le llevaron a escribir la obra teatral.

Posteriormente éste aparece en su escritorio escribiéndola  junto con el muñeco guiñol DJANGO, (o más bien títere, en sentido estricto de la palabra) junto con un buitre parlante quien dialoga con él, influyéndolo en el contenido de su obra.

De manera unísona aparece en uno de los extremos del foro, una chica quien rodeada de objetos a la usanza de las primeras radionovelas, quien produce los sonidos que precisa la obra y la actuación de sus personajes, para darles mayor credibilidad tanto a sus movimientos, como a los hechos que se van sucediendo poco a poco en cada cuadro escénico.

Aunado a ello, una mega-pantalla es ubicada en la parte central superior, en donde aparecen imágenes producto de la tocología multimedia junto a algunos breves argumentos emitidos en “Voz in off”, justo arriba de los actores (actor real y títeres junto con sus manipulantes adosados totalmente en negro).

Y, por si esto fuera poco, canto en vivo y música recrean algunos momentos del montaje escénico de DJANGO CON LA SOGA EN EL CUELLO. Todo ello logran momentos mágicos que los espectadores gozamos, con ésta magnífica propuesta escénica a manera de melodrama, con pinceladas de cuento.

 

DJANGO CON LA SOGA EN EL CUELLO se presenta en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, bajo la Compañía “Por Piedad” del 21 de enero al 02 de marzo 2024 con funciones de jueves a domingos.

 

20 AÑOS DE CARRERA, David Bisbal

POR: Dalia De León Adams

 

Dos décadas se dicen fácilmente, pero mantenerse en el escenario durante ese periodo, no lo es. Me refiero en esta ocasión al cantante español DAVID BISBAL, quien como probablemente Usted bien sabe, ha sido multipremiado en tres ocasiones con el “Grammy Latino”; tres más con el Billboard Latino; tres por el “World Music Awards”; con 80 galardones internacionales y  dos “Premios Onda”.

-“ DAVID BISBAL Ferre nacido en Almeria, España el día 5 de junio de 1979 es un cantante español que alcanzó la fama a principios de la década de los 2000 al quedar segundo finalista de la primera edición de Operación triunfo 2001. (en Wikipedia).

Su nombre ha traspasado la frontera peninsular ibérica en dónde naciera, colocándose en la preferencia de muchos jóvenes en otros continentes, quienes aman su repertorio musical, entre las que se encuentran Dígale, “Corazón latino” 2002, Probablemente “Me dejé llevar” 2017, Aquí estoy Yo “Palabras en silencio 2008, Mi princesa “Sin mirar atrás” 2009, A partir de hoy “En tus planes” 2020, Esta ausencia “Buleria” 2004, Si tu la quieres “En tus planes 2020, Ave María “Corazón Latino 2002,Vuelve, vuelve “20 años contigo” 2021, A contracorriente “The best of” 2015-1022, Diez mil maneras “Tú y yo” 2014,  Esclavo de sus besos “Sin mirar atrás 2009, Ay ay ay “ Fiesta en familia 2023, Quien me iba a decir “Premonición” 2006, Me siento vivo “Me siento vivo 2023,  Dos veces “20 años contigo 2021, BulerIa “BulerIa 2004, ¿Quién es? “En tus planes” 2020, Culpable “Tú y yo” 2014, Me enamoré de ti “Latin Flavuor Club 2019, Lloraré las penas “Corazón Latino” 2002, Camina y ven “Buleria 2004, Ajedrez “Me siento vivo 2023, El ruido “Sin mirar atrás” 2009, Tu me delatas, “Tu me delatas” 2022,  Bésame, “En tus planes” 2020, Quiero ser Yo “Cumbia del corazón” 2022, Es complicado “Mexicana” 2021, Cuidar nuestro amor “Premonición” 2006, Lo tengo o no “Hijos del mar” 2016, En tus planes 2020, Silencio Promoción 2006.

En boletín de presas se puede leer la siguiente aseveración respecto al cantante: DAVID BISBAL ha conquistado al público en todo el mundo con su versatilidad artística, su capacidad de reinventarse y su inmenso carisma._

Finalmente le comento qué el artista de música Pop Latina DAVID BISBAL, vuelve a nuestro país en donde realizará un Tour que incluirá Monterrey, Guadalajara, la Ciudad de México y Querétaro,   para celebrar sus dos décadas como artista profesional, por lo que interpretará un repertorio que incluye sus más grandes éxitos.

 

 

ALICIA

POR: Dalia De León Adams

 

La Filarmónica de las Artes conjunta esfuerzos con bailarines de danza clásica, danza contemporánea y danza multidisciplinar, presentando un hermoso espectáculo cultural en torno a la novela fantástica de “Alicia en el país de las Maravillas”.

Son bailarines que forman parte de la Compañía de Danza de las Artes, quienes adosan vestiduras características de los personajes del cuento de Alicia, como lo son el Conejo con su reloj, el Sombrerero, la malvada Reina de Corazones o/y la  buena Reina Blanca del Este.

-“Alicia en el País de las Maravillas es un libro fantásticamente fabulado, que relata las aventuras de la pequeña Alicia en doce capítulos…

La historia cuenta cómo una niña llamada Alicia cae por un agujero, encontrándose en un mundo peculiar y extraño, poblado por humanos y criaturas… “- (nota en Wikipedia).

Y ¿por quién fue escrita? Tal vez Usted se pregunte o tan sólo desee recordar qué: Charles Lutwidge Dodgson, más conocido por su seudónimo Lewis Carroll, fue un diácono anglicano, lógico, matemático, fotógrafo y escritor británico. Sus obras más conocidas son Alicia en el país de las maravillas y su continuación… (nota en la Internet).

Pero volviendo a la presentación de la Filarmónica de las Artes, precedida en la batuta desde largo tiempo por el Señor Abraham Vélez Godoy, quien además de ser  su director, es el productor de la misma.

La puesta en escena en ésta ocasión intitulada ALICIA cuenta con un hermosa selección musical, en la que se incluyen algunas piezas de Dmitri Shostakovich, Aram Khachaturian, Sergei Prokofiev, y Leonard Bertein.

A manera de sinopsis de la trama de ALICIA, la Compañía Difusora de Sandra Narváez presenta en su boletín de prensa la siguiente aseveración al respecto de ésta:

-“La obra está inspirada en las novelas de fantasía “Alicia en el país de las maravillas”, “A través del espejo” y “Lo que Alicia encontró allí, del matemático Lewis Carrol.”-

 

Le informo qué ALICIA presentará tan sólo seis funciones que serán los días 19, 20, y los días 26, 27 contando éstas dos fechas, con doble horario.

 

SONATA PARA ADELA

POR: Dalia De León Adams

 

Con tintes feministas, la puesta en escena intitulada SONATA PARA ADELA se presentó el día de ayer 16 de enero del reciente año 2024, en el Teatro La Capilla de nuestra Ciudad de México.

Consiste en una obra teatral escrita por Luis Santillán, bajo la dirección escénica de Patricia Estrada, bajo la interpretación e idea original de la actriz Rosa Eglantina, quien demostró poseer un gran talento histriónico en el escenario.

-“Sonata para Adela es un ejercicio de memoria histórica sobre la participación de las mujeres en la revolución y una reflexión sobre el importante papel de estas ...

La historia gira en torno a Adela, estampa femenina de la Revolución Mexicana en donde se alojan otras tantas mujeres –Juana, Petra, Altagracia, ...

La puesta en escena gira en torno al personaje de Adela, la cual nos permitirá observar su adolescencia durante la época de la Revolución Mexicana....”-

Son párrafos que se encuentra publicados en una página Web a colación del montaje escénico perteneciente a la novela revolucionaria de Luis Santillán, como a-priori he mencionado, pues de alguna manera alude a algunos de los rasgos distintivos del conflicto gestado en nuestro país, acaecidos en el año de 1910.

Y justamente fue el mismo año en que el afamado músico de Bonn (actualmente Alemania) Luwig Van Beethoven (1770-1827) creara su partitura denominada “Sonata para Elisa”, tras de ya haber perdido la vista, inspirándose para ello, en una alumna invidente.

“Sonata para Adelina” de Ludwig Van Beethoven Compuesto por Ludwig van Beethoven en 1810, y fechado el 27 de abril, Para Elisa fue dada a conocer 40 años después de la muerte del compositor alemán, y descubierto por un musicólogo que encontró esta melodía entre los manuscritos de una ex alumna y pretendiente del músico.” (nota en Wikipedia)

Y hago referente a cierto autor clásico, debido a que al iniciar la puesta en escena de SONATA PARA ADELA, ésta se hace sonar en el foro, junto al comentario inicial de la actriz protagónica, quien comenta en lo absurdo que le pareciese al personaje, qué un sordo escribía música, para una ciega quien soñaba ver; frase por cierto, dicha de manera repetitiva durante la obra, pero utilizando otras palabras de manera aproximadas).

Obviamente la sonata en el título incluye el nombre de “Adela” en referencia de las “Mujeres de la Revolución” (las adelitas) reconocidas hoy en día bajo dicho apelativo por todos nuestros conciudadanos.

La trama de la obra empero, da peso escénico a la labor poco reconocida de las mujeres en dicho episodio de nuestra historia, pero cuya colaboración dio pie en el año de 1916, por ejemplo, al Primer Congreso Feminista en Yucatán:

-“En él se votan la efectiva libertad de expresión, el sufragio efectivo, el municipio libre, la reforma agraria y la iniciativa de cubrir a la nación de clubes.”- (nota en Wikipedia).

Además de dar iniciativa al voto femenino, a incursionar la mujer de manera reconocida dentro del rublo la política y a poder alzar la voz, entre otras cuestiones de importancia socio-económicas.

-“En 1947, durante el gobierno del presidente Miguel Alemán se le reconoce a la mujer el derecho a votar y ser votada en los procesos municipales.”- (nota en la Internet).

 

Finalmente le comento qué SONATA PARA ADELA es un espectáculo unipersonal proveniente de Veracruz, que forma parte del Ciclo “Teatro de los Estados” que se está presentando en muy corta temporada del martes 16 al jueves 18 de enero 2024.

 

BENDA’ MUXE’

POR: Dalia De León Adams

 

-“ Con dramaturgia y dirección de César Enríquez en codirección de Luis Montalvo y las actuaciones de Julia de la Rosa, Eli Mijangos, Violeta Núñez, Isabela Urbierta y Naomi Riva, este espectáculo hilarante es resultado de un laboratorio escénico creado por César Enríquez con la comunidad Muxe en Santo Domingo Tehuantepec, Oaxaca.

Le comento que dichas “muxes” interpretan diversas narrativas en la que se presenta cada una de ellas, contando su propia historia de vida, en situación post-mortem a manera un tanto de monólogos, cuyas tramas se unen en un solo espectáculo teatral, para darle vida a los personajes de La Pascuala, La Pocaluz,  La tía Sonia, Margot y La Tortolita, dentro de un tugurio Límbico.

Sobre la propuesta, Enríquez explica: “Esta pieza aún en construcción, es la tercera de mi proyecto como creador escénico de cabaret con grupos en situación de vulnerabilidad dentro de la comunidad LGBTQI+”.

Añade: “Elegí crear con muxes porque, aunque ellas se encuentran en el espectro de la diversidad y la disidencia sexual e identitaria, no están catalogadas ni incluidas en la comunidad LGBTQI+. Y tal vez solo en ese más + colocado al final.”-

Éstos son tres de los párrafos que se pueden leer en la cartelera teatral con respecto a la puesta en escena intitulada BENDA’ MUXE’ que tan sólo ha tenido dos representaciones en el Teatro La Capilla en donde su director y dramaturgo César Enríquez hizo saber qué se presentará por otras tres ocasiones o quizás cuatro, en el CENART con fechas ya agendazas del 4,5 y 6 de febrero (posiblemente también el día 7).

Con respecto a qué se entiende por comunidad “Muxe”, en la misma cartelera se continúa expresando lo siguiente: Los muxes son considerados un tercer género en la cultura zapoteca del Istmo de Tehuantepec, Oaxaca, desde la época prehispánica hasta la actualidad. No se consideran mujeres trans, ni homosexuales: Son muxes. Personas que disfrutan su feminidad y su parte masculina permeadas por su cultura, lengua y que su entorno, geografía, sociedad, costumbres, tradiciones, vivencias y violencias; las hace únicas: Las hace muxes.

BENDA’ MUXE’ es un espectáculo a manera de Teatro Cabaret, en donde el reparto estelar tanto canta, como baila y actúa, bajo un lenguaje coloquial de doble sentido, que incluye palabras altisonantes, como suele suceder en dicho género teatral.

Elenco que protagoniza sus respectivos roles con esmero y simpatía que lograron pese a no ser actrices profesionales, colocándose en el completo agrado del público espectador, quines rieron y les aplaudieron con ahínco.

Como un plus, la puesta en escena muestra ciertos rasgos de la cultura zapoteca, en especial de los rituales que la comunidad del Istmo de Tehuantepec en Oaxaca, continúan vigentes durante la ceremonia mortuoria.

 

BENDA’ MUXE’ usted la podrá ver en uno de los foros del Centro Nacional de las Artes (CENART) los días 4,5 y 6  de febrero del 2023 (y tentativamente el 7 del mismo mes).

LA DANZA REGRESA AL CASTILLO

POR: Dalia De León Adams

 

El Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández ha logrado como siempre impactar con sus coloridos y múltiples bailes. En ésta ocasión engalanado se presenta en uno de los recintos más bellos de la Ciudad de México; me refiero por supuesto al Castillo de Chapultepec, en donde se recrean tanto danzas como bailes tradicionales al ritmo de mariachis y músicos de banda sonora, que son los más destacados y distintivos de cada región, la cual es representada de manera cultural, mediante éste interesante proyecto.

El Ballet Folklórico de México sigue cautivando al público tanto nacional, como internacional, introduciendo lo más selecto de cada región, como lo son la zona de Jalisco, Sonora y Veracruz, que en ésta ocasión presentan.

El Ballet Folklórico de México fue fundado por la bailarina y coreógrafa fallida Amalia Hernández en 1952. Durante alrededor de siete décadas se ha seguido colocando en el gusto del público, convirtiéndose en el conjunto emblemático más destacado y distinguido del baile folclórico nacional en éste país, dándose a conocer por casi todo el mundo, y continuando poniéndolo muy en alto a México por su gran nivel profesional y calidad artística que ofrece.

-“Innovador y revolucionario El Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández abre este 2024 con una corta temporada en el Castillo de Chapultepec antes de sus habituales presentaciones en El Palacio de Bellas Artes…

Bajo la dirección general de Salvador López López y la dirección artística de Viviana Basanta Hernández, el Ballet Folklórico de México continúa con el legado de ka bailarina , gestora y coreógrafa Amalia Hernández. El programa especial ara el Castillo de Chapultepec celebra lo mexicano a través de sus bailes, sus sonidos y su colorido.”- (nota en cartelera).

El día de ayer 13 de enero 2024 dio inicio LA DANZA REGRESA AL CASTILLO iluminándose la parte exterior del recinto de Chapultepec, en donde se dio gala con bailes, que entre mucho otros, se presentaron La Bamba, La Adelita, El Son de la Negra, y el tradicional y autóctono Baile del Venado, interpretado y ejecutado con gran maestría, simulando la vitalidad y muerte dada por unos cazadores de arco y flecha a tan característico animal, como suele ser éste ya icónico numero introducido por la Compañía de Ballet Folklórico de México, que gusta mucho tanto a propios como extraños de la región.

Danzantes y bailarinas alegraron con sus tradicionales zapateados y música vernácula en vivo, alrededor de 90 minutos, con un público que reconoció con sus efusivos aplausos la calidad de espectáculo ofrecida por ésta ya icónica Compañía.

 

LA DANZA REGRESA AL CASTILLO se está presentando tanto en el Castillo de Chapultepec a partir del 13 de enero, como en el Palacio de Bellas Artes, en donde continuará su presentaciones que concluirán el día 24 de enero 2024.

MARINA & ISABEL

POR: Dalia De León Adams

 

MARINA & ISABEL es la puesta en escena en puerta de la dramaturga y directora teatral Bárbara Colio, la cual por cierto fue galardonada con el Premio Nacional  “Oscar Liera” en 2021, como según hizo saber la misma autora, quien tras del paso del Corona Virus que azotó al mundo en momentos de encierro e incertidumbre, arriesgara su pluma, sin saber qué una vez más, sería un gran acierto en su producción dramatúrgica.

En opinión al jurado: -“es una obra que actualiza mitos fundacionales de la cultura iberoamericana de manera original y arriesgada. Destacamos su versión de figuras históricas a través de una marcada ironía y un humor iconoclasta.-

Montaje escénico que lleva empero el distintivo que caracteriza a la escritora Bárbara Colio, quien en base a su talento, da vida a personajes icónicos de la literatura (que en ésta ocasión son históricos) pincelándolos con características muy humanas, inmersas en la cotidianidad de un día cualquiera, bajo un dejo de casualidad y cierto disimulo, que pone de manifiesto la cultura que posee la autora, al encumbrarlas.

-“Un encuentro imposible que la ficción hace posible. Isabel (La Católica) es la directora de una empresa trasnacional. Esta es la primera vez que visita la sucursal mexicana, en la otra mitad del mundo. Sin que nadie e entere, ni Cortés, Isabel se entrevista con Marina (Malinche) la obrera que ha logrado ser la líder y traductora de los trabajadores que amenazan con una huelga, poniendo al mundo en juego.

MARINA & ISABEL rompe la tradición de éstos dos personajes históricos y los instala en el aquí y ahora, en éste mundo voraz de producción mercantil, en este frágil mundo a punto de colapsar por un virus indescifrable. Y rompe también con el teatro, en el confinamiento, la autora dudó en terminar esta obra y os personajes lo saben, por lo que unidas y con más fuerza que nunca, emprenden su propia batalla para poder existir.”- (nota de la casa Difusora IQ).

Así es como el encuentro es imaginado por Bárbara Colio entre dos mujeres, quienes de distinto modo transformaron el modos vivendus de toda una época sin tomar conciencia de ello durante el Renacentismo.

MARINA & ISABLE es una obra que expresa dos puntos de vista antagónicos durante un imaginario encuentro, en donde sus dos personajes protagónicos recobran vida habitando en el mundo actual.

Recordemos que en la vida real, nunca se conocieron Marina, más conocida como en los capítulos de La Conquista Española, como “La Malinche”, mujer inteligente quien sirviera de traductora a Hernán Cortés durante su labor de conquistador; e Isabel 1ª “La Católica”, reina de Castilla y Aragón a partir de 1474 hasta su muerta acecina en 1504.

Sin embargo, tomemos en consideración que el teatro es magia, e incluso penetra en lo onírico; es donde los sueños y pesadillas retoman vida, bajo el hechizo de la tinta de textos de sus creativos dramaturgos, quienes introducen mediante  diálogos, diversas formas y características que legan a sus personajes, mediante lo que aseguran se debe, al mágico duende que habita en los “foros”.

 

MARINA & ISABEL se presentará ya en el Teatro El Galeón, en el Centro Cultural del Bosque, del 18 de enero hasta el 10 de marzo.

 

TONTA

POR: Dalia De León Adams

 

Deseándole a todos Ustedes un próspero Año Nuevo lleno de realizaciones, reiniciamos nuestra labor periodística con una puesta en escena de uno de los dramaturgos que ha demostrado tener “pluma”; término que como Usted sabe es el indicador del talento de un escritor. Su Compañía Teatral se denomina “Los Tristes Tigres”.

Grupo artístico creativo bajo la dirección y dramaturgia de Adrián Vázquez, quienes el día de ayer martes 9 de enero 2024,  ofrecieron una Conferencia de Prensa con motivo de dar a conocer un poco al respecto de la agenda de actividades que tendrán en el Foro Shakespeare, actividad tras la cual se dio inicio a  la  función de la obra teatral intitulada TONTA, a manera de inicio de la residencia artística programadas para ser representada.

TONTA ya había sido presentada en el Centro Cultural “El Hormiguero” el reciente concluido Año 2023, y en ésta ocasión se presentó el monólogo nuevamente con su joven interprete, la actriz María Antonieta Hidalgo, y con un texto un poco renovado, el cual mantiene la línea teatral que le infiere su autor Adrián Vázquez, a manera de comedia, con ciertos matices de ingenuidad y perspicacia, en cuanto al perfil de su personaje protagónico.

La obra teatral consiste en un espectáculo unipersonal, en el cual la actriz María Antonieta Hidalgo, una integrante del grupo creativo “Los Tristes Tigres” da vida mediante un monólogo, a una chica mezcla de atrevimiento, ingenuidad e irreverencia, quien descubre sus dotes de actriz, en lo que se pretende sea una película pornográfica.

El personaje incurre en el desglose de situaciones vívidas, tras de intentar quedar en el rol estelar porno mediante un casting que detalla la preparación que la chica núbil, desea obtener.

Así es como va poco a poco narrando los sucesos mediante el personaje femenino que funge como “Un Yo Narrador, en Primera Persona” quien inicia la narrativa del texto, expresando algunos pormenores de su infancia, el medio que la rodea tanto en el seno familiar, como estudiantil, como su inicio en el mundo “Porno”.

Así es como el personaje poco a poco mete al espectador en algunos episodios vívidos de la chica, quien narra su experiencia con mezcla de ingenuidad, sinceridad y argucia, que cautiva.

Hecho que dentro de la narrativa poco a poco va llevando a un tono más colorido y comprometido de situaciones que el personaje va matizando con un lenguaje coloquial, un tanto subido de tono.

La actriz María Antonieta Hidalgo empero a ser un monólogo, interpreta a diversos personajes, que cobran vida mediante la modulación de su voz y por los movimientos que ejecuta en escena, tanto corporales como faciales, que logran hacer que el espectador distinga de inmediato a los diversos personajes que por cierto, están perfilados bajo un toque de humorismo que   hace reír a carcajadas constantemente, al público presente.

Toque especial que suele utilizar su escritor, el Señor Adrián Vázquez, a todas sus obras teatrales y que le han hecho tener cada vez un mayor número de seguidores que disfrutan de su indiscutible talento. 

Adrián Vázquez es hombre creativo que ya no necesita de mucha presentación, pues en el medio ha logrado colocarlo y darle fama con varios de sus éxitos como el de “Los Días de Carlitos” o “Wenses y Lala”, “Dos por el camino” “Los días de Carlitos”, “Algo de un tal Shakespeare”, “Visceral” o,  “Los que sobran”, siendo ésta última obra, la que está por estrenarse en el Foro Shakespeare.

Finalmente le recordaré qué Adrián Vázquez quien dicho sea de paso, como actor ha estado nominado en los Premios Ariel, bajo la categoría de “Mejor Co-actuación Masculina” ha incursionado en diversos rublos del medio escénico como actor, escritor, director y creador de su propia Compañía Teatral denominada “Los Tristes Tigres” la cual cuanta cada vez con un mayor número mayor de integrantes.

Y como tiempo atrás expresé públicamente, su curriculum vitae es bastante abundante, tanto en estudios como en experiencia profesional, y sin embargo Adrián Vázquez no ha perdido “la sencillez” que sólo  caracteriza a “Las Grandes Figuras”.

 

TONTA es la puesta en escena del maestro Adrián Vázquez y su Compañía “Los Tres Tristes Tigres” quienes están celebrando su primer lustro de actividad teatral, deleitando a su público cautivo con todas las obras escritas bajo su autoría, e incluso, están por sorprendernos con dos nuevas dramaturgias más, que prometen colocarse en el gusto del espectador.

 

LA CONVERSIÓN DEL DIABLO

POR: Dalia De León Adams

 

Bajo la dirección escénica de Martín Acosta, la puesta en escena del dramaturgo Carlos Pascual cerrará el día de hoy 17 de diciembre 2023, su temporada en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque (CCB).

Teniendo como reparto estelar a parte de los actores estables del Centro Nacional de Teatro (CNT) quienes son Fernando Bueno, Armando Comonfort, Nicté del Carmen, Marco Antonio García, Erando González, Zaide Silvia Gutiérrez, Fernando Lozano y Pedro Martínez Arredondo.

Obra teatral que como la gran mayoría de los montajes escénicos del CNT resultan ser una promesa por su gran calidad tanto actoral, como escénica, en dirección y por supuesto por los textos selectos que representan en el escenario.

La puesta en escena es una mezcla de datos fehacientes, entremezclados con la ficción, resultante de la pluma de su escritos Carlos Pascual, quien muestra más allá del paradigma histórico, una narrativa en donde asoman virtudes y defectos humanos, envueltos por supuesto en una idiosincrasia secular hispánica e indígena.

La escenografía presenta una plataforma central escalonada en donde se muestra con mayor fuerza, escenas con un enfoque de índole religioso prehispánico e inquisicional.

Los personajes recorren alrededor de dicha plataforma de manera ocasional, en tanto que suben y bajan la cima escalonada, en donde surgen los diversos cuadros que conforma ésta obra, cuyo género teatral es histórico,

La música es otro de los elementos que recrean ésta puesta en escena cuyos personajes mayoritariamente portan vestimentas autóctonas, así como la presentación de la tradicional túnica que lleva el español de Góngora a la usanza de los frailes adosaban en aquella época, durante el encuentro entre los dos mundos.

La temática es en torno a la manera del trato brutal hacia los indígenas aledaños, quienes sufrieron de maltratos y fueran atormentados, masacrados, violentados y quemados en aras de salvar sus almas, según la imposición del nuevo credo cristiano.

Todo ello mediante un proceso actoral de meta-escena o meta.-teatro; es decir qué la dramaturgia incorpora dentro del texto, otra obra teatral puesta en escena por el fraile de Góngora a los naturales, ante el intento de evangelizarlos.

Finalmente le comento con respecto al contenido de la temática de ésta puesta en escena, en la cartelera teatral se presentó la siguiente consideración:

 

-El texto como herramienta evangelizadora en el México Novohispano: la salvación espiritual a través de la sumisión. El teatro como representación de lo humano en la utopía franciscana contra la censura inquisitorial de los dominicos esforzados en desaparecer un patrimonio espiritual cosmogónico y ancestral. El teatro colonizador del nuevo mundo.”-

 

REMEMBRANZAS Y DESEOS DE UNA BUENA NAVIDAD

POR: Dalia De León Adams

 

Ya estando en la hermosa época Decembrinas, en donde se enciende luces de colores que alumbran algunas calles, comercios y calles, y se exponen hermosos adornos con la promesa de una Feliz Navidad en familia, al volver el rostro, podemos observar el fruto de nuestro esfuerzos e intentos por realizar nuestros sueños, ya planeando caminar prosperas rutas para el vecino Año Nuevo.

Le deseo que Usted cumpla sus más íntimos deseos en compañía de sus seres amados y no me resta más que recordar la senda laboral recorrida en éste Año 2023, lleno de esfuerzos y andanzas, buenas o malas, llenaron de experiencias mi vida.

Por ello es que REMEMBRANZAS he titulado la presente nota, haciendo un intento en recordar los momentos tan amenos que he vivido disfrutando de funciones y espectáculos que en mayoría fueron de índole teatral, pero que también acariciaron mi espíritu con eventos presenciados por bellos conciertos escuchados en recintos como lo son El Centro Cultural Cantoral, la Sala Ollin Yoliztli, El Teatro de la Ciudad Esperanza Iris o el Centro Universitario Cultural (CUC), o bien, con la Filarmónica de las Artes bajo la batuta de Enrique Abraham Vélez Godoy.

 Y como olvidar La Danza ofrecida por el ya legendario Ballet Folklórico de México de la finada maestra Amalia Hernández, o la danza contemporánea ofrecida en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque (CCB) o en el Teatro de la Ciudad. 

También algunas exposiciones pictóricas ofrecidas por La Universidad Autónoma Metropolitana  (UAM), o en la Galería Manuel Felguerez de dicha Rectoría, así como obras escénicas en el Teatro Casa de La Paza aumentaron mi interés por la cultura en general-

Empero, mi afición al teatro me llevó a escribir con mayor frecuencia respecto a las puestas en escena teatrales presenciando últimamente obras en diversos recintos como el Teatro de la Facultad de Arquitectura de la (UNAM) como lo fuera LA GUERRA FRÍA, en el Teatro Santa Catarina, UP DID IT e ISLA POPOTES; en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón MÁS ALLÁ DE LOS HOMBRES; en el Teatro Sor Juana Inés de la Cruz LEONORA, en el Espacio Escultórico UNOS TALES ROMEO Y JULIETA; en el Teatro Casa de la Paz y la Gruta SI MUERO JOVEN NO QUIERO FLORES; en el Teatro Hidalgo EL MAGO; en el Teatro Rafael Solana 2:22 UNA HISTORIA PARANORMAL y UNA NOCHE DE LOCURA; en La Capilla PEER GYNT; En el Teatro Xola A MI LA MUERTE ME PELA LOS DIENTES; En el Teatro Rodolfo Usigli EL CUARTO REY MAGO; En el Salón Stelaris del  Hotel Fiesta Americana MOULIN PETIT; en el Club Nocturno Kilens LAS TARDES DE CABARET; en el Círculo Teatral AQUÍ NO PASÓ NADA  ; en La Casa del Teatro, Foro Víctor Hugo Rascón Banda VIAJE POR LA ÚLTIMA ESPERANZA; Teatro El Milagro RESPIRAR Y CAER; en el Teatro El Milán OLEANNA; en el Foro Shakespeare EL HIJO DE PUTA DEL SOMBRERO; en el INBAL Teatro El Galeón Abraham Oceransky CUARTO OSCURO; en el Teatro Helénico JUANA VALIENTE y CARLOTA; en el Teatro Libanés; En el Teatro Ignacio López Tarso TOC, TOC, en el Teatro Libanés SCAPE ROOM y DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA; Teatro Insurgentes MAMA MIA; Teatro Telmex VASELINA; en el Foro La Gruta MABEL. Teatro Hel

énico L vEONARDO/ o EL NAVÍO DE LOS INGENUOS/ JUANA VALIENTE; teatro anexo al foro Shakespeare, MUÑEQUITA.

Obras que en mayoría están cerrando la temporada de representaciones en el presente año 2023. Algunas continuarán su ciclo de funciones, en tanto que otras darán paso a nuevas creaciones teatrales.

 

¡GRACIAS A TODOS POR PERMITIRME ENTRAR EN EL MÁGICO MUNDO DE LA IMAGINACIÓN! 

POÉTICAS DEL DESPLAZAMIENTO

POR: Dalia De León Adams

 

-“POÉTICAS DEL DESPLAZAMIENTO es un proyecto escénico transdisciplinar donde se intersectan el lenguaje teatral, la práctica de Performance Art y el trabajo con la comunidad, cobijados por la multimedia y la música en vivo, donde el público tendrá una experiencia activa a través de las acciones preformativas…

La obra de teatro surge de la idea original de *Violeta Luna* quien también es responsable de la dirección y la producción general. Violeta investiga en su trabajo la relación entre el teatro, el arte acción (Performance Art) y el compromiso social.

Trabajo en un espacio multidimensional que facilita el cruce de fronteras estéticas y conceptuales, Luna utiliza su cuerpo como territorio para la problematización, el cuestionamiento y el comentario relacionado con fenómenos sociales y políticos. (notas textuales del boletín de prensa).”-

Violeta Luna es una actriz mexicana, quien obtuvo su título de licenciatura en el Centro Universitario de Teatro (CUT) d la UNAM, además de realizar sus estudios en La Casa de Teatro de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM).

Su trabajo ha sido exhibido en diversas latitudes como lo son los países de Ruanda, Egipto, la India, parte de Europa, Nueva Zelanda, Japón, Estados Unidos y Canadá. Además la actriz forma parte como miembro de la Red Internacional de Mujeres en el Teatro Contemporáneo denominado Proyecto Magdalena.

Le comento a Usted qué el trabajo de Violeta Luna en torno a lo que denominó POÉTICA DEL DESPLAZAMIENTO surgió a través de la idea de convocar a diversas mujeres instaladas en La Casa de Refugiados de la Ciudad de México, con quienes tras de impartir algunos talleres, los cuales consistían en ofrecer técnicas preformativas teatrales, creó dicha obra.

Puesta en escena por supuesto, que tiene como objetivo el mostrar en la actualidad el modos vivendus de las mujeres inmigrantes en nuestro país, quienes por demás está mencionar, sufren de diversos tipos de injusticias que incluyen la de discriminación propio del género.

Así surgieron historias y testimonios en una mezcla poética, en donde el arte teatral juega un papel preponderante, en donde la expresión actoral invita a la reflexión que las misma inmigrantes expresan através del caos existencial padecido en la actualidad entre las integrantes de cada vez más abundante comunidad.

 

POÉTICA DEL DEZPLAZAMIENTO forma parte de La Serie de Identidades Migratorias en su 1ª Parte, y se presentara el próximo viernes 15 de diciembre a las 15:00 horas en La Caja Negra del Faro Cosmos (Calzada México Tacuba, Tlaxpana).

 

CUARTO OSCURO

POR: Dalia De León Adams

 

Obra del género teatral de cabaret, con algunos tintes o matices del teatro burlesque, en el sentido en que es un trabajo dramático que se enfoca en la ridiculización de varias  temáticas como son el de la presentación de los Dioses del Olimpo,  o bien, el de los genitales femeninos.

Dramaturgia escrita en colectivo por los dramaturgos Lou Best, Ariesna González, Erica Islas y Yurief Nieves, quienes abarcan otros rublos dentro de ésta puesta en escena farsica.

La trama presenta diversas temáticas a tratar, como lo son el de un mimo, quién especula o describe en el escenario algunos pormenores con respecto a los mitos griegos Los Dioses en el Olimpo, como en el caso de Prometeo y Pandora, con su legendaria caja de donde surgen los males que azotarán a la humanidad, según reza la leyenda.

Otra escena o cuadro es en función a la presentación graficada de Los genitales femeninos, quienes poseen voz propia, los cuales al alzan su voz para ser inspirados en el arte de amar, o más bien ser parte del erotismo femenino, bajo un parámetro abiertamente y sin tapujo alguno.

También aparece como parte de otra historieta un empleado de limpieza el cual baja interactuando con el público, quien se encuentra sentado en las mesitas con flores (y una probadita de vino tinto) rodeadas de sillas, que dan la sensación de realmente encontrase dentro de un cabaret.

Posteriormente se da paso al cuadro escénico en donde aparece una reunión vacacional de tres genitales, quienes bajo la voz y comentarios de sus interpretes, arrancan fuertes carcajadas del público.

Por otra parte actúa una gatita nudista, quien realmente realiza un performance de dicho estilo; tras dicha escena, un cuadro toma vida dando muerte a la gatita; casi por concluir, un par de mujeres lésbicas entre canciones afamadas cuentan su romance; finalmente aparece una mujer ataviada de manera provocativa intenta un romance con el joven violinista al cual logra seducir.

Temáticas tratadas con cierto humorismo negro en situaciones chuscas , las cuales están musicalizadas e incluso interpretadas por las mismas actrices quienes demuestran tener buen colorido vocal y actitudes en diferentes rublos de la actuación.

Todo ello bajo un tono picante o erótico, dentro de un escenario amueblado al estilo de los años 40’s con música que recrea dicha época de manera inicial, aún cuando la dramaturgia se recrea en diversos referentes que presentan diferentes épocas.

La dirección escénica muestran adecuación al texto a presentar, ello bajo la creatividad de Lou Best, Ariesna González, Erica Islas y Yurief Nieves, quienes dirigen al reparto estelar compuesto por Malcolm Méndez y sus mismos directores escénicos, con excepción de Yurief.

Con respecto a la Sinopsis general de la trama, en el boletín de prensa se puede leer textualmente la siguiente aseveración:

-“CUARTO OSCURO es un espectáculo de cabaret preformativo a manera de Teatro de Revista e inspirado en la estructura del Cabaret Berlinés; una farsa delirante y erótica con música, clown, y burlesque donde los fetiches y la política del cuerpo, la sexualidad femenina y el erotismo –incluso en tiempos de pandemia-, recobra su derecho al placer.”-

 

CUARTO OSCURO ( en memoria de Tenzing Ortega) formó parte del “Ciclo de Cabaret” presentado por el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), cuyas funciones fueron del 7 al 10 de diciembre, en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky, del Centro Cultural del Bosque; sin embargo el mismo grupo creativo teatral afirmó qué pretenden continuar presentándose en otros foros, el venidero Año 2023.

 

AQUÍ NO PASÓ NADA

POR: Dalia De León Adams

 

 

Obra teatral con situaciones un tanto chuscas en su tratamiento narrativo, cuyo título de manera “irónica” encierra los elementos medulares de la trama a tratar inmerso en el texto, cuya temática gira en torno a algunos sucesos de ficción tras del sismo padecido específicamente en “El Círculo Teatral”.

Dentro de la dramaturgia ocurren muchas circunstancias que van desde rumores inexistentes, cobranzas injustas por parte del gobierno, personajes oportunistas, comentarios de vecinos, la aparición de gente que pretende ser parte del medio artístico y diversos desacuerdos; entre además, de un embarazo inesperado.

Puesta en escena escrita y dirigida por el maestro Alberto Estrella, quien como es bien sabido, junto con su homólogo Víctor Carpinteiro, son los fundadores de dicho recinto Cultural, el cual incluye un instituto, una oficina, un pequeño museo o espacio de exposición artística, un lugar en donde se gesta y da paso a la recreación y creación poética, además de dos pequeños restaurantes.

-“Alberto Rodríguez Estrella es un actor mexicano de televisión, teatro y cine. Cuenta con un foro cultural de Teatro llamado "El Círculo Teatral".

Nominaciones: Premio TVyNovelas al Mejor Villano, Premio TVyNovelas al Mejor Primer Actor, Premio Ariel a la Mejor Coactuación Masculina y más”- (párrafos de la Internet)

Con respecto a su reciente montaje escénico intitulado AQUÍ NO PASÓ NADA, en él se presenta una meta-obra; es decir, en la dramaturgia se realiza a la vez una función teatral, acorde a nuestra época decembrinas, es decir, se representa  el Advenimiento del Niño Dios, recreado por su autor Alberto Estrella de manera nada convencional, en donde los personaje son matizados más acorde al temperamento humano.

Puesta en escena en un solo acto a manera de lectura actuada, en donde participan como parte del elenco Ángeles Marín, Sonia Solórzano, Jorge Doal, Duna Alexandra, Christian Muñoz, Angélica González, Vicente Ferrer, Ana Corti, Luz Andrea Pimienta. Sonia Morán, Rubén Bringas y Gabo Anguiano.

AQUÍ NO PASÓ NADA tan sólo ofrece dos  funciones en los días 8 y 15 de diciembre a las 20:30 horas en el Circulo Teatral, el cual es presentado por su autor el Señor Alberto Estrella, como –Juguete cómico navideño musical sobre los hechos ocurridos después del sismo en El Círculo Teatral-.

 

 

 

NAVIDADES EN MÉXICO

POR: Dalia De León Adams

 

Hace siete décadas atrás, la maestra y fundadora en 1959 del “Ballet Folklórico de México” la maestra Amalia Hernández, junto con su hija Bibiana Basanta (quien según narró en conferencia de prensa) se propusieron investigar acerca de la festividades de la época decembrinas en los distintos Estados de toda la República Mexicana.

Ante dicha ardua labor, encontraron maneras culturales distintas arraigadas para festejar el advenimiento del Niño Jesús, propagadas a través de la herencia religiosa cristiana, legada por los conquistadores españoles a partir del siglo XVI.

Hoy en día por lo tanto, la compañía bajo la tutela de su director general, el Señor Salvador López López  y su coreógrafa, la maestra Bibiana Basanta Hernández, están a punto de celebrar las NAVIDADES EN MÉXICO en el hermoso Castillo de Chapultepec, actualmente dirigido por el licenciado en historia Salvador Rueda Smithers.

Con respecto de los que será la nueva propuesta coreográfica, la cual por cierto reúne alrededor de 100 participantes entre los que se encuentra por supuesto los bailarines de la compañía, voces corales, músicos y algunos cantantes solistas, entre charros que ejecutan con sus cuerdas o sogas (charro reata o western cowboy) y un nacimiento.

Diablitos, iniciaron el espectáculo ofrecido a la prensa, continuado por peregrinos, cánticos navideños, un charro reata y la presentación de una gran y colorida piñata de la que caían varias serpentinas.

-“NAVIDADES EN MÉXICO presentado por Citibanamex (por parte de su Directora Vanessa González) está inspirado en las festividades tradicionales de nuestro país, mismas que se traducen en tres actos.  El primero recrea el bello momento de la anunciación, que continúa con el montaje de un nacimiento viviente. En el segundo acto, Los Reyes Magos ofrecen regalos al niño Dios, representado con danzas provenientes de la región del Istmo de Oaxaca, Yucatán, Chihuahua y Tamaulipas, así como bailes inspirados en las costumbres de Tlaxcala, Michoacán y Veracruz.

Por último se muestra una posada típica mexicana; los peregrinos, el canto de letanías, la luz de las velas, que representan la guía de los caminantes, y la tradicional piñata, que simboliza los siete pecados capitales y la fuerza que acaba con el pecado y las tentaciones.”- (boletín de prensa).

 

 NAVIDADES MEN MÉXICO ofrecerá varias funciones en el suntuoso Castillo de Chapultepec, todas a las 19:00 horas, a partir del día 20 de diciembre.

PREMIOS MÉXICO EN TUS MANOS

Por: Dalia De León Adams

 

 

En el margen del 10º Aniversario de los PREMIOS MÉXICO EN TUS MANOS en su Serie “Gold”, el pasado martes 5 de diciembre del año en curso 2023, se celebró el evento magno, en el Salón Poseidón del “Club Naval “ de la Secretaría de Marina.

Premiación en la cual se galardonaron tanto a importantes empresarios, como figuras del gremio cultural, y artista destacados. Galardones con baño de oro fueron entregados a la Mujer y Hombre de la Década, tras de iniciar la ceremonia de Premiación en su edición especial, celebrando lo que denominaron “La Nueva Era”.

Al evento comenzó entre la prensa, entrevistadores, dirigentes del evento, edecanes y muchas celebridades que caminaron en la alfombra roja. En ella aparecieron múltiples personas que serían ovacionadas en los distintos rublos, junto con grandes personalidades, como lo fueron el Comisionado de Derechos Humanos, de La ONU, La INTERPOL y la DEA, el Señor Daniel Frías.

También estuvieron presentes el Maestro Benigno Martínez Escalante, Secretario General de la 12ª Sección de Servicios Médicos del SUGT de la Ciudad de México; El Doctor en Arquitectura Ramiro David González, Diseñador Internacional de Joyería; el Primer Actor Sergio Corona; el productor y actor Gerardo Quiroz; la cantante Dulce; Los conductores de Televisión en la edición artística Pepillo Orijel y Gustavo Adolfo Infante.

 Se reconoció la labor del productor Antonio Escobar; El afamado luchador reconocido por la audiencia como “El Vampiro Canadiense”; el Doctor César Lozano; La cantante Dulce; el llamado “Vidente de las Estrellas”, el Señor Jorge Flores; el diseñador de moda Mitzi; la productora de Televisa, Carla Estrada; y el grupo “Los Dandy’s” entre otras figuras más.

Finalmente le comentaré qué la Gala de Premiación tras de la Alfombra Roja en donde todos desfilaron para ser tanto fotografiados como entrevistadas por la prensa, dichas personalidades de nuestro país, se dio inicio con la presencia de la Heroica Guardia Naval, la cual se presentó rindiendo Homenaje a la Bandera.

 

Posteriormente se entregaron las preseas entre una gran cena dispuesta en el Salón Poseidón. Evento  MÉXICO EN TUS MANOS  en su Décimo Aniversario que como a-priori he mencionado fue en su Serie Golden, la cual por cierto, tuvo una larga duración.

TRÁGAME SUEÑO

POR: Dalia De León Adams

 

TRÁGAME SUEÑO es una puesta en escena surrealista por su tratamiento escénico, y/o perteneciente al género fantástico, en donde todo es posible. La trama de ésta obra la cual que tiene una temática en torno a las familias “rotas”, por llamarlas de algún modo, en donde uno de los padres abandona el hogar, y los hijos se quedan al cuidado de uno sólo de sus miembros.

En el caso de TRÁGAME SUEÑO, el padre se responsabilizará de los hijos. Es un cuento basado en el texto escritor por el afamado germano Michael Ende nacido el siglo pasado en Garmisch- Partenkirchen, Alemania 1929-1998.

Acerca de su autor, Michael Ende (quien escribiera por cierto su cuento magistral denominado MOMO, dicho sea de paso) se encuentran varia notas en la Internet, siendo una de ellas la siguiente, de manera resumida:

-“Michael Andreas Helmuth Ende fue un escritor alemán de literatura infantil y fantástica. Sus obras más conocidas son las novelas La historia interminable, Momo y Jim Botón y Lucas el maquinista.”-

Volviendo a la obra TRÁGAME SUEÑO en dicho cuento un Rey se responsabiliza de sus dos pequeñas princesas, siendo una de ellas constantemente afectadas por pesadillas  durante la noche. A manera de continuidad, se muestra el mismo cuadro temático, pero abordado desde la actualidad.

Es decir qué la historia se vuelve a gestar, pero mediante un marco de referencia totalmente modernizado, en dónde una madre abandona el hogar familiar, razón por la cual su esposo se hará cargo de las dos infantes, siendo una de ellas quien sufre de frecuentes pesadillas y arrastrará a su hermana por el mismo umbral. Y mientras ellas van en búsqueda de una solución, por su parte el padre sufre de insomnio.

Temática que lejos de ser presentada o analizada mediante alguna teoría de la psicología o del psicoanálisis, incurre a personajes ficticios, como parte de la solución, mediante la narrativa. Y ¿qué mejor que el personaje onírico de un “Traga Sueños”?

Es por ello que en el boletín de prensa aparece la siguiente consideración al respecto:

-“¿Sabes que hay detrás de tus sueños o de tus pesadillas? La obra infantil de danza TRÁGAME SUEÑO ayuda a reflexionar al respecto. Se trata de la historia de dos niñas que viven en sus sueños despiertas y dormidas; y de su papá, quien no puede soñar.

Una se llama Domitila y su hermana menor, Pequeña. Viven en el reino de Dormilandia, donde lo más importante es dormir bien. Sin embargo la primera no quiere hacerlo por miedo a las pesadillas y pone muchos pretextos

Para ayudar a Domitila una tribu de soñadores lúcidos, de la cual su hermana es parte, la ayudan a encontrar la razón y la solución a estas pesadillas metiéndose en sus sueños, ya que esta tribu viaja de sueño en sueño, jugando a cambiar la realidad de éstos..”-

TRÁGAME SUEÑO es un montaje escénico presentado a manera de Teatro-Danza o viceversa, en dónde por supuesto, el baile es uno de los elementos que forman gran relevancia en la presentación escénica.

 

TRÁGAME SUEÑO se presenta en el Teatro de la Danza “Guillermina Bravo” del Centro Cultural del Bosque (CCB) en horario matinée, los fines de semana.

 

MUÑEQUITA

POR: Dalia De León Adams

 

El grupo creativo teatral  denominado “Colectivo Ancestre” acaba de estrenar la obra MUÑEQUITA en aras del confrontamiento real con respecto a la problemática del abuso infantil.

Puesta en escena de Gina Martínez, quien mediante el proceso de la narrativa va deshilvanando pormenores del abuso hacia una menor por parte de la pareja sentimental de su madre; hecho que desgraciadamente sucede en muchos “supuestos hogares”, en dónde no se le da credulidad al o la menor, guardándose en aparente secreto,  por parte de los demás integrantes de la familia.

En el caso de MUÑEQUITA, el abuso sucede en secreta complicidad de la madre, quien lejos de actuar y denunciar al victimario, se solidariza con él manteniéndolo en secreto.

En el montaje, el personaje de la pequeña, bajo los aparentes “consejos de su madre” aprende a NO ser mujer, a NO sentir,  a NO rebelarse ante el desgarro de su intimidad y de la coerción de su ingenuidad.

Solamente debe someterse ser esa MUÑEQUITA que la sociedad durante largo tiempo, ha intentado que tome postura y aprenda a reprimirse. Aprenda como único objetivo a ser un objeto masculino.

La trama cruenta en términos de la narrativa teatral, incursiona dentro del género naturalista, en el sentido en que se habla y se expresan sin censura alguna, con respecto del deseo femenino que lleva al personaje femenina, a prostituirse finalmente por elección propia.

La negación social ante el placer femenino, es una de las premisa en torno a cual surge ésta trama dramática, en cuanto a su tratamiento temático. Monólogo que surgiera mediante las siguientes premisas:

-“MUÑEQUITA es una pieza escénica unipersonal del colectivo Ancestre que explora temas profundos y oscuros sobre la violencia y la rabia interiorizada. La trama se desarrolla a través de la apertura de una misteriosa caja de una muñeca que se va abriendo para develar el secreto de cómo se convirtió en un juguete.

A través de la historia, los espectadores serán terapeutas y testigos de las heridas internas de MUÑEQUITA. Ella se mueve, habla, se viste, juega en su sillita de madera, acompañada de una sonorización inquietante llena de voces monstruosas que susurran detrás del sonido de una caja de música, creando una experiencia intensa y conmovedora.”-

MUÑEQUITA es un proyecto escénico que naciera en base de un ejercicio terapéutico en torno a la violencia psicológica y sexual. Es una obra que intenta aludir a un tema relevante, dirigida por Alex Benavides, e interpretada por la actriz Gina Martínez, su escritora, quien finaliza con la lectura breve en torno a la temática de la violación infantil, bajo un tono de denuncia. Denuncia ante la injusticia y el abuso irreparable que no ha encontrado eco alguno.

 

MUÑEQUITA e presenta en el Foro Shakespeare, en la Teatrería y en Foro 77 en distintas fechas y horarios.

 

MABEL

POR: Dalia De León Adams

 

-La sonrisa sana el alma-

 

¿Quién no ha leído, visto, o por lo menos escuchado algo sobre la obra “Macbeth” de Williams Shakespeare? La pregunta salta a colación, pues la nueva puesta en escena escrita por el argentino Emiliano Dionisio, bajo la dirección escénica de Alonso Iñiguez, precisamente aborda la parte medular de la tragedia de “Macbeth” rey de Escocia, que impactara tanto al público.

Tal vez Usted se pregunte ¿en qué estriba la diferencia? de tal modo que su “adaptador” incluso ha logrado cambiar el título original por el de MABEL?. La respuesta es simple, en base a los elementos del texto shakesperiano, Emiliano Dionisio logró una nueva dramaturgia bajo un tono totalmente de comedia, dándole un giro de 360 grados, a tan afamada tragedia.

Puesta en escena qué además es interpretada por tan sólo dos personajes, en el escenario, y quienes son Santiago Zenteno y Angélica Valter; ésta última es quien alterna con la actriz Adriana Montes de Oca, para lograr representar a la mayor parte de los personajes que formaran parten de la narrativa del texto en Macbeth.

Bajo un tono chusco, la obra teatral marca perfectamente los momentos trascendentales de la tragedia shakespeareana, dándole comicidad a las escenas interpretadas en cada cuadro escenográfico, gracias a las grandes interpretaciones de los tres actores, a la excelente dirección Alonso Iñiguez y por supuesto al texto bien estructurado de Emiliano Dionisio

-“Macbeth es una obra teatral que aborda el tema de la ambición y cuáles son sus consecuencias. Escrita hacia 1606, es representativa de la obra de Shakespeare…

La Tragedia de Macbeth destaca la búsqueda del noble escocés para convertirse en rey, con la ayuda de su esposa Lady Macbeth, y las consecuencias que ...

Macbeth es una tragedia de William Shakespeare que aborda temas como la ambición, el poder y las consecuencias morales de sus actos. La historia sigue al ...

En la obra de teatro «Macbeth» de William Shakespeare, Macbeth es asesinado por Macduff en la batalla final. Macduff es un noble escocés que se…

La tragedia de Macbeth, la obra de Shakespeare sobre un noble escocés y su esposa que matan a su rey por el trono, muestra los extremos de la ambición y la…”- 

Éstas y otras acotaciones más al respecto de la obra “Macbeth”, se encuentran con respecto a dicha dramaturgia, la cual como Usted sabe, se ha convertido en una de las obras icónicas tan afamado y elocuente escritor inglés, Williams Shakespeare, llevándola a ser un clásico del Teatro Universal.

Sin embargo, este nuevo montaje escénico se realizaría a través de otras premisas que motivaron a los creativos de ésta nueva comedia de MABEL, bajo los siguientes términos:

-“En cuanto tuvimos el texto de MABEL en nuestras manos, sentimos la necesidad y la urgencia de llevarla a escena. Después de los momentos fuertes vividos en pandemia, sabíamos que uno de nuestros regresos a los escenarios debía ser con una obra que sacara sonrisas después de tanta oscuridad.

La comedia siempre sana y hoy en día hace falta reír, y que mejor que hacerlo con una comedia inteligente escrita por Emilio Dionisi, quien logra a través de una adaptación de un clásico de Shakespeare como lo es “Macbeth” considerando una de sus tragedias más oscuras convertirla en una comedia, si bien tenebrosa, al final de la dinámica, ingeniosa, divertida y luminosa. Creemos firmemente en la función de las obras clásicas y en sus reinterpretaciones a través del tiempo.”-

Puesta en escena montada en un solo tiempo y cuadro escenográfico, que esta compuesto por grandes telones plásticos en color blanco que se irán abriendo uno a uno, para dar paso a ésta tragicomedia, en donde e blanco, sobresale con el rojo que poco a poco irá tiñendo el escenario.

 

MABEL bajo la versión libre del texto de “MACBETH, se presenta en el Foro la Gruta, del Centro Cultural Helénico (CCH) hasta el día 17 de diciembre, con funciones de viernes a domingos.

UI DID IT

POR: Dalia De León Adams

 

Obra teatral en la cual se logra advertir a un grupo creativo, que demuestra tener gran madera de artistas, aún cuando apenas están por concluir su carrera como actores en la Escuela Nacional de Arte Teatral.

UI DID IT forma parte del “Ciclo de Obras Ganadoras” del 30º Festival Internacional de Teatro Universitario, que se han estado presentando en el Teatro Santa Catarina de la UNAM, en Ciudad de México.

UI DID IT (UI lo hizo) es el título muy sui generis al texto de Bertolt Brecht intitulado “Arturo Ui” en el que se denuncia la corrupción, mentiras, violencia, e incluso asesinatos, en los cuales generalmente incurre un sector, en aras de mantener el poder en todas sus premisas.

Obra perteneciente al género tanto del teatro didáctico, como del de denuncia, como solía ser el sello distintivo de tan eminente dramaturgo, Bertold Brecht (nacido en Augsburgo, Alemania 1898-1956) quien dicho sea de paso, fuera galardonado con el Premio Drama Desk, en el rublo de Mejor texto, con el Premio Lenin de la Paz y el Premio Kleist, entre otros reconocimientos.

-“Eugen Berthold Friedrich Brecht, conocido como Bertolt Brecht fue un dramaturgo y poeta alemán, uno de los más influyentes del siglo XX, creador del teatro épico, también denominado teatro dialéctico.”- (Nota en Wikipedia)

La puesta en escena de UI DID IT resultó ser montada en dos tiempos escénicos, contando con música, canto, baile y una gran interpretación de los personajes chuscos que se sugieren en el texto de Brecht.

Personajes que se presentan adosados con trajes y sombreros a la usanza secular del autor alemán, con maquillajes que sugieren las máscaras que algunas personas utilizan para cubrir sus verdaderas intenciones.

Como sinopsis de la trama, se presenta en el boletín de prensa el siguiente párrafo textual:

-“El mafioso Arturo Ui busca expandir su poder y dominio en el comercio de la coliflor en Chicago. Para ello se servirá de todos los medios con tal de llegar a la cima. Esta historia esta basada en un acontecimiento mundial, en donde un dictador con bigote icónico casi domina el mundo; pero en ésta ficción no hay soldados, sino gángsters en la gran urbe de Chicago de los años treinta. Cualquier parecido con la realidad pasada, presente o futura… no es mera coincidencia.

El reparto estelar esta compuesto por Alejandra Domínguez, Ana Rojas, Andrea Marentes, Cristina Ramos, Doroty o Melanie, Guillermo Aguilar, Harriet Vázquez, Hazza, Ismael Robles Tovar, Joshua Él Árbol, Karina Ávila, Leo Ledesma, Leonardo Garrez, Paulina Hegewisch, Samuel Arcadio y Paulina Ibargüengoytia.

Finalmente le comento qué UI DID IT realmente resultó ser una puesta en escena muy bien lograda, y dirigida, con un gran elenco y por supuesto, con un excelente texto que muestra la realidad sin tapujos, pero con un toque de disimulo de intenciones, que realmente se logran trasparentar, gracias a la narrativa ingenioso matizada con un toque de simpatía, incluso en los personajes deleznables, que su autor lograra plasmar.

El texto de Bertold Brecht bajo el título de UI DID IT se presenta bajo la adaptación de Samuel Arcadia, Alejandra Domínguez, Lola Luna, Cristina Ramos y Leonardo Ledesma y la dirección escénica de Nohemí Espinosa, en el Teatro Santa Catarina del 16 al 19 de noviembre 2023

UNA NOCHE DE LOCURA

POR: Dalia De León Adams

 

Divertida comedia de enredos escrita por la dramaturga Patricia Martínez. Es una puesta en escena en dos actos escénicos, dirigida e interpretada por el  Señor César Evora, quien cubre el rol protagónico de Johnny, junto con la actriz Olivia Collins, quien aparece en escena  como su exesposa, Sofía.

Además actúan, Arturo Carmona en el papel de Carlos Augusto; Alejandra Haydee le da vida al personaje de Fernanda, Lalo Palacios aparece como Alberto el asistente, y finalmente Gabriela Carrillo Rubí,  actúa como Bárbara, la hija de Johnny y Sofía.

Montaje escénico que se estrenó el día de ayer 14 de noviembre, para la prensa e invitados en el Teatro Rafael Solana, del Centro Veracruzano, en Coyoacán, lugar en donde se ofrecerá otras funciones los días 17 y 25 de noviembre, para luego continuar su breve recorrido tanto en otros foros, como fuera de la Ciudad de México.

UNA NOCHE DE LOCURA además de contar con un atractivo reparto estelar, es una comedia que invita a reflexionar sobre la relación entre las parejas y sus múltiples malentendido, así como a la falta de comunicación que termina en una dolorosa separación.

Con un toque feminista, como lo advertiría el Señor Evora, la obra resulta ser totalmente contemporánea y divertida. Muestra situaciones chuscas y de “cierto humor negro” que arrancaron constantemente las risotadas del público.

A manera de sinopsis de la trama. UNA NOCHE DE LOCURA se resume perfectamente con los siguientes párrafos textuales que aparecen a colación de la temática a tratar, en la cartelera teatral, y que son los siguientes:

-“Esa noche Johnny viajara a Acapulco para disfrutar de una cita muy peculiar, su asistente Alberto, le ayudará para que todo salga perfecto, solo que no cuentan con que Bárbara, la hija de Johnny, precisamente esa noche, ha organizado una cena para presentar a su nuevo prometido, Carlos Augusto, quien al llegar se encuentra con que e la “Cita peculiar” es su exprometida, Fernanda con la cual terminó hace un mes.

Bárbara que ha solicitado los servicios de una cocinera y sin saber de la cita de su papá, confunde a Fernanda con la cocinera. Y cuando llega Sofía, a la cena de compromiso de su hija, Alberto la confunde con la cocinera.

Las mentiras y enredos se van dando de tal manera que ya no se sabe ni quién es quién. Al descubrir Sofía todas las mentiras de su “marido”

 

 

LEONORA (Oratorio sonámbulo en las tierras de España)

POR: Dalia De León Adams

 

 

Obra teatral del dramaturgo Alberto Conejero, que recrea uno de los episodios más cruentos y difíciles en la vida de la reconocida internacionalmente pintora surrealista, Leonora Carington: sucesos que quedaron plasmados en la memoria y en la obra de tan afamada artista plástica.

Recordemos quien fuera dicho valuarte del arte pictórico surrealista, en cuyo género incursionaría, tras de leer y observar las pinturas del libro que le obsequiara su madre, al descubrir la vocación de su vástaga por los lienzos y pinturas.

-“Mary Leonora Carrington nació en Lancashire, Inglaterra, 6 de abril de 1917. Fue una pintora surrealista y escritora nacionalizada mexicana. Falleció el 25 de mayo del 2011 en la Ciudad de México.

La carrera de Leonora Carrington inició en 1936 cuando ingresó a la Academia de Arte Ozenfant en Londres con tan solo 20 años…

Fue una gran defensora de los derechos de las mujeres, participando en 1972 en el Movimiento feminista de México. En el año 2000 recibió el premio de La Orden Real Británica y en el 2005 el Premio Nacional de Bellas Artes. Fue también nombrada Ciudadana de honor en la Ciudad de México.”- (notas de páginas WEB).

La puesta en escena LEONORA (Oratorio sonámbulo en las tierras de España) se basa principalmente, como bien sugiere el título, en su estancia en tierras Españolas, tras de huir del régimen nacista que la persiguiera, y encarcelara a su entonces pareja sentimental Max Ernst, un pintor alemán quien le doblaba la edad, acusado por el régimen, de perversión.

Es una puesta en escena interpretada con gran sensibilidad histriónica, por parte de la actriz protagónica, Carolina Politi (quien curiosamente tiene cierto parecido con Leonora Carrington) bajo la excelente dirección del maestro Juan Carrillo.

Como parte de la escenografía tan sólo aparece una silla, y una red, en donde la talentosa actriz al caracterizar a Leonora Carington, actúa y narra la trágica y dolorosa estancia que tuviera dentro de un centro de rehabilitación mental, en donde sufriera de grandes abusos, como mujer y como humana, sometida por la autoritaria tiranía de su padre, quien la persiguiera por Europa debido a sus grandes influencias, como hombre aristócrata y pudiente.

Un balis, es parte fundamental que utiliza la actriz Carolina Politi tanto para simular sus constantes ires y venires intentando darse a la fuga, así como para obtener algunos objetos más de tramoya, que se precisan para darle lógica y secuencia a la trama, propuesta en un sólo tiempo y cuadro escenográfico.

El juego de luces es otro de los elementos importantes para precisar algunas de las escenas del montaje teatral, así como la ocasional Voz in Off. En suma, es una puesta en escena bien lograda, en cuanto a la perspectiva que la compañía creativa desea desarrollar, y cuya narrativa se basa en la siguiente premisa textual presentada en el programa de mano por la compañía difusora: 

-“¿Cuáles fueron algunos de los episodios que marcaron la vida de Leonora Carrington? Este oratorio sonámbulo busca explorar la vida y la obra de una de las artistas más reconocidas del surrealismo. A partir de una nueva creación colaborativa, esta propuesta escénica navega por los seis meses atroces y caóticos (junio de 1940 a enero de 1941) que Carrington pasó en España, para tratar de comprender de dónde vienen las figuras y violencias que la artista expresas en su magnífica obra. Mediante fragmentos imprevistos, unidos con la obra de Leonora, se presenta un universo tan lleno de luz como de sombras, tan asombroso como íntimo.”-

 

LEONORA (Oratorio sonámbulo en las tierras de España) se presenta en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz, del Centro Cultural UNAM, con funciones de jueves a domingos, hasta el día 03 de diciembre 2023.

MOULIN PETIT

POR Dalia De León Adams

 

Al parecer hoy en día se están poniendo, por decir de algún modo “De Moda” los montajes escénicos en escenarios que no son exactamente teatrales, o en callejuelas, pero no por ello dejan de ser dramaturgias de las que Usted puede presenciar, aunado al hecho de poder incluso, ingerir bebidas, brunchs o incluso de una cena.

Es justamente el caso de la obra teatral MOULIN PETIT, la reciente puesta en escena al estilo cabaret que últimamente se está presentado en el Salón “Stelaris” del Hotel Fiesta Americana Reforma.

Restaurantes y bares actualmente ofrecen al público puestas en escena, generalmente con temáticas mayormente tipo cabaret, que en el caso de MOULIN PETIT, sugería (por su título) contener una dramaturgia basada en la película multipremiada por el Oscar “Moulin Rouge”.

Contenido temático que no tiene paralelismo alguno con ella, masque tan sólo por  el hecho de que ambas narrativas aborda el núcleo en el cual se desenvuelve y se recrea el arte burlesque y cabaret.

Le comento qué MOULIN PETIT contiene una dramaturgia escrita por Esau Rodríguez, cuya Sinopsis sobre el contenido medular de ésta obra teatral (como se publica en la Revista “Difusión Ka”  y en la cartelera teatral) es la siguiente:

-“La estrella principal del MOULIN PEIT ha sufrido un terrible accidente y una chica llamada Susy ha ocupado su lugar. En poco tiempo ha logrado cautivar al público, convirtiéndose en una estrella naciente. Sin embargo Christine quien ha estado por años intentando subir a la cima, ha sido relegada una vez más por Susy, pero esta vez no dejará que suceda nuevamente.

En secreto ha ideado una manera de inculparla del asesinato de Liza, una bailarina que logró entrar recientemente al cabaret, y con ello tener el camino libre hacia la gloria. Sin embargo, Paul la antigua estrella del MOULIN PETIT al descubrir que Christine ha sido la culpable de los infortunios en el cabaret, hará justicia por su propia mano, acabando con la vida de Christine, el mismo día de su ascenso.”-

El elenco está formado por Yareli Gutiérrez, Francisca Javiera Sandoval, Casandra Patiño, Leonardo Trejo y Esau Rodríguez, quienes caracterizan a los personajes del MOULIN PETIT que acorde al texto, es un lugar de moda, en donde toda bailarina desea ser la reina del Show.

La envidia, la competencia, los desacuerdos, medidas extremas, intrigas y frustraciones, son las temáticas que abordan ésta obra perteneciente al género dramático, por su tratamiento escénico.

MOULIN PETIT se encuentra a cargo de la Compañía creativa “Whitecute Films”. Puesta en escena en dos tiempos escénicos y un cuadro que abarca desde el escenario, hasta una plataforma de estilo pasarela, de donde la mayor parte de los actores se desplazan, en determinadas escenas.

 

MOULIN PETIT está programada presentarse en días domingos a las 19:00 horas solamente incluyendo dos funciones más, el 19 y 26 de noviembre en el Salón “Stelaris” del Hotel Fiesta Americana Reforma.

 

ISLA POPOTES

POR: Dalia De León Adams

 

En el marco de la 30ª celebración del “Festival Internacional de Teatro Universitario (FITU) se presenta la puesta en escena intitulada “ISLA POPOTES o La Historia de cuando quise abrazar un ave salvaje” a cargo del Grupo “Alas de Lagartija” Colectivo Titiritera del Centro Universitario de Teatro, Colegio de Literatura Dramática y Teatro y Escuela Nacional de Arte Teatral CDMX.

Es una puesta en escena escrita por Andrea López Ruiz y Luz Barragán en donde actúa un grupo de jóvenes actrices entusiastas, quienes participan con un texto bien estructurado que presenta diversas situaciones chuscas, pese a la temática a tratar un tanto cruenta, en el cual una tripulación a cargo de “María Antonieta y su hermanita” se dan a la búsqueda de localizar a un animal casi en extinción, es decir la última ave de una especie salvaje, para llevársela a un acaudalado capitalista.

Narrativa que lleva al cuestionamiento de la indebida caza de animales, la cual es prohibida, sobre todo cuando están a punto de desaparecer de la faz del planeta; por otro lado se muestra la corrupción que se gesta al respecto, incurriéndose en ella, so pretexto de un beneficio personal o paga indebida. Además lleva implícita una consigna con respecto al valor de la amistad, más allá de lo estipulado.

Es una puesta en escena en un solo acto y cuadro, en donde aparece como base escenográfica un especie de navío antiguo, que simulará el viaje largo y riesgoso rumbo a la ISLA POPOTES.

A manera de Sinopsis de la obra teatral, la compañía difusora a cargo de la Señorita Aura Fuentes, presenta el siguiente párrafo textual al respecto:

-“En la selvática ISLA POPOTES habita el último ejemplar del Ave del Paraíso, un gran Señor de la Gran ciudad envía a la tripulación del navío María Antonieta para capturarla. Durante éste peligroso viaje se preguntan si en verdad vale la pena capturar al ave a pesar de las consecuencias.

El elenco está formado por Jessica Lunet en el rol de la capitana, Charitie Rodríguez en el papel de Mu, Luz Barragán como Noezno, Andrea López Ruiz caracterizando a Cucú, Margareth Linares interpretando a Paloma, Ytzel Torres Esquinca es Júpiter, Gabriela Ladrón, en el papel de el Gran Señor de la Gran ciudad y el Ave mensajera,  finalmente Luz Barragán y Andrea López Ruiz son el Ave del Paraíso.

Todas ellas bajo la dirección escénica de Alondra Cuadrilla y la producción ejecutiva, diseño de vestuario, escenográfico y de iluminación, a cargo de Consuelo Ojeda.

 

ISLA POPOTES tan sólo se presenta en el Teatro Santa Catarina de la UNAM, del 9 al 12 de noviembre del año en curso 2023.

MARATÓN DE COMEDIAS

POR: Dalia De León Adams

 

Al parecer, por primera ocasión se presentará en nuestra Ciudad de México un MARATÓN DE COMEDIAS. Se trata de la representación teatral de tres monólogos o espectáculos unipersonales totalmente en vivo.

Dos de ellos muy conocidos ya, por el público amante del teatro. Una de las puestas en escena será interpretada por el actor Darío T. Pie quien desde hace largo tiempo con su proyecto unipersonal de “La Roña” caracteriza a la actriz del “Cine de Oro” que fuera reconocida internacionalmente, la Señora María Félix.

Personaje con el que el actor Darío T. Pie ha recobrado aún mayor fama del que ya tenía en el medio artístico, con su personaje de “La Roña”, el cual como Usted bien sabe, ejecuta con mucha gracia, y el gran talento histriónico que le caracteriza. Aunado al parecido que logra tanto en la voz, como en el físico de la icónica actriz.

La obra se intitula “Más viva que muerta” cuya temática a tratar es en torno a la muerte, mismo el cual abordarán, las otras dos actrices en escena. La actriz, (directora, productora y traductora) Susana Alexander, será quien dará inicio al MARATÓN DE COMEDIAS.

Intitulada “A mi la muerte me pela los dientes” nuestra querida Primera actriz Susana Alexander se presentará con una puesta en escena, que se basa en un recital o poemario selecto, el cual recita espléndidamente adecuando la voz y la entonación que cierta arte precisa, así como movimientos corporales y faciales que le otorgan mayor énfasis a sus palabras; además incluye un cuento, así, como la formulación de preguntas y comentarios por parte de la actriz, hacia su público seguidor.

La tercera y última puesta en escena será por parte de la joven actriz Majo Pérez, quien es uno de los nuevos valores en la industria actoral, quien se comprometió en representar el rol protagónico en su monólogo titulado “QUE NO SE CULPE A NADIE DE MI MUERTE”; Obra en la cual la narrativa aborda el intento de un suicidio. Obra teatral que se escenificará después de concluir la función de “Peter Pan, todo sale mal” en la cual se encuentra hoy en día trabajando Majo Pérez.

EL MARATÓN DE COMEDIAS, le comento, fue planeado bajo las siguientes premisas otorgadas por la casa productora “Bitácora Cultural”, un poco a manera de festejo por su 30º Aniversario de existencia. La empresa con rublo periodístico y cultural, que tras de surgir en la Ciudad fronteriza de Tijuana, se expandió rumbo a Baja California y hoy día s posesiona en la Ciudad de México bajo la Dirección de la Señora Alma Delia Martínez Cobián.

 

Evento qué según argumenta la empresa “Bitácora Cultural” utiliza el humor para cumplir con la tradición mexicana de los muertos, montando tres comedias “A MI LA MUERTE ME PELA LOS DIENTES, MÁS VIVA QUE MUERTA, y QUE NO SE CULPE A NADIE DE MI MUERTE. Como una manera única y alegre para celebrar a los seres queridos que han partido, y conmemorar a la muerte en general, el próximo sábado 11 de noviembre se realizará el MARATÓN DE COMEDIAS en “La Maraka” (Mitla 410, col Narvarte) a partir de las 19:00 horas, cuyo espectáculo incluirá Comedias, con Cumbia y Cena.

RUMBA DRAG

POR: Dalia De León Adams

 

-“El homenaje a las grandes divas del cabaret

del siglo XX y la época de las noches del gran

cabaret en la Ciudad de México.”-

 

-“Con gran humor y nostalgia, pero también con la representación de artistas icónic@s del movimiento Drag de los últimos años, RUMBA DRAG retoma, a través de las risas, la picardía, el baile y el tributo a las grandes artistas que colmaron los escenarios de las carpas, los teatros de revista y centros nocturnos de la Ciudad de México, expresiones que siguen influyendo en el espectáculo de México, en nuestro cine y televisión.

RUMBA DRAG se apropia de nuevos espacios para retomar aquellos lugares que hoy han dejado una huella indeleble en el corazón de nuestra Ciudad como lo fue el King Kong, El Blanquita y El Salón México…”- (nota de la compañía productora).

Y es así como un grupo de artistas entusiastas Drags,  integran un espectáculo en donde se da rienda suelta a las risotadas ante presentación de una pareja de actores con humor picante, que simulan ser unas viejecitas quienes en aras de las remembranzas del pasado, constantemente se adulan y se critican.

-“A través de un recorrido por la memoria de dos simpáticas ancianas que en su juventud fueran grandes artistas de la Rumba, éstas Reinas del Trópico nos contarán sus historias de amor y desamor…”-

Aunado a dicho espectáculo que se presenta tras de cada número musical, en los cuales surgen bailarines y cantantes Drags, ofreciendo canciones que quedaron en el recuerdo de los amantes del espectáculo Rumbero, el cual se apropiara de las noches que se convirtieron para el público, en constante gozo y disfruto en los pasados siglos.

El elenco esta formado por Daniel Vives “Ego”, Checo Alazcuaga Cassandra, Cristo Vampiro, Drag Mystique, Marianita 33 es Purpuresa, Sam Zarazúa , Roberto Wohmuth, Anthony Ramírez (también en el cuerpo de Baile), Leonardo Moreno, Brandon Camberos y Erick Gómez “El güero”.

RUMBA DRAG es el Show que se presenta en El Kilens (Londres 101, Zona Rosa). Le comento qué en cada ocasión se ha estado presentando a un invitado, que el pasado domingo 5 de noviembre fuera la actriz y cantante Regina Orozco, quien por supuesto interpretó algunas bellas melodías con la armoniosa voz que la caracteriza, y que el público reconoció con efusivos aplausos.

Para el próximo sábado 11 de noviembre, en el Teatro Xola habrá una función, teniendo como invitada especial a la modelo y actriz Carmen Campuzano. Una única función programada en “Apoyo a los hermanos de Acapulco Guerrero” con  horario de las 13:00 horas que tendrá como objetivo el entregar a La Cruz Roja el dinero recaudado.

Recordemos qué el espectáculo cabaret desde finales del siglo XIX, se convirtió en el espacio de entretenimiento abocado al erotismo, que se consolidaba entre el glamour y la provocación.

LAS TARDES DE CABARET EN KILENS es un show basado en el género musical de la “RUMBA DRAG”. Show que precisamente se lleva a cabo en días domingos en el Club Nocturno “Kilens” en Londres 101, Zona Rosa, de la Ciudad de México.

 

 

CRI-CRI con la voz de JAVIER CAMARENA

POR: Dalia De León Adams

 

¿Quién no ha escuchado los hermosos cuentos narrados y musicalizados por el finado Gabilondo Soler, mejor conocido como CRI-CRI “El grillito Cantor”? quien se convertiría en un ícono para los niños de diversas generaciones, tanto en México como en gran parte de Latinoamérica.

-José Francisco Gabilondo Soler, conocido comúnmente por su nombre artístico Cri-Cri, el Grillito Cantor, fue un cantautor mexicano de música infantil, famoso por presentar durante muchos años un programa de radio en la XEW…

 Es un personaje mexicano creado por el compositor mexicano Francisco Gabilondo Soler en el año 1934. También conocido como ”El Grillito Cantor” representa el personaje principal del universo fantástico de las canciones.

Visualmente, el personaje fue representado años después como un grillito antropomórfico que toca un violín en forma de hoja de árbol y viste un frac, como fue plasmado en un cortometraje animado por Walt Disney Studios en el año 1963. (notas de la Internet).

Cantautor nacido en la ciudad de Orizaba, Veracruz, en el año de 1904 y fallecido en Texcoco en 1990, de cuyos dos hijos Jorge Gabilondo y Tiburcio Gabilondo Gallego, éste último funge como único administrador de la empresa GABSOL que son las tres primeras siglas del nombre de su padre y quien por supuesto acudió al concierto en el marco del “11º Festival Artístico de Otoño”, en el hermoso recinto del Centro Cultural Roberto Cantoral, en donde se llevó acabo el día de ayer, el Primer Concierto, con la voz del internacionalmente afamado Tenor JAVIER CAMARENA.

Se interpretaron 25 de las canciones que cubren parte del legado musical de Don Francisco Gabilondo Soler (228, 121 grabadas, con más de 500 personajes) “Nuestro Querido Grillito Cantor”, abriendo con el clásico canto de ¿Quién es ese que anda ahí, es Cri-Cri, es Cri-Cri, y ¿Quien es ese Señor? ¡El Grillo Cantor!

Javier Camarena es un tenor lírico ligero mexicano, considerado uno de los mejores de la actualidad y altamente solicitado en los teatros más importantes del mundo.

Debutó en el Gran Teatro del Liceo la temporada 2012-2013 con L'elisir d’amour, y volvió con María Stuarda, La fille du régiment y Rigoletto. (nota Wikipedia).

El Tenor Javier Camarena interpretó espléndidamente las canciones de CRI-CRI en su concepción original, modulando su voz acorde a la ocasión, así como para la interpretación vocal de los diversos personajes, que con su hermoso colorido de voz, dieron vida para el goce de toda la audiencia integrada por diversas generaciones.

Aunado hubo algunas sorpresas como la de la presentación del Trío “Las Tres Conchitas” quienes en vida de Don Gabilondo Soler, interpretaran los coros de sus canciones, y quienes fueran (Refugio Hernández, Gudelia y Laura Rodríguez).

En su lugar se presentaron las sopranos Diana Rojas , Tania Solís y la Mezzosoprano Carol Lodela ataviadas que lujosos vestidos en color rojo, a la usanza secular de la carrera de Cri-Cri, estando presente la Orquesta bajo la batuta del Maestro Ángel Rodríguez.

Y por si fuera poco se presentó un grupo artístico Vocal, con el cual cantó -a capela- “El Negrito Bailarín” que logró colocarse en el total gusto del público; y que le comento sobre las piezas musicales de “El ropero” y “Di ¿por qué?” números en los cuales hicieron pasar al foro a tres viejecitas, a quienes les cantara JAVIER CAMARENA tras lo cual les obsequió unas  bellas canastas florales.

JAVIER CAMARENA CANTA A CRI-CRI fue programado bajo el patrocinio de la empresa GABSOL y GNP Seguros, para ser presentado los días 8, 9, 10 y 12 de noviembre, con cinco funciones en distintos horarios, como parte del “11º Festival Artístico de Otoño” en El Centro Cultural, Roberto Cantoral.

 

 

CARLOTA. Un lugar fuera del mapa.

POR: Dalia De León Adams

 

 

Un viaje lleno de color te espera en la obra infantil

CARLOTA, Un lugar fuera del mapa.

Es la frase con que se inicia la cartelera teatral, con respecto a la puesta en escena de “CARLOTA. Un lugar fuera del mapa”, Dramaturgia original de Alejandro Castro y Yulleni Vertti , que cuenta con un estilo de revista musical, en donde los actores además de ser protagonistas de los diversos personajes, bailan y cantan.

CARLOTA es la más reciente puesta en escena que se presenta en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico, la cual -aborda temas como la migración la discriminación y la importancia de la empatía- como asegura la compañía creativa.

Obra que invita a reflexionar acerca de los distintos grupos que alteran el orden de la sociedad, con pretensiones racistas, clasistas, y de diversos géneros,  en donde la imaginación es el mundo ideal para alcanzar los sueños, que en éste cuento se logran a través de los valores y la inteligencia del personaje protagónico de CARLOTA.

El reparto estelar está compuesto por Abraham Jurado,  Adriana Alonso, Misha Arias de la Cantolla, Fernando Villa Proal, Rocío Leal, Karina Díaz, Karen Espinosa y Patricia Madrid, todo ellos cantando, como a-priori menciono.

La sinopsis de ésta puesta en escena, está reducida al siguiente párrafo textual expuesto en la cartelera teatral con las siguientes palabras:

-“Acompaña a Carlota, una niña valiente mientras e embarca en un viaje para descubrir su identidad en medio de la devastación. Enfrentará desafíos, conocerá a fascinantes personajes y se unirá a aliados inesperados para encontrar su propio camino. Esta conmovedora historia destaca el valor de la solidaridad y la necesidad de crear espacios pluriculturales donde cada individuo pueda pertenecer.

En el montaje escénico y de iluminación a cargo de Félix Arroyo se muestran objetos vistosos movibles, en los cuales los personajes suben, bajan, entran y se desplazan, acorde a la necesidad del texto. Piezas las cuales son colocadas de diversas formas, por parte de los mismos actores en escena.

Por otro lado el diseño musical de Iker Madrid y el vestuario de colorido de Libertad Mardel, le dan un plus al cuento, junto con los títeres de ésta última creativa y, por supuesto, con la coreografía de Mauricio Rico.

CARLOTA es una pequeña que tras el incendio de su comunidad ha perdido la memoria. En un lugar de deshechos encuentra a una muñeca, a la cual llamará Esperanza, y quien se convertirá en su fiel compañía, en ésta historieta en dondo al viajar fuera del “Mapa” encontrará a diversos personajes que la harán vivir muchas nuevas experiencias, y a quien cambiará su forma de ver y vivir la vida.

 

CARLOTA. Un lugar fuera del mapa se presenta en el Teatro Helénico con funciones los sábados y los domingos a las 13:00 horas.

SI MUERO JOVEN, NO QUIERO FLORES

POR: Dalia De León Adams

  

-“¿Qué se hace con las perdidas? Esta es una de las preguntas que se plantean a lo largo de la puesta en escena: SI MUERO JOVEN, NO QUIERO FLORES, que se presenta en el marco del primer Festival de Monólogos, creado por el Centro Cultural Helénico, La Universidad Autónoma Metropolitana y la Sociedad General de Escritores de México.” (boletín de prensa).

SI MUERO JOVEN, NO QUIERO FLORES es un espectáculo unipersonal que comienza con la presentación de una “Estatua Viviente” en la entrada del foro, en cuyo costado se encuentra un letrero que dice: “Deposita una flor en la pecera” tras de lo cual, si usted toma una de las flores y la deposita en el agua, la Estatua Viviente abre su cofre para obsequiar a Uste, una hermosa reflexión por escrito.

Le comento que su dramaturgo e interprete Omar Amador, se inspiró justo en el momento en que se encontrara frente a frete con Una Estatua Viviente que no tan sólo lo cautivó, sino que fue el momento en que decidió escribir una obra teatral aludiendo a quien le pareciera tan “fascinante, casi hipnótica figura”.

Al respecto de éste maravilloso personaje, la compañía difusora comenta al respecto a manera de Sinopsis de la puesta en escena:

-“El protagonista se ha forjado en la calle sin ningún vínculo afectivo o profundo. Su padre le enseñó solamente el oficio de las estatus vivientes; sin embargo, no le otorgó otras herramientas para sobrevivir. Éste hecho lo llevó a una existencia nómada caracterizada por el ir y venir, sin algo que lo hiciera permanecer. Hasta que un día pasa algo inesperado: durante su estancia en la Plazuela 27 de septiembre de los Mochis, Sinaloa, se encuentra con Morro, un personaje que cambiará su vida para siempre.

El montaje retrata de forma entrañable la transformación de El Cachorro, quien se descubre acompañado después de tanta soledad y, al mismo tiempo, pasa de disfrutar el arrebato de la vida a preguntarse incesantemente: ¿Dónde poner a la perdida?, ¿Dónde tirarla?, ¿Dónde ocultarla? Esta es un tránsito por todos estos cuestionamientos.”_

SI MUERO JOVEN, NO QUIERO FLORES tiene un título muy sui-géneris o sustentable en torno a la temática medular en cual gira la trama de esta historia, de tal manera que el mismo personaje va escribiendo en una especie de pizarra frases que le dan continuidad al título como lo son:

Quiero que me arrojen al mar

Envuelto en unas sábanas blancas,

Que sea al atardecer

Que no me lloren

Aunado al espectáculo y representación teatral, se hace sonar ocasional y oportunamente, música muy rítmica, cuya letra corresponde a la narrativa, aunada a “Voces in Off” en los momentos precisos del drama a tratar.

Dramaturgia cuyo texto se muestra muy bien estructurado con un contenido melodramático, el cual se representa con el juego de luces que por instantes se apagan, para encenderse y mostrar bellas poses de la Estatua Viviente.

Bajo la dirección escénica y versión de Cecilia Ramírez Romo la obra teatral SI MUERO JOVEN, NO QUIERO FLORES es realmente un acierto escénico y conmovedor.

La obra teatral se presenta en El 4º Espacio del Centro Cultural Helénico con funciones en días sábados y domingos a las 20:00 horas, hasta el 26 de noviembre 2023.

 

 

 

-“La obra narra la historia de El Cachorro, quien en compañía de sus amigos, emprende un recorrido por todo el país, Juntos saborean la vida porque están concientes de que no hay tiempo para pensar en la muerte, aunque esta acecha, principalmente, cuando las personas aprenden a convertirse en una estatua viviente, lo cual representa uno de los peores finales que cualquiera pudiera tener.”-

A MI LA MUERTE ME PELA LOS DIENTES

POR: Dalia De León Adams

 

¿Quién no conoce o ha visto actuar alguna vez a la primera actriz Susana Alexander tras una larga y ardua carrera en la cual ha incursionado cosechando éxitos en todos los medios artísticos escénicos, como lo son el teatro, la cinematografía y la televisión.

Actriz, directora y productora de quien se dice lo siguiente a manera de brevario, en una de las páginas recientes de la Internet:

-“Susana Alexander, nombre artístico de Suzanne Ellen Rose Alexander-Katz y Kaufmann, es una directora, traductora, creadora y primera actriz mexicana de teatro, cine y televisión.”- (En Wikipedia).

Nació el 3 de julio de 1943 en México, siendo hija de los migrantes alemanes Brigitte Kauffman de Alexander, también considerada como una gran figura del medio artístico y, de Alfredo Alexander-Kats, profesor científico y colaborador en la TV,  lo que la llevó a Susana Alexander a crecer en escenarios y ver nacer el medio televisivo, en donde también participara como pionera.

Sus trabajos, por mencionar tan sólo algunos programas, obras de teatro y películas, fueron en El rabo verde, Cuando llega el amor, La boda de la abuela, Locos por el té, El principito, Cómo ser una madre judía, Chucho el Roto, El cumple de la abuela, El testamento de la abuela, La vida de Chucho el Roto, De mujer a mujer, La traición, Punto y coma, Debería haber avispas, Yo soy una buena madre judía, Como envejecer con gracia, Instrucciones para una muerte feliz y, Yo madre, yo hija, actuación con la cual obtuvo un Premio en el rublo de la “Mejor Actriz”.

Recientemente fue seleccionada como una de Las Catrinas de la ANDIMéxico y se acaba de presentar en la obra teatral A MI LA MUERTE ME PELA LOS DIENTES, en el “Teatro Xola, Julio Prieto”, justo el día de ayer 1º de Noviembre, a colación del “Día de Muertos” tan festejado en nuestro país.

En realidad se trató de un recital Poético, cuyos textos aludían a la temática en torno a la muerte, poemas los cuales recitó con su característica “gran maestría”, aunados a la simpatía que le caracteriza y que le continúa tener seguidores, quienes prestos se presentan para ovacionar su talento histriónico.

Aunado a ello, contaría un cuento muy ad-hoc a la ocasión y, por supuesto tuvo los acercamientos con su público, el cual ha tenido en sus funciones más recientes, a quienes cuestionó en torno a la preferencia de los poemas que se colocaron más en el  gusto de la audiencia.

Sus dos hijos son Tatiana y Julián Zugazagoitia, y justamente uno de sus nietos estuvo presente para con orgullo presenciar el éxito que la actriz, productora, traductora y directora escénica, aún sigue cosechando, tras sus 80 años de vida.

A MI LA MUERTE ME PELA LOS DIENTES tendrá una única función más, la cual esta programada para el próximo día 8 de noviembre del año en curso 2023, para el día miércoles a las 20:00 horas.

¡NUESTRO MAYORES RESPETOS Y RECONOCIMIENTOS a la Primera actriz Susana Alexander!

 

 

EL VELORIO DE MI MADRE

POR: Dalia De León Adams

 

Muy ad-hoc con la época tradicional del Festejo a los Muertos, se presenta EL VELORIO DE MI MADRE en El Círculo Teatral. Es una obra escrita y protagonizada por Alan Blasco, dirigida por Salomón Mondragón, con la música está JC Taylor, que tiene como objetivo el dignificar a la comunidad “Gay”

 Puesta en escena presentada en formato de monólogo que interpreta su mismo dramaturgo Alan Blasco, como suele suceder generalmente con sus textos, las cuales matiza con un dejo de sensibilidad artística que le caracteriza.

Alan Blasco comenzó a escribir a partir de tan sólo 10 años de edad en un taller informal, aún cuando lo consideraba como sólo un  juego. Posteriormente fue alrededor de los 15 años cuando inició sus estudios actorales más en forma, en la Ciudad de Xalapa, Veracruz.

Al respecto, en la entrevista realizada la primera ocasión en que montó su obra en El Círculo Teatral” aseguró que tan sólo tras diez o veinte minutos de haber pisado al salón de clases, de inmediato supo que ya no habría marcha atrás; momento en el que se despertaría su pasión por los escenarios.

A manera de sumario, se puede leer con respecto a la parte medular de la obra la siguiente consideración textual, en la cartelera teatral:

-“Doña “Tere”, madre de la afamada y prolífera actriz y cantante transexual BABILONIA LA GRANDE ha muerto. Noticia que recibe tras un intento de suicidio por sobredosis para olvidar su patética separación y dolorosa caída artística, enterándose así mismo, que la última petición de su madre fue ser sepultada en su pueblo “Tlahuaca” pueblo cafetero en el estado de Veracruz, donde aún se le recuerda como hombre. A su llegada se ve invadida por fans, familiares, funcionarios públicos, ataques de pánico de su hermana, presión por la prensa y figuras del espectáculo, todos arribando en ésta acalorada localidad llena de sabor. Esto será solo el inicio de ésta pesadilla sin salida que nos hace un recorrido al folklore mexicano y a las madres latinoamericanas.”-

En el boletín de prensa otorgado por Sandra Narváez anteriormente se encontraba la siguiente apreciación en torno a la obra EL ETIERRO DE MI MADRE de Alan Blasco:

-La compañía AB producciones aborda la historia de una actriz y cantante trans que estando al borde del suicidio se entera de la muerte de su madre, cuyo último deseo es ser enterrada en su pueblo de Veracruz, donde ella es recordada aún como hombre.

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-Si tuviera 50, 70 o 90 años nunca se está lista para perder una madre, el desamparo se siente igual a cualquier edad, pero así me lo pregunten en 100 años, mi madre nunca habrá muerto para mi porque siempre habitará y vivirá en mi recuerdo. (palabras del personaje protagónico Babilonia la Grande dentro del texto).

EL VELORIO DE MI MADRE consiste en un montaje escénico que desnuda el alma de su personaje, quien recuerda a su madre Doña Tere, con gran amor, admiración y con la devoción de un hijo prodigo, quien vuelve a su pueblo cafetero llamado Tlahuaca, ya en condición de una mujer glamorosa, exitosa y empoderada.

En su tierra se encontrará con sus familiares, vecinos, conocidos, e incluso funcionarios públicos, así como por supuesto con sus fans, quienes acudirán al duelo para dar el último adiós a su recién fallecida madre.

EL VELORIO DE MI MADRE es un montaje escénico logrado en un solo acto y cuadro escénico, dentro del cual Alan Blasco canta e interpreta a su personaje  desgarrándose de dolor  e incluso mostrando otros sentimientos encontrados, que surgen como un grito de su alma, en el duelo de su madre recién fallecida.

La puesta en escena busca ser una experiencia inmersiva, con música de guitarra, donde el espectador pueda sentirse en un ambiente intimo y disfrutar del café o de un buen trago.

La música es en vivo, ejecutada por el llamado JC Taylor, quien toca principalmente la guitarra eléctrica en vivo. Él realzó sus estudios en el instituto de la Sala Ollin Yoliztli y asegura que ha contado con grandes mentores como lo son Juan Pablo Villa, Léica Machán, Guillermo Briseño, Betsy Pecanins y el grupo Té Rock. Él utiliza varios instrumentos mediante los cuales logra una mezcolanza musical a partir de una máquina a partir de la cual ejecuta y producir música del género blupping.

 

EL VELORIO DE MI MADRE se presenta nuevamente en El Circulo Teatral los días miércoles a las 20:30 horas, bajo la dirección escénica de Salomón Mondragón, quien opina respecto a la narrativa de éste drama, (dicho sea de paso) qué mediante la historia se representa a UN PERSONAJE FASCINANTE QUE MERECE SER ESCUCHADO.