La cultura en ZABANA BAZAR

POR: Dalia De León Adams

 

 

La cultura hoy en día se expresa cada vez en mayores y diferentes ámbitos de la ciudad, incluso en lugares que parecen más insospechados, deleitando con música, artes plásticas, videos, imágenes, e incluso con prendas.

La originalidad en el arte, no tan sólo ha estado incursionandoel mundo de la inteligencia intelectual, sino que aún más, ha logrado extender su capacidad de creatividad en otros sectores,  que hoy en exponen la cultura.

Y aún cuando muchas personas no lo han reconocido aún, la comida como arte  gastronómica es parte importante de la cultura, así como la gran herencia de nuestras festividades ancestrales, se ciñen con orgullo como parte de una cultura legendaria.

El arte y la cultura ha ido ganando territorio en la modernidad, extendiendo sus límites que anteriormente sólo incluían o daban cabida en museos, teatros, recintos culturales y galerías. Actualmentee también podemos encontrar creaciones maravillosas como parte del Arte en otros recintos.

Un ejemplo de ello es el SABANA BAZAR, entre otros. Y aquí cabe mencionar y cuestinar¿Y qué es? ¿dónde encontrarlo?

-ZABANA BAZAR se caracteriza por ser uno de los bazares más éxitos en la Ciudad de México al incluir diversas ediciones a lo largo de todo el año y/o dependiendo la temporada en esta ocasión “zabana bazar” reúne arte, cultura, música, gastronomía en una temporada importantísima para los mexicanos “El día de muertos” por esa razón zabana bazar abre sus puertas al público general para disfrutar de más de 50expositores, comida típica de diversos estados, mezcal de las regiones más conocidas de Oaxaca, Guerrero, entre otros y ¿porqué no? los vestidos típicos y regionales de los estados más emblemáticos.

Está contemplado qué ZABANA BAZAR sea presentado en la hermosa e impresionante “Casa del Indio Fernández”; lugar qué como es bien sabido tiene años abriendo sus puertas a diversos eventos de índole cultural, en donde se suma el tradicional evento anual de “Día de Muertos”.

Y ahora con respecto a la presentación de ZABANA BAZAR sus organizadores comentaron lo siguiente a la prensa:

Para ésta edición el público podrá disfrutar de Ballet Folklórico y podrán inscribirse al concurso de calaveritas literarias…

 

Ello y mocho más serán parte de “Zabala Bazar”, el evento liderado por la empresa Zahira de Quevedo que se presentará únicamente en la “Casa del Indio Fernández” los días sábado 28 y domingo 29 del 2023, en horario de las 11:00 AM a las 20:00 horas.  

22 Años DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA

POR: Dalia María teresa De León Adams.

 

-Cuando el 7 de octubre de 2001 se estrenó “Defendiendo al cavernícola” en el Centro Cultural San Ángel, nadie podía haberse siquiera imaginado la larga e importante historia que comenzaba a escribirse en ese momento.

La obra se colocó como la más exitosa en la historia de ese teatro, con casi 10 años continuos de temporada….-

Notas publicadas tiempo atrás en una página WEB, pues actualmente ya constituyen 22 años de representaciones de la obra teatral DEFENDIENDO AL CAVERNICOLA interpretado por el Primer actor César Bono, razón por la cual el Señor Morris Gilbert y su compañía “Mejor Teatro”, el día de ayer miércoles 25 de octubre 2023 festejaron con un gran pastel para todo el público, en el foro del Nuevo Teatro Libanés, el cual denominaron “La nueva cueva”.

Los padrinos de lujo no podían faltar, quienes fueron el actor, conductor y cantante hijo de dos luminarias, el Señor Héctor Suárez Gomís, y la periodista, presentadora de radio y televisión, Maxine Woodside.

DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA se ha convertido en la obra teatral que los amantes del teatro inmediatamente reconocen bajo la presentación estelar del actor Cesar Bono, quien con su carisma e innegable calidad actoral, ha conquistado  al público.

Ante la ausencia del Señor César Bono durante una pequeña temporada el papel protagónico de DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA fue caracterizado por el polifacético Señor Sergio Mayer, momento en el cual coincidió con la reapertura del foro Ignacio López Tarso en 2019, lugar en donde generalmente se ha presentado ésta puesta en escena.

El título original de la obra teatral es DEFENDING THE CAVEMAN, dramaturgia escrita por el estadounidense Rob Becker, quien la presentara en un foro de la ciudad de San Francisco en junio de 1991.

El gran éxito que obtuvo permitió el ser representada en 45 países, y por ende el ser premiada con el galardón “Laurence Olivier”, bajo el rublo de “Mejor obra de entretenimiento”.

DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA es una comedia escrita en formato de monólogo, en donde sin embargo, aparece ocasionalmente una co-actriz (esposa real del actor) en imágenes ofrecidas mediante una pantalla colocada en la parte posterior del escenario; videos que se accionan acorde con algunos de los monólogos y argumentos ofrecidos por el actor interprete.

La obra esta formada por una somera información respecto al comportamiento psico-social que el hombre y de la mujer han presentado al relacionarse como pareja desde la época primitiva; información qué acorde al texto permite hacer un paralelismo con la sociedad actual.

El texto hace alarde del manejo del escritor estadounidense Rob Becker, en cuanto a la psiquis de sus personajes, haciendo hincapié constantemente en las diferencias que existen entre ambos sexos, las cuales han continuado manifestándose según él, de la misma manera, empero al paso del tiempo.

Para concluir sin más preámbulos, DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA es una obra teatral muy divertida qué además como un plus, invita a reflexionar sobre la comprensión de la actitud de cada integrante en la pareja heterosexual; hecho que acorde al comentario del Señor Bono, ha logrado unir a algunas parejas que han presenciado éste monólogo.

 

DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA Se presenta bajo la dirección y adaptación de Jaime Matarredona y la Producción de “Mejor Teatro” en el Nuevo Teatro Libanés, de la Ciudad de México.

 

ARTE E INTELIGENCIA ARTIFICIAL

POR: Dalia De León Adams

 

La Universidad Autónoma Metropolitana (UAM) como siempre se ha dado a la tarea de cubrir diversos eventos, de diferente índole. En éste caso en específico, con un Conversatorio en torno al ARTE E INTELIGENCIA ARTIFICIAL.

Temática de gran importancia en la época actual en donde la tecnología avanza a pasos agigantados, la cual no solamente se ha extendido en el campo científico, y artístico, sino incluso en la vida cotidiana.

El Panel del Conversatorio estuvo compuesto el día de ayer martes 24 de octubre 2023 por Zian Fanti de la IIMAS, UNAM, con María Elena León del Centro Multimedia CENART, por Cecilia Calderón del Posgrado de Filosofía, UNAM, y por Abraham Lepe de la UAM, Cuajimalpa.

La cita fue en La Galería Metropolitana de la UAM en donde un catedrático  moderador presentó a los invitados y les realizó diversas preguntas. Temática en la cual por supuesto, los ponentes utilizaron terminología acorde a la disciplina en la cual trabajan tanto como docentes, así como investigadores.

Pero ¿qué se entiende por INTELIGENCIA ARTIFICIAL? Algunas de las respuestas son las siguientes:

-“Intentan emular el pensamiento lógico racional de los humanos, es decir, se investiga cómo lograr que las máquinas puedan percibir, razonar y actuar ...

-“LA INTELIGENCIA ARTIFICAIL es el término para la inteligencia mostrada por las máquinas. En el mundo actual, la inteligencia artificial se ha vuelto bastante popular. Es la replicación de la inteligencia natural en robots que han sido programados para aprender y emular el comportamiento humano.

”La INTELIGENCIA ARTIFICIAL tiene una influencia significativa en nuestra calidad de vida a medida que se desarrolla- (en página WEB)

LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL hoy en día ayuda, también colabora con empresas de cualquier sector industrial, empresarial o científico, al recabar y generar datos, procesar, ampliar y disminuir el tiempo tanto de captura, como de incremento de elementos cognoscitivos.

En el campo específico del ARTE E INTELIGENCIA ARTIFICIAL contribuye de la siguiente manera:

-“La inteligencia artificial está impactando el arte de diversas formas, desde la generación de obras de arte hasta la utilización de la tecnología en la creación y análisis del arte. Existen ejemplos de arte generado por AI, como la utilización de algoritmos para crear imágenes, música y esculturas.” (nota en la Internet).

Concepto que empero fue cuestionado por algunos de los panelistas, quienes consideran que es en base a la creación de algoritmos, que se sustenta la creación artística, detonar con la contribución de LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL como ARTE en general.

 

El Segundo Conversatorio sobre ARTE E INTELIGENCIA ARTIFICAIL se presentará el día de hoy 25 de octubre 2023 con un nuevo panel conformado por el artista y curador Ivan Mejía, las artistas y docentes Sofía Sierna y Elizabeth Arrieta, así como Fernando Moreal, teniendo como moderadora a Ana Carolina Robles. Evento que nuevamente tendrá cita en La Galería Metropolitana de la UAM. 

FINLANDIA

POR: Dalia De León Adams

 

Dramaturgia original del escritor, director y coreógrafo francés, Pascal Rambert. Tiempo atrás se supo qué FINLANDIA es una dramaturgia que Monsieur Pascal, escribiera, con la finalidad de ser presentada en España, según comentara el director escénico de éste drama, el Señor Rodrigo Nava, quien vino a nuestro país justo para trabajar en éste proyecto escénico.

-“Pascal Rambert (Niza, 1962) es un dramaturgo, director de escena, director teatral y coreógrafo francés. En 2016 recibió el Premio de Teatro de la Academia Francesa”-. (nota Wikipedia).

Reto que para Rodrigo Nava, su director y adaptador como a-priori he mencionado, constituyó todo un esfuerzo en cuanto a la dificultad de adaptar el texto del español peninsular, al español mexicanizado coloquial que solemos utilizar.

En cuanto a sus interpretes Bárbara López y Luis Arrieta, ambos interpretaron a una pareja disfuncional, en pleno ocaso de su relación, en la cual la violencia y la incomprensión se encuentran a flor de piel, con su aparente, inminente ruptura.

La obra  pertenece al género del realismo, en cuanto a que muestra sin tapujos la inhabilidad que hoy en día presentan numerosas parejas sentimentales, quienes tras de haberse amado, se ven envueltos en conflictos y abismos de intolerancia y odio desmedido, que el caso de ésta obra, la pasión aún los cobija, aunada al producto del pasado amor, convertido en un pequeña niña.

En cuanto a la sinopsis de ésta obra teatral, en cartelera teatral se presentó la siguiente cita textual al respecto:

-“Helsinki, un viento helado a las cuatro de la mañana. Luis llega sin aviso al hotel en donde, por trabajo, se hospeda su esposa Bárbara. Con incertidumbre y entre reproches, Luis y Bárbara recorren su historia juntos y se preguntan si habrá un futuro para ellos como pareja. Recuerdos de antiguos encuentros, enojos y desatinos suben el tono de la discusión en la que se juegam lo único que los conecta para toda la vida: su hija.

Le comento qué meses atrás la compañía difusora IQ presentaría en torno a la temática que abordaría la puesta en escena FINLANDIA (la cual en ese momento estaba en puerta) la siguiente conjetura en cuanto al contenido en general del texto, utilizando para ello el siguiente párrafo textual:

-“ Una reflexión sobre lo subjetivo de la distancia física y emocional se apodera de los escenarios con FINLANDIA, un agudo drama protagonizado por Bárbara López y Luis Arrieta que llegará por primera vez a México bajo la adaptación y dirección de Rodrigo Nava.”-

Por otro lado con respecto a su autor Pascal Rambert (muy reconocido en el medio por su obra “Cátedra Berman”) le comentaré qué en ésta ocasión con su obra FINLANDIA presenta una dramaturgia bajo un  tono que la ubica en el género del realismo, al matizar las situaciones amorosas de una manera totalmente cruenta, a diferencia de su usual manera de escribir, rompiendo con el minimalismo y dejo de propiedad que le había caracterizado durante mucho tiempo. 

La temática en torno a la cual gira la trama de la obra FINLANDIA, es la desavenencia, así como la incertidumbre gestada de manera desgarradora, que acecha a los matrimonio en la época actual, ante la desavenencia engendrada en la cotidianidad, y que su autor muestra sin el tono maniqueísta que comúnmente maquillan las historietas de amor.

 

A cargo de “Retro Casa Producciones, la obra teatral FINLANDIA se estrenó el día 28 de agosto en el Teatro Milán y, el día de ayer, lunes 23 de octubre 2023, concluyó su periodo de representaciones con una placa conmemorativa, la cual fue develad por sus padrinos de lujo, quienes fueron, Sara Maldonado y José Zavala.

 LOS NEGROS PÁJAROS DEL ADIÓS

POR: Dalia De León Adams

 

Si hay una obra que precisa de retrospecciones y prospecciones temporales, le comento que justamente una de ellas es LOS NEGROS PÁJAROS DEL ADIÓS; dramaturgia en donde su escritor juega con la temporalidad constantemente como un acierto para estructurar la trama de su obra.

Opinión personal que converge con la nota que aparece una página WEB::

 “Los Negros Pájaros del Adiós”, de Oscar Liera, a través de una estructura que juega con el espacio temporal, relata por medio de gritos, caricias y los temperamentos tan contrastantes de los personajes, el deterioro de una relación amorosa que se basa en la pasión, los celos y la locura.”- (nota Wikipedia).

La dramaturgia está escrita por Oscar Liera, y cuyo texto se reduce a la siguiente aseveración presentada en cartelera teatral por Saúl Campos:

-“ La relación de Isabel y Gilberto comenzó con una inocente plática, en la banca de un parque, durante un día lluvioso. Un breve encuentro del que nació un cariño en el cual la primera barrera pudo haber sido la diferencia de edad que ella tenía sobre él. O quizás el hecho de que él estudiase en la misma Universidad en que ella laboraba. Rematando con la cuestión de que él tenía severas adicciones que no hacían juego con las inseguridades de ella. Laura y Angélica recordarán desde sus respectivas visiones la evolución de un amor, que voló con LOS NEGROS PÁJAROS que vienen del mar y presagian la muerte.”-

Por su parte una de las compañías difusoras, tiempo atrás agregaría al respecto en la cartelera teatral, el siguiente párrafo textual:

-“ Hay textos mexicanos que se han remontado una y otra vez desde su estreno original, gracias al poder de sus tramas, de sus historias y del gran ejercicio que pueden representar para sus intérpretes. LOS PÁJAROS NEGROS DEL ADIÓS de Oscar Liera es un claro ejemplo de esto, un texto de los 80’s …”-

LOS NEGROS PÁJAROS DEL ADIÓS ahonda en la psiquis de sus cuatro personajes protagónicos, poniendo de manifiesto su parte más humana más recóndita, en donde los sentimientos rebasan lo que debiera ser considerado ético en la sociedad, en torno a un idilio totalmente unido por la pasión desenfrenada que les une en cuerpo y alma.

Narración representada por dos de los personajes, quienes según sugiere el texto, son dos chicas entrevistadas por la prensa en aras de conocer lo que llamarían “doble suicidio” pasional, pero que esconde verdades ocultas en las que LOS PÁJAROS NEGROS DEL ADIÓS detonarán otro presagio.

LOS PÁJAROS NEGROS DEL ADIÓS se presentan en el teatro Principal del Centro Cultural Helénico, bajo la dirección escénica de Alejandro Ainslie y el reparto estelar de Roxana Andrade, Erick Israel Consuelo, Paloma Alvamar y Sandra Cecilia, con funciones los días lunes y martes. 

Libro de ENRIQUE MARTIN BRISEÑO “Armando Manzanero”

POR: Dalia De León Adams

 

En entrevista con el Señor ENRIQUE MARTIN BRISEÑO justo en el día de la exposición del libro físico intitulado “Armando Manzanero”, de cuyo texto central es el autor, nos comentaría que la idea de crear el libro surgió a partir de la inauguración de “La Casa  Museo”, dedicada al maestro Manzanero en el año 2020 en la Ciudad de Mérida.

Momento a partir del cual se formó un equipo para la producción del libro, teniendo como editor al Señor Alberto Cobain. Libro el cual además contiene un ensayo biográfico, que incluye fotografías adquiridas de archivos tanto  públicos, como privados.

Además se puede acceder a varios códigos QR para escuchar la voz del Armando Manzanero mediante algunos fragmentos radiofónicos en las cuales colaboró el maestro, quien como Usted bien sabe, se convirtió en un ícono como autor de música popular, componiendo múltiples hermosas melodías que excedieron las fronteras de nuestro país, y que serían interpretadas por grandes cantantes a partir de la segunda mitad del siglo pasado.

-“Armando Manzanero Canché fue un compositor, cantante, actor, músico y productor discográfico mexicano, considerado por parte de especialistas, prensa y músicos como uno de los compositores más exitosos de la historia. (Nota Wikipedia).

La presentación del libro se llevó a cabo en el hermoso El Centro Roberto Cantoral, la sede hoy en día de La Sociedad de Autores y Compositores de México, en cuyo recinto Cultural el maestro Armando Manzanero (nacido en Ticul en 1935) estuvo presente participando como uno de sus máximos directivos, hasta el momento de su fallecimiento acaecido el 28 de diciembre del 2020.

En el panel de “La Exposición del libro ARMANDO MANZANERO” tomó la batuta como moderadora del evento, Laura Barrera, quien presentara a los participantes de la mesa directiva, personalidades entre las que se encontraron Enrique Martín Briceño, Manolo Marroquín, Pavel Granados, Carlos Díaz-Barriga, Jorge Buenfil y Arturo Ávila Cano, estando también presentes entre el público, algunas de las personas quienes fueran parientes y amigos del finado Armando Manzanero y, dos de sus ocho hijos.

Como broche de oro se presentó la cantante Tania Libertad, quien interpretó “Por debajo de la mesa” y “Voy a apagar la luz” además de ofrecerse un buen Coctail, bajo el patrocinio del Gobierno del Estado de Yucatán.

 

 

NYOTAIMORI

POR: Dalia De León Adams

 

Puesta en escena controversial en el sentido en que plantea diversas temáticas como lo son el apego al trabajo, el oportunismo laboral, la dependencia a la tecnología (en especial a los celulares) la falta de comunión o de comprensión entre las parejas sentimentales, la imposibilidad de engendrar por decisión o imposición, la diversidad ideológica acentuada entre distintas culturas, entre otros temas.

NYOTAIMORI es la obra original de la dramaturga Sarah Berthiaume que está escrita bajo un genero vanguardista por su tratamiento temático, y surrealista por el manejo escénico.

Sin embargo, en resumen presenta a una serie de personajes qué sometidos bajos las circunstancias personales a las cuales les ha conducido la vida, de pronto se ven en la posibilidad de poder cambiar su destino, tan sólo con afrontar otras determinaciones.

Acerca del texto de NYOTAIMORI se puede encontrar la siguientes citas en una de las páginas WEB:

-“Dans un texte parsemé d'humour et de surréalisme, Sarah Berthiaume met en scène une série de rencontres improbables qui nous amènent à interroger notre rôle”-. (Cita textual en Internet en francés).

-“Dentro de un texto plagado de humor y surrealismo, Sarah Berthiaume lleva al escenario una serie de improbables reencuentros que nos llevan a cuestionar sobre nuestros mismos roles.”- (Cita traducida al español).

-“En esta obra, Sarah Berthiaume mezcla el humor y la crítica social de forma no realista permitiendo que lo fantástico e improbable irrumpa en la vida cotidiana.”

Nyotaimori, espines del sistema es un drama cómico de crítica social, que parte de un realismo cotidiano para convertirse en un viaje onírico… “-

Realmente la dramaturgia puede ser interpretada de esas o muchas otras maneras debido a su contenido surrealista, que nos lleva a dilucidar más allá de una simple interpretación.

Pero lo que es bien cierto es qué la puesta en escena de NYOTAIMORI bajo la dirección escénica de Anilú Pardo y el reparto estelar formado por Aleyda Gallardo, Margarita Lozano y Rolando Breme, es realmente un acierto, en donde se mezcla la creatividad de la autora, bajo un toque de risibilidad.

Buenas actuaciones por parte de los tres actores en el escenario, las cuales se complementan con el diseño multimedia (de Mario Mandujano)que además de darle un toque de modernidad a la obra, logran hacer que se complemente las caracterizaciones de algunos otros personajes, los cuales son interpretados de manera multifacética, por dos de los actores, quienes se transforman utilizando diferentes atuendos para darles vida.

Ello por supuesto con cambios muy rápidos incluso de pelucas, o artefactos de utilería, que con el apoyo de movimientos corporales y faciales, logran dar una apariencia totalmente diferente en las escenas.

Puesta en escena en un solo tiempo y cuadro escenográfico en donde se encuentra coloca una pantalla televisiva, una mesa con apariencia luminosa, un sillón y dos grandes pelotas (tipo Pilatos).

 

Bajo la traducción de Nadxeli Yrízar Carrillo la obra NYOTAIRMORI se presenta en el Circulo Teatral con funciones a las 19:00 en días domingos hasta el 17 de diciembre del año en curso 2023.

CASCARITA

POR: Dalia De León Adams

 

CASCARITA es la obra teatral ganadora del Premio Nacional de Dramaturgias denominado “Gerardo Mancebo del Castillo” 2022. Está escrita por Janil Uc Tun, y  escenificada por el elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro del INBAL.

Puesta en escena que además, cuenta por primera ocasión con la presentación de los infantes del “Semillero Creativo de Teatro y Danza de Ecatepec” de Morelos, quienes actúan co-protagonizando a los actores del CNT.

Es decir qué los personajes adultos, son caracterizados en su edad infantil por los niños que conforman el Semillero. Es una puesta en escena, que demuestra de inmediato el talento de su joven directora escénica, Sayuri Navarro.

Obra teatral difícil de motar por sus constantes prospecciones y retrospecciones temporales, que muestra la frágil línea que separa a los diversos personajes en el tiempo escénico, en éste drama basado en un hecho real.

CASCARITA según la sinopsis propuesta por la casa difusora a cargo de Gaddi Miranda, tiene su siguiente concomitante al respecto de la trama de la obra:

-“La obra se desarrolla años después de la muerte de CASCARITA, un entrenador de futbol venido a menos, quien era lo más cercano a una figura paterna que alguna vez tuviera siete niñas y niños … quienes cuentan su desafortunada historia.- (boletín de prensa).

En la obra se presentan algunos de los actores adultos narrando los acontecimientos, quienes al interpretar a los personajes, se hace ver que serían entrevistados por periodistas o personas interesadas en el caso, como lo fuera el escritor Janil Uc Tum, quien comentará al respecto de ello motivado por escribir su obra, y de lo cual habló un poco antes de comenzar la función.

Es importante el destacar qué, el referente de la obra está ubicado con la región real, en dónde sucedieron los hechos, y que se llamara “Santiago Mataindios”; pueblo el cual tras el asesinato del que fue víctima el entrenador del equipo infantil de football soccer, se fuera poco a poco despoblándose, hasta desaparecer por completo, incluso en los mapas.

El Reparto estelar está compuesto por parte del CNT por los actores Zabdi Blanco, Salvador Carmona, Tanya Gómez Andrade,  Olivia Lagunas, Nara Pech, Roldán Ramírez, Antonio Rojas y Mario Vera; además de la presentación de los niños Esmeralda Rubí Barrera Carvajal, Iker Oswaldo Cruz Bautista, Rosdeli Carolina Cruz Bautista, Norberto Cruz Hernández, Rocío Cruz Hernández, Ollin Newen Martínez Ugalde y Esteban Reyna Díaz.

 

CASCARITA se presenta en el foro La Gruta, del Centro Cultural Helénico, con funciones los días viernes, sábados y domingos.

 

VIAJE POR LA ÚLTIMA ESPERANZA

POR Dalia De León Adams

 

-“¿Tú que estarías dispuesto a hacer por la humanidad?

 

Pregunta que forma parte de la consigna de la puesta en escena de la obra teatral VIAJE POR LA ÚLTIMA ESPERANZA cuya temática habla acerca de mitos autóctonos en donde:

 “Axólotl, se ha encargado de reestablecer el orden en la tierra por muchos años, pero porque el ser humano no ha sabido apreciar los obsequios le le daban.”

“Tu tonalli puede restablecer el orden entre los mundos a través de Axótotl. Pero si la bebe Popocatzin la esperanza habrá muerto.

“¡Tienes que luchar por nuestra gente, por nuestra tierra, nuestro mundo.!”

“No les daré el descanso, los despojaré del paraíso que nunca merecieron-“ (Frases que aluden al texto de la dramaturgia VIAJE POR LA ÚLTIMA ESPERANZA).

En la puesta en escena, una pequeñita es el personaje protagónico de la obra, cuyo nombre es Itzel. Personaje revestido de grandes valores éticos y morales que le otorgarán el poder de salvar a la humanidad del gran problema que sufre la tierra, por la devastación ambiental.

En la mitología Tolteca, Xólotl era un dios del fuego y el relámpago. Era generalmente descrito como un hombre con cabeza de perro y era guía de las almas 

Un ser mítico al que se ha relacionado con Xólotl es una figura humana anormal y humilde, Nanahuatzin, que en un mito cosmogónico recogido por fray Bernardino ... (notas en Wikipedia.)

A manera de Sinopsis, la compañía Difusora del Señor Carlos Martínez expone la siguiente aseveración al respecto del contenido de la obra:

-“Al caer la Itzel en un tiro de mina, en su agonía, viajará al Mictlán y en esta travesía por el inframundo la acompañará Xóchotl conocido por las leyendas del camino a la muerte. Itzel descubrirá que ésta aventura, llena de personajes extraordinarios, no solo se trata de salvar su alma, sino la de todo el mundo.”-

VIAJE POR LA ÚLTIMA ESPERANZA es una obra para toda la familia que tiene como objetivo, el cual está expresado a manera de consigna en el texto, el hacer conciente al público y a los infantes en especial, que aún podemos actuar a favor de nuestro contorno natural, en un mundo al que hay que cuidar, si no queremos sufrir las consecuencias de su deterioro.

En el elenco estelar se encuentran Alhelí Ábrego, Ernesto Palacios, Paula Vrelly, Jheraldi Palencia, Valeria Becerril y Abraham Alcalá, quienes caracterizan a los diversos personajes, en donde aparece una lucha montada a cargo de Marcela Feregrino, usando máscaras, vestuarios, diseñados por el Señor Edgar Laurrabaquio (al igual que la escenografía).

VIAJE POR LA ÚLTIMA ESPERANZA está escrita por el dramaturgo Ernesto Palacios y se presenta bajo la dirección escénica de Gabriel Hernán y la producción ejecutiva de Ana Ortega en La Casa del Teatro, Foro Víctor Hugo Rascón Banda, los días domingos a las 13:00 horas.

 

 

LA LUZ DEL OTRO

POR: Dalia De León Adams

 

Obra teatral de ciencia ficción, en donde tras de guerras, bombas radioactivas, pandemias ocasionadas y desastres naturales han dejado tan sólo a dos seres que tras de vivir en total soledad, de pronto un día se encuentran cara a cara.

En pocas ocasiones una obra teatral aborda la temática del posible fin del mundo, futuro de nuestro planeta tierra tan desvastado y en vías de desaparecer ante la imposibilidad o negación de la sobrevivencia de cualquier especie viva gestada en ella.

Tema pos-apocalíptico qué de manera medular es expuesto dentro de la narrativa de ésta puesta en escena intitulada LA LUZ DEL OTRO, escrita por el dramaturgo Sergio López Vigueras que esta representada a cargo del grupo creativo  “Colectivo TeatroSinParedes” .

El texto presenta en su narrativa a dos personajes quienes  con el paso de varias décadas trataran de la posibilidad de convivir, matarse, ignorarse, suicidarse o incluso reproducir la especie.

Ambos narran su experiencia como ya únicos sobrevivientes y se cuestionan el ¿qué hacer? ¿Cómo actuar? ¿Matar al otro único ser sobreviviente? ¿aliarse? ¿Comenzar un ciclo de vida? En fin, surgen por ende muchas concomitantes al respecto.

Esos son algunos de los cuestionamientos que cada uno de los personajes se plantean por su lado, antes de entablar un diálogo en donde la franqueza solamente tiene cabida. Por un lado la posibilidad de poblar termina siendo  nula ante la  falta de fecundidad de la mujer, o bien, su deseo de procrear, entonces, ¿qué hacer? es parte del cuestionamiento entre la complicidad que surge entre ellos.

Los actores en escena son Itzé Moss y Bernardo Gamboa, dos talentosos actores quienes aparecen dentro de un escenario vacío en donde ocasionalmente aparecerán dos sillas y una mesita; empero a ello, el respaldo escenográfico con mayor peso escénico es la presencia de las imágenes multimedia que constantemente aparecen en la parte posterior del escenario mediante un grande tríptico, apoyadas por una “Voz in Off”, efectos de sonido.

Ambos actores utilizan un vestuario que se van ir retirando pieza por pieza, como las mangas, en tanto qué el otro vestuario a presentar es un tanto futurista, en tono blanco que sugiere el ropaje de una futura época por llegar.

La dirección se encuentra a cargo de David Psalmon quien con pocos elementos logra introducir al espectador al futuro desbastador de la humanidad, en el cual se sustenta la idea de un posible renacer, o bien, del final absoluto de la especie humana.

-Año 2123 la humanidad ha atravesado guerras y pestes que han exterminado a la población casi por completo. Acechados por la peste azul, Bernardo y Diana creen, cada quien, ser los últimos habitantes del Circuito 13, hasta que se dan cuenta de que no están solos. Diana ayudara a Bernardo a recuperarse. Cada uno se convierte en la última esperaza del otro, pero también en el depositario de sus sueños y temores.- (Sinopsis de la trama, en cartelera teatral).

 

LA LUZ DEL OTRO que se presenta en el Teatro Benito Juárez en el cual reofrecerán funciones cada fin de semana de jueves a domingos.

Conferencia OLEANNA

POR: Dalia De León Adams

 

OLEANNA es una lucha de poder, el control intelectual y sexual entre dos mujeres.

Propuesta escénica que se estrenará el próximo lunes 17 de octubre, en el Foro Lucerna, del Complejo Teatral “Milán” con las actuaciones estelares de Mónica Dionne y Ana Mancer, bajo la dirección escénica de Naian González Norvid.

Dramaturgia qué contiene un texto en dónde un profesor universitario es acusado por su alumna por acoso sexual, impidiendo con ello el logro de un mejor puesto académico.

Así comienza un encuentro frente a frente, en el cual no hay cabida al entendimiento entre ambos. En la propuesta escénica en ésta ocasión, no será un profesor, como marca el texto, sino una profesora, la cual le da un giro a la trama, actualizando su contenido a la época de hoy día.

Para ser un poco más clara al respecto, le presento la Sinopsis que en enero del 2022 se presentara, en el montaje escénico realizado en el Teatro “El Milagro” bajo la dirección de Aarón Amaya, dentro del Ciclo de Teatro Emergente (2021-2022):

-“La polémica obra de David Mamet llega de nuevo a la escena mexicana, esta vez dentro de un contexto social encendido. El poder, la intransigencia, el acoso sexual, la cacería de brujas y las políticas académicas encuentran vigencia en un país dividido, carente de un estado de derecho que da pie al abuso de poder y a la impunidad, pero también a la persecución y condena en redes sociales, una especie de inquisición moderna que parece tener la facultad de dictar lo que es justo , y lo que no, sin atenerse a un juicio cayendo en otra pandemia que parece aniquilarnos, lo políticamente correcto. (nota en cartelera)

Le comento qué OLEANNA ha sConferencia OLEANNA

POR: Dalia De León Adams

 

OLEANNA es una lucha de poder, el control intelectual y sexual entre dos mujeres.

Propuesta escénica que se estrenará el próximo lunes 17 de octubre, en el Foro Lucerna, del Complejo Teatral “Milán” con las actuaciones estelares de Mónica Dionne y Ana Mancer, bajo la dirección escénica de Naian González Norvid.

Dramaturgia qué contiene un texto en dónde un profesor universitario es acusado por su alumna por acoso sexual, impidiendo con ello el logro de un mejor puesto académico.

Así comienza un encuentro frente a frente, en el cual no hay cabida al entendimiento entre ambos. En la propuesta escénica en ésta ocasión, no será un profesor, como marca el texto, sino una profesora, la cual le da un giro a la trama, actualizando su contenido a la época de hoy día.

Para ser un poco más clara al respecto, le presento la Sinopsis que en enero del 2022 se presentara, en el montaje escénico realizado en el Teatro “El Milagro” bajo la dirección de Aarón Amaya, dentro del Ciclo de Teatro Emergente (2021-2022):

-“La polémica obra de David Mamet llega de nuevo a la escena mexicana, esta vez dentro de un contexto social encendido. El poder, la intransigencia, el acoso sexual, la cacería de brujas y las políticas académicas encuentran vigencia en un país dividido, carente de un estado de derecho que da pie al abuso de poder y a la impunidad, pero también a la persecución y condena en redes sociales, una especie de inquisición moderna que parece tener la facultad de dictar lo que es justo , y lo que no, sin atenerse a un juicio cayendo en otra pandemia que parece aniquilarnos, lo políticamente correcto. (nota en cartelera)

Le comento qué OLEANNA ha sido llevado al escenario teatral en diversas ocasiones en nuestro país, siendo en una de ellas interpretadas por la misma actriz Mónica Dionne, sólo qué en aquella ocasión, dicha actriz caracterizó el rol estelar de la alumna.

Motivo por el cual, según la misma actriz asegura, ello le dará un “plus” en ésta ocasión, para logra realizar su personaje, al ser parte de las dos interpretes que se presentarán, ya estando en puerta el estreno de la obra.

-“Oleanna es una historia sobre la lucha de poder entre dos personas. Eso sí, una encarnizada lucha donde se mezcla el acoso sexual además de cuestionar el sistema académico vigente para sugerirnos que hay algo más de lo que parece a primera vista, queriendo revelar una verdad oculta.”- (en una página de la Internet.)

Obra emblemática de David Mamet que inicialmente fue estrenada en 1992, y  qué empero continúa causando polémica. OLEANNA se presentará el próximo día 17 de octubre del año en curso 2023, en el Foro Lucerna, a las 20:30 horas.ido llevado al escenario teatral en diversas ocasiones en nuestro país, siendo en una de ellas interpretadas por la misma actriz Mónica Dionne, sólo qué en aquella ocasión, dicha actriz caracterizó el rol estelar de la alumna.

Motivo por el cual, según la misma actriz asegura, ello le dará un “plus” en ésta ocasión, para logra realizar su personaje, al ser parte de las dos interpretes que se presentarán, ya estando en puerta el estreno de la obra.

-“Oleanna es una historia sobre la lucha de poder entre dos personas. Eso sí, una encarnizada lucha donde se mezcla el acoso sexual además de cuestionar el sistema académico vigente para sugerirnos que hay algo más de lo que parece a primera vista, queriendo revelar una verdad oculta.”- (en una página de la Internet.)

 

Obra emblemática de David Mamet que inicialmente fue estrenada en 1992, y  qué empero continúa causando polémica. OLEANNA se presentará el próximo día 17 de octubre del año en curso 2023, en el Foro Lucerna, a las 20:30 horas.

2:22

POR Dalia De León Adams

 

2:22 UNA HISTORIA PARANORMAL es la puesta en escena escrita por Dany Robins, bajo la dirección escénica de Gabriel Mata Cervantes cuya temática gira en torno a sucesos de contacto con seres descarnados, inexplicables, que mucha gente asegura haber vivido de manera similar, en ciertas ocasiones o circunstancias de su vida.

2:22 A GHOST STORY es el título en inglés, original de éste thriller de cuyo autor londinense (nacido en 972) se sabe que es locutor, comediante y periodista, quien ha incursionado tanto en el medio televisivo, como en el cinematográfico.

Autor de libros como lo son “Into the Uncanny”, “The museum of everything”, “The cold Swedish”, además de escribir series como “1, 2 y 3” que le han dado renombre en su país.

Con respecto al contenido de su polémica dramaturgia 2:22 UNA HISTORIA PARANORMAL, la cual recientemente se estrenó en México en el Teatro Xola, Julio Prieto, el día 30 de septiembre del año en curso 2023, se presenta en cartelera teatral a manera de Sinopsis, la siguiente aseveración:

-“ El Thriller sobrenatural más aclamado en Londres, llega a México.

 Eli y su esposo Sam, una pareja con perspectivas opuestas  sobre lo paranormal, se mudan a una misteriosa casa. Mientras que Eli siente que una misteriosa presencia fantasmal se cierne sobre ellos, Sam se aferra a lo lógico y a la razón. Cuando sus amigos Fer y Laura se unen para cenar, la noche toma un giro inquietante. ¿Puede la frontera entre la vida y la muerte ser cruzada? La cuenta regresiva comienza, esperando el misterio que aguarda a las 2:22… ¿Descubrirás su secreto? “-

En ésta ocasión se encuentra producida por el Señor Antonio Calva; mismo productor de una de las puesta en escena titulada “La Dama de Negro” que ha logrado hasta la fecha, permanecer durante largos años en cartelera teatral en nuestro país y cuyo contenido es del mismo genero teatral.

En el thriller de 2:22 UNA HISTORIA PARANORMAL se presentan los actores Diego Klein, Alejandra Ambros, Erika de la Rosa y Jorge Losa, quienes dan vida en el escenario a los personajes de Eli, Sam, Fer y Laura, dos parejas que son interpretadas generando en el público suspenso y, varios momentos de terror.

Le comentaré qué poco antes de su estreno, se convocó a una Rueda de Prensa en la cual se nos hizo saber las siguientes aseveraciones con respecto de la dramaturgia de 2:22 :

 

 

-“ 2:22, UNA HISTORIA PARANORMAL Es una obra no apta para enfermos cardiacos y nerviosos y desde que iniciaron las primeras actividades de producción, ha desatado sucesos de difícil explicación en el teatro Xola, como luces que se prenden solas, gritos y voces que surgen del escenario vacío y presencias que han sorprendido a los técnicos, que prefiere por respeto a las entidades, no hablar de ello. Es una cautivadora puesta en escena, dirigida por Gabriel Mata-Cervantes, que llegará al prestigioso teatro Xola el próximo 22 de septiembre de 2023.”-

-“ Los más reconocidos parasicólogos convienen en el que el velo entre el mundo físico y el espiritual es más delgado a esa hora y es cuando ocurre mayor posibilidad de conectar con entidades de otros planos con mayor facilidad. Algunos chamanes la describen como la hora de la muerte o muerta, pues ésta hora es una señal de que algo paranormal está sucediendo alrededor suyo, algunos religiosos sostiene que hay mucha actividad espiritual o demoníaca, por lo que a esa hora las personas pueden sentir presencias extrañas, reconoce Antonio Calvo, quien se ha preparado mucho en éstos temas, preparación reconocida en un capítulo dedicado a su persona en el famoso libro, Los brujos del poder.”-

2:22 UNA HISTORIA PARANORMAL se presenta en el Teatro Xola, Julio Prieto hasta el día 29 de octubre los sábados en doble función, y los domingos.

 

 

FELICES

POR: Dalia De León Adams

 

FELICES es la puesta en escena escrita, dirigida e interpretada por el Señor Eduardo Ramírez Velázquez (1971, Guadalajara) cuyo nombre artístico es Lalo España.

La obra teatral comprende una serie de espectáculos unipersonales en los cuales el actor caracteriza a diversos tipos de personajes que van desde un indigente, un ranchero, un payaso, e inclusive una viuda, entre otros muchos personajes más.

El talento del actor se pone en evidencia al dar vida mediante la actuación, a diversos seres mediante la técnica actoral del monólogo. Inicialmente la obra presenta un video en el cual se observan a varios de los creativos teatrales y personas, quienes expresan sus ideas en torno a qué significa ser FELICES,

Las respuestas son múltiple, lo cual nos habla de que el ser FELICES depende de cada uno en particular. Para el autor, Lalo España, como se pone de manifiesto en uno de sus textos, significa el valorar las pequeñas y cotidianas cosas de la vida, que nos hacen agradables los momentos que vivimos.

Pero, ¿Qué es ser FELICES?

-“ La felicidad es el estado emocional de una persona feliz; es la sensación de bienestar y realización que experimentamos cuando alcanzamos nuestras meta y deseos.

Para Aristóteles la felicidad es el fin que busca, todo ser humano.

La felicidad consiste en vivir en plena conformidad con el orden enteramente racional del mundo. Se entiende, entonces, por qué en la filosofía antigua se ocuparon de definirla.

 

Es el estado de ánimo de la persona que se siente constantemente satisfecha, por gozar de lo que desea o por disfrutar de algo bueno

. (“-Notas en Wikipedia)

 

Lo que es cierto es qué ser FELICES es un estado emocional muy subjetivo, y se puede ahondar en la temática con diversas respuestas, como se logra ver en éste montaje escénico tan creativo de Lalo España.

Es una dramaturgia muy divertida; puesta en escena en un solo tiempo de aproximadamente 90 minutos, en donde la técnica multimedia permite ambientar y adecuar los diversos cuadros escenográficos a través de imágenes que ambientan perfectamente cada monólogo, pues en realidad en el escenario tan sólo se presentan tres puertas y una ventana móvil.

Los diversos personajes son ataviados con diversos diseños de vestuario; ropa que el actor en breve logra ponerse, así como despojarse de ellos cuando de tras de él, se cierran las puertas colocadas en el escenario.

La creatividad es evidente del actor, dramaturgo, comediante y actor de doblaje, quien en escena presenta a un personaje con un texto totalmente dramático que demuestra su talento y qué realmente tiene madera de actor.

Finalmente le comentaré qué la obra teatral FELICES, ha tenido gran aceptación del público, por lo cual ya alcanzó sus primeras 100 representaciones, motivo por el cual se presentaron el Teatro Xola, Julio Prieto los actores, Rosario Castellanos, Gabriela Platas y Facundo.

Todos ellos dieron muestras de admiración y amistad hacia el Señor Eduardo España, quien además contó con la presencia de varias luminarias como lo son Gustavo Munguia, Beatriz Moreno, “El pequeño Chiqui-drácula” Carlos Espejel y Pepe Magaña., entre otros compañeros del medio artístico.

 

¡FELICIDADES por sus logros! Señor Eduardo España.

TOTO & PEZ

POR: Dalia De León Adams

 

-Una historia de amor y aceptación-

 

Bajo la producción de La Máquina del Tiempo y Los Bocanegra, la puesta en escena infantil intitulada TOTO & PEZ han logrado tocar el corazón del público, quien continúa presentándose ovacionando a la Compañía Teatral , con gran efusividad.

TOTO & PEZ es una tierna historia recreada en el mundo de las aves en donde la consigna que lleva de trasfondo la trama, es justamente el amor y la aceptación que debería gozar todo ser a ser cobijado, más allá de qué tan diferente se muestre, dentro del núcleo familiar o social.

TOTO & PEZ son dos avecillas pequeñas que gozan de una gran amistad, a partir de haber salido del cascarón, pese a que TOTO es rechazado por la parvada, e incluso por su padre, por negarse a ser estigmatizado como un ser que tan sólo nació para volar.

TOTO desea ser poeta. Ama las palabras de las lecturas y se muestra como un ser de contemplación; hecho que le hará alejarse del nido familiar, ante las incontables críticas padecidas por parte de la comunidad de pájaros.

El dramaturgo de ésta obra infantil es el Señor Luis Eduardo Yee, quien también dirige la obra matizándola de manera divertida y colorida. Cuenta una historia surgida a través de la imaginación, de un mundo en donde finalmente reinará el amor y la solidaridad.

Al respecto de la sinopsis de éste cuento infantil, la compañía creativa se expresa de la siguiente manera a través del boletín de prensa, otorgado por la Compañía Difusora “Manojo de Ideas” de Carlos García y Marilu Torrano:

--“Y de eso va la obra, de lo que cada quien es, de lo que la sociedad nos dice que tenemos que ser, de lo que queremos y no decimos, de lo que sucede cuando hacemos lo que queremos. Sin duda una historia de amor verdadero, que engloba ese amor de pareja, de amigos, pero sobre todo hacia uno mismo”, destaca su autor.-

Con un humor muy particular, pero con tintes de ternura, de miedo y esperanza, dando como resultado aceptación, respeto, amor y dignidad: valores que reflejan la necesidad urgente de las nuevas generaciones. Así es como TOTO & PEZ se desarrolla, a lo largo de 75 minutos desenmarañando situaciones complejas, a través de personajes simples pero entrañables.”-

Puesta en escena presentada en un solo acto y un cuadro, de donde mediante el uso de una plataforma, aparece una simpática ave cubana. Los personajes portan trajes coloridos y atuendos que simulan ser las simpáticas avecillas de la trama.

También aparece en el escenario una especie de jaula, en apoyo a una de las partes a escenificar, con acuerdo a la narrativa, además del uso de música ocasional como apoyo técnico.

El apoyo de los movimientos corporales por parte de los actores, es una base importante para la credibilidad de cada uno de los personajes a interpretar, sustentados con expresiones propias del mundo de las aves, quienes simulan comer gusanos y alpiste. El reparto estelar se encuentra integrado por Assira Abbate, Paula Watson, Rebeca Trejo, Hamlet Ramírez y Diana Sedano,

 

En fin TOTO & PEZ es una obra que puede resultar ser un tanto ilustrativa para los pequeñitos, y para motivar el desarrollo de su imaginación. Se presenta en el Teatro El Granero Xavier Rojas, del Centro Cultural del Bosque en días sábados y domingos a las 12:30 horas, hasta el 10 de diciembre del año en curso 2023.

PALABRAS RENDIDAS

POR: Dalia De León Adams

 

-PALABRAS RENDIDAS se compone de cinco historias aparentemente inconexas, revelan cinco universos femeninos cuya diversidad, complejidad y cotidianidad se entrelazan para formar un solo discurso. Escritas por las actrices durante un proceso de creación dramatúrgica conducido por Eduard Said, especialista en la técnica Travis, Cada historia expone los pensamientos, recuerdos, temores y secretos de su autora.”- (nota de la casa difusora Austria)

PALABRAS RENDIDAS es una obra teatral cuya Trama está compuesta por cinco monólogos totalmente diferentes, que se van presentado mediante pausas escénicas, para dar paso a otra historia, y así posteriormente continuar con las historias.

De ese modo las narrativas tratan de temáticas diferentes, siendo una de ellas la que trata por ejemplo, sobre la relación familiar, siendo presentada por la hija. cuya duda de paternidad manifiesta abiertamente, afectará la psiquis vivencial de la hija.

Se presenta por otro lado un texto a partir de una relación amorosa, cuyas heridas emocionales son más profundas que las heridas físicas; otra de las historias  o narrativas es en torno a los temores que son engendrados a través de los recuerdos de la mente, y que van gestando sentimientos que se hilan mediante reproches; monólogos que se representan en PALABRAS RNDIDAS entre otras temáticas más a abordar.

De tal modo qué cinco jóvenes actrices expones sus vivencias, con tristeza, dolor e incluso momentos de desesperanza, además de hartazgo vivencial, en donde empero la figura masculina del padre, amigo o amante es trascendental.

Son cinco diversas historias las cuales son contadas mediante el discurso unipersonal, pertenecientes en mayoría al género dramático por el hartazgo mediante el cual son narradas.

Empero, en algunas de ellas de pronto surgen momentos escénicos durante los cuales intervienen otras de sus compañeras actrices, para redondear las dramaturgia representada por otra de sus compañeras actrices.

Cinco sillas son el sostén escenográfico de PALABRAS RENDIDAS, en donde se emplea la “Voz in Off” e incluso un video sustentado por una de las autoras , e interpretes que forman el reparto estelar.

Ellas son Sally Kessing, Natasha Cubría, Fernanda  F. Valenzuela, Sandra Coria,  Wânia Rangel y Marisa de Alba. Todas ellas jóvenes valores que interpretan sus respectivos personajes con gran naturalidad y  emotividad.

Personajes femeninos que van surgen inicialmente en escena, mediante un ambiente musical en el cual aparece una tras de otra, de manera pausada en el escenario, tras de breves minutos.

Puesta en escena representada en un solo cuadro escénico y un solo tiempo aproximado de 90 minutos, en donde el juego de luces juega un papel preponderante, como se puede observar claramente en ésta propuesta llevada a cabo a consideración de su director escénico, el Señor Eduardo Said.

-“El texto es resultado de un proceso dramatúrgico basado en la premisa “Write Your Story” de la técnica Travis, que reúne cinco historias que representan universos femeninos diversos.

En  un mundo donde la tendencia son los efectos especiales y las escenografías elaboradas, la propuesta escénica minimalista de PALABRAS  RENDIDAS es una declaración audaz que apuesta por el poder de la palabra y la actuación (notas del boletín de prensa).

 

PALABRAS RENDIDAS es un montaje escénico totalmente contemporáneo y creativo, que se presenta en “El Círculo Teatral” los días sábados a las 19;00 horas.

LA FIESTA, en su Nueva Versión.

POR: Dalia De León Adams 

 

Volvió el montaje escénico de la obra teatral LA FIESTA producida por Mejor Teatro y César Rivero. Si Usted no la ha visto aún, le diré qué es una comedia Gay, recreada en los años 90’s, en donde un grupo de hombres muy atractivos, se reúnen para compartir momentos en el que un juego, determinará las circunstancias para su encuentro.

Dramaturgia original de David Dillon, bajo la dirección escénica del Señor Gerardo González, en donde nada parece censurarse. LA FIESTA es una puesta en escena matizada con cierto toque de comicidad, de manera picante, sensual, y atrevida, en donde se lucen los cuerpos al desnudo de los interpretes.

Sobre su autor David Dillon y su obra LA FIESTA, se encuentra publicada en una página de Internet la siguiente apreciación al respecto:

-“David B. Dillon es ex director ejecutivo de Kroger en Cincinnati, Ohio.

Nacimiento: 30 de marzo de 1951 (edad 72 años), Hutchinson, Kansas, Estados Unidos.

Escrita por David Dillon, LA FIESTA, la comedia gay de los 90, nos permite asomarnos –de manera casi voyerista– a la reunión de estos hombres, en la que de manera natural –sin presiones ni prejuicios– y en medio de un divertidísimo juego salen a la luz sus vidas, sus amores, sus experiencias, sus ilusión, sobre todo su amor y gusto por la vida”-  (cita también incluída en el programa de mano).

En su reestreno Sugey Ábrego y Pei Garza subieron al escenario en calidad de padrinos del evento, junto con sus dos productores, el Señor Morris Gilbert y el Señor César Riveros, tras de haberse concluido la función especial.

En el boletín que a-priori se nos entregó a la prensa aparece la siguiente cita textual con respecto a la Sinopsis de la obra teatral LA FIESTA:

-“ Como su mismo título lo anticipa, LA FIESTA sucede durante la reunión habitual que organiza un grupo de amigos, en la que para divertirse siempre tienen una actividad distinta. En esta ocasión, todos aceptan participar en un juego de mesa que incluye 25 cartas, divididas en cuatro “singulares” grupos y contienen indiscretas preguntas que los obligarán a confesar algunos de sus más recónditos secretos, o los orillará a irse quitando prendas de vestir hasta quedar enteramente desnudos…

 La anécdota se mantiene en los 90’s porque la historia quiere ser una reflexión sobre cómo era el mundo gay antes de la era de las redes sociales, incluso de la explosión de los celulares, que han dado pie a relaciones que muchas veces no pueden ser llamadas ni siquiera personales. “-

Con respecto al montaje escenográfico, en el aparecen simulada la sala de un departamento con un pequeño bar, en donde aparece la obra pictórica de Alex Van Roe, “Anturios”.

Pieza artística que forma parte del proyecto rotatorio de una Galería, que tiene contemplado  presentar cada mes, una distinta obra de diferentes artistas invitados, lo cual le otorga “un plus” al montaje escenográfico de LA FIESTA.

Finalmente le comentaré qué ésta obra, fue montada por primera ocasión en México el día 3 de junio de 1998 por el Señor Morris Gilbert, logrando representar 400 funciones.

Hoy en día en LA FIESTA volvió en una nueva versión que los creativos denominan “muy mexicana”. En ella actúan Alex Mont, Dan Cervantes, David Ortega, Diego Tenorio, John German, Lalo Arredondo, Luis Orozco, Miguel Salas, Oscar Ugalde y Rodrigo Cuevas.

 

LA FIESTA se presenta en Marketeatro.

 

FESTEJANDO 20 AÑOS

POR: Dalia De León Adams

 

 

Como a-priori le hicimos saber a Usted, “El Show de los 10 pianos” se encuentran FESTEJANDO 20 AÑOS de presentaciones. Es por ello que los productores Carlos Herrera y Adrián Padilla, nuevamente y con la actitud de agasajar a los espectadores han ofrecido un espectáculo de gran calidad, como es costumbre de ellos.

En el Show efectivamente se introdujeron diez pianos de cola blancos en el escenario, entonando cada uno de ellos diferentes acordes para el deleite de su público seguidor.

Y, como ya se había hecho saber unos días atrás, cuando nos convocaron a la prensa, se realizó un breve homenaje presentando algunas de las canciones más representativas o icónicas del ya ausente grupo de “Los Hermanos Castro”.

De igual modo a nuestro príncipe de la canción, y qué mejor que presentando algunos números interpretados por su vástago José Joel, quien demostró poseer una voz melódica y emotiva, con la cual quedó muy complacido el público escucha.

Con una duración aproximada de 120 minutos, en el SHOW participaron grandes nuevos valores de la música operística, para interpretar tanto melodías afamadas de obras y películas que han quedado en el gusto de la gente, como de varias piezas operísticas, las cuales han sido interpretadas por grandes baluartes internacionales, tanto tenores, como sopranos de la música clásica.

Y no podían faltar algunas piezas musicales del maestro Agustín Lara y, muy afamado  grupo de Liverpool, quienes fueron un parte-aguas con su composiciones exitosas, a mediados del siglo pasado. Me refiero evidentemente al cuarteto inglés The Beatles”.

Por todo ello fue necesario además integrar tanto a un coro, como a algunos otros instrumentos entre los que se encontraban el violín y el saxofón, para lograr acordes que permitieran la interpretación de diversos géneros musicales en éste espectacular evento musical.

Los números a interpretar fueron los siguientes:

-          He is a pirate

-          One day more

-          Popurrí con las Arias: La reina de la noche, A mes amis, y, Nessun dorma

-          All ask of you

-          El fantasma de la ópera

-          September

-          Y si fuera ella

-          Yo sin ti

-          Pianos solos con música legendaria, de Broadway

-          Poesía

-          Sabor a mi

-          Potpurrí de la composición musical Agustín Lara

-          Viva la vida

-          Gavilán o paloma

-          Almohada

-          El triste

-          Hey jude

-          Hallo

-          Don’t stop believing

-          Palabras del Productor

-          Por amor

Comodín Final: el tema de “El rey León.

 

 

Y así cerró con broche de oro EL SHOW DE LOS DIEZ PIANOS en el Teatro “Silvia Pinal” el pasado sábado 30 de octubre, del año en curso 2023.

EL MAGO

POR: Dalia De León Adams

Magnífica obra teatral que ha sido puesta en escena para toda la familia, la cual está siendo producida por  el Señor Juan Torres, en el Teatro Hidalgo de nuestra Ciudad de México, teniendo como casa Difusora a la Compañía “Manojo de Ideas” (de Carlos García y Marilú Torrano).

Contando con casi 180 minutos de duración, la puesta en escena es una delicia tanto visual, como musical, y corográficamente hablando; siendo poseedora de uno de los cuentos infantiles más icónicos, el cual se presenta bajo el título de EL MAGO (Wiz).

Montaje escénico que se basa en “El Mago de Oz” de la cual a manera de sinopsis en una de las páginas WEB de la Internet, se hace la siguiente aseveración:

El Mago de Oz es la historia de Dorothy, una joven granjera de Kansas, que, después de quedar inconsciente en un ciclón que lleva su casa a la tierra de Oz, sigue el camino de las baldosas amarillas, junto a su perro, Totó, hasta la Ciudad Esmeralda para conocer al Mago de Oz. Sigue el camino desde las baldosas amarillas junto a su perro, Toto, hasta la Ciudad Esmeralda para conocer al Mago de Oz.  (Nota Wikipedia).

En el cuento aparecen además de Dorothy, otros importantes personajes en calidad de co-protagónicos, como lo son “El Espantapájaros” quien busca un cerebro, “El Hombre de Hojalata” a quien le gustaría  tener corazón,  y,  “El León” deseoso de ser valiente, como corresponde al Rey de la Selva”.

Personajes quienes unidos, formarán un grupo junto con Dorothy, con la finalidad de asistir a la hermosa e importante “Ciudad de Oz” para intentar, mediante la Magia del Mago que habita en dicho lugar, lograr que les conceda sus deseos y, que finalmente Dorothy regrese a su hogar, junto a su tía.

EL MAGO (Wiz)es una obra teatral perteneciente al género de la Revista Musical, la cual es presentada por Juan Torres para el disfrute de toda la familia, en cuya por primera ocasión aparece Lucero Mijares, nada menos que en el papel protagónico de Dorothy.

Finalmente Lucero Mijares recibió un caluroso aplauso por parte de su público, quien la reconoció como poseedora de una excelente voz, interpretando los arreglos musicales del maestro Charlie Smalls.

La espléndida puesta en escena musical consta de varios cuadro escenográficos, coloridos con algunas plataformas y con efectos que ilustran perfectamente las escenas sugeridas en la dramaturgia. Además presenta números coreográficos e interpretaciones musicales, ejecutados por un numeroso reparto estelar.

 

EL MAGO, texto adaptado por Antonio Aguirre Alvarado con la traducción William F. Brown bajo la traducción de Alejandro Orive, la cual hoy en día es presentado por el productor General Juan Torres, bajo el título de EL MAGO (The Wiz) en el Teatro Hidalgo hasta el día 12 de noviembre.

 

LAS TARDES DE CABARET EN KILENS

POR: Dalia De León Adams

 

-El homenaje a las grandes divas del cabaret del siglo XX y la época de las noches del gran cabaret en la Ciudad de México.-

Recordemos qué el espectáculo cabaret a finales del siglo XIX, se convirtió en el espacio de entretenimiento abocado al erotismo, que se consolidaba entre el glamour y la provocación.

Entre las grandes divas se encontraron entre otras, la también actriz Esperanza Iris,  la española María Conesa conocida como “La gatita blanca”, Lyn May “La Diosa del Amor”, la Princesa Yamal, Sasha Montenegro, la argentina Telma Tixou y Olga Breeskin.

LAS TARDES DE CABARET EN KILENS a manera de homenaje a esas divas, es un show basado en el género musical de la “RUMBA”. Show que precisamente se lleva a cabo en días domingos en el Club Nocturno “Kilens” en la Ciudad de México.

Su elenco estelar DRAG será presentado bajo la dirección artística del Señor Carlos Rangel. La comedia RUMBA DRAG es una revista musical original de los Señores Sergio Alazcuaga García, Daniel Aguilar Vives, Caros Enrique Rangel García y Ernesto Gutiérrez Esquivel.

Espectáculo tipo cabaret, acerca del cual la casa Difusora a cargo de Carlos Martínez Velasco, se refiere de la siguiente manera textual en su boletín de prensa:

-“Con gran humor y nostalgia, pero también con la representación de artistas icónic@s del movimiento Drag de los últimos años, RUMBA DRAG retorna, a través de las risas, la picardía, el baile y el tributo a las grandes artistas que colmaron los escenarios de las carpas, los teatros de revista y centros nocturnos de la Ciudad de México, expresiones que siguen influyendo el espectáculo en México, en nuestro cine y televisión.

RUMBA DRAG se apropia de nuevos espacios para retomar aquellos lugares que hoy han dejado una huella indeleble en el corazón de nuestra Ciudad como lo fue El King Kong, El Blanquita y El Salón México. En este caso, será en Kilens, en Zona Rosa donde las plumas y lentejuelas de antaño cobren vida nuevamente en su escenario

A través de la memoria de dos simpáticas ancianas que en su juventud fueran grandes artistas de Rumba, estas Reinas del Trópico nos contarán su historia de amor y desamor…”-

Bajo el trabajo coreográfico de Anthony Ramírez, se presenta el reparto estelar conformado por Daniel Vives “Ego”, Checho Alazcuaga Cassandra “Cristo Vampiro”, Drag Mystique “Marianita 33” Purpuresa, Sam Zarazúa, Roberto Wohlmuth, Anthony Ramírez, Leonardo Moreno, Brandon Camberos y Erik Gómez “El Güero”.

 

En “RUMBA DRAG, LAS TARDES DE CABARET” todos ellos convergen con un espectáculo colorido que se presentará recordando a las grandes divas, a manera de homenaje, bajo la dirección artística de Carlos Rangel, y tendrá funciones solamente los días domingos en “El Club Nocturno Kilens”.

Londres 101, zona rosa.

 

Estrena ESCAPE ROOM

POR: Dalia De León Adams

 

La noche de ayer inició la temporada de SCAPE ROOM producida por el importante Señor Morris Gilber y su Compañía “Mejor Teatro”, uniendo sus esfuerzos con las co-producciones de Tina Galindo y Claudio Carrera, y con los productores asociados: Alfonso J. González, Daniel Villafane, Francisco Escárcega y Priscila Alba

Para tal efecto, en la alfombra Roja desfilaron muchas personalidades del medio artístico, como lo son Héctor Suárez Gomis, Consuelo Duval, Angelique Boyer, Sebastian Rulli, Mayrin Villanueva, Eduardo Santamarina, Elizabeth Álvarez, Jorge Salinas, Gustavo Egelhaaf, Ariadne Díaz, Marcus Ornelas, Emiliano Zurita, Azela Robinson, Agustín Arana, Grettell Valdez, Yolanda Ventura, Dalilah Polanco, Edgar Vivar, Bárbara Islas, Agustín Arana, Gabriela Platas, Pablo Perroni, Gloria Aura, Héctor Trejo (Bully) Ingrid Martz, Liz Gallardo, Michael Ronda, Michael Duval, Tato Alexander, entre otros.

Le comento qué ESCAPE ROOM se estrenó en Cataluña, lugar de donde son oriundos sus dos escritores, Joel Joan y Héctor Claramunt. Tal fue el éxito de la obra que lograría tres años de producción ininterrumpida.

Las puestas en escena sumaron al rededor de 450 funciones; hecho por el cual se produjo además en formato de largometraje, colocándose en la segunda película más vista en Netflix, durante su transmisión local. Posteriormente se presentaría en la Ciudad de Madrid, para después cruzar el continente y trasladarse a Perú, para finalmente hoy en día llegar a nuestra Ciudad de México.

Esto se hizo saber a-priori por parte de su dramaturgo y ahora director escénico, el Señor Joan Joel, durante la Rueda de Prensa, estando presentes los cuatro actores protagónico de SCAPE ROOM y quienes son Faisy, quien interpreta al personaje de Lalo, Alejandra Barros en el rol de Vicky, Juan Martín Jáuregui caracterizando a Ray, y finalmente Paly Duval, en el papel de Marina.

Todos ellos lograron matizar a su personajes con gran naturalidad e histrionismo escénico, logrando por ende un caluroso aplauso por parte de su abundante público tras de concluir la función de estreno, razón por la cual el Señor Morris Gilber junto con el Señor Claudio Carrera, subieron al escenario con todo el equipo creativo.

Acerca de la Sinopsis de ésta dramaturgia contemporánea, con tintes del género de terror y suspenso, la compañía Difusora a cargo del Señor Hugo, en el boletín de prensa se expresa la siguiente aseveración textual:

-“La historia de ESCAPE ROOM comienza cuando Edu quiere presentar a su novia Marina a una pareja de amigos suyos; Ray y Vicky. Para este primer encuentro organiza algo que está muy de moda; un juego de SCAPE ROOM.

Los cuatro amigos piensan que les espera una velada muy divertida para pasar el rato, poner a prueba su inteligencia y reírse un poco. Pero nada más lejos de la realidad, en cuanto la puerta de la habitación se cierre herméticamente y comienza la cuenta atrás, empiezan a suceder cosas muy extrañas.

Salir de aquel SCAPE ROOM no será nada fácil, y el juego se convertirá en un infierno que pondrá a prueba la relación de los cuatro personajes hasta límites insospechados.

Puesta en escena en un acto y dos cuadros escenográficos, en donde se muestra la entrada y, posteriormente una estancia en donde aparecen muchos objetos y distintivos nazis, junto con una pantalla televisora, de donde surge otro personaje en transmisión, quien es un actor invitado especial.

Y como finalmente se menciona textualmente en el boletín de mano de la obra teatral SCAPE ROOM:

El teatro tiene que ser ese “martillo” que nos haga volver la vista a los temas importantes. Y para lograrlo, la comedia ha sido desde siempre el género que mejor permite exponer los conflictos, burlarse de ellos, y a partir de la risa invitar a la reflexión. Personal.  (texto del personaje de Kevin Spacy, en la película “Seven”).

 

SPACE ROOM se presenta en el Nuevo Teatro Libanés, con dobles funciones de viernes a domingos.

UN JARDÍN

POR: Dalia De León Adams

 

Realmente es una obra didáctica para niños muy pequeñitos, los cuales empiezan a hurgar por todas direcciones y lugares, siendo en éste caso justamente en lo que la compañía creativa dirigida por Mauricio Arizona y Mario González Solís presentan, como un montaje escénico en donde la consigna es planear *Juegos Simples y Espacios para la Contemplación*.

Compañía denominada “Una Canasta de Limones” la cual a manera de escenografía simula UN JARDÍN hermoso y colorido,  lleno de vida y de sorpresas, en donde la naturaleza juega un papel preponderante, dentro de ésta dramaturgia.

Propuesta escenográfica de Aline Bejarano, con música que de Edwin de Partera, que se conjugan para poder ofrecer una puesta en escena que no contiene un texto escrito.

El movimiento la música y la escenografía es la parte visual que introduce a los pequeñitos llamando su atención hacia UN JARDÍN; niños los cuales al final de la puesta escénica se introducen para observar, tocar y jugar, siendo guiados por los dos actores en el escenario.

En él se desplazan y aparecen varios animalitos propios del lugar, como libélulas, mariposas, luciérnagas, gusanitos, chapulines e incluso una víbora. Todo ello con lo que parecen ser papiroflexias, además de ilustraciones, lamparitas y juego de luces, qué en mayoría son manipulados por dos actores en escena, o bien, simulados mediante movimientos coordinados, que dan apariencia de ser números de danza contemporánea ejecutada por ellos.

-“Debajo de las hojas sueltas, entre los altos pastos y junto a las ramitas caídas del árbol se encuentra UN JARDÍN. El lugar favorito de OH y JA, dos seres que nos invitan a jugar, contemplar y descubrir juntos este nuevo gran espacio, dándonos cuenta de la importancia de hacer una pausa de lo cotidiano y dejarnos llevar por la naturaleza, y así descubrir el valor de compartir y celebrar la existencia de cada ser.”-  (cita textual del boletín de prensa).

Por otro lado aparecen la vida gestada en la flora, como son las hojas, ramitas, flores, e incluso algunas piedras, por lo que en el boletín se continúa leyendo la siguiente aseveración al respecto:

-“La inspiración para crear éste espectáculo fue a partir del amor por la naturaleza y los juegos que pueden suceder en ella. Esa inspiración estuvo en los espacios recreativos para niñas y niños al aire libre: “Piedras en los parques, ramitas de algún árbol, hojas secas en el suelo, tierra apilada o en charcos de agua después de la lluvia, todos estos elementos orgánicos a personas adultas nos pueden parecer simples, pero para la infancia es un universo de posibilidades para el juego, ya sea la repetición, mímesis o incluso de rebeldía destructiva; todo esto finalmente termina por generar una conexión con la naturaleza”, compartió el director Mauricio Arizona.”-

 

Finalmente le comentaré que alrededor del espacio escenográfico se encuentran colocados diversos cojines, para que los pequeñitos junto con quien los acompañen, se encuentren cerca de los actores quienes invitan a los infantes a entrar al JARDÍN para tocarlo, verlo de cerca y sentirse en aparente contacto con la naturaleza y sus diversos habitantes.

 

UN JARDÍN se presentará hasta el día 29 de octubre en el Teatro “El Galeón Abraham Oceransky” del Centro Cultural del Bosque (CCB) los sábados y domingos a las 13:00 horas.

TODOS ERAN MIS HIJOS

POR: Dalia De León Adams

 

Texto conmovedor perteneciente al género dramático escrito por el dramaturgo estadounidense, Arthur Miller nacido en Nueva York 1915, y fallecido en Roxbury en 2005.

-“ Arthur Asher Miller fue un dramaturgo y guionista estadounidense y una figura controvertida en el teatro estadounidense del siglo XX. Entre sus obras más populares, están Todos eran mis hijos, Muerte de un viajante, Las brujas de Salem y Panorama.  (cita Wikipedia).

La obra teatral tiene como referente un pueblo de la unión americana cuyos sucesos se recrean en el año de 1949. Es una dramaturgia la cual esta basada en un hecho real, en el cual se supo por medio del periódico local, que una mujer había denunciado el caso.

En cartelera teatral, a manera de Sinopsis se ha podido leer la siguiente apreciación acerca del contenido de la obra TODOS ERAN MIS HIJOS de Arthur Miller, presentada en el Foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico bajo la dirección escénica de Diego del Río con gran éxito

-“ A dos años de una devastadora guerra mundial, una familia común y corriente trata de poner el pasado atrás, no sólo por la desaparición de su hijo mayor, sino por el juicio al que fue sometido el padre, acusado de vender material dañando al ejército y causar la muerte de 21 pilotos. Esta es una historia sobre el duelo, las relaciones entre padres e hijos y la responsabilidad social e individual.

Teniendo un excelente reparto estelar integrado por la destacada actriz Arcelia Ramírez, Pepe del Río, Ana Guzmán, Gonzalo de Esesarte, Fabiola Villalpando, Nicolás Pinto, Angélica Bauter, Eva Regueira y Eugenio Rubio .

Con gran plástica actoral e histrionismo escénico, cada uno de los actores desempeñan brillantes caracterizaciones de sus personajes, sobresaliendo la actriz Arcelia Ramírez, quien no en balde ha sido reconocido su talento actoral, más allá de nuestro país.

Puesta en escena en dos tiempo de 180 minutos que pasan sin sentir, pues reúne muchos elementos artísticos. Es una obra montada con un solo cuadro escenográfico, en donde se muestran varios objetos de utilería como los son un árbol seco, pétalos, algunos asientos, una mesita con una jarra con agua de mandarina y varios vasos.

Objetos de utilería, que complementan la ambientación escenográfica con el sonido de trinos de pájaros, los cuales inicialmente se hacen sonar y que junto con la descripción de manera verbal, por parte de uno de los actores cuyo personaje es el de Frank Lubey, hacen sentir al público que realmente se encuentra frente a una espléndida y hermosa casa de provincia con cinco habitaciones del rico empresario Joe Keller, su esposa Kate y su hijo Chris.

TODOS ERAN MIS HIJOS cuenta con muchos factores que han hecho que la puesta en escena sea realmente un éxito tanto para la crítica periodística como en taquilla, empero el día de hoy, martes 26 de septiembre del año en curso 2023, concluirá sus representaciones en dicho recinto cultural.

 

¡Felicidades a todos!

Pronto PETER PAN QUE SALE MAL

POR: Dalia De León Adams

 

Muchas personas recuerdan la obra teatral exitosa, peculiar, divertida y controversial, intitulada “La Obra Que Todo Sale Mal”, la cual en el momento de estrenarse en México sería considerada como un montaje escénico que paso de ser amateur, a considerarse una obra totalmente creativa, ingeniosa, divertida  y sobre todo, importante.

Dramaturgia que surgiera del ingenio de algunos de los alumnos, del ya entonces importante director escénico inglés, Adam Meggido, quien ahora precisamente se encuentra en nuestra Ciudad de México para dirigir el montaje escénico de PETER PAN QUE SALE MAL.

“Peter Pan Goes Wrong” cuyo título es muy ad-hoc con respecto a la temática a tratar en la obra, cuyo título inmediatamente nos hace ver que es parte también del colectivo creativo a-priori mencionado.

Le comento qué desde el año 2020  la Compañía “Próspero Teatro” intentó contactar con la firma encargada de la obra, por lo cual Jerónimo  Best se contactaría con Adam Meggido, para traer éste proyecto a nuestro país.

Pero por fin se estrenará “Peter Pan Goes Wrong” PERTE PAN QUE SALE MAL, dramaturgia original de Jonathan Sayer, Henry Shields y Henry Lewis, bajo la traducción y adaptación de Jerónimo Best.

Con respecto a lo que será ésta nueva puesta en escena la cual ha sido nominada en el rublo de “Mejor Comedia” por Olivier Award, ya se puede leer en cartelera teatral la siguiente cita:

-“Tras el multipremiado éxito de taquilla La Obra Que Sale Mal, Próspero Teatro y Lemon Films regresan con el toque caótico que Mischief Theatre le da a un eterno clásico: el gran éxito de West End de Londres PETER PAN QUE SALE MAL.”-

Con respecto al director Adam Meggido “The King of improvided Chaos”  (Rey del caos improvisado)se puede leer en una página WEB las siguiente afirmaciones:

Adam Meggido is an English writer, performer, and director. · Adam Meggido is represented by Casarotto Ramsay & Associates Limited. · His book Improv Beyond Rules ...

Adam Meggido is known for Film as a Subversive Art.

-“(Adam Meggio es un escritor inglés, realizador y director. Adam Meggio está representado por “Cassarotto Ramsay & Associate Limited. Su libro se titula “Improvisar a través de Reglas”

Adam Meggio es reconocido en el medio cinematográfico como uno de los representantes del Arte Subversivo.)”-

En ésta nueva producción a cargo de Próspero Teatro y Lemon Films (la cual por cierto será una revista musical basada en el cuento de Peter Pan de Walt Disney, pero con el toque de los creativos londinenses) actuarán Artús Chávez, Luis Rodríguez “El Guana”, Daniel Haddad, Ari Albarrán, Majo Pérez, Daniel Ortiz, Daniel Bretón, Alondra Hidalgo, Ricardo Maza, Iván Carbajal, José Dammert, Alex Gesso, Juan Carlos Medellín, Miguel Tercero y Sofía Quintanilla.

Todo parece prometer que será una gran puesta en escena familiar, la cual se estrenará el 13 de octubre en el Foro Cultural Chapultepec.

 

Les deseo ¡MUCHA SUERTE!

DESDE EL CAPARAZÓN DE LA TORTUGA

POR: Dalia De León Adams

 

Adaptación de la obra clásica de “MOMO Los hombres de gris” escrita por Michael Ende, la cual fuera publicada en libro físico en el año de 1973, la puesta en escena DESDE EL CAPARAZÓN DE LA TORTUGA es el montaje presentado por la Compañía “Danza Visual”, cuyo dispositivo se encuentra dirigido por Patricia Marín, Leonardo Beltrán y Rogelio Marín.

La puesta en escena es realmente un espectáculo lleno de elementos artísticos, como lo son la música, algunas piezas operística en vivo, danza, ballet y artes circenses, las cuales se suman a una dramaturgia con un mensaje filosófico inteligente, acerca de lo importante de ésta vida.

Con una breve temporada, la puesta en escena DESDE EL CAPARAZÓN DE LA TORTUGA resulta ser un deleite visual propio para toda la familia. Obra colorida y entretenida, de la cual la empresa Difusora de Gaddi Miranda se refiere con las siguientes palabras textuales:

-“DESDE EL CAPARAZÓN DE LA TORTUGA una puesta transdisciplinaria que conjuga la danza, el teatro, la música en vivo, así como las artes visuales y circenses, en una reinterpretación del clásico infantil Momo, de Michael Ende.

A historia cuenta la vida de Momo, una niña capaz de escuchar incluso a las estrellas, quien transita su existencia junto a sus tres entrañables amigos: Beppo, el barrendero paciente; Giggi, el soñador incansable; y Casiopea, la tortuga milenaria que se encarga de administrar el tiempo.

La obra exhorta al público a reflexionar en torno a la vida, el tiempo y el uso que le damos. Además, permite una aproximación amable y lúdica hacia la posmodernidad y sus intrincados avatares, a través de las actuaciones entrañables de los personajes Hombre de gris (Leonardo Beltrán) y Bibbi Gail (Anivdelab Ponce), su muñeca perversa.

Bajo el objetivo de fomentar en el público infantil a la lectura mediante experiencias lúdicas multisensoriales, como argumentara la directora creativa Patricia Marín, quien además explicó que la elección de presentar MOMO, fue en base a que ofrece discursos inteligibles que permiten la aproximación a las artes.

Le comentaré finalmente qué DESDE EL CAPARAZÓN DE LA TORTUGA ha sido presentada por la compañía “Danza Visual” en el extranjero, como son los países de Corea del Sur y Ecuador, así como en distintos estados de la República Mexicana.

 

EL CAPARAZÓN DE LA TORTUGA se presenta en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico, con tan sólo cuatro funciones, siendo el próximo sábado último del mes de setiembre y domingo 1º de octubre, que concluirán sus representaciones en dicho Recinto Cultural.

GRAND SLAM

POR: Dalia De León Adams

 

-Una competencia consigo misma-

 

Valentina Garibay es la joven actriz intérprete de ésta unipersonal. Es una puesta en escena, qué por cierto ella misma escribiera y dirige. Monólogo creativo y divertido que nos lleva a reflexionar sobre diversas temáticas, como lo son la inseguridad que comúnmente impide alcanzar nuestras metas, la baja estima, la envidia, en ocasiones mal infundada y, la competitividad, que creamos en nuestras propias mentes con respecto a los demás y no permiten una vida plena o un buen desempeño, como es el caso que muestra éste ingenioso texto.

GRAD SLAM es un monólogo montado en un solo tiempo escénico, que contiene como base escenográfica varios objetos de utilería. La música, y sobre todo el juego de iluminación son dos elementos preponderantes en el desarrollo de la trama, con los cuales se van marcando varios de los cuadros que contiene la dramaturgia de  dramaturga Valentina Garibay.

Con respecto a la narrativa, el personaje de una joven tenista funge como Un Yo, en Primera Persona, quien narra y describe un suceso en su vida, en donde el tenis es la parte medular a presentar.

Con respecto a la Sinopsis de la obra, la Compañía Difusora a cargo de Raúl Medina presenta los dos siguientes párrafos textuales, en el boletín de prensa:

-“ Una tenista compite contra una contrincante recién llegada de Nueva Zelanda, solo para descubrir que la competencia es consigo misma. A partir de la metáfora deportiva se presenta una reflexión sobre la envidia y la competencia. Siempre queremos ganar… pero… ¿Por qué duele tanto perder?...

GRAND SLAM es un montaje escénico protagonizado por una adolescente que forma parte de un equipo de tenis que participará en un torneo. Ella se siente segura de sí y confía en sus habilidades y en su entrenamiento. Todo cambia cuando una nueva compañera llega y la protagonista se ve afectada por la competencia y la rivalidad, desestabilizando su confianza y su entorno.”-

El personaje protagónico caracterizado por la actriz Valentina Garibay, en algunos momentos escénicos intenta interactuar con su público, e incluso baja del escenario, lo cual hace que su narrativa se sienta un tanto cercana con respecto al espectador, quien siente ser parte de la charla.

Obra que tiene como referente la época actual, en la cual la chica tenista muestra toda su admiración por el gran extenista y hoy en día entrenador Adre Kirk Agassi, y en base a uno de los comentarios formulados por aquel ícono estadounidense, es que el personaje de la tenista, da un giro diametral al torneo de tenis.

Frase motivadora que siguiéndola, podría cambiar el rumbo de nuestras vidas, según se muestra a manera de consigna en ésta obra teatral, cuyo parte del  título es la palabra SLAM, la cual significa  “golpe”  (blow, coup, hit, stroke, strike); en otras palabras “El Gran Golpe”.

 

GRAND SLAM se presenta bajo la producción del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y la Secretaría de Cultura del Gobierno de México a través de la Coordinación de Teatro y Dramafest, en el Teatro Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque de jueves a domingos hasta el día 22 de octubre del año en curso 2023.

 

AYER UN CENCALE

POR: Dalia De León Adams

 

AYER UN CENCALE es una puesta en escena testimonial a partir de la exploración corporal y la dramaturgia no textual inspirada en un acontecimiento trágico que vivió la actriz Alma López en el año 2005, cuando sufrió una eletrocutación con un cable de alta tensión que casi le cuesta la vida. Alma logró sobrevivir, pero su cuerpo quedó con cicatrices y quemaduras en toda su cabeza y su cuerpo. (Nota de la Difusora Adriana).

Obra teatral escrita y dirigida por Josué Almanza. Se trata de una puesta en escena que abrió paso a la temporada del repertorio de obras teatrales seleccionadas para formar parte del Festival de Monólogos.

Es uno de los monólogos presentados por La Secretaría de Cultura, a través de La Universidad Autónoma Metropolitana. (UAM). Evento que dio inicio a partir de la convocatoria efectuado por El Sistema de Apoyo a la Creatividad y Proyectos Culturales y que ha sido presentado en otros foros, como en El 4º Espacio Alternativo del Centro Cultural Helénico.

Se trata de una escenificación unipersonal que tiene como epíteto la frase siguiente:

-Frente a la doble quema de brujas , esta obra es mi derecho a réplica-

Frase que la actriz protagónica Alma López incluso utiliza en una parte de la escenificación dentro de la trama, la cual según comentó a final de la función, se trata de un bio-drama en toro a la trama a escenificar.

Como Sinopsis de la obra, se encuentra el siguiente párrafo al respecto de la dramaturgia presentada:

-Un 22 de febrero, Alma Delia fue la luz misma. Aquel día ella y su vecina se electrocutaron, sufriendo una descarga sobrenatural. En una nota que se publicó después, aparece Alma semi-desnuda y quemada al lado de su vecina con el título: “Mujeres se electrocutan intentando robarse la luz.” Alma se convirtió en una nota roja, fue expuesta y violada a través de la imagen periodística y, por lo tanto, este testimonial escénico es su derecho de réplica.-

Párrafo expuesto e la cartelera teatral que resume perfectamente el contenido de la narrativa que utiliza su autor y director escénico, Josué Almanza, como parte medular de su texto el cual está escenificado por la actriz Alma Delia, bajo un toque de emotividad excesiva.

Obra perteneciente al género teatral de denuncia, ante la impunidad de desamparo que sufre en ocasiones la clase social poseedora de una baja o casi nula economía, dentro de la cual está inmerso el personaje de Alma Delia, quien interpreta al personaje protagónico en ésta función unipersonal.

Se comienza la narrativa de la historia, mencionando los felices momentos vividos con su familia en el campo, en donde la abuela le enseñara a hacer tortillas, entre muchas cosas; lugar de donde Alma Delia dice ser oriunda, y de donde partió para trasladarse posteriormente con su madre a la ciudad de México, en la cual continúa.

Ahí es en donde padecerá muchas vicisitudes, además de un desafortunado y desgarrador accidente que no le arrancara la vida, pero que le cobrará grandes facturas.

Momento trascendental en la vida de Alma, que cambiará radicalmente su modos vivendus y su identidad tanto física, como psicológica; suceso que la ha impulsado a subir al escenario, para presentarse en éste montaje escénico perteneciente al género de denuncia, en donde narra parte de su vida.

La trama bien puede ser perfilada mediante un matiz psicológico, sin embargo dista mucho de pertenecer a dicho género, aún cuando el perfil del personaje se perfila muy bien por su escritor Josué Almanza

AYER UN CENCALE al igual que los demás monólogos del Festival, se presentará en diversos recintos culturales.

¿Y qué es un CENCALE? Tal ves Usted se pregunte. Pues bien éste significa:

Cencale (cencali en náhuatl): casa o granero para conservar el maíz.

AYER UN CENCALE tiene funciones en el Teatro “Casa de la Paz” los días miércoles y jueves a las 20:00 horas.

 

 

CON MIS DOS OJOS

POR: Dalia De León Adams

 

CON MIS DOS OJOS se intitula la exposición del maestro Luis Gal quien inicialmente comenzará su labor de artista plástico como dibujante, para convertirse en un gran escultor y pintor, en donde la base de su motivación volcada en simbolismo abstracto de su arte interpretativa, es la sensualidad.

Su obra CON MIS DOS OJOS titulada muy ad-hoc a su apreciación artística, sugiere una primera mirada personal con uno de sus dos ojos, que conjugara la plástica en torno al cuerpo humano desnudo  plasmado tanto en tinta y papel, como en esculturas; en tanto que con su otro ojo, mira de frente el paisaje colorido en el cual recreó finalmente su obra.

Hombre sencillo, como es característicos de los grandes baluartes o exponentes artísticos, quien se sabe expresar muy bien, pese a la timidez candida que le caracteriza al maestro Luis Gal, quien ya ha mostrado mediante sus diversas exposiciones en búsqueda de la estética humana, en otrora radicando tanto en tierra francesa, como en su tierra mexicana.

Con respecto al maestro Luis Gael y su obra artística, Francisco Moreno escribe la siguiente aseveración personal con respecto a lo que él percibe del artista que homenajeando su arte.

Nota que expuso más ampliamente textualmente, a manera de breviario durante el evento de apertura de la exposición que se dio cita el pasado miércoles 20 de septiembre, en La Casa Rafael Galván:

-“Al quehacer de un artista siempre lo habita la soledad; crear es una actividad solitaria. La inmersión en las ensoñaciones, la reflexión y el despertar creativo surgen frente al papel o el lienzo en horas sin fecha, en momentos que no avisan; la lucidez aparece después de muchos días de trabajo, de esmerada exposición. Las musas son un mito, la originalidad y la belleza brotan cuando las buscas, la gestación de una verdadera obra de arte toma su tiempo…

La muestra CON MIS DOS OJOS es una exposición de gabinete, son piezas en las que la textura nos descubre una rica gama de tonalidades y, con un diestro manejo del pincel o de la espátula, arroja líneas y aplica veladuras para construir piezas de un rojo cálido y luminoso, otras verde hierba, amarillos terrosos o sombreados. El manejo que tiene del blanco atestigua una vigorosa experiencia. Son lienzos y pasteles que atestiguan una trasiego convertido en madurez.”-

Pero más allá de cualquier apreciación, lo cierto es qué el maestro Luis Gal con sus dibujos en tinta, la gala de los cuerpos sensuales desnudos volcados en pequeñas esculturas y, el colorido un tanto tenue con trazos sutiles inmersos en sus paisajes naturales, demuestra su gran talento artístico con técnicas diversas a desarrollar, que despiertan en el observador sensible de su obra, el deseo de observar.

 

La exposición CON MIS DOS OJOS  del maestro Luis Gal, se presenta en la Galería de La Casa Rafael Galván en la Ciudad de México. 

SHOW DE LOS DIEZ PIANOS

POR: Dalia De León Adams

 

Tras de veinte años los productores Carlos Herrera y Adrián Padilla, nuevamente apuestan por presentar un espectáculo de gran calidad, en el cual se han integrado diez pianos en el escenario.

Instrumentos los cuales brindan diferentes acordes  melódicos, que al unísono hacen sonar grandes melodía que van desde óperas como Nesum Dorma” interpretado por destacados tenores, y hits de largometrajes  cuyas canciones se han colocado en el gusto popular internacional, volviéndose en melodías icónicas.

También se interpretarán temas de algunas entrañables revistas musicales de talla mundial, como “El Fantasma de la Ópera”, y algunas melodías que dieron fama a grandes cantantes y grupos musicales como lo fueran la banda de Liverpool “The Beatles”.

En suma, el SHOW DE LOS DIEZ PIANOS tras de cumplir su 20º Aniversario, presentarán un espectáculo a la altura del festejo, ofreciendo un Concierto que tendrá cita en el Teatro Silvia Pinal, el próximo 30 de septiembre del año en curso 2023.

Acerca del afamado espectáculo, ya con mucha anterioridad se podían leer algunas notas y diferentes comentarios con respecto del SHOW, en el medio digital, siendo algunas las siguientes:

-“El show de los 10 pianos hace un recorrido musical que pasa por las mas bellas melodías internacionales hasta lo más alegre de la música mexicana, deslizándose ...

-“Diez Pianos, cuerdas, percusiones, bailarines, coros y solistas de enorme talento, se reúnen para hacer de este concierto un espectáculo que envuelve al público …

-“El show de los diez pianos. Un espectáculo mágico, estremecedor, impactante e inolvidable. Shows. Contamos con diferentes shows, simples y elegantes hasta ...

Hoy en día la compañía Difusora de Guadalupe Contreras presenta en su boletín de prensa la siguiente apreciación, con respecto a lo que será el evento ya en puerta del SHOW DE LOS DIEZ PIANOS:

-“ Como siempre es un deleite, un agasajo musical lo que interpreta el SHOW DE LOS DIEZ PIANOS, porque hace un recorrido por diferentes géneros musicales y estilos tocando los temas clásicos como Vid Cold Play, Nesum Dorma esta ópera ha sido interpretada por los grandes tenores como Placido Domingo, Fernando de la Mora y Pavarotti.

Es un magno concierto que ofrecerán con motivo de la celebración de sus 20 aniversario incluirán Medley Broadway, Popurri Beatles, hasta lo más alegre de la música mexicana.

Y por el reciente fallecimiento de Benito Castro; quien iba a ser padrino de revelación de placa. Se le recordará con algunos temas de Los Hermanos Castro.

Y con motivo del próximo aniversario luctuoso de José José también tocarán los pianos algunas canciones del Príncipe de la Canción y las interpretará su hijo José Joel, como invitado especial.

El SHOW DE LOS DIEZ PIANOS se llevará a cabo el día 30 de septiembre en el Teatro Silvia Pinal, para posteriormente ofrecer varias funciones en el sur de la República Mexicana.

 

FIN DE PARTIDA

POR: Dalia De León Adams

 

Muchos actores comulgan con la idea de que una función nunca resulta ser igual a  otra, aún cuando ellos mismos actúen repitiendo las mismas escenas marcadas por su director escénico. 

Mucho menos cuando aún siendo la misma obra, es montada por otra compañía teatral como se puede observar con claridad. Comentario que viene a colación cuando recordamos que FIN DE PARTIDA fue  presentada en el Teatro el Granero del Centro Cultural del Bosque, mientras que estuvo también en El Circulo Teatral, bajo la dirección escénica de José Luis Cruz, contando con un excelente elenco formado por Carlos Mendoza, Eduardo Corona, Guillermo Díaz, Ainé Martelli y Katia Elnecave.

Puesta en escena que empero resultó tener una tónica diferente, pero de igual valor artístico, debido a que ambas reunieron muchos elementos que las hicieron imperdibles ante los ojo de la crítica periodística, y por supuesto del público amante de un buen teatro.

FIN DE PARTIDA fue presentada en el Teatro el Granero hasta el día de ayer 20 de septiembre, bajo la producción del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) contando con la magnifica dirección escénica de Agustín Meza, la musicalización muy ad-hoc con la temática compuesta por el maestro Steven Brown, quien por cierto se presentaba ejecutando sus arreglos,  además de tener la excelente actuación estelar de Luis Alberti, quien junto con Medín Villatoro, Alejandro Obregón y Rosario Sanpablo, hicieron que la obra llegara a buen puerto.

Como es bien sabido FIN DE PARTIDA es una de las obras icónicas del escritor irlandés Samuel Beckett, (1904-1989) quien es considerado como uno de los máximos representantes del experimentalismo literario del XX dentro del modernismo anglosajón, además de uno de los exponentes del Teatro de Absurdo.

Su obra FIN DE PARTIDA invita a la reflexión con respecto a la miseria del espíritu, al sentimiento de soledad, a la prepotencia, la vulnerabilidad, y sobre todo a profundizar en lo absurdo de la existencia humana.

Con un texto que brinda diversos razonamientos acerca de la miseria en todas sus vertientes, el importante dramaturgo Samuel Beckett (1906-1989)  inspirado en un texto shakesperiano, lo supo plasmar sin mayor disimulo, y gran maestría escénica.

Al respecto de la narrativa la compañía teatral creativa a cargo del montaje dirigido por Agustín Meza, se menciona lo siguiente:

-“Inspirada en el Rey Lear de Shakespeare y El Libro de Job, Beckett exhibe una vez más ese don magistral suyo para escenificar la ceremonia fúnebre , sin pompa ni palabrería, la ceremonia trágica de la condición humana. En efecto Lear y Job conviven debajo de los harapos milenarios que recubren a ese patético rey ciego y paralítico, eternamente sentado en un trono absurdo en el que el último hombre del mundo muerto no acaba de morirse nunca. (En boletín de prensa).

 

FIN DE PARTIDA como he mencionado a-priori, concluyó su ciclo de representaciones en el Teatro “El Granero Xavier Rojas, pero muy pronto ofrecerá funciones en el foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico, tras de una breve gira al interior de la República.

GBrtufo

POR: Dalia De León Adams

 

Obra teatral basada en la obra de Molière intitulada “El Tartufo” que la compañía teatral “Mexicanos al grito de Escena “ presenta en el Foro Ricardo Villareal Higuera, bajo la autoría y adaptación de Miguel Ángel Messino a manera de Tanda Musical Pícara, tal cual fuera sugerida por el dramaturgo francés.

Con respecto a él y a su obra, es interesante dar una hojeada al respecto en la información proporcionada grosso modo en la vía digital:

-“Tartufo o El impostor es una comedia en cinco actos escrita en versos alejandrinos por Molière y estrenada en París el 5 de febrero de 1669 en el Teatro del Palais-Royal.”-

Jean-Baptiste Poquelin, llamado Molière, fue un dramaturgo, actor y poeta francés, ampliamente considerado como uno de los mejores escritores de la lengua francesa y la literatura universal. Sus trabajos existentes incluyen comedias, farsas, tragicomedias y comédie-ballet.

Sus obras se han traducido a todas las lenguas vivas principales. Molière es considerado el padre de la comedia francesa… (nota en página WEB)

Y ya que “GBrtufo” esta basada en la obra de “Tartufo” es interesante saber por lo menos de manera resumida de qué se trata tan icónica obra por lo cual expongo su contenido, de manera muy resumida, acorde a dos citas digitales:

-“-La obra literaria Tartufo muestra la falsedad que hay en las personas, todos los sujetos que quieren conseguir cosas que tienen gran valor de dinero, se creen otras personas para tratar de engañar y robar de manera astuta y sin dejar un mal pensamiento de ella misma…

En el fondo Tartufo es la trágica historia de quienes gozan de la más absoluta impunidad, a través del poder, la mentira, las apariencias y la falsa moral. Dice Tartufo: “quien peca en silencio, no peca, es el escéndalo lo que vuelve pecaminosa la acción.”_

Por otro lado, en la narrativa de la reciente puesta en escena de “GBrtufo” por supuesto suceden variantes y se presenta a manera de meta-obra; es decir en la puesta en escena se realiza a la vez por medio de los personajes, otra puesta en escena.

La compañía teatral creativa que la presenta como a-priori he mencionado es “Mexicanos al Grito de Escena”, la cual a manera de Sinopsis presenta el siguiente párrafo textual (revista musical que por cierto tiene su referente en el México de los años 20’s.):

-“Orgon, rico empresario teatral se deslumbra con un devoto hombre, GBrtufo. Lo acoge en su teatro lo convierte en su director de actos espirituales, empresariales, financieros y artísticos. Esta situación, y la natural preponderancia de GBrtufo, suscita en la familia una revolución. Orgon no acepta dudas sobre su amigo y decide casarlo con su hija. La familia desesperada trata de desenmascarar a GBrtufo, al que ya saben falso y malvado. Orgon no cree en ellos. Echa a su hijo, lo deshereda. Sólo se desengaña cuando escondido, escucha a GBrftufo declarar su pasión a Elmira y burlarse de la estúpida credulidad de Orgon. GBrtufo priva a la familia del Gran Teatro Familiar Pernelle y se convierte en la máxima estrella del teatro de Revista.

Finalmente le diré qué “GBrtufo” es una obra teatral muy divertida, la cual cuenta con el reparto estelar integrado por Neo Mata, Miguel Ángel Messino, Karla Reyes Galván, Canek Enríquez, Maggie Moher, Erick Alejandri, Doroty O Melanie y Alfredo Rodríguez.

 

“GBrtufo” se presenta todos los días sábados de septiembre, octubre y noviembre en el Centro de Coyoacán.

VASELINA. Develación de Placa.

POR: Dalia De León Adams

 

 

Como ya es sabido, el musical VASELINA nuevamente se encuentra en escenario en nuestra Ciudad de México. En ésta ocasión bajo la producción del importante Señor Alejandro Gou, junto con el cantante, actor y reciente productor, Erik Rubín quienes el día de ayer  domingo 17 de septiembre, Develaron la Placa conmemorativa por sus primeras 50 representaciones teniendo como madrinas del evento al grupo “Pandora & Flans”.

El éxito ha sido tal del musical VASELINA, que sus productores han decidido alargar la temporada hasta el día 11 de diciembre 2023, tras lo cual, irán de gira para presentarse en las ciudades como Querétaro, Guadalajara y Monterrey.

Otra de las noticias dadas por el productor Alejandro Gou fue acerca de los planes que tiene en presentar a su pequeña hija, como actriz titular en la puesta en escena de la obra “Matilde” junto con otras pequeñitas hijas de las afamadas Angélica Vale, María José, Carmen Sarahi y del conductor Daniel Bisogno

Volviendo al montaje escénico de VASELINA le comento qué una parte del elenco está formado por cantantes como Yair, María León, Leonardo de Lozanne y Kalimba, e integrantes de la Banda Timbiriche como lo son el mismo Erick Rubín, Diego Schoening, Benny Ibarra y Mariana Garza.

Reparto estelar que también cuenta con actrices como Angélica Vale, Lupita Sandoval, Andrea Legarreta, Alix Bauer, Verónica Jaspeado, José Luis Rodríguez “Guana” y Alex Ibarra.   

Todo ello ha hecho que ésta puesta en escena se esté colocando en el gusto del público que desea ver a sus cantantes y actores de moda, aunado a una espléndida producción.

VASELINA es una dramaturgia que fue escrita originalmente en 1971 por los norteamericanos Jim Jacobs y Warren Casey, con música de su misma autoría, para ser presentado en teatro.

Posteriormente en formato de largometraje (1972) teniendo como protagonistas al actor norteamericano John Travolta (1954 Nueva Jersey, Estados Unidos) y a la cantante y actriz británica Olivia Newton Johns (1948 Cambridge, Inglaterra).

En México se presentaría en 1978 y desde entonces también ha sido escenificada en el medio teatral. Su título original en inglés sería “Grease” (VASELINA en español) aludiendo secularmente al uso de dicho producto por los jóvenes, y que se convirtiera tan característicos en esos tiempos para mantener sus peinados.

 

La producción de Alejandro Gou y Erick Rubín se encuentra adaptada y traducida por la Señora Julissa y cuenta con una espléndida escenografía y coreografía, musicalización de los años70’s, vestuario y maquillaje muy ad-doc, y uso de pelucas llamativas.

 

PALENQUE SINFÓNICO

POR: Dalia De León Adams

 

La Filarmónica de las Artes se dio a la tarea de preparar a manera de Festejo de nuestra “Tradicional Fiesta Patria” lo que denominan PALENQUE SINFÓNICO que no incluyen piezas pertenecientes al género clásico.

En ésta ocasión el repertorio musical esta formado por música mexicana de compás temario, como es la hermosa e impactante pieza Sinfónica de “El Huapango”  de José Pablo Moncayo.

También sonará música popular como la canción de “Hermoso Cariño” compuesta por Fernando Zenaido Maldonado, la cual por cierto fuera tan interpretada por el finado cantante Vicente Fernández.

Música ranchera como “Volver, volver” del mismo Fernando Z. Maldonado, e incluso éxitos del momento como la canción de “El triste” de Roberto Cantoral, que inmortalizara al Príncipe de la Canción, es decir, al Señor José, José.

Acerca de éste evento cultural, la compañía Difusora de la Señorita Sandra Narváez daría a conocer en el boletín de prensa, la siguiente apreciación al respecto:

-“Las canciones mexicanas más emblemáticas de los palenque resonarán con la Filarmónica de las Artes el próximo 16 de septiembre, para celebrar las Fiestas Patrias…

Se trata de un concierto que lleva por título PALENQUE SINFÓNICO en el que se interpretarán las canciones más icónicas de la música popular mexicana que se escuchan en estos espacios tradicionales, por engalanar las artes producidas en nuestro país.

Desde baladas hasta salsa y cumbia, el repertorio estará conformado con canciones como “La gata bajo la lluvia”, “Seré”, “El triste”,”La cita”, “Devórame otra vez”, “Nunca es suficiente”, “Hermoso cariño” y “Huapango” considerado el Segundo Himno Nacional, de José P. Moncayo, entre otras más.”-

 

El concierto PALENQUE SINFÓNICO está contemplado llevarse a cabo éste sábado 16 de septiembre a las 18:00 horas en el Teatro Ángela Peralta, en la ciudad de México.

 

CELEBRANDO “EL GRITO”.

POR: Dalia De León Adams

 

Ya estando por celebrar “El Día de La Independencia de México” muchos de los destacados medios artísticos se unen al tradicional “El Grito” que comúnmente solemos los mexicanos festejar, cada año en ésta fecha patria.

-“El Grito de Independencia es uno de los eventos históricos más importantes de nuestro país, pues marca el inicio de la lucha por la independencia de México y se conmemora cada 15 de septiembre.”- (Cita en página WEB).

El medio teatral por supuesto no es la excepción, por lo que la Compañía Productora “Mejor Teatro” acorde con ésta tradicional época, propone pasar tan importante temporada asistiendo a las que serán dobles funciones, en algunas de sus especiales puestas en escena, las cuales por cierto, han tenido mayor éxito en taquilla en la actualidad.

Nos referimos a los montajes escénicos de MONÓLOGOS DE LA VAGINA, DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA y, TOC, TOC. Obras teatrales de las cuales la misma compañía precedida por el importante Señor Morris Gilbert, se expresa de la siguiente manera:

-“ LOS MONÓLOGOS DE LA VAGINA, recientemente celebró 8 mil representaciones, esta semana tendrá dos funciones. La primera será éste jueves 14 en su horario habitual a las 20:00 horas, con las actuaciones de Andrea Escalona, Ana Karina Guevara y Ximena González Rubio.

Y la segunda el domingo 17 a las 18 horas, con la presencia de Michelle Rodríguez, Kika Edgar y Janett Arceo.

Ambas funciones serán en El Nuevo Teatro Libanés.

También al sur de la ciudad, en el Centro San Ángel, tendremos éstas dos excelentes opciones:

DEfendiendo AL CAVERNÍCOLA ofrecerá su función semanal este jueves 14 a las 20 horas, con la singularidad de que ésta será la última función antes del viaje que hará César Bono para filmar una película en España y regresará a mediados de octubre.

Y la comedia más divertida de la cartelera, TIC, TOC, tendrá funciones este domingo 17 de septiembre a las 19:00 horas, con las actuaciones de Lola Cortés, Alex Quiroz, Omar Medina, Alicia Paola, Leonardo Bono, Dari Romo y Sandra Quiroz.”-  (En comunicado de prensa).

 

Por mi parte le deseo que pase Usted una ¡FELIZ FIESTA PATRIA!

2:22, UNA HISTORIA PARANORMAL

POR: Dalia De León Adams

 

-“ 2:22, UNA HISTORIA PARANORMAL Es una obra no apta para enfermos cardiacos y nerviosos y desde que iniciaron las primeras actividades de producción, ha desatado sucesos de difícil explicación en el teatro Xola, como luces que se prenden solas, gritos y voces que surgen del escenario vacío y presencias que han sorprendido a los técnicos, que prefiere por respeto a las entidades, no hablar de ello. Es una cautivadora puesta en escena, dirigida por Gabriel Mata-Cervantes, que llegará al prestigioso teatro Xola el próximo 22 de septiembre de 2023.”-

Ese es el comunicado que se nos dio a conocer a la prensa el pasado lunes 11 de septiembre en lo que fue la Conferencia de prensa de la puesta en escena ya en puerta, de la obra teatral intitulada “2:22, UNA HISTORIA PARANORMAL”.

El título alude de manera muy ad-hoc a lo que algunos parasicólogos consideran es la hora emblemática, durante la cual, tan sólo un tenue manto separa al mundo real, con el espiritual, como se puede leer en la siguiente cita textual del boletín de prensa:

-“ Los más reconocidos parasicólogos convienen en el que el velo entre el mundo físico y el espiritual es más delgado a esa hora y es cuando ocurre mayor posibilidad de conectar con entidades de otros planos con mayor facilidad. Algunos chamanes la describen como la hora de la muerte o muerta, pues ésta hora es una señal de que algo paranormal está sucediendo alrededor suyo, algunos religiosos sostiene que hay mucha actividad espiritual o demoníaca, por lo que a esa hora las personas pueden sentir presencias extrañas, reconoce Antonio Calvo, quien se ha preparado mucho en éstos temas, preparación reconocida en un capítulo dedicado a su persona en el famoso libro, Los brujos del poder.”-

Le comentaré a Usted qué para dar inicio a la Rueda de Prensa, se nos hizo subir al escenario en donde se encontraban unas cuatro sillas que rodeaban por el centro a una mesa cuadrada, en las cuales se encontraban sentados los actores que formarán parte de elenco estelar de éste ya próximo montaje escénico.

Con una iluminación muy tenue, su productor, el Señor Antonio Calvo, quien por cierto ha sido quien con muchísimos años de éxito, ha producido la obra teatral “La Dama de Negro” (cuyo género también incursiona en las obras de terror o de índole paranormal) se presento en el evento.

Antonio Calvo inició un aparente ritual o de proceso, en el cual pedía a los espíritus qué según sostuvo, se alojan en el teatro, pidiendo que dieran permiso para dar paso a lo que será la nueva puesta en escena.

Ya inicialmente se nos había entregado a consideración de la aceptación de cada periodista, un puño de sal, argumentándose que era con la finalidad de protegernos de las posibles influencias de dichos seres desencarnados.

Tras de colocar un “Círculo de Sal” que se pidió no pisar, Antonio Calvo hizo patente que llevaba tequila y una cajita a manera de obsequio a dichos seres, y, mientras que golpeteaba un especie de tazón, de pronto los actores se levantaron asustados, argumentando con algunos gritos de que la mesa, se había levantado sola.

A manera de Sinopsis se lee la siguiente apreciación en el mismo boletín de prensa:

-“ El Thriller sobrenatural más aclamado en Londres, llega a México. Eli y su esposo Sam, una pareja con perspectivas opuestas  sobre lo paranormal, se mudan a una misteriosa casa. Mientras que Eli siente que una misteriosa presencia fantasmal se cierne sobre ellos, Sam se aferra a lo lógico y a la razón. Cuando sus amigos Fer y Laura se unen para cenar, la noche toma un giro inquietante. ¿Puede la frontera entre la vida y la muerte ser cruzada? La cuenta regresiva comienza, esperando el misterio que aguarda a las 2:22… ¿Descubrirás su secreto?

Y crea Usted o no en los juicios anteriores postulados por el equipo creativo, o piense que fue parte de la propaganda de una obra de misterio y terror, lo cierto es qué 2:22, UNA HISTORIA PARANORMAL es una dramaturgia que por su peculiar contenido textual, dará mucho de que hablar, despertando el interés del publico amante de los “Thrillers”.

La obra teatral 2:22 UNA HISTORIA PARANORMAL se presentará a partir del día viernes 22 de septiembre del año en curso en el Teatro Xola, antes “Teatro Julio Prieto”, teniendo como reparto estelar a Jorge Losa, Alejandra Ambrosi, Diego Klein y Erika de la Rosa, bajo la dirección de Gabriel Mata-Cervantes   

 

 

FINAL DE PARTIDA

POR: Dalia De León Adams

 

 

Es una de las obras magnánimas del escritor irlandés Samuel Beckett, considerado como un ícono de la dramaturgia universal y una de las máximas figuras del teatro del absurdo.

Sobre éste afamado autor y su obra FINAL DE PARTIDA, se puede leer en la Internet, entre otros datos más, la siguientes aseveraciones:

-“Samuel Barclay Beckett fue un dramaturgo, novelista, crítico y poeta irlandés, uno de los más importantes representantes del experimentalismo literario del siglo XX, dentro del modernismo anglosajón…

Nació el día 13 de abril de 1906, en Foxrock, Dublín, Irlanda y fallecería en la ciudad de Paris en diciembre de 1989…

Final de partida es un drama en un acto para cuatro personajes, escrito por el dramaturgo y escritor irlandés Samuel Beckett. Fue redactado originalmente en francés, con el título “Fin de partie”  y, como era su costumbre, el propio Beckett lo tradujo al inglés, como “Edgame” al año siguiente de su publicación.

Pero volviendo a la que es el reciente montaje de FIN DE PARTIDA presentada en “El Circulo Teatral”, en cartelera exponen el siguiente párrafo textual, con respecto al contenido del texto de Beckett a manera de Sinopsis de la trama, y la propuesta de su reciente director escénico:

-“FINAL DE PARTIDA de Samuel Beckett, bajo la mirada de José Luis Cruz como director, nos permite vislumbrar la decadencia y perdida de humanidad en una familia de cuatro: Hamm, Clov, Nagg y Nell.

Encerrados en un bunker, estas tres generaciones intentan sobrellevar -a partir de su retorcida relación- la gris realidad que les rodea después de la explosión de una bomba atómica. Un recorrido grotesco por las pasiones, vulnerabilidades y vísceras de lo que nos caracteriza como sociedad, todo mientras contemplan cómo su luz se extingue poco a poco.

No es de extrañar el contenido en el cual emerge la obra de Beckett, si se considera que vivió justo en la época en que se gestaron las dos Guerras Mundiales y fue testigo de la escalofriante noticia de que se pusiera a prueba el lanzamiento de tan destructiva y peligrosa explosión arrojada en la ciudad de Hiroshima.

La puesta en escena bajo la dirección escénica de José Luis Cruz, además de consolidarse como obra imperdible, posee un excelso reparto estelar compuesto por Carlos Mendoza, Eduardo Corona, Ainé Martelli, Katia Elnecave y Guillermo Díaz, quienes se desgarran con su actuación en el escenario al interpretar con gran maestría histriónica, a cada uno de sus personajes ya pincelados por Samuel Beckett, con un dejo de emotividad, duelo y frustración.

El panorama actoral se completa con la música a cargo de Alejandra Garcés, que lo infiere ese rasgo de dolor, ausencia y desabrigo a ésta obra compleja de digerir en cuanto a su narrativa y genero del absurdo.

La presencia de títeres en escena le da un plus al montaje, junto con el vestuario, maquillaje y los objetos de utilería entre los que se encuentran dos grades barriles con su tapas en donde cohabitan dos de los personajes, una silla de ruedas en donde un invidente y paralítico hombre maduro es desplazado por su lazarillo y un casi “Lacayo” quien es violentado verbal y físicamente; un perrito fabricado sin una patita y una escalera que servirá para lograr diversos cuadros escenográficos.

Finalmente le comento qué Samuel Beckett sería galardonado en 1969 precisamente con su obra FINAL DE PARTIDA, obteniendo con ella el “Premio Novel de Literatura” que por ende aumentó aún más su prestigio y reconocimiento por ser poseedor de lo que en tecnicismo actoral se alude a “tener una buena pluma”.

 

FINAL DE PARTIDA es una puesta en escena interesante, creativa e imperdible, presentada en “El Circulo Teatral”.

ESCAPE ROOM

POR. Dalia De León Adams

 

Nuevamente Mejor Teatro continúa sorprendiendo a su público con su gran repertorio de obras que van desde monumentales musicales, cuyos montajes sin exagerar, no le piden nada a las afamadas obras de Broadway; o bien con puestas en escena emblemáticas contemporáneas y frescas, que han consolidado un gran éxito en sus respectivos países.

En ésta ocasión presentará una puesta en escena cuyo dramaturgo ha viajado a nuestro país, exclusivamente para dirigir él mismo su obra intitulada ESCAPE ROOM; se trata del catalán Joel Joan.

En ésta ocasión la obra teatral estará co-producida con los también importantes productores Tina Galindo y Claudio Carrera y, por supuesto, por el Señor Morris Gilbert, el destacado productor y fundador de la empresa Mejor Teatro, como es bien sabido en el gremio artístico.

Le comento qué ESCAPE ROOM ya piso escenario en la Ciudad de Madrid y en Perú con gran éxito, según se nos informó en la rueda de prensa, estando presente además los cuatro actores que conformarán el reparto estelar, así como uno de sus productores, es decir el Señor Claudio Carrera, quien dio inició a la conferencia.

ESCAPE ROOM se estrenaría en Cataluña, lugar de donde son oriundos sus dos escritores, Joel Joan, junto con su co-escritor Héctor Claramunt. Fue un éxito total que se tradujo en tres años de producción.

En funciones serían cerca de 450 funciones, hecho por el cual además se realizó en formato de largometraje, colocándose en la segunda película más vista en Netflix durante su transmisión.

En México ya próximamente se representará en el “Nuevo Teatro Libanés” a partir del día 29 de septiembre del año en curso, 2023.  Obra teatral que incursiona dentro del difícil género de terror y de suspenso.

Según el Señor Joel Jean, es una comedia catártica que constituye un gran reto en cuanto a la propuesta de dirección por un lado, y en cuanto a la capacidad de los actores en escena por transmitir esa inquietud progresiva, que se desea generar.

 Más aún cuando se toma en consideración que fue escrita en el idioma catalán, por lo cual evidentemente se tuvo que traducir al español, e incluso recurrir a la adaptación del texto debido a que en cada lugar en que se ha presentado, se incurre en otra idiosincrasia y sociedad, acorde con la de Cataluña.

La escenografía en nuestro país es otra, pues aún cuando está inspirada en el montaje catalán, termina por adaptarse a nuevos espacios escénicos y necesidades que permitan adaptarse al texto, diseño escenográfico que ahora está a cargo de Emilio Zurita, y el efecto sonoro de Miguel Jiménez que serán de gran importancia para ejecutar el montaje.

Finalmente le comento qué en el elenco aparecerán Paly Duval, Faisy, Alejandra Barros y Juan Martín Jáuregui constituyendo las dos parejas protagónicas, y la adaptación de la obra correrá a cargo del Señor Enrique Arce.

 

¡LES DESEAMOS ÉXITO!

 

LAS CRIADAS

POR: Dalia De León Adams

 

LAS CRIADAS, cuyo título original es “Les Bonnes” (en francés) es una obra teatral del dramaturgo Jean Genet, estrenada en París en el siglo pasado, corriendo el año de 1947.

Fue una puesta en escena la cual causara mucha polémica, sufriendo en su estreno la crítica severa tanto del público asistente, como de los medios periodísticos, sin embargo con el tiempo se convertiría en una de las obra icónica del género dramático la cual ha sido escenificada en diversos idiomas y países.

Por tener un contenido cruento e irreverente, el texto bien puede también ubicarse como una obra del género naturalista, en el sentido de que se narran las relaciones entre la élite o aristocracia y la servidumbre, sin tapujo o disimulo alguno, tal y como suele suceder en la realidad, en la cual la apariencia oculta la intima relación y sentimientos ocultos.

LAS CRIADAS recrea un drama en el cual se ven inmersas dos mujeres al servicio de una apoderada y rica mujer casada llamada María Antonieta (que alude a la reina decapitada, cuyos gastos eran excesivos y quien vivió en 1755-1793)

Su marido en éste drama, ha tenido el infortunio de ir a parar en la cárcel, debido al falso testimonio urdido por LAS CRIADAS mediante unas cartas que le comprometieron, para poder despojar a sus patrones de sus bienes materiales y posición social.

Un asesinato podrá ser parte del plan a seguir. Por su parte la Compañía creativa de ésta obra trágica, expone dentro de la cartelera teatral el siguiente párrafo textual al respecto:

-La obra cuenta la historia de LA CRIADAS, Clara y Solange, dos hermanas que aman y odian a la Señora para la que trabajan. Cuando están a solas representan la ceremonia de ser la Señora, llevando a cabo un juego siniestro sobre el ejercicio del poder. Ambas han cometido un delito por el que están a punto de ser descubiertas. Todo las acusa y las arrastra a una trágica opción: huir, ir a la cárcel o enfrentarse a la muerte.-

Hoy en día bajo la dirección escénica del Señor Víctor Carpinteiro, quien por cierto hace una extraordinaria labor, se escenifica la obra en el Teatro “El Círculo Teatral” fundado por él y su homólogo también actor, director, productor y profesor Alberto Estrella.

Iván Duarte, Alan Blasco y Murias Reynoso estelarizan éste drama mostrando tener grandes dotes histriónicos. La puesta en escena, como Usted podrá darse cuenta, se realiza solamente con actores masculinos, lo cual es una variante si se considera qué comúnmente ha sido representada por un reparto estelar femenino, sin embargo va muy ad-hoc con el referente del texto que se ubica en el siglo XVIII, como se logra entrever en el diseño del vestuario de ésta montaje escénico.

Empero, la fuerza del tono de voces y la emotividad que muestra un actor masculino al actuar en un rol de mujer, le da un plus a la caracterización dramática, en cuanto al dramatismo que el texto sugiere.

La obra se presenta en un solo tiempo y un cuadro escenográfico en donde aparece una bella vestimenta al estilo secular mostrada en un busto o casi maniquí entre cortinas de tela, inicialmente, con una utilería que esta compuesta por una mesita con un reloj antigua y un teléfono acorde a la época, así como una charola con su tetera y una tasita que dos de los mismos actores colocan,

Los personajes ejecutan una obra dentro de la obra; es decir qué en la puesta en escena se recurre a una “meta-obra” mediante la cual las criadas juegan a escenificar a su rica, bella y empoderada patrona, de cuyo vestuario y maquillaje hacen uso, acorde con el texto

Finalmente sus diálogos son fluidos y emotivos, conformados con un lenguaje coloquial que va acorde con el adoso femenino de un vestuario llamativo y en otra hora atrevido, que muestran en todo momento escénico los tres actores.  

 

LAS CRIADAS de Jean Genet, se presentan en “El Círculo Teatral” los días lunes y martes con horario de las 20:30 horas. Puesta en escena que ya había sido representada en el mismo recinto cultural, y que por su gran calidad, ha vuelto a escenificarse.

 

 

 

 Siempre resulta ser estimulante y gratificante el hecho de que reciban alguna presea, por el esfuerzo que se le infiere a cualquier labor que se realiza. Por ello no es una excepción que los creativos del Medio Artístico Teatral, en todos sus rublos, reciban algún galardón al respecto.

 

 

La Agrupación de Periodistas Teatrales (APT) cada año ha ido sumando esfuerzos para incentivar tanto a dramaturgos, como directores, interpretes e incluso periodistas y espacios teatrales, que se van destacando periódicamente, por lo cual se han sumado ya “38  Eventos de Premiación”.

 

Empero se ha dado ha conocer a nuestro gremio periodístico qué el Evento de Premiación se llevará a cabo por esta ocasión, hasta el 2024.

 

Listado que tuvo a bien enviar a los medios, el directivo y fundador de dicha asociación, es decir, el  Presidente del APT, el Lic. Benjamin Bernal. 

 

 

 

RESUMEN JULIO 2022-AGOSTO2023

 

 

 

Miguel Sabido, ganador del 15º Concurso de Dramaturgia APT.

 

Vicente Ferrer, Segundo Lugar de 15º Concurso de Dramaturgia APT.

 

Humberto Morales, Vicepresidente del APT, más de 50 años de Periodismo.

 

Mario de la reguera, Vicepresidente del APT, más de 50 años de Periodismo.

 

Emilio Morales Valentín, más de 30 años en el Periodismo.

 

Adonay Somoza, más de 50 años en el Periodismo.

 

Ignacio López Tarso, in memorian, amigo querido y fraterno.

 

Elsa Aguirre, Eximia Actriz.

 

Ángeles Marín, cincuenta años sobre la escena.

 

Resurgimiento de un espacio: Teatro en Breve. Paco Lalas.

 

Zaide Silvia Gutiérrez, más de 50 años como actriz.

 

Alejandro Camacho, La Virgen Loca.

 

Luis de Tavira, La última cinta de Krapp.

 

Sandra Galeano, Voila Paris.

 

Reynolds Robledo y Jesusa Ochoa, obra Carne.

 

Adriana Reséndiz, obra Memoria Mala.

 

Bárbara Colio, Julieta no tiene la culpa.

 

Monólogos de la Vagina, más de 23 años y los trabajos de Lisset y Marisol del Olmo.

 

Los musicales de Brodguey, irónico musical.

 

Foro Shakespeare, 40 años de vida.

 

Foro Círculo Teatral, 30 años de trabajo.

 

Foro Off Spring, 10 años de dar funciones.

 

Twisted Broadway, excelente musical.

 

Todo mundo habla de Jamie, musical de ideas.

 

Geraldin Bazan, Nosotras lo hacemos mejor.

 

Si te mures, te mato, gran comedia con Susana Alexander y Azela Robinson.

 

Una estrella junto a la luna (Pedro Páramo) grn trabajo de grupo.

 

Atando cabos, teatro de ideas.

 

La sombra, Beatriz Moreno, 50 años de vida escénica.

 

Ugo, Paco y Joséluiz, gran trabajo de Héctor Suárez Gomíz.

 

Helen Keller, muy buen montaje.

 

Zoológico de Cristal, excelso trabajo.

 

Tengamos el sexo en paz, Sughey Abrego, comedia inteligente.

 

Grozni, ópera prima, Valentina Garibay.

 

El mago, primer trabajo actoral de Lucero Mijares.

 

La casa de Bernarda Alba, muy buen conjunto teatral.

 

Anastasia, excelso montaje.

 

Teatro Breve, Alzheimer, buena escenificación.

 

Tus ojos, biografía rockera y dramatizada.

 

Mentidrags, Vaselina, Lagunilla mi barrio producidas por Alex Gou.

 

Los pándavas. Drama religiosa hindú.

 

Amor sin barreras, dos nuevas figuras: Ana Paula, Capetillo y Axel Muñiz. Gran trabajo de Biby Gaytán.

 

Tonta, gran monólogo, María Antonieta Hidalgo.

 

Academia de Arte Teatral Lopez Tarse, bajo la dirección de Leticia Montaño.

 

El consultorio de la Doctora Spellman, actuación perfecta de Teresa Selma.

 

Antes del desayuno. Apeiron Teatro.

 

Michel Jauregui, estelariza El Rey León desde España desde hace 5 años.

 

-Este es el primer escrutinio con vista a integrar las ternas de la premiación número 39-

 

Atentamente:

 

Agrupación de Periodistas Teatrales

 

Benjamín Bernal, Presidente

 

Humberto Morales, Vicepresidente

 

Mario de la Reguera, Vicepresidente

LA CURIOSA BÚSQUEDA DE MARCEL DE PETRASANT

POR: Dalia De León Adams

 

Obra infantil intitulada LA CURIOSA BUSQUEDA DE MARCEL DE PETRASANT la cual es presentada bajo el formato de La Técnica de Teatro de Papel y en base a la presentación de libros “Pup Up” es decir, construido de manera artística, estilizada y tridimensional. (diseño e ilustraciones de Salvador Sánchez).

De dicho modo el personaje protagónico diminuto de MARCEL DE PETRASANT recorre el mundo, gracias a las maquetas que van apareciendo al abrir dos grandes libros, cuyas imágenes ilustran tanto territorios geográficos naturales como sendas o montañas nevadas, así como ciudades, poblaciones e incluso un cementerio.

Diversos personajes aparecen en ese mundo mágico de papel, los cuales guiarán de alguna manera la senda a seguir por el personaje protagónico de MARCEL DE PETRASANT, siendo desde animalitos, hasta seres irreales.

El cuento de referente medieval sigue una estructura filosófica en donde MARCEL DE PETRASANT irá en búsqueda de la felicidad, buscándola en el regocijo de la salud, la tranquilidad de la soledad, la compañía y el ruido, el lujo y la comodidad que brinda la abundancia de dinero, la quietud y la nada que reposa en la muerte,  y en la sabiduría encerrada en el saber.

El libreto está escrito por Toño Malpica, y se argumenta que constituye un cuento inédito. Es un texto con tintes lúdicos y poéticos, presentado bajo la dirección escénica de Sandra Rosales.

Historieta la cual es narrada y presentado por Norma Vázquez y Enrique Marín, quienes le prestan su voz a los personajes de papel además de moverlos sobre los dos grandes libros de imágenes Tri-dimensiónales e incluso ocasionalmente desplazan encima de sus propios cuerpos, para lograr presentar los diversos cuadros escénicos que precisa la narración.

La Sinopsis acerca de ésta propuesta escénica que por cierto, intenta interactuar con el público espectador, es la siguiente:

-“LA CURIOSA BÚSQUEDA DE MARCEL DE PETRASANT se pregunta sobre el significado de la felicidad, sobre la incansable búsqueda del sentido. ¿Quién es el viejo Grumper? ¿Será él quien tenga la respuesta a esta pregunta?... Sólo a través de un viaje en donde se hallará con hechiceros, vikingos y seres extraños es que MARCEL se irá respondiendo poco a poco a éste enigma.”- (cita textual de la cartelera teatral).

MARCEL DE PETRASANT recorrerá el mundo entero en pos del misterioso personaje de Grumper. ¿Quién es? ¿En donde habita? ¡Cómo es? ¿Posee la llave que abre el camino de la felicidad? y ¿Qué debe hacer MARCEL DE PETRASANT para dar con su paradero? Éstas son las respuestas que Usted podrá obtener de éste cuento de alto transfondo filosófico.

 

LA CURIOSA BÚSQUEDA DE MARCEL DE PETRASANT se presenta en el Teatro El Milagro gracias al Apoyo a la Creación de Proyectos Culturales (SACPC) teniendo funciones los sábados y los domingos a las 13:00 horas.

 

CONSENTIMIENTO

POR: Dalia De León Adams

 

Tal vez si se puede valuar una puesta en escena, deberíamos considerar diversos aspectos que la contengan y, CONSENTIMIENTO es una reciente puesta en escena que promete colocarse en el gusto del público, pues en ella se conjugan un gran texto, presentado bajo una excelente dirección escénica, con la presencia de un muy buen reparto estelar.

La dramaturgia original es de la inglesa Rina Raine (1975), y se presenta bajo la dirección escénica del maestro Enrique Singer, con las actuaciones estelares de Juan Manuel Bernal, Marina de Tavira, Arturo Barba, Daniela Schmidt, Alonso Borbolla, Adriana Llabrés y Jana Raluy.

 Sobre su escritora se puede leer en una de las páginas de la Internet, la siguiente información:

Nina Raine es una directora de teatro y dramaturga inglesa, la única hija de Craig Raine y Ann Pasternak Slater, y sobrina nieta del novelista ruso Boris Pasternak.

Se graduó de Christ Church, Oxford en 1998 con un Primero en Literatura Inglesa.  Premios: Premio Drama Desk por obra sobresaliente, Critics’Circle Theater Award for Most Promising Playwight and New York Drama Critics’ Circle Award y por la Mejor obra Extranjera. (pagina WEB).

Los actores interpretan a personajes emotivos, aparentemente fuertes, quienes mostrarán sus lados vulnerables al ir transcurriendo éste drama, presentado con ciertos tintes de comedia, que hacen muy digerible el texto cruento a presentar, en donde los ingredientes que lo sazonan, son la intolerancia, la traición, la prepotencia, el rencor, y falta de acuerdos, en cuanto a las relaciones de parejas que se ventilan, por un lado.

Por el otro lado se muestra el caso de una mujer abusada a quien las circunstancias parecen condenarla al desacredito total, envuelta en las confusiones y falta de elocuencia en sus testimonios; juego en el que cae, bajo el ardid planeado por los abogados, dando por respuesta la omisión de la violación, a causa de un supuesto  CONSENTIMIENTO; titulo que por demás esta decir que quedó muy ad-doc a la trama sugerida en el texto.

La corrupción en el medio de las leyes se pone de manifiesto bajo la habilidad de los abogados, quienes influyen en el fallo del juicio ante el enjuiciamiento testamentado a base de manipulaciones en la corte.

Empero la obra teatral toma mayor peso en el caso de las posibles rupturas entre las parejas, quienes intentan mantener una relación que se ve frustrada y afectada ante la inminente infidelidad masculina, la cual se tornará en contra de éstos, llevándolos a vivir situaciones adversas, inesperadas.

-“Una mujer , Gina, declara que fue violada la noche del funeral de su hermana, mientras el acusado sostiene que ella dio su CONSENTIMIENTO. Max (abogado defensor del caso) está casado con Karen.

Sus amigos, Alex y Rita se están separando. Max y Karen le presentan a Toni (fiscal del mismo caso) a la actriz Sandra, quien, a su vez, está estudiando para interpretar a Medea. Tras éste encuentro, todas las relaciones se cimbran, principalmente la de Max y Karen, que después de una tensa discusión acusa a su infiel marido de haberla violado.”- (Sinopsis de la obra publicada en cartelera).

CONSENTIMIENTO es una puesta en escena montada en dos actos, que presentan varios cuadros escénicos marcados por el movimiento de los muebles de utilería que conforman la escenografía.

Por supuesto el juego de luces desempeña un papel importante dentro de éste montaje escénico, pues es el que va marcando las pautas al cambio de cada uno de los cuadros a representar por los actores, quienes logran infundir gran plástica actoral a su personajes, al perfilarlos con gran dramatismo histriónico, sobresaliendo las actuaciones protagónicas de Juan Manuel Bernal y de Marina de Tavira.

 

CONSENTIMIENTO se presenta en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico, ofreciendo funciones de jueves a domingos hasta el día 1º de octubre del año en curso 2023.

AVENIDA Q

POR: Dalia De León Adams

 

Revista musical con muñecos, empero no es una obra teatral dedicada para el público infantil, sino para gente adulta que desee presenciar un espectáculo divertido y con tonos picantes.

Y digo picantes, pues la temática a tratar en torno al sexo, la homosexualidad, el bullyng, y racismo, entre otras maneras de exclusión; temas tratados de manera bastante abierta, pero bajo un toque de humorismo total.

Ingredientes dramatúrgicos que suelen contener los “Shows Nocturnos” en los bares de nuestra ciudad, solamente que en ésta ocasión los personajes protagónicos en gran mayoría son Puppets (muñecos) que interactúan con algunos actores.

Los personajes desde luego se presentan durante los dos tiempos escénicos en el escenario, del cual bajan y suben en algunos momentos y cuadros escénicos para dialogar, o simplemente acercarse a los espectadores quienes ya degustan sus bebidas y/o alimentos.

Acorde la información proporcionada a los medios, éste musical denominado AVENIDA Q se ha presentado tanto en la Unión Americana en Broadway, como en la ciudad de Londres con gran éxito.

Hecho que la llevó a AVENIDA Q a ser galardonada con el Premio Tony debido a haber sido calificado como el “Mejor Libreto”, por los “Mejores Arreglos de Música” y por la categoría de “Mejor Revista Musical”

Los muñecos de hecho nos recuerdan a los afamados Puppets de décadas atrás denominados “Los Muppets” (The Walt Disney Company, The Jim Henson Company, The Muppets Studio) los cuales tras de colocarse en larga temporada en la pantalla chica, se presentaron en formato de largometraje.

Sin embargo éstos Puppets no tienen nada que ver con Los Muppets, pues es una producción independiente, original de Robert López y Jeff Marx, bajo la orquestación y los arreglos del músico Stephen Oremus.

Con respecto al musical, la compañía difusora de la Señorita Sandra Narváez expresa lo siguiente en su boletín para prensa:

-AVENIDA Q es un montaje original que reúne en el escenario a actores y Puppets y está inspirado vagamente en Plaza Sésamo, aunque es un cariñoso homenaje a la serie infantil, a la vez presenta una temática adulta, para mayores de 18 años, con un humor inteligente y un lenguaje directo sobre la perdida de la inocencia, que ironiza temas vigentes como el racismo, el paro, la homosexualidad y la pornografía.

Y son todos esos, justamente los elementos que integran la parte medular de ésta puesta en escena, acompañada de otras temáticas más como lo es el racismo, el clasismo, las diferencias físicas o genealógicas y, varios tipos de exclusión que hacen expresar a sus dramaturgos la creencia de que todos, de alguna manera excluimos, aún sin hacerlo en la mayor de las ocasiones, de manera consciente.

El mensaje implícito que lleva éste montaje musical a manera de consigna sin duda es el de “ intentar imponer la igualdad”  en todas sus formas o rublos. Ello por supuesto, con dejos de humorismo negro que hacen del texto un divertimento,

“-El musical cuenta la historia de Eugenio, un joven recién graduado que llega a la ciudad de Nueva York con grandes sueños y poco dinero. Pronto descubre que el único barrio que puede permitirse es AVENIDA Q, donde conoce a un grupo de vecinos que le ayudarán a cambiar su forma de ver la vida.

Entre ellos se encuentra la estrafalaria terapeuta japonesa Kabuki y su novio Brian, quien es un frustrado aspirante a mago; al encargado de mantenimiento del edificio Quique, el expresidentes de México. Y a Nicky, un holgazán de buen corazón, y su compañero de piso, Rod, un trabajador del SAT que aún no ha salido del armario.

También a su vecina Katy, una romántica profesora que no tiene quien la quiera; al monstruo Trekkie, quien está obsesionado con el porno; y a Licy la zorra, quien es una cazafortunas sin éxito. Todos ellos con algo en común: sueñan con una vida mejor.-“

El objetivo de los creativos de ésta obra, es el de intentar ampliar la imagen da los musicales y con ellos, transformar la posibilidad de gozo ante este género, un poco castigado en cuanto al agrado general del público, de acuerdo con su especial punto de vista.

Lo que si es totalmente cierto es el hecho de qué el texto, busca recrear situaciones reales que pasan día a día en nuestra sociedad, sin un dejo de ensoñación en cuanto a lo que se considera debiera ser socialmente ideal.

Finalmente le comentaré qué AVENIDA Q es presentado por “Guzart Teatro” tras de también haberse escenificado en países como Suiza, Italia, Rusia, Francia, Hungría, Nueva Zelanda, Turquía, Filipinas, Brasil y Argentina.

 

Hoy en día AVENIDA Q se presentará del 2 de septiembre al 7 de octubre del año en curso 2023, en “CARUSO concert hall” en nuestra Ciudad de México.

 

NADIE DUERMA

POR: Dalia De León Adams

 

Bajo la dirección artística y coreográfica de Patricia Marín, la dirección escénica de Leonardo Beltrán y, la dirección musical de Rogelio Marín, se encuentra ya en puerta el “Concierto en Movimiento” intitulado NADIE DUERMA.

Espectáculo que bien puede ser considerada como parte de una puesta en escena, en el sentido en que mantiene un lineamiento de expresiones con una secuencia que se refleja el margen antípodo entre el amor y la muerte.

El programa esta definido con una selección de arias, partituras musicales y expresiones corporales, que llevan hacia la búsqueda interna del arte, como vía de sanación espiritual.

Se trata de una mezcolanza de diversas disciplinas en donde la música, la voz operística interpretativa y el baile, trasforman el escenario en una cúpula de deleite hacia los sentidos.

Todo ello bajo gamas de profesionalismo que invitan a sensibilizar nuestros sentidos en aras de un espectáculo en donde el arte regocija, más allá del entendimiento o de la instrucción.

-“NADIE DUERMA es una propuesta de movimiento y danza contemporánea para cinco intérpretes que bailarán al ritmo de un programa de piezas musicales para dos pianos y arias de ópera para tenor, que gira en torno a la búsqueda de la unidad, el equilibrio y explora  la capacidad humana para sanar.”-

Aseveración hecha por la directora artística y coreógrafa Patricia Marín, quien a su juicio explica lo siguiente de manera textual mediante el boletín de prensa:

_”La idea es generar un concierto que tenga un tono de sanación… pues el espectáculo está inspirado en ciertos elementos de danza Butoh y danza kabuki, que parten de la premisa del vacío de la muerte.”-

Aquí es conveniente el comentar la explicación que el grupo creativo brindó, con respecto a que inicialmente el proyecto fue concebido durante la pandemia que hace unos años azotó al mundo; momento trágico tras del cual, y ante la perdida y la desolación, se pensó en crear un Programa que resultara un aliciente o motivación para el saneamiento del alma.

Y que mejor manera que contando con un espectáculo totalmente artístico ,de gran talla profesional, como lo es NADIE DUERMA.

Pero ¿qué se entiende por danza butoh y danza kabuki? Definamos la primera:

-“ El nombre que le adjudicaron sería el de “Ankoku Butōh”, que se refería a la danza de la oscuridad, de la sombra y lo desconocido (González, 2019). La concepción de las representaciones butōh han detentado algunas de las características propias del imaginario colectivo japonés.”- (página WEB).

Y en cuanto a la danza “kabuki” se sabe lo siguiente:

-“El Kabuki es una forma de teatro tradicional del Japón que surgió en la época Edo, al principio del siglo XVII, y que era particularmente popular entre los habitantes de las ciudades.”-

Pero volviendo a lo que será QUE NADIE DUERMA que en pocas palabras se reduce a lo siguiente, como se dio a conocer por parte de los creativos, a la prensa, con la Sesión grabada en vivo por parte del Instituto Mexicano de la Radio (IMER).

 

-“NADIE DUERMA es el concierto en el que interactúa  la ópera, el piano y la danza.

Es un espectáculo sobre la búsqueda de la unidad y el equilibrio, y explora la capacidad humana para sanar. Un concierto en movimiento para todos los sentidos.

Cuenta con música de Schumann, Ravel, Wagner, Saint-Saëns, Verdi Brahms, Puccini y Ligeti; y piezas dancísticas originales de la reconocida coreógrafa mexicana Patricia Marin, con dirección escénica de Leonardo Beltrán y dirección musical de Rogelio Marí.”-

 

NADIE DUERMA se presentará en el Teatro “El Milagro” a partir del día jueves 7 de septiembre y concluirá el domingo 1 de octubre del año en curso 2023.

¡QUE VIENE EL LOBO!

POR: Dalia De León Adams

 

¡QUE VIENE EL LOBO es un cuento infantil integrado por la “construcción y de-construcción” de otros cuentos más; es decir que en él incurren las afamadas  historieta de “Caperucita Roja” y la de “Los tres cochinitos” en donde el LOBO es la figura co-protagónica, presentada con tintes de feroz o malvado, -quien siempre es el culpable- como lo marca la narrativa de manera recurrente.

Sin embargo, en ¡QUE VIENE EL LOBO! el personaje protagónico es un “pequeño lobezno” quien desea abandonar el zoológico en el cual se encuentra alojado junto con sus padres dentro de una jaula.

Ello para lograr su sueño que es el de convertirse en un LOBO de cuento. Sus padres intentarán hacerlo razonar e impedir el riesgo que ello llevaría implícito, empero el lobito marcha con total decisión

El Colectivo “Mondomeraki” (palabra, dichos sea de paso, cuya traducción del griego al español significa “Hacer Arte con el Alma”) en su ingeniosa narrativa realiza una mescolanza interesante en la estructura de ambos afamados cuentos infantiles, mediante la cual, el “pequeño lobezno” resulta de alguna manera, ser la víctima en ambas historietas, ante tal intento.

Aún cuando los mismos cuentos impiden un buen desenlace para el lobezno y continúa siendo visto ante tantos enredos como el clásico lobo feroz, tan conocido por los pequeñitos, el personaje encontrará otra solución para desempeñarse con felicidad en su labor diaria en ésta vida; actitud positiva ante la vida que bien pudiera tomarse como “la consigna” de ésta puesta en escena.

Al respecto del contenido temático de la estructura de la dramaturgia, la misma compañía creativa se expresa de la siguiente manera a través del boletín de prensa:

-“¡QUE VIENE EL LOBO! Es un monólogo de técnica mixta interpretado por una actriz y títeres de objetos, que hace una metáfora de la migración a través del viaje del protagonista. Es la historia de un viaje, un tránsito hacia la madurez con muchos caminos posibles, en el que el protagonista deberá vencer el miedo y llegar al final sin tener que renunciar a su propia identidad.

Con este montaje la Compañía Mondomeraki comparte “una mirada nueva sobre el popular personaje tan arraigado en el imaginario colectivo para ofrecer esta peculiar visión sobre el lobo y los cuentos en los que habita. En este montaje se trabaja una estética contemporánea y depurada en tonos ocres y grises que sumergen a las y los espectadores en el universo poético del lobo.”-

Finalmente le comentaré qué ¡QUE VIENE EL LOBO! ha formado parte de la Feria Europea para niñas y niños, obteniendo por ello una presea en el año 2007, y ya con anterioridad en el 2006 había sido galardonada con el Premio “Asturias de Artes Escénicas” tanto por la actuación, como por el Mejor Espectáculo.

¡QUE VIENE EL LOBO! Es una obra de objetos, los cuales son diseñados y construidos a necesidad de cada cuento que ha formado parte de su repertorio, por los mismos integrantes de la Compañía Teatral “Colectivo Mondomeraki”.

Su dramaturga y actriz en escena es Luisa Aguilar Montes, quien va narrando y manipulando con maestría cada uno de los objetos, en base a los cuadros escénicos a presentar, lográndolo con gracia y soltura durante todo el tiempo escénico.

De España ¡QUE VIENE EL LOBO! excedió fronteras para ser presentada en Italia y posteriormente en Brasil, en cuyos idiomas sería traducido el cuento. La escenografía y títeres son creación de La Nave, los diseños del vestuario se son de Manuela Caso, la ilustración de figuras son de Pablo Amargo y el diseño técnico y de iluminación corren a cargo de Adolfo García

 

¡QUE VIENE EL LOBO! Dará funciones los días sábados y domingos a las 12:30 horas en la Sala Xavier Villa Urrutia del Centro Cultural del Bosque hasta el día 15 de octubre 2023.

PIEZA EN PROCESO

POR: Dalia De León Adams

 

PIEZA EN PROCESO es una puesta en escena cuyo título es muy ad-hoc si consideramos que al iniciar, se pide colaboración a algunas personas del público que deseen hacerlo, las cuales jamás aparecerán en el escenario como resulta común, cuando el reparto estelar interactúa con el espectador.

En resumen, la gente que colabora es tan sólo en el sentido de dar ciertas “ideas” dando con ello un poco de rumbo a los actores, en cuanto a guiar su dramaturgia en consideración a ellos.

En realidad el montaje escénico está constituido en base a dos compañía teatrales, siendo una de ellas “TransLímite[A-E]” y “Teatro Ciego” y a la creatividad de Myma Moguel, quien además dirige ésta obra teatral.

La segunda compañía o colectivo teatral responde a algunos momentos en el escenario durante el cual, el espectador queda totalmente a ciegas; es decir, se apagan todo clase de luces o iluminación, mientras que se hacen escuchar algunos sonidos, entre los cuales se reconocían trinos de pájaros, entre otros varios más, que hacen saber el cómo un invidente convierte su entorno en base a ellos, y al uso más atenuante de sus demás sentidos.

-“Nuestra producción PIEZA EN PROCESO es un proyecto expansivo para público diverso, el cual ha sido un arduo trabajo y con mucho corazón de todo el equipo.”- (nota de las compañías creativas).

La obra desde luego no es un espectáculo especial, solamente para invidentes, sino como a-priori se menciona, es para diversos tipos de espectadores en el foro quienes además podrán disfrutar de algunas breves melodías en vivo, ejecutadas por medio de un violoncelo y piezas coreográficas.

En el espectáculo teatral también se presentan algunas proyecciones en base a las ideas dadas por los dos equipos creativos, las cuales son acompañadas con el golpeteo de piezas (técnica denominada cartografía de sensaciones) que asemejes visualmente a un rompecabezas plástico, que al dejarse caer desde lo alto del foro parecieran simular al ruido que la lluvia nos proporciona, con su constante caída.

 El juego de luces a medio iluminar y la presentación de una especie de hielo seco, da la apariencia de estar entre nubla las figuras que con sus propios cuerpos van formando los actores, haciendo movimientos de tipo coreográfico.

La temática planteada es en torno a la vida de cuatro persona Performer, quienes hablan con respecto a la soledad, la desolación, la irritabilidad, la angustia del un día a día repetitivo, el paso ambiguo del tiempo y la desesperanza que empero a todos les lleva a vivir momentos felices.

-“En un esfuerzo por abrir caminos hacia la expansividad en el arte, TransLímite [alternativa- escénica] y Teatro Ciego se unen una vez más para presentar.

Busca ser una ventana a nuevos públicos y una oportunidad para dar voz a aquellos que suelen ser invisibilizados. Es un desafío que cuestiona los lenguajes escénicos utilizados para llegar a un montaje expansivo, evitando el término “inclusivo” y optando por una propuesta que hable desde diferentes vertientes a los espectadores.”-

 

La puesta en escena además presentación el apoyo técnico de “Una voz en Off” que marca algunos cuadros escenográficos. Por otro lado además cuenta con un ”Touch Tour”.

PIEZA EN PROCESO se presentada bajo la dirección escénica de Myma Moguel, quien además es su dramaturga, quien por cierto comentara que ésta ha sido su más difícil proyecto.

El elenco está formado tanto por actores videntes, como invidentes, ofrece audio-descripciones en vivo y lenguaje a señas visual vernácula. Finalmente le comentaré qué PIEZA EN PROCESO es una puesta en escena que tiene como principal función el cuestionar el papel y la importancia del arte, así como el rol que juega hoy en día, y los prejuicios a los que debe someterse ante la sociedad, lo cual hace que esta peculiar obra de género experimental sea un acierto.

 

PIEZA EN PROCESO se presenta en el Teatro Santa Catarina bajo la Producción de Teatro UNAM.

 

CUANDO LEVANTO UNA ROCA ENCUENTRO UNIVERSOS

POR: Dalia De León Adams

 

-“Esta exposición muestra proyectos artísticos que, en el marco de la vida académica de la Universidad Autónoma Metropolitana, experimentan y ofrecen poéticas acerca de las diversas posibilidades que la materia tiene para generar sentidos. Los dispositivos estéticos exhibidos abren trayectorias del poder afectivo y latente de las cosas materiales, de sus modos enunciativos: ¿Desde dónde nos llaman esas cosas?  ¿Cuáles son sus tácticas para interpelarnos?¿Cómo tejen sus historias? Cada uno de estos micro-universos tiene un lugar de intercambio incesante, una economía afectiva y material que los transforma.”-

Con cierta reminiscencia a la vanguardia estridentista y su estética del ruido, sus paisajes electrónicos o sus agentes motrices; se invitó a artistas que colaboraran en la UAM unidad Lerma como profesores e investigadores, a postular propuestas para articular respuestas a esas y otras preguntas, empleando tecnologías electrónicas y computacionales a través del video, los medios mixtos, los sistemas de audio, la escultura y la instalación electrónica, el modelado procedural y la impresión digital.

Encontramos así, dispositivos en los que se indagan los procedimientos de cosas que vibran ; los rostros de restos que mutan y se transfiguran; las políticas de residuos; la comunicación e interferencia in-material entre humanos y no humanos; las lógicas interactivas de los cuerpos; su potencia silenciosa para pausar o dinamizar el tiempo o las circunstancias aleatorias de su latencia.”-

Frases un tanto difíciles de entender, como de interpretar, para el común de nosotros que no hemos estado inmersos dentro de dicho tipo de estudios, investigaciones o proyectos que aludan a la materia, y en específico a las rocas.

A entender o tan sólo identificar su forma de sentir, a ver producir y transformas su energía, así como su plasticidad, adecuación con el medio natural, y mucho menos, a aprender a valuar la estética en la cual se regocijan.

Empero, con un poco de susceptibilidad y aludiendo a la micro-ciencia, es fácil imaginar el entretejido y enrramaje en el cual puede emerger, o simplemente reducirse como una pieza de la naturaleza emergente; más aún tal vez al irse contaminando con especies microscópicas no ajenas de su entorno y darles nueva apariencia visual y como parte aparentemente oculta de las micropartículas.

Empero en ésta exposición, lo importante es ir más allá de sus vibraciones y energías. Es la posibilidad de sumergirnos con éstas rocas, en el mundo inagotable del arte en todas sus dimensiones o parte de sus niveles estéticos.

Y no hay que saber mucho, para poder apreciar ésta importante exposición plástica, en sí interesante y vista desde otro punto de vista del que comúnmente solemos acomodarnos, para hacer una apreciación al respecto.

La exposición tiene como artistas a Eliza Arrieta, al Colectivo “Chimali” integrado por Carolina Robles y Rodrigo Rosales; a Rubén Gutiérrez, Manuel Rocha, Hugo Solís y Edmar Soria; “Medialabmx” con Leonardo Aranda, Ilana Bolvinik y Rodrigo Viñas.

Todos ellos bajo el digamos “tutelaje” o junto con la aceptación de los curadores de arte responsables a cargo de la exposición, quienes son Leonardo Aranda, Mónica Benítez, Cristina Brambila y Fernando Monreal.

Finalmente le comento qué el evento intitulado “CUANDO LEVANTO UNA PIEDRA ENCUENTRO UNIVERSOS. Misivas de la materia” fue inaugurada el viernes pasado 25 de agosto del año en curso 2023 en La Galería Metropolitana, estando presentes el Doctor Raúl Hernández Mar, Director de la División de Ciencias Sociales y Humanidades de la UAM; el Doctor Hugo Solís, Jefe del Departamento de Artes y Humanidades de la UAM Lerma; el Doctor Henry Eric Hernández, Jefe del Departamento de Artes Visuales, Galería Metropolitana de la UAM; y la Doctora Yissel Arce Padrón, junto con los curadores a-priori mencionados.

 

 

TUS OJOS

POR: Dalia De León Adams

 

 

Revista musical bajo la dirección escénica de Enrique Vega, quien hace sonar importantes piezas que se escucharon mucho en la radio de la década de los 60’s del siglo pasado, interpretándose música de Rock en español en vivo y por supuesto presenciando el que fuera su nuevo ritmo de bailar, un tanto estrambótico que se impuso secularmente.

Elementos que justamente integran ésta puesta en escena, haciendo que la obra sea un derroche de recuerdos para el público generacional, quienes vivieron dicha época, presenciando los peinados al estilo de Elvis Presley, con pantalones ajustados y chamarras de cuero o sacos vistosos, para los caballeros.

El crepé del peinado femenino sostenido de manera impecable con abundante Spray; el uso de crinolinas y faldas amplias que a veces eran acompañadas por calcetines, forman parte de la ambientación del montaje escénico de TUS OJOS, el cual hace soñar a los espectadores con volver a revivir bellos momentos del pasado.

Escrita por Felipe Galván Rodríguez la obra teatral TUS OJOS está cubriendo su “Tercera Temporada”, teniendo como reparto estelar a Rafael Acosta, Miguel Evadista en el papel protagónico de Toño de la Villa, Fernando del Rosario en el rol de Rafael Acosta joven, Jooy Morales como “Ojitos” o Yola, Cinthya Serenha interpretando a Alma, Maya Tonantzin caracterizando a Paty, Mario León como el Locutor de Radio, Tere Careaga y Guadalupe Alvarado alternan son Alba, Alejandro Vivencia actúa como el Productor Discográfico, Greta Mejía es la Figurante y Samuel Gasca el Figurante.

TUS OJOS fue escrita a manera de homenaje por el fallecido canta-autor Toño de la Villa (Paris, Francia 1940-1962), de quien se especifica lo siguiente en una nota en la Internet:

-“Toño de la Villa, nombre artístico de Juan Antonio Verdes Sánchez fue un cantante y músico mexicano. Integró la primera etapa de Los locos del ritmo como su voz principal”.- Wikipedia

Y en cartelera se lee:

-“Como ya mencionamos, la obra de teatro “TUS OJOS” es un homenaje en vida a Rafael Acosta, compositor de la canción del mismo nombre y que es un clásico del repertorio mexicano.

Acosta es integrante y fundador de la agrupación Los Locos del Ritmo, primera banda de Rock & Roll en México y los primeros en crear canciones originales dentro del género.

Además esta puesta en escena es una reivindicación a la importancia histórica de Toño de la Villa, cantante original de la banda, fallecido a los 22 años de edad.

 

TUS OJOS se presenta en el Teatro Rodolfo Usigli. Jueves 8 p. m.

 

JOY ROBOTA

POR: Dalia De León Adams

 

Bajo la dramaturgia y dirección escénica de Laura Baneco, la obra teatral acaba de estrenarse en el Foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico, teniendo como elenco a Ana Escalante, Daniel Ortiz, Ricardo Rodríguez y Anick Pérez; siendo la mayoría de ellos quienes interpretan a diversos personajes tanto femeninos como masculinos, lográndolo de manera muy versátil.

JOY ROBOTA es una puesta en escena infantil, que cuenta con el dispositivo video-escenográfico de Estefanía Loaiza y Marco Favio Flores, cuyo apoyo multimedia hace las veces de la escenografía. 

Además cuenta con algunos objetos de tramoya, como lo son algunos bancos que tan sólo con ellos se simula una sala de clase, por ejemplo, mismos que al ubicarse de cabeza aparentan ser las pantallas de algunas computadoras, entre otros usos más que le dan a los bancos los mismos actores en cada cuadro escenográfico, desplazándolos a conveniencia del texto a tratar.

Además se suma al montaje la musicalización en vivo de David Almaga, quien ameniza las escenas con su guitarra, además de sugerir con algunas de sus notas, los sonidos que simulan algunas escenas.

En cuanto a la sinopsis de la obra, la misma compañía creativa, la cual por cierto se presenta en base al Proyecto desarrollado en “El Programa de Residencias Artísticas” del Centro Cultural Helénico, se puede leer textualmente en la cartelera teatral la siguiente aseveración al respecto del contenido de la trama:

-JOY, una soñadora niña de 7 años y Julián, su papá, tienen problemas para convivir desde que mamá se fue a trabajar lejos. JOY ha descubierto que es un robot y está empeñada en demostrárselo a Julián, aunque él esté dormido. Con ayuda de Rodrigo, su mejor amigo, JOY se embarcará en la aventura de averiguar para qué sirve.

La obra en sí, con un texto divertido, pero de contenido aparentemente ligero, aborda la dificultad que hoy en día muchas familias disfuncionales enfrentan, ante el poco tiempo dedicado a su prole, en aras de las múltiples ocupaciones laborales que absorben las relaciones intra-familiares,  desafanándose sin darse cuenta los padres, descuidado de sus menores.

La psiquis de los personajes protagónicos es sometido a juicio; personajes que en el caso de ésta dramaturgia son la infanta JOY, una niña con dificultad de socializar con sus compañeras, y su padre Julián, un hombre quien de pronto se ve sólo, a cargo de su hija considerada por la mayoría como una inadaptada social.

Los sueños a seguir de una niña, quien celosa de la computadora robótica que sirve de apoyo a su padre Julián, la pondrán a prueba frente a su padre para demostrarle que realmente es una “ROBOTA” (como le llama la dramaturgia) quien para tal efecto se cortará las venas, ante el anhelo de demostrar a su padre que es poseedora de enchufes que la componen, y con ello esclarecer que puede ser la máquina robótica más eficiente del planeta, en aras de protegerlo.

Puesta en escena por supuesto del género de melodramático, con un final de comedia, que se encuentra muy bien estructurada en cuanto a sus elementos dramartúrgicos, y bien actuada y dirigida en términos escénicos.

 

JOY ROBOTA se presenta con una duración de 60 minutos aproximados, los sábados y domingos a las 13:00 horas en el Foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico hasta el día 3 de septiembre.

 

VARIACIONES SOBRE EL CAFÉ

POR: Dalia De León Adams

 

Obra experimental presentada en formato de monólogo, que habla en torno a la producción local del café en una zona mexicana. La interprete de ésta obra teatral, es decir, Mariana Blanco, va poco a poco mencionando dentro de la narrativa la manera de sembrarlo, cosecharlo, almacenarlo, comercializarlo e, incluso, habla de su precio por kilogramos efectuado a sus comerciantes.

●      VARIACIONES SOBRE EL CAFÉ es el testimonio de una chica de provincia, quien narra su experiencia y de algunas mujeres más, quienes trabajan en el campo para que  finalmente Usted pueda degustar de una deliciosa tasa de café, quienes ante la visión del personaje protagónico, es el último y real beneficiado.

Escrito bajo la voz de un Yo narrador, la dramaturga además funge como la única actriz interprete en esta puesta en escena unipersonal, teniendo como responsable de la dirección escénica, a Señorita Alicia Laguna.

-“VARIACIONES SOBRE EL CAFÉ es el primer resultado de una investigación que cruza la vida de mujeres productoras y clasificadoras de café de la comunidad de Pluma, Hidalgo y, de una mujer que jamás trabajó en el campo.

Es una dramaturgia construida conjuntamente en la que ambos universos se entrecruzan.”-

Así es como se expresa la compañía creativa en el boletín de prensa de éste montaje escénico titulado VARIACIONES SOBRE EL CAFÉ con respecto de lo que fuese el proyecto de Mariana Blanco.

Inicialmente, la puesta en escena comienza con la presentación de diversas bolsas de café, las cuales se encuentran fechadas y con algunos datos al respecto de su cosecha, escritos en cada bolsita de café.

Con éstos múltiples saquitos los cuales se encuentran colocados sobre una larga mesa en el centro del escenario, se invita a la observación minuciosa de éstos por parte de la compañía teatral.

Así el público empiezan a dar la vuelta alrededor de la mesa  para cumplir con el cometido,  y con ello visualizar a su antojo y con detenimiento el producto expuesto.

Posteriormente la gente se irá sentando sobre las sillas ubicadas alrededor del foro, en donde aparecerá minutos más tarde la actriz protagónica, Mariana Blanco, quien además es la autora de ésta peculiar dramaturgia.

-“Un pequeño movimiento repetitivo con las manos, unos pasos inseguros con tacones, el sonido de los granos del café , el cabello frágil de una niña o una mujer, el recuerdo amoroso de una madre que ya no esta.

El cuidado al hacer un peinado que es el centro del cuerpo y la seguridad al suspenderse, el dolor de cintura provocado por una postura, la sensación de la frustración que se localiza en el vientre. Todo en relación y sin aparente unión, forma el trenzado que hemos llamado VARIACIONES SOBRE EL CAFÉ, una pieza escénica sencilla pero efectivamente fuerte, unida a un grupo de mujeres en la montaña de Oaxaca, originarias de Pluma, Hidalgo, donde el paisaje es de nubes bajas y se cultiva un café que es su orgullo, pero también representa sus dolores corporales, sus deseos, sus sueños e incluso, cierta ilusión perdida.-“ (nota en cartelera teatral).

Todo esto y un poco más es ventilado y presentado a manera de información mediática a través de la narrativa propuesta en su texto por la propia Mariana Blanco, cuyo personaje además habla de algunas vivencias personales con su madre, y acerca de su cabellera, la cual cortara casi de raíz en alguna ocasión, trasgrediendo en opinión de su madre, a la imagen femenina que debe tener toda mujer en su comunidad.

La obra cuenta con tan sólo un cuadro escenográfico, en donde se retiraría de entrada  la mesa, para con ello dar paso a la aparición de la actriz interprete, quien aparece arrastrando un enorme saco de café, que inmediatamente vacía sobre el piso del escenario.

Posteriormente utiliza un gis, con el cual va  trazando en el piso del escenario un ovalo mediante el cual caminará ,tras de colocarse unas zapatillas rojas en ambos pies.

Finalmente la mujer es peinada y enganchada de su cabellera para ser colgada de su larga melena y una argolla entrelazada mediante una trenza, apareciendo con el dorso desnudo y girando en contrapeso con un enorme costal de café.

Todo esto y un poco más acontece durante un tiempo escénico que consta de aproximadamente 60 minutos, con un cuadro impactante que sugiere un análisis de índole mercantilista al respecto de un modos vivendus, en donde el café es el protagonista.

 

VARIACIONES SOBRE EL CAFÉ será presentada hasta éste 27 de agosto 2023 en el Foro 4 Espacio Alternativo del Centro Cultural Helénico en días sábados y domingos a las 20 horas .

 

CANTA, NINA

POR : Dalia De León Adams

 

Un poco a manera de homenaje y por supuesto por la admiración hacia la

cantante estadounidense Nina Simone (Tryon, Carolina del Norte

19332003), es que la puesta en escena de intitulada CANTA ,NINA el

dramaturgo Omar Esquinca se basara e investigar y en recrear parte de

la vida de quien se convirtiese en un ícono del jazz, del soul y del

blues a nivel internacional.

-“Eunice Kathleen Waymon, más conocida por su nombre artístico Nina

Simone, fue una cantante, compositora y pianista estadounidense de

jazz, blues, rhythm and blues y soul. Se la conoce con el sobrenombre

de High Priestess of Soul....”-  (Wikipedia).

La dramaturgia parte de la infancia de Nina Simone, narrando algunos

de los hechos que finalmente le reforzarían sus anhelos por cantar,

siendo poseedora de  una voz privilegiada.

Por supuesto que el racismo está presente en éste montaje escénico que

invita a pensar en el absurdo de tipificar a la gente por su color de

piel; racismo aún persistente, pero que era sufrido con mayor magnitud

en la época en que vivió Nina Simon.

Es una puesta en escena que cuenta con música en vivo, de diversos

géneros, interpretada en un teclado por  la pianista Karen Rocío Pérez

Cárdenas, quien con sus notas musicales le infiere un mayor plus, a la

trama, además de reafirmar el intento de dirigir a los infantes ésta

obra biográfica, que lleva implícita incentivar a los pequeñitos hacia

el gusto y práctica de mayores elementos culturales.

Por otro lado el apoyo de muñecos guiñol o títeres en el escenario

resulta una herramienta importante, pues gracias a la magia de los

muñecos se logra presentar a grandes músicos como lo fueron Johannes

Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, más conocido como Wolfgang

Amadeus Mozart, y Ludwig van Beethoven., además de otras importantes

figuras del jazz, soul y blues.

Con respecto a la Sinopsis de la trama, se puede leer en el boletín de

prensa la siguiente aseveración al respecto de a gran cantante Nina

Simone:

-“En CANTA, NINA la pequeña Eunice Waymon está a punto de comenzar su

recital de piano en el Ayuntamiento de Tryon, en Carolina del Norte,

cuando les exigen a sus padres, quienes se encuentran sentados en

primera fila, que se quiten para sentar al alcalde de la ciudad.

La joven pianista no entiende lo que sucede y solo desea que el tiempo

se detenga. De pronto, su deseo se hace realidad. Así conoce a Nina,

una mujer misteriosa que la llevará por un viaje a su interior para

aprender que la herramienta más poderosa que tiene es su voz.”-

El autor de ésta obra infantil es el dramaturgo Omar Esquinca. Puesta

en escena en la cual aparecen las actrices y titiriteras que le dan

voz y vida a los muñecos durante la función, y quienes son Xareny Orzal

e Ix-chel Muñoz, bajo la dirección escénica de Andrea Cruz Meléndez,

quien además funge como productora ejecutiva.

Todos ellos forman parte de la Compañía “Teatrapos” quienes siempre

mantienen el mismo sello de representar obras con contenido de interés

para los niños, que además les ilustren en cuanto a cúmulo de

conocimientos, utilizando sus propios títeres. Obras que han

traspasado fronteras, llegando hasta Perú y Argentina.

CANTA , NINA es  formó parte del Circuito de Títeres y Objetos que

fuera convocado por el CENART. Es un Proyecto que se gestó en el año

2021el cual se consolidó participado en El Gran Festival Chapultepec,

efectuado en El Complejo Cultural de los Pinos.

CANTA, NINA se presenta actualmente en “La Plaza de las Artes” del

CENART en días sábados y domingos a las 12:00 horas, hasta el día 12

de septiembre del año

 

LA GUERRA DE TODOS LOS TIEMPOS

POR: Dalia De León Adams 

 

Hermosa y poética puesta en escena que abarca la idiosincrasia religiosa y bélica en torno a la cultura de la Antigua India. Sus vestuarios, maquillajes, máscaras y bisutería hacen gala de ello, en la puesta en escena intitulada LA GUERRA DE TODOS LOS TIEMPOS.

Por otro lado se vislumbran y enaltecen las cualidades y defectos del ser humano, aunado a la filosofía de Krihsma, el Dios mitológico, sabio, eterno, paciente y respetuoso de los actos y decisiones del ser humano, al entrar en contacto directo con él, al invocarle, según rezan las creencias orientales a colación.

-“LOS PANDAVAS: LA GUERRA DE TODOS LOS TIEMPOS es una obra inspirada en el Mahabhabarata, un texto épico-mitológico de la India.”

-Sanar el alma del espectador-

Esta es la frase que persigue como objetivo la puesta en escena de genero documental, adaptada por Carlos Cristóbal Morales bajo la dirección escénica de Laura Jerkob, siendo ésta última quien emplea una técnica que se emplea bajo la premisa de la “Actuación consciente a partir de la Espiritualidad”.

-“En la obra, Vyasa, un hombre entregado a la adoración de Dios, un día es llamado por su madre, la reina Satyavati –quien sufrió la pérdida de sus dos hijos y herederos legítimos del trono, hermanos de Vyasa-. Ella, con la intención de salvar el linaje Kuru, le pide  que tenga hijos con unas mujeres del reino.

Sus hijos son Pandu y Dhritarashtr. Éste último hijo nace ciego y al paso del tiempo su reino provoca una guerra por el trono. Los hijos deDhritarashtra, son los Kauravas y los de Pandu son conocidos como Pandavas.

Al ver la humanidad perdida, Dios, en su aspecto conocido como Vishnu, desciende a la tierra tomando forma humana con el nombre de Krishna, para tratar de convencer a los nietos de Vyasa a que renuncien a la contienda, este momento previo a la guerra se conoce como el Bhagavad Gita.

Los elementos que sazonan éste montaje escénico son el torno al “karma” y al “darma”, aunados a la creencia de que el destino trazado por la deidad, pero que el ser humano con sus propias acciones y decisiones, puede ir cambiando o trazando en cuanto a  la ruta y sendero a seguir.

La puesta en escena marcada en dos tiempos escénicos, cada uno de una duración aproximada de 90 minutos, lleva implícita una enseñanza, que si bien, en nuestra sociedad no es de tipo religioso, alude a la reflexión de tipo filosófico, en torno a la superación personal y vivencial en la cual el estado del alma es prioritaria.

Colorida y detallada en cuanto a las enseñanza de la doctrina de Krishna, la obra es un verdadero deleite y cúmulo de enseñanza, en cuanto a su rico contenido mitológico, que bien puede acercar un poco al público, en cuanto a la sabiduría legendaria hindú.

El reparto estelar esta compuesto por los actores Laura Jerkov, Gabriel Esquivel, Miranda Ixchel, Pilar Villanueva, Ricardo Segura, Kimberly García, Lula CordZam, Danzil Moreno, , Abraham Leandro, Jules Castro, Claus Grissel, Río Pérez, Carlos Cortés, Joseph Escárcega, Azahi Jeyel, Yaratzely Fox y Carlos Cristóbal.

Al finalizar la función de inicio de temporada, su directora escénica, (quien dicho sea de paso adquirió su titulo de doctorado en ”Innovación y gestión educativa” con el estudio de ésta obra profunda e importante investigación sobre la teología y la cultura Oriental) presentó como es costumbre al elenco y a los creativos de ésta interesante puesta en escena, tras de lo cual hizo pasar a los dos padrinos de lujo, siendo uno de ellos el periodista, abogado, dramaturgo, directivo del APT y acupunturistas, (entre otras labores más) el Señor Benjamín Bernal

 

LA GUERRA DE ODOS LOS TIEMPOS se presenta en el Circulo Teatral bajo Las Producciones Artístico Culturales Puerta Skene S.C. en días domingo con funciones a las 18:00 horas.

 

BARBARIE

 

POR:Dalia De León Adams

¿Hasta qué extremo se puede llegar cuando realmente hay hambre? ¿Cuándo las condiciones de vida solamente plantean la posibilidad de sobrevivir, a costa de todo? Éstas son las premisas que invitan al público mediante la obra teatral BARBARIE a no tan sólo a reflexionar al respecto, sino al quedar absortos de hasta dónde las circunstancia pueden llevar a un “humano” o grupo de náufragos a luchar por la sobrevivencia. La puesta en escena inicialmente comienza en un museo en la época contemporánea, en dónde se muestra una cuadro que presenta una cierta zona gélida, la cual una pareja observan y, un hombre que derrama gotas en su ojo derecho para mitigar un problema. Situación que pareciera incomprensible o fuera del contexto de la obra, pero que al analizar la trama completa, nos sugiere la presencia de éstos tres seres, quienes además aparecen en otro tiempo, relacionados justo en el entorno que sitúa la pintura; es decir, dos tiempos paralelos. BARBARIE como su propio título lleva implícito, es un montaje escénico muy cruento, que muestra los horrores que algunas personas quienes padecer ante la angustia del poder perder la vida en cualquier momento, existiendo sólo con la premura del día a día. Es una dramaturgia de Sergio Blanco producida dirigida por Luis Eduardo Yee, puesta en escena en un solo cuadro escenográfico escalonado de Fernanda García y Sergio López Vigueras que bien sugiere una zona polar, el cual aunado al diseño de vestuario, perfectamente ambientan el referente sugerido en el texto. Trama que gira en torno al naufragio en donde siete sobrevivientes, quienes en un clima extremadamente frío están en espera de ser auxiliados por su gobierno; ayuda qué ¡nunca llega! -“Una auténtica BARBARIE acontece en medio de las capas de hielo flotante del Océano Glaciar Ártico cuando una embarcación queda varada y siete personas se enfrentan al clima extremo, la escasez de alimentos y los peligrosos animales que los acechan, tan feroces como ellas mismas, ¿cómo lograrán sobrevivir? Si nadie escucha los gritos de ayuda?”- El elenco estelar se encuentra integrado por Sofía Sylwin en el rol de Anna, Francia Castañeda actúa como Marhía, La actriz Paula Watson es Martha, Emiliano Ulloa en el papel de Lukas, el actor Hamlet Ramírez interpreta a Matheo, Ricardo Ramírez actúa en el papel de Juann y Pablo Marín caracteriza a Markos. Todos ellos representando a sus personajes con gran talento histriónico, que aunado al texto tan impactante que contiene constantes escenas hostiles y, en base a la adecuada dirección escénica, permiten que el espectador termine realmente impresionado con éste drama teatral. -“ BARBARIE es un texto impactante y provocativo que se remonta a la etapa anterior a la famosa auto-ficción del dramaturgo y director teatral francouruguayo Sergio Blanco, destaca por su enfoque en personajes sólidos y la apuesta por la ficción pura, como explica Yee, quien comparte su fascinación por el teatro. El rigor formal de BARBARIE es una de las características que más destaca , con diálogos reticentes que construyen una situación compleja y desarrollada a partir de pocas palabras. BARBARIE es un montaje escénico a cargo de la Compañía “Manadateatro” la cual tiene como objetivo el representar dramaturgias sórdidas, crueles, y con altos grados de violencia. ¡Y vaya que lo logran! BARBARIE está producida por Teatro UNAM y se presenta en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz, del Centro Cultural UNAM los fines de semana.

 

ROLLER DANCE
POR: Dalia De León Adams

Muy ad-hoc con la época contemporánea, ROLLER DANCE es una variación
en la manera de bailar; es decir sobre ruedas, incursionando en
cualquier género musical.
Por ello es que actualmente se invita a todo genero de público que
desee ser parte de ésta rutina. Es precisamente un evento programado
por Gabriela de la Garza, que invita a lograrse mediante clases.
Ella junto con la también bailarina Eugenia Clavero están uniendo
esfuerzos con el Proyecto denominado “Bliss on Weels” que intenta
integrar a grupos latinoamericanos para la práctica del moderno ROLLER
DANCE.
Actualmente se presentan en el denominado “Pinche Bar Polanco” en
miras de incluir a todos aquellos  que deseen aprender las técnicas
para desarrollar su habilidad en el baile, a través del patinaje sobre
ruedas.
Por ello Gabriela de la Garza y Eugenia Clavero se expresan de la
siguiente manera mediante un boletín de prensa:
-“Gracias al rotundo éxito del proyecto que Gabriela de la Garza
encabeza con su pasión por el ROLLER DANCE; el verano continúa
candente y es el turno de la experimentada Eugenia Clavero profesora
de baile en patines con más de 10 años de experiencia.-
ROLLER DANCE,  también conocido como el “Roller Skating Dance” es un
estilo de baile sobre ruedas que utiliza patines clásicos con cuatro
ruedas en paralelo para moverse al ritmo de la música.
Es un baile libre y no técnico, lo que significa que la expresión
personal y el disfrute son lo esencial del estilo.”-

Pinche bar Polanco

Lago Iseo 296, Anáhuac I Secc, Miguel Hidalgo, 11320 Ciudad de México, CDMX

 

EL CUIDADOR ¡Mamá, las llaves del coche no van en el Refri!

POR: Dalia De León Adams

Obra teatral perteneciente al género auto-biográfico, muy bien escrita e

interpretada por Sergio Ochoa, hijo de la inolvidable comediante Leonorilda Ochoa,

quien a manera de homenaje a su fallida madre, presenta ésta dramaturgia mezcla

de triste y divertida narrativa, estructurada bajo un muy emotivo monólogo.

Su autor, interprete y director escénico recuerda momentos vividos entre ambos,

además de hacer gala de algunos extractos de la labor de la actriz, su gran amor y

amistades.

Esto mediante una serie de cortos televisivos que se transmiten en distintos

cuadros escénicos, a través de una pantalla movible, y que muestran la belleza que

alguna vez potara de muy joven, la actriz, cantante y comediante, la Señora

Leonorilda Ochoa (D.F. 1939-2016) quien logró ser una importante figura del

medio artístico en nuestro país en la década de finales de los 60’s y en los 70’s.

-“Leonorilda Ochoa Pagaza) fue una destacada actriz y comediante

mexicana de la Época de Oro del cine mexicano”.- (nota en Wikipedia).

Su vástago, el ahora también actor y comediante Sergio Ochoa logra un espectáculo

unipersonal, en donde remarca los momentos difíciles que su madre enfrentara y

padeciera, ante la desgastadora enfermedad progresiva e incurable del Alzheimer

que pareciera que poco a poco se fuera filtrando y hundiendo en el ánimo de todos

aquellos que aman y le rodean a éste tipo de enfermos, transformándoles la vida

con premura.

Puesta en escena en un solo acto en donde aparece un piano que servirá de soporte

escénico, además de una puerta en donde inicialmente aparece el actor, la cual

cierra tras finalizar su actuación.

Una pantalla y, una silla de ruedas son los objetos de utilería que servirán al actor

para lograr la narrativa, junto con algunas prendas más, que poco a poco el va

portando y despojándose de éstas.

Sergio Ochoa con ésta puesta en escena, la cual también dirige como a-priori he

mencionado, hace gala de sus dotes de actor y comediante , que por supuesto

heredó de su madre.

Aunados a su habilidad para narrar su propia historia vivida junto a uno de los

seres que más ha amado, hace mayor hincapié en el ocaso de la vida de su madre,

mediante una dramaturgia llena de prospecciones y retrospecciones temporales,

que poco a poco va hilando para lograr darle linealidad a éste también drama;

genero al cual incurre, por su tratamiento escénico.

Ya manera de Sinopsis de la trama, aparece en cartelera teatral la siguiente

consideración a colación de ésta puesta en escena de Sergio Ochoa:

-“A través de éste unipersonal nos relata su experiencia como CUIDADOR,

trasportándonos a su intimidad familiar para dejar en nuestro presente la

nostalgia del pasado y en el corazón, el deseo de vivir intensamente”-.

 

EL CUIDADOR o ¡Mamá las llaves del coche no van en el Refri! Se presenta en el

Teatro Xola, Julio Prieto con funciones en días martes a las 20:30 horas.

LOS COLOCHOS TEATRO

POR: Dalia De León Adams

 

Estando por cumplir sus 13 años como el próximo 25 de agosto la compañía

creativa LOS COLOCHOS TEATRO tiene ya en puerta las representaciones tres

puestas en escena intituladas “Mendoza”, Silencio” y “Reina” en el Foro

Shakespeare de la Ciudad de México.

Festejo que se une prácticamente con la conmemoración de los 40 años de la

consolidación del “Foro Shakespeare” ya en septiembre. Teatro que se ha

engalanado ofreciendo diversos géneros de la dramaturgia, tanto mexicana, como

universal y reconociendo a los actores y directores de gran talla en México, con su

programación televisiva de TAP (Teatro de Actores Profesionales) en el canal 11.

Pero volviendo a LOS COLOCHOS TEATRO ellos son un grupo de creativos

artísticos que forman la compañía que dio inicio a partir de algunas inquietudes

teatrales, surgidas por sus integrantes, un tanto de orden tanto político, como

expresivas, que se fueron consolidando inicialmente a través de un proyecto de

teatro infantil.

Posteriormente trabajaron en un laboratorio el cual consideran que sería

realmente el que les fusionó como un grupo teatral. Laboratorio el cual se

denominó “Salas de Urgencias” surgido de “La Iniciativa del Sistema de Teatro” que

se basó principalmente en varias exploraciones escénicas hechas en casas.

Una de las características importante de ésta compañía artística, según también

señalaron, es justamente el retar las convenciones de todo tipo de género; es decir,

tanto textuales, como espaciales o del contexto que tienen como artistas

mexicanos, con los que les rodean.

-“LOS COLOCHOS TEATRO nace en agosto del 2010 como una compañía que

apuesta por un teatro crítico, nacional y de calidad. Con trece años de

trayectoria y cuatro montajes en su repertorio, la compañía ha viajado a

quince estados de la República Mexicana en importantes Festivales Nacionales

como: El Festival Nacional Cervantino, La Muestra Nacional de Teatro, La Feria

Internacional del Libro y diversas muestras estatales y coloquios.”-

A nivel Internacional ha participado en importantes festivales y realizando

giras en países como España, Alemania, Colombia, Cuba, Perú, Costa Rica,

Reino Unido, Ecuador, Portugal, Estados Unidos y República Dominicana.”-

(citas textuales del boletín de prensa).

Su experiencia y curriculum como compañía teatral es bastante amplio, pero

volviendo a los montajes escénicos que están por montar a partir del los meses de

octubre y septiembre, le comentaré a Usted que forman parte de un “Ciclo Clásico”

propuesto por la misma Compañía LOS COLOCHOS TEATRO mediante los cuales se

retoman de tres de las obras icónicas del celebre dramaturgo William Shakespeare

(Stratford-upon-Avon 1564-1616) y, aunque es bien sabido, le recordaré qué:

 

-“William Shakespeare fue un dramaturgo, poeta y actor inglés. Conocido en

ocasiones como el Bardo de Avon, se le considera el escritor más importante en

lengua inglesa y uno de los más célebres de la literatura universal.”- (cita

página WEB).

La primera obra a presentar por LOS COLOCHOS TEATRO se intitula MENDOZA

cuya base escénica textual parte de la obra de Macbeth, la cual fue adaptada en

2014 por la misma compañía y, que consiste en una serie de fusiones tanto

vivenciales, culturales e ideológico-político que se fusionan a partir de obras

mexicanas de talla internacional (obra por cierto que fue premiada en España).

Lo sucede con las otras dos puestas en escena a presentar, las cuales son:

SILENCIO, basada en el texto de Otelo. Finalmente REINA a cual se inspira en el

texto del Rey Lear, cuyo personaje protagónico es cambiado de genero sexual, al

femenino, en contrapartida con la obra clásica de Shakespeare, pero que al igual

que los otros dos montajes escénicos, conservan los elementos fundamentales de

las dramaturgias del escritor Williams Shakespeare.

Al respecto de cada una de éstas propuestas escénicas hay muchos datos

interesantes a colación por comentar, así como los pormenores de cada elemento

escénico integran a cada una d las obras MENDOZA, SILENCIO y REINA qué les

iremos proporcionando tras de presenciar, cada uno de éstos montajes escénicos.

Las funciones de MENDOZA se ofrecerán en días viernes, SILENCIO los sábados y

REINA los domingos. Ello a partir del 1º de septiembre en el Foro Shakespeare.

¡FELICIDADES!

TIERRA DE FUEGO

POR: Dalia De León Adams

 

Con un contenido impactante y emotivo, la dramaturgia original del argentino

Mario Diament será presentada por fin en la ciudad de México, tras de haber

pisado escenario en las ciudades de Buenos Aires y en Madrid con éxito, según se

dio a conocer en la Rueda de Prensa efectuada el día de ayer, lunes 14 d agosto del

año en curso 2023.

Es una obra teatral que narra un atentado aéreo que realmente aconteció, el cual

detonó tras veintidós años de acontecido, diversas respuestas entre los

sobrevivientes, en especial entre dos mujeres quienes reaccionarían de muy

distinta manera; una joven azafata israelí quien intentará indagar más allá de lo

evidentemente sucedido a través de enfrentar al homicida en la cárcel, y una mujer

madura cuyo hijo muriera durante el atentado.

Es una dramaturgia basada como a-priori he mencionado, en un hecho real que

toca las cuerdas de la sensibilidad e invita a reflexionar acerca de ¿si es posible

perdonar? Y ¿hasta dónde es posiblemente humano, comprender al victimario?

Éstas preguntas y más surgen en torno a ésta trama bien estructurada por su

autor, y cuyo productor escénico comentaría tras de haber leído con detenimiento

éste texto durante la pandemia, que le atrapó por su contenido interesante, escrito

bajo una propuesta totalmente humanística.

El montaje escénico estará a cargo de La Compañía Productora de Tiago Correa y

Juan Aguirre y, cuyo reparto estelar será integrado por Horacio García Rojas, Paola

Arrioja, Emmanuel Okaury, Juan Aguirre, Paco de la O y Diana Quijano; varios de

ellos son talentosos actores sudamericanos, al igual que el resto del equipo

creativo mexicano..

Al respecto del texto, así se expresó la Compañía Teatral a través de la casa

Difusora iQ:

-“Contundente y cruda, así es TIERRA DE FUEGO, una puesta en escena que

raya en lo ensayístico al reflexionar sobre lo que construye y reconstruye a la

figura el “enemigo” .- (boletín de prensa)

Acerca del autor se continúa diciendo:

-“Mario Diament, dramaturgo y periodista argentino, es conocido en el teatro

contemporáneo por la cargada dosis de realidad con la que impregna a sus

obras, entre las que destacan su debut como pluma teatral, Crónica de un

secuestro (1971), Esquirlas (2002) o Cita a ciegas (2009). A diferencia de sus

otros trabajos, en TIERRA DE FUEGO (2021) el público se encontrará ante una

de las últimas obras del autor, una madura y entrañable historia”.-

Y como se puede leer finalmente:

 

“Respira, mira más allá de tus vivencias y descubre al otro en TIERRA DE

 

FUEGO.”

 

TIERRA DE FUEGO se presentará en el Foro Shakespeare a partir del día 23 de

agosto los miércoles y jueves a las 20:30 horas, con tan sólo 13 funciones.

¡SUERTE!

 

DESHUESADERO SUITE

POR: Dalia De León Adams

 

-“La obra es una sátira inspirada en la alarmante situación que se vive en México en materia de derechos humanos desde hace más de 15 años. De acuerdo con cifras oficiales, el país ya superó las más de 100 mil personas desaparecidas y/o no localizadas en todo el territorio nacional.”- nota del boletín de prensa)

Y justamente es en torno a esa dolorosa realidad en que gira la trama de la puesta en escena de DESHUESADERO SUITE. Una espectáculo montado en base a lo que se denomina “sátira oscura” que recurre a la presentación de la problemática actual que enfrenta nuestra sociedad, con cada vez más numerosos casos de desapariciones forzadas de personas clasificadas en toda edad.

Empero la obra con tintes de espectáculo Clown y fársico, incurre a la representación con apoyo a la musicalización en vivo creada por Francisco Solís; música que sugiere pertenecer el género del blues por sus acordes y notas armónicas que llevan implícito un tono triste (como su misma nomenclatura “blue” alude) acorde a la mayor parte de la trama a tratar con una temática cruenta.

Los cuadros escenográficos empero son muy coloridos, mediante los cuales los actores, quienes caracterizan a diversos personajes en escena, utilizan máscaras al interpretar a sus personajes; actores quienes se presentan inicialmente portando una especie de sacos o envoltorios de los cuales van poco a poco saliendo, para finalmente irse adosando de distintos ropajes, en un escenario que incurre a la presentación de hielo seco, el cual le da un toque especial.

En cuanto a la trama a tratar, a manera de Sinopsis la compañía DESHUESADERO ofrece los siguientes párrafos textuales a colación:

-“En la puesta en escena, una mujer es raptada por dos hombres que la meten en un costal. Con su fotografía n una mano una anciana va en su búsqueda y, cuando finalmente cree haberla encontrado, su trabajo parece ser en vano tras la aparición de un inmenso costal lleno de cuerpos, que se traga lo que está a su alcance.”-

Le comento que ésta obra fue seleccionada en el año 2022 por parte de “Efiteatro”, aunque inicialmente había sido representada en formato virtual un año antes, justo durante la pandemia,  Hoy en día está a punto de ofrecer una gira dentro de la República Mexicana, tras de haber concluido su temporada de funciones el día de ayer, domingo 13 de agosto 2023.

El elenco está formado por Carolina Pimentel, Daniel Loyola y Alfredo Romero, quienes además fungen como directores escénicos y son incluso los mascareros e integrantes del Grupo Creativo llamado DESHUESADERO, mismo nombre como intitulan su dramaturgia

 

 ¡SUERTE Grupo Deshuesadero!

MONO BLANCO, EN FUNCIÓN DE GALA CON EL BALLET FLOLKLÓRICO DE

MÉXICO.

POR: Dalia De León Adams

 

Ya en puerta la “Gala” con el icónico BALLET FOLKLÓRIKO DE MÉXICO, el cual está

a punto de presentarse éste próximo miércoles 16 de agosto, junto con la

Compañía de Son Jarocho, MONO BLANCO, dando cadencia y colorido dancístico y

musical a la gran gala. Evento que además, se llevará a cabo en el hermoso recinto

de El Palacio de las Bellas Artes, en su Sala Principal.

Con respecto de la Compañía MONO BLANCO, la difusora de la próxima gala, la

Señorita Nidia Manzanero, dio a conocer el siguiente comunicado al respecto:

-“Fundado en 1977, el Grupo MONO BLANCO nació con la idea de reivindicar el

Son Jarocho con música festiva y comunitaria. En 1980 se inicia la era de Don

Arcadio Hidalgo y el Grupo MONO BLANCO.

Una nueva etapa para el son, que a la postre, daría muchos frutos. Los jóvenes

de MONO BLANCO tenían la energía y la iniciativa, y Don Arcadio el

conocimiento y el respeto para llegar a las nuevas propuestas partiendo de las

raíces.

La trayectoria del grupo ha sido exitosa, pero su trabajo más importante lo

realizan dentro de la comunidad jarocha donde el trabajo se enfoca a

promover la tradición con el programa: “Promoción y difusión de son jarocho a

través del fango”.

De éste modo mediante una gran cantidad de talleres de música, zapateado y

fabricación de instrumentos, se apoya en gran medida el interés de los jóvenes

por el género.”-

A propósito de lo que es considerado como un “Son Jarocho” le comento de manera

somera la siguiente información al respecto:

-“El son jarocho es un género musical extendido principalmente en el estado

mexicano de Veracruz aunque también se toca en partes de Oaxaca y Tabasco.

Se ejecuta principalmente durante los fandangos, donde se combina con la

danza zapateada…

El son jarocho es un género vivo que se alimenta de lo tradicional y que se

mezcla y se fusiona con nuevas formas de interpretación que cada día se

difunde…”-

Con respecto a la mundialmente afamada Compañía de EL BALLET FLFLÓRICO DE

MÉXICO se encuentra en una de las páginas del Internet las siguientes

aseveraciones en cuanto a su creación, por parte de la gran bailarina y coreógrafa

fallida, la Señora Amalia Hernández, quien dio a conocer en gran parte del mundo,

nuestro legado autóctono :

 

-“En el año de 1952, la bailarina y coreógrafa Amalia Hernández decidió

formar su propio grupo de danza, al que llamó Ballet Moderno de México…

En 1959, Amalia Hernández y el coreógrafo Felipe Segura, iniciaron un trabajo

conjunto con sus grupos Ballet de México y Ballet Concierto de México, y se

presentaron en diversos escenarios, fusión que dio origen al Ballet Folklórico

de México...

El Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández es un hito en la historia de

la danza mexicana por su compleja visión escénica del México...”-

Actualmente EL BALLET FOLKLÓRICO DE MÉXICO se encuentra tutorado por su

hija, la también coreógrafa y bailarina Amalia Viviana Basanta Hernández, quien se

desempeñara como bailarina durante el periodo de 20 años, y tras el deceso de su

madre, tomaría las riendas de la compañía, junto con su sobrino, el Señor Salvador

López López.

Como Usted comprenderá son dos grandes Compañías que reunidas sumarán

esfuerzos al presentar un espectáculo de alto nivel artístico, el cual se llevará a

cabo en el Palacio de las Bellas Artes, con una única función fechada para el día 16

de agosto del año en curso 2023, a las 20 30 horas en la Sala Principal.

ALQUMIA Y TRANSMUTACIÓN

POR: Dalia De León Adams

 

No cabe duda que el Teatro Penitenciario poco a poco está ganando terreno en los

escenarios de la Ciudad de México, En el caso específico del denominado “Teatro

como un Puente a la Libertad” tiene como objetivo el propósito de objetivar a la

cultura como un vínculo de transformación social.

Es un grupo creativo que por cierto ha logrado tener algunos talleres artísticos en

el área de “Reinserción Social” en la Ciudad de México, que operan tanto dentro

como a fuera de los Centros de Reclusión y qué a través de ellos, están uniendo

esfuerzos con la Compañía Teatral de “Persona Privadas de la Libertad”,

presentando algunas puestas en escena.

Es así como la Fundación “Ave Fénix” dirigida por la Señorita Citlali Fernández,

quien es nieta del muy afamado y ya finado actor y director escénico, Don Emilio

Fernández, reconocido en el medio cinematográfico como “El Indio Fernández”.

Por ello es que el día de ayer 10 de agosto del año en curso 2023, Citlali Fernández

y la Compañía ”Evantage Live” (de Salomón Ramírez y Rebeca Moreno) dieron cita

al público para asistir al reestreno de la función teatral denominada AQUIMIA Y

TRANSMUTACIÓN, en la espléndida Casa Fuerte de Emilio “El Indio Fernández”.

Montaje del dramaturgo y dirección escénico Arturo Morell, que realmente precisó

de un gran esfuerzo, pues la compañía teatral actuó entre los espectadores,

moviéndose ambos al unísono.

Le comento qué la puesta en escena de ALQUIMIA Y TRANSMUTACIÓN ya se había

presentado en el Complejo Cultural de “Los Pinos” en nuestra ciudad, y en ésta

ocasión para su reestreno se presentaron como madrinas del evento, a la actriz y

modelo mexicana María del Carmen Campusano, junto con la cantante y actriz, “La

Supermana” (Daniel Vives “Ego”).

La noche parecía conspirar con éste montaje escénico que se efectuó en un espacio

abierto, camino cercano de donde se ubica la alberca de la Casa Fuerte de Emilio

Fernández, donde se veían colocadas múltiples veladoras que iluminaban

tenuemente la ruta, para hacer llegar al público a un espacio parecido entre jardín

y explanada que tenía al centro una fuente, en donde se llevo a cabo la función.

Momento en el cual las mujeres actrices dieron apertura a la escenificación de la

dramaturgia, quienes aparecían tendidas en el piso y escaleras, en tanto que otras

aparecieron con los brazos en alto atadas aparentemente a algunos árboles.

La “Voz in Off” de una de las actrices adosada con una capucha, atuendo café

similar al de los monjes tradicionales, pronunció un breve monólogo con el cual se

abrió el espectáculo teatral.

-“La representación teatral inicia con una analogía en los tiempos de la

Inquisición y describe que para estar presa no es necesario encontrarse en una

cárcel, toda vez que sin importar su origen o nivel sociocultural, muchas

 

mujeres viven privadas de su libertad, ya sea en algún centro de reclusión o

fuera, presas de sus temores, vicios, lastres o angustias.

ALQUIMIA Y TRANSMUTACIÓN: mujeres presas dentro y fuera de la cárcel”

busca, en complicidad en cada una de sus actrices, recrear vivencias, traspasar

paredes y explorar el proceso psicológico y espiritual que impulsa a varias

mujeres a transformar lo que las daña y paraliza, confrontándose con su

realidad, enfrentando los retos y reconstruyéndose a partir de la conquista de

su dignidad y sus libertades.-

ALQUIMIA Y TRANSMUTACIÓN tiene funciones a las 20:00 horas.

 

JULIETA TIENE LA CULPA (Conferencia)

POR: Dalia De León Adams

 

La obra teatral JULIETA TIENE LA CULPA de la dramaturga mexicana Bárbara

Colio regresa al escenario, pero en ésta ocasión en mano del más importante

productor de teatro independiente, el Señor Morris Gilbert con su “Mejor Teatro”

en Co-producción con “BarCoDrama”.

Como Usted recordará, es una puesta en escena que ya se ha presentado en el

Teatro Helénico y en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz de la UNAM, en la Ciudad de

México, logrando exitosas temporadas que le han hecho exceder barreras; hecho

por lo cual estará agendaza posiblemente para presentarse posteriormente en los

países España, según aseguró su misma autora y directora escénica, la Señora

Bárbara Colio, quien además comentó, se presentó en Colombia consiguiendo que

el público aplaudiera de pie.

Por su parte Morris Gilbert comentaría que apostó al montaje escénico de ésta

obra teatral tras de haberla visto, convencido de qué el teatro independiente o

comercial debe romper las barreras imaginarias propuestas por el teatro

institucional.

Ello, según afirmó, quizás juicios guiados por intereses personales de algunos

creativos de la industria teatral institucional, pero que son barreras que ya deben

romperse.

Además Morris Gilbert asegura estar en Pro de la reprogramación semanal, que se

fue recortando tiempo atrás, impidiendo con ello que los espectadores pudieran

gozar de una buena función, en cualquier día de la semana como en antaño.

Por otro lado, con respecto al reconocimiento que la puesta en escena obtuvo

durante sus temporadas anteriores, se puede leer en el boletín de prensa la

siguiente afirmación al respecto:

-“Escrita y dirigida por Bárbara Colio, JULIETA TIENE LA CULPA –en palabras

de la crítica especializada- es una puesta en escena “sencillamente brutal,

mantiene al espectador en estado hipnótico” amén de ser inteligente,

apasionada y divertida. Se trata de un dramedy (drama-comedia) que provoca

momentos profundamente entrañables, igual que explosiones de humor negro

e hilarante, tan característico de la autora. Un deleite para los amantes del

teatro.”-

En el reparto estelar se presentarán tres destacadas actrices y catedráticas, como

lo son Verónica Merchand, Sofía Sylwin y Carmen Mastache, siendo ésta última

galardonada con el Premio Metro en 2022,

Ellas juntas caracterizan en escena con gran histrionismo escénico a los personajes

femeninos inspirados en las protagonistas, de tres dramaturgias icónicas, como lo

son Blanche, en la obra “Un tranvía llamado deseo” escrita por Elia Karsan y

Tenneesse Williams (EE.UU. 1951); Nina de la obra “La gaviota” de Antón Chéjov

 

(Rusia 1892); y Nora, protagonista de “Casa de muñecas” del dramaturgo Henrik

Ibsen (Copenhague 1879).

-“Blanche, que pertenece a una rancia pero arruinada familia sureña, es una

mujer madura y decadente que vive anclada en el pasado. Ciertas

circunstancias la obligan a ir a vivir a Nueva Orleáns con su hermana Stella y

su cuñado Stanley.”- (Un tranvía llamado deseo).

-“ La obra es protagonizada por Nina, una joven aspirante a actriz de quien

Tréplev está enamorado.”- (La gaviota).

-“ La pareja formada por Nora y Helmer Torvald son en apariencia una

hermosa familia feliz. Tienen tres hijos de muy corta edad. Viven

cómodamente; sin embargo ella decide apelar a un recurso retorcido”.- (Casa

de muñecas).

Tres breviarios del Internet, con respecto a la sinopsis de cada una de las obras

que fusionan ésta peculiar e interesante puesta en escena intitulada JUIETA TIENE

LA CULPA, en donde Julieta, (protagonista de Romeo y Julieta de Williams

Shakespeare, Reino Unido, 1597), es la “cuarta protagonista”.

JULIETA TIENE LA CULPA se presentará en el Teatro Ignacio López Tarso del

Centro Cultural San ángel, los días miércoles, a partir del día 16 de agosto.

LA MANZANA DE LA DISCORDIA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

Nuevamente se presenta la obra teatral LA MANZANA DE LA DISCORDIA a cargo

de las Compañías “Brujas Producciones” y DGAPA-PAPIT; obra la cual justamente

hace un año en agosto 2022 se estrenara también en el Centro Cultural UNAM, en

el Foro Sor Juana Inés, sólo que en esta ocasión la puesta en escena se presenta en

el Teatro Juan Ruiz de Alarcón.

Recordemos que es una dramaturgia fársica que trata acerca de algunos

fragmentos de la obra de Homero intitulada “La Iliada y la Odisea”, título que por

cierto en griego homérico, la lengua en la cual fuera escrita, se escribe Ἰλιάς: Iliás y,

en griego moderno Ιλιάδα: Iliáda.

Como es bien sabido La Iliada y la Odisea” es una obra muy afamada

internacionalmente, cuya fecha exacta de su creación, aún se desconoce con

exactitud, pero que se ubica dentro del siglo VIII Antes de Cristo, acorde con los

testimonios que indican que Homero, nació durante dicho periodo en Jonia, como

antiguamente se conocía a la Antigua Grecia, ubicada en la ahora Costa Centro

Occidental de Anatolia.

Las epopeyas griegas de “La Ilíada” junto con “La Odisea”, ambas se ubicada dentro

del género de la poesía épica, que versa sobre la guerra librada y acontecida en

Troya a través de un enorme caballo;

El conflicto bélico que fuera librado por los aqueos para liberar a la esposa de

Melenao rey de Esparta, llamada Helena, tras de haber sido aparentemente

raptada por Paris, del palacio del mismo rey de Esparta.

Como dato complementario le recuerdo qué “La Ilíada” se compone de hexámetros

dactílicos, y consta de 15 693 versos; en su trama se habla de la cólera de Aquiles.,

narrados en los acontecimientos ocurridos durante 51 días

Suceso que también se ventila mediante el momento en el cual Aquiles ofende a

Agamenón, librando por ello ambos una pelea a muerte. Suceso determinado por

la Diosa Atenea quien al igual que todos los personajes de la trama, se

“caricaturiza” por llamar de alguna manera a las caracterizaciones matizada de

manera chuscas, y a la introducción de elementos de la actualidad, como el uso del

celular y un carrito de supermercado, dentro de la trama.

En el caso de LA MANZANA DE LA DISCORDIA, la dramaturgia es una adaptación y

creación colectiva, bajo la dirección escénica de Iona Weissberg y Aline de la Cruz,

en donde aparecen actores muy talentosos como lo son Rodrigo Murray en el rol de

Casandra, Óscar Piñero caracterizando a Hera, Jerónimo Best como Atenea,

Fernando Córdova es Afrodita, y Noemí Espinosa caracteriza a Zeus.

Todos ellos interpretando con gran plástica actoral y versatilidad a varios

personajes más, tanto femeninos, como masculinos, recurriendo para dicho efecto

a sus grandes talentos histriónicos que muestran a través de la modulación de sus

 

voces y movimientos tanto corporales, como faciales, logrando que ésta puesta en

escena sea realmente un deleite y un derroche de risas.

Actores quienes además ocasionalmente invitan al público presente, a colaborar en

ésta divertida farsa, llena de colorido y diversos cambios de vestuario, con el uso

de pelucas, e incluso maquillaje utilizado para algunas caracterizaciones; además

de contar con una escenografía compuesta de objetos de utilería movibles que

hacen posible el cambio de los diversos cuadros escénicos.

LA MANZANA DE LA DISCORDIA es una dramaturgia que están presentado a

manera de comedia, cuyo referente son los comics de los videos de “Marvel” y

“Mortal Combat” presentados bajo la dirección escénica de Tona Weissberg y

Aline de la Cruz.

-“En la comedia LA MANZANA DE LA DISCORDIA la diosa Hera, Atenea y

Afrodita están listas para competir por el título de la más bella y encontrar al

héroe terrenal que reivindique el camino de los humanos antes de que Zeus,

furioso por el chiquero que tienen en el mundo, los desaparezca por

completo.”- (nota sobre la Sinopsis de la obra n el boletín de prensa)

Además se introducen la Historia de la Guerra de Troya, en el momento en el cual

Paris se roba a la hermosa esposa de Menelao, llamada Helena, por lo cual se

detonará el conflicto armado.

La manzana es presentada desde todos los cuentos y mitos en torno a ella, como lo

son la Manzana de oro de la mitología griega, la Manzana Bíblica en que e cuenta

que Eva se la ofrece a Adán y al comerla son desterrados del Paraíso, o bien, la

manzana de Blanca Nieves.

Todas éstas presentadas bajo un formato de estilo Clown y escenificadas con

música que incluye diversos géneros musicales y vestuarios al estilo secular de

cada una de las narraciones.

Respecto a la parte medular de mito griego, la trama presenta además en cartelera

teatral se puede leer de manera textual la siguiente aseveración:

-En LA MANZANA DE LA DISCORDIA Zeus baja del Olimpo y cita en la tierra a

Hera, Atenea y a Afrodita porque ha decidido acabar con la humanidad, pero

las diosas se oponen y sugieren encontrar un modelo para un héroe nuevo que

nos guíe. Es así que las diosas re-visitan distintos momentos de La Iliada para

elegir un nuevo arquetipo que nos dirija.-

LA MANZANA DE LA DISCORDIA se presenta en el Foro teatral Juan Ruiz de

Alarcón del Centro Cultural

 

Los obscenos de SILEREL VÓRTEX.

POR: Dalia De León Adams

 

Obra teatral perteneciente al género de ficción, qué empero conlleva una amplia

reflexión acerca de lo absurdo e incomprensible de la existencia humana y, aún

más allá, vislumbra, auque de manera un tanto velada conceptos de la física

cuántica, así como conceptos de índole astrológicos como los hoyos negros.

La posibilidad de viajar al espacio sideral más allá de la velocidad de la luz para

llegar a otros universos y el derrame de la ciencia en Pro de instituciones privadas,

entre otros conceptos, se plantean dentro de la temática a tratar en torno al texto

de Josué Almanza, el dramaturgo de ésta obra.

-“Josué Eli Almanza. Nacimiento 30 de junio de 1988. Puebla, Puebla. Es

dramaturgo y director de teatro. Autor de libros como Sturm Ruger o El rugido

de los huesos, entre otros.”- página WEB.

-“Mi interés por las artes y la cultura me ha llevado a la profesionalización en

diversos ámbitos a fin de poder convertirme en un artista crítico.”- (referencia

del mismo autor)

Los obscenos de SILEREL VÓRTOX es una obra que además se encuentra

matizada con dejos filosóficos que invitan a la reflexión, la cual se entreteje con

algunos conceptos de índole “científicos” tratados de manera somera que se

plantean dentro del texto, como es la posibilidad de existir a la vez en universos

paralelos.

El juego del tiempo un tanto Einstiano, en el sentido de la negación del mismo, así

como la posibilidad de repetir las experiencias o existencia vivida en nuestra

aparente efímera razón, son parte de los elementos temáticos de la dramaturgia

de Josué Almanza.

Obra teatral que es resumida por la compañía teatral bajo la dirección escénica de

Julián Reyes Botello, realmente logra un gran trabajo en éste montaje escénico,

difícil de escenificar, y el cual logra además con el apoyo de un gran diseño

escenográfico, de vestuario, maquillaje, música y apoyo multimedia, entre otros

elementos más, como comúnmente se precisan en una puesta en escena, pero que

menciono en ésta ocasión, por su importante y valioso apoyo en cuanto a la

realización de éste drama de ficción.

A manera de Sinopsis, la obra está resumida de la siguiente manera por parte de la

misma compañía teatral, en la cartelera:

-“Año 3217. La gente vive como siempre ha vivido. Pobres en las calles

sobreviviendo mientras el hombre más poderoso del mundo disfruta una copa

de vino en su biblioteca. Él llegó ahí porque el mundo estuvo a punto de

terminarse hace diez años. Es un científico que descubrió una crisis energética

antes de que sucediera, una que terminaría con la vida de la Tierra. Su

solución estuvo en otros dos descubrimientos: la capacidad de generar energía

 

a través del dolor humano y la existencia de un universo paralelo con el que

podía hacer un vínculo. La explotación a este otro universo y el dolor generado

en esa realidad permitió que la vida no se extinguiera. Todo parece ir de

maravilla, pero una conspiración que no tiene un origen comienza

desenmascararlo todo. En el otro universo ya se reunieron, llegó un mensaje a

través de la sangre. Un juego de parafonías donde el final sea, quizás, el inicio

de todo.

El elenco está formado por Jennifer Mápula, Aldo Bringas, Natalia Verduzco,

Sandra Vázquez, Samantha Mejía y Adalberto Márquez. Todos ellos interpretando

con gran plástica actoral a dobles personajes, que terminan siendo uno sólo.

Puesta en escena presentada en dos tiempos escénicos en donde muebles movibles

con apariencia de cubículos, forman parte de los diversos cuadros escenográficos

que precisa la obra, además del apoyo multimedia en donde se actúa el crimen del

científico, que mediante la presentación de retrospecciones y prospecciones

temporales, logran darle el juego no lineal planteado en el texto, para lograr la

trama llena de concomitantes y posturas científicas.

Y como se puede leer en el programa de mano, acerca de la reflexión sobre el

futuro de la humanidad, que se plantea como consigna de la obra en las diversas

acepciones de lo que significa “obscenidad”:

-“Quizás el lenguaje, el logos pueda articular esa obscenidad cuando las reglas

de la realidad sean fallidas, cuando el tiempo se rompa y el espacio pierda

sentido, cuando la huella sea antes de la pisada, el recuerdo antes del suceso,

la sangre antes de la herida, el amor antes del ser amado.”-

 

Los obscenos de SILEREL VÓRTOX se presenta en el Teatro “La Capilla” hasta el

día 23 de septiembre los días sábados a las 18:00 horas.

 

Nueva temporada de LAVAR , PEINAR Y ENTERRAR

POR: Dalia De León Adams

 

Boliver*Rodríguez*Saucedo presentan el reestreno de la obra teatral “LAVAR,

MARCAR Y ENTERRAR Historia de una estética en serie; no hay mejor

defensa que un buen tinte” pero en ésta ocasión es en el Teatro Julio Prieto, más

conocido como El Teatro Xola.

Bajo el título de LAVAR PEINAR Y ENTERRAR en nuestro país, la obra es una

delirante comedia escrita por el dramaturgo gijonés Juanma Pina quien

inicialmente se propusiera montar sus obras en espacios NO teatrales, por lo que

fue escenificada justo en una “estética” en Madrid, España.

Empero el día de ayer vienes 4 de agosto se representó formalmente en un Foro, es

decir en el Teatro Xola, al igual que sucedería en su pasada temporada en el Centro

Cultural Helénico, rompiéndose con ello, justamente con la idea original del autor.

En ambas ocasiones ha sido dirigida por Pilar Boliver, y por supuesto que la

escenografía dentro del Foro simula una “estética de mujeres” en donde surge lo

impredecible ante un repentino secuestro nocturno, con la mira de hurtar a sus

víctimas. (Justo como el texto de Juanma Pina lo señala).

Obra presentada en México por tercera ocasión en formato teatral, siendo la

primera vez realizada justo dentro de una estética de nuestra ciudad, por parte del

importante productor de teatro comercial Morris Gilber, junto con la empresa

OCESA-Teatro; la segunda ocasión la producción correría a cargo de Teatro UNAM;

por tercera ocasión, en el Foro La Gruta del Helénico. Finalmente por cuarta vez

hoy en día, se representa dentro del Teatro Xola, Julio Prieto.

Para el efecto de éste inicio de temporada, la compañía invitó en calidad de

padrinos al actor de televisión y teatro Carlos Rangel, y al conductor, músico y

actor Daniel Vives, quienes como es costumbre ofrecieron algunas palabras tanto

de agradecimiento por la invitación, como de admiración sobre el trabajo creativo

en general.

En el elenco estelar se encuentra como protagonista la actriz Angélica Bauter, junto

con los actores Ignacio Saucedo, Shiky, Aldo Guerra, Tomas Strasberg y Juan Carlos

Martin del Campo.

Todos ellos mostrando ser poseedores de grandes técnicas y métodos

interpretativos al representar a sus respectivos personajes con el histrionismo

escénico que se precisa.

Acerca de éste montaje , a colación se puede leer en una página WEB la siguiente e

interesante acepción:

-LAVAR, MARCAR Y ENTERRAR nos descubre que la venganza se sirve al calor

de un secador de mano y no hay mejor defensa que un buen tinte. LAVAR,

MARCAR Y ENTERRAR nos enseña que es fácil enterrar el pasado pero muy

 

complicado que éste permanezca inmóvil y en silencio en los sótanos de una

peluquería.-

El título de ésta puesta en escena hoy en día aparece en cartelera teatral como

LAVAR, PEINAR Y ENTERRAR que finalmente da más sentido a ésta dramaturgia,

acorde con su contenido narrativo.

La obra tiene como referente por supuesto, una estética o peluquería de la época

contemporánea, por lo cual el diseño escenográfico va acorde con dicha propuesta,

simulando el local de manera adecuada.

Como Sinopsis de la dramaturgia se lee acorde con el texto original lo siguiente:

-En un local del barrio madrileño de Malasaña, cuatro personajes se ven

forzados a compartir ochenta metros cuadrados durante una noche de armas

sin seguro y peligrosos recuerdos. Lucas y Verónica, dos frustrados aspirantes

a policía nacional, conviven durante horas con Gabriela y Fernando, ella la

orgullosa dueña de la peluquería Cortacabeza y él su mejor pero más

neurótico empleado. LAVAR, MARCAR Y ENTERRAR es una comedia de balas,

calaveras y pelucas…-

Y muy semejante en cuanto a la manera de resumir la dramaturgia de Jaunma Pina,

se presenta como resumen en cartelera teatral, acerca de ésta reciente propuesta

escénica, la siguiente consideración al respecto:

SInopsis:

-“Gabi, una estilista, dueña del salón de belleza “D’Gaby” y su ayudante

Fernando, vivirán una enloquecida noche cuando a punto de cerrar el salón

son presas de un atípico secuestro por parte de Lucas y Víctor, una “pareja” de

maleantes a quienes sus truculentas intenciones de atraco los llevarán a

toparse con los espeluznantes secretos que Gabi guarda en el sótano de su

salón.

Antiguos sucesos literalmente descabellados y delirantes irán saliendo a la luz,

obligando a Gaby a desenterrar su pasado para entender su presente y darle

rienda suelta a su futuro.” –

Mientras en una página WEB se lee:

-“LAVAR MARCAR Y ENTERRAR nos enseña que es muy fácil enterrar el pasado

pero muy complicado que este permanezca inmóvil y en silencio en los sótanos

de una peluquería”-.

Curiosamente Juanma Pina, quien escribiendo una temática que bien pudiera

haber tenido tintes del género de terror, le da un giro total a su texto al lograr

matizarla a manera totalmente de comedia, en donde los elementos cruentos de la

dramaturgia se transforman en el humorismo negro, lo cual hace constantemente

reír a carcajadas al público presente.

Ello logrado por el autor al caracterizar a sus personajes bajo un sentido chusco,

que lejos de despertar emociones desagradables, acordes a un secuestro y los

aparentes crímenes seriales, les logra otorgar cierta ingenuidad y simpatía, que

 

aunados al ingenio y la gran creatividad del escritor español, terminan por ofrecer

una comedia bien estructurada y relajante, pese a la temática cruenta a tratar.

LAVAR, PEINAR Y ENTERRAR se presenta en el Teatro Xola, Julio Prieto los días

viernes a las 20:00 horas.

LA GRANDE MUSA

POR: Dalia De León Adams

 

Con una voz espléndida, la cantante mexicana Majo Cornejo ha logrado presentar

su Nueva Producción Discográfica que se intitula LA GRANDE MUSA el cual cuenta

con diez temas integrados por una sonora mescolanza de ritmos latinos.

-“Este nuevo álbum está dedicado al mundo, pero sobre todo a la comunidad

latinoamericana, como señal Majo, se transforma distancia, nostalgia y

soledad en cercanía.”- (boletín de prensa).

A partir de los incipientes 3 años de edad, Majo Cornejo descubriría junto con su

talentosa familia integrados por músicos, su vocación por cantar, tras de conocer

su bello colorido de voz y la capacidad de proyectarla.

Ello le permitiría el irse poco a poco forjando al lado de músicos de alta talla, tanto

interpretativa, como de compositores y cantautores, siendo uno de ellos el finado

Juan Gabriel.

Otros serían Pepe Aguilar, Carla Morrison, Draco Rosa, Vetusta Moria y León

Larregui, Samo, Pedro Capó, el grupo Pandora, Choquibtown, Margarita, conocida

como “La Diosa de la Cumbia” y Jesús Navarro más llamado como el cantante

“Reik”.

También fue corista en la Celebración de los 53 años de quien fuera nominado

como “El Príncipe de la Canción”, el Señor José José; misma labor musical que

desempeñaría con los cantantes Francisco Céspedes, Coque Muñiz, Kalimba y Ana

Cirré, además de ser una de las finalistas en “La Voz México” en el año 2020.

Todo ello le irían brindando gran experiencia en su trayectoria musical, hasta

lograr convertirse en la primera cantante mexicana que formara parte del

Internacional “Cirque du Soleil”.

Suceso tras del cual realizaría una exitosa gira por el continente Europeo con el

Show denominado “Luzia” introduciendo algunas piezas musicales que hoy en día

forman parte de su Producción Discográfica intitulada “La Grande Musa”.

Fue así como decidió regresar a México para poder compartir sus éxitos con

canciones que ya se han ido colocado en el gusto del público, pero en ésta ocasión

con el toque romántico y/o de ritmo latino que ella le infiere con su manera

peculiar de cantar, presentándose con un grupo musical que incluye algunos

números coreográficos, como se logró apreciar el día de hoy, 2 de agosto 2023, en

el Salón Zafiro ubicado en el Sur de la Ciudad de México.

Día en el cual se convocó tanto a la prensa como a invitados para ofrecer parte de

lo que será su nuevo DVD que como a-priori he mencionado, se intitula LA

GRANDE MUSA.

”Majo Cornejo. @majo_cornejo. Cantante en #LUZIA by. @Cirque. du Soleil.

Orgullosamente mexicana. Amante de los tatuajes y el agua de limón.

 

ENSAYO

POR: Dalia De León Adams

 

Obra teatral que invita a la reflexión, que contiene ciertos matices filosóficos

acerca de la concepción del amor, de la existencia, así como de las interrelaciones

con los demás, de lo real, y de lo inocuo de la existencia , tratada por el autor, desde

una perspectiva totalmente visceral.

El montaje de ENSAYO tiene la peculiaridad, de contener un texto que va marcando

el tiempo de la escenificación de cada uno de los personajes por el lapso

aproximado de media hora, marcando un silencio absoluto entre los demás, sin

interactuar nunca en escena.

Cada uno de ellos van exponiendo su punto de vista, como una madeja que hilan y

deshilan a través de un ENSAYO escénico. Con ello su escritor va volcando el perfil

y la idiosincrasia de las supuestas actrices que marca el texto, y quienes son en éste

montaje escénico actual en nuestra ciudad, Sonia y María Inés, sentadas

inicialmente junto con Pepe el dramaturgo y Daniel, el directos de la obra a

ensayar.

Curiosamente cada uno de los personajes lleva el nombre de pila real, de los

actores que conforman el reparto estelar en la puesta en escena, y quienes son

Daniel Martines, José Carriedo, María Inés Pintado y Sonia Couoh.

La obra escrita con palabras altisonantes ocasionales, así como frases un tanto

irreverentes que conllevan una carga emocional extrema, que hace que cada actor

vibre con su respectivo personaje.

ENSAYO es una dramaturgia original del escritor, director y actor francés Pascal

Rambert (Niza 1962), la cual está siendo representada bajo la dirección escénica

de Juan Manuel García Belmonte, con la traducción al español de Coto Adánez.

Respecto al resumen o sinopsis de la trama de ésta puesta en escena, la compañía

difusora expone el siguiente breviario:

-“Cuatro amigos, dos parejas se citan en un teatro para ensayar una nueva

obra, trabajan juntos desde hace tiempo, tienen un pasado lleno de vivencias y

de deseos que los une, les confiere una identidad. Son un grupo, una

“estructura”, una familia elegida. Éste pequeño grupo explota

inexorablemente ante nosotros. La primera en tomar la palabra activará una

máquina implacable. Es el fracaso del arte y las ideologías. Un siglo de

vendidos.-“

Pascal Rambert mediante su obra va aún más allá, mostrando el descontento

gestado con la sociedad, mediante todo un circunloquio en torno a lo que considera

el amor; postura la cual se deja entrever en sus personajes, quienes permean

esquemas y pautas tradicionales, al respecto.

 

-“En qué momento se rompen los sueños de una generación? ¿Cuándo se deja a

un lado lo transgresor para adaptarse al sistema? ¿Hay esperanza una vez que

esto sucede?”- (cita de boletín de prensa).

 

“Los malos poetas serán los grandes tiranos”

 

(frase repetitiva)

 

Puesta en escena en un solo tiempo y acto escenográfico, en donde aparece como

parte de la escenografía una gran mesa de madera con varias sillas y algunos

papales a manera de libretos, además de una gran pizarra con sus gises.

Cuadro escenográfico a cargo de Gabriel Pascal, que por cierto, enmarca

perfectamente la intención de mostrar el ENSAYO teatral que sugiere el autor

Pascal Rambert.

Finalmente le comento al respecto qué es una dramaturgia difícil de montar, como

advierte su director escénico Juan Manuel García Belmonte, la cual, dicho sea de

paso, ha sido traducida en diversos idiomas y, se ha galardonado en varias

ocasiones, recibiendo por ello varios premios.

ENSAYO se presenta en el Teatro El Milagro con funciones de jueves a domingos,

hasta el día 20 de agosto del año en curso 2023.

 

Próximamente FINLANDIA

POR: Dalia De León Adams

 

Ya en puerta la escenificación del montaje teatral FINLANDIA, obra la cual será

presentado en el Teatro Milán de la Ciudad de México, se convocó a la prensa para

dar a conocer algunos de los pormenores de lo que será la puesta en escena

intitulada FINLANDIA.

Dramaturgia original del escritor, directos y coreógrafo francés Pascal Rambert, la

cual será protagonizada por los actores protagónicos Bárbara López y Luis Arrieta;

dramaturgia que Monsieur Pascal escribiera para ser presentada en España, según

comentara el director escénico en México.

Reto que para Rodrigo Nava su director y adaptador como a-priori he mencionado,

constituyó todo un esfuerzo en cuanto a la dificultad de adaptar el texto del

español peninsular, al español mexicano coloquial que solemos utilizar en nuestro

país.

En cuanto a sus interpretes Bárbara López y Luis Arrieta, ambos interpretarán a

una pareja disfuncional en pleno ocaso de su relación, en la cual la violencia y la

incomprensión se encuentran a flor de piel, con su inminente ruptura.

La obra pertenece al género del realismo, en cuanto a que muestra la sin mesura la

inhabilidad que hoy en día presentan numerosas parejas sentimentales, quienes

tras de haberse amado, se ven envueltos en conflictos y abismos de intolerancia y

odio desmedido.

En cuanto a la sinopsis de ésta obra teatral, la compañía difusora presenta

textualmente la siguiente aseveración en cuanto al contenido en general del texto,

utilizando el siguiente párrafo:

-“ Una reflexión sobre lo subjetivo de la distancia física y emocional se apodera

de los escenarios con FINLANDIA, un agudo drama protagonizado por Bárbara

López y Luis Arrieta que llegará por primera vez a México bajo la adaptación y

dirección de Rodrigo Nava.”- (cita del boletín de prensa).

Con respecto a su autor Pascal Rambert, quien por cierto es muy reconocido

además por su obra “Cátedra Berman”, en ésta ocasión presenta una dramaturgia

esbozada con un total tono de realismo, matizando las situaciones amorosas de

una manera totalmente cruenta, a diferencia de su usual manera de escribir,

rompiendo con el minimalismo y dejo de propiedad que le ha caracterizado

durante mucho tiempo.

-“Pascal Rambert (Niza, 1962) es un dramaturgo, director de escena, director

teatral y coreógrafo francés. En 2016 recibió el Premio de Teatro de la

Academia Francesa”-. (nota de Wikipedia).

La temática en torno a la cual gira la trama de FINLANDIA es la desavenencia, así

como la incertidumbre gestada de manera desgarradora, que acecha a los

matrimonio en la época actual, ante la desavenencia que engendra la cotidianidad

 

en las relaciones de pareja, sin el tono maniqueísta que comúnmente suelen

maquillar a las historietas de amor.

El referente de la obra es, un hotel en la ciudad de Helsinki, FINLANDIA en donde

el personaje de Bárbara se hospeda por cuestiones laborales y, en el cual, será

visitada por su ex pareja, de una manera infructuosa.

A cargo de “Retro Casa Producciones, la obra teatral FINLANDIA se estrenará el día

28 de agosto del año en curso 2023 en el Teatro Milán, con horario de las 20:45

horas los días lunes, con corta temporada programada hasta el 23 de octubre.

Sepulturas

 

Por: Dalia maría Teresa De León Adams.

-“Toda puesta en escena propone un viaje inexplorado, un tanto salvaje, donde las

pasiones están a flor de piel y el descubrimiento escénico es el objetivo primordial que

nutre todo proceso creativo. SEPULTURAS es un proyecto lleno de honestidad, de

encuentro con el tiempo, de confesiones y muertes familiares, confrontación con los

demonios oblicuos que forman parte de nuestro ethos.

Este montaje es un descubrimiento a la fraternidad a través del arte y la exploración

de un México fronterizo poco conocido, y despreciado en el centro del país, en donde la

identidad navega entre las aguas y el rechazo y los sueños incumplidos….”-

Así se expresaba tiempo atrás su propio autor, el escritor y dramaturgo Hugo Alfredo

Hinojosa (nacido en Tijuana en 1977) con respecto a su obra SEPULTURAS; dramaturgia

con la cual recibiera el Premio Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) en el año

2012.

Dramaturgia difícil de escenificar por su temática tan extensa y a la vez un tanto

“imprecisa” en el sentido de que Hugo Alfredo Hinojosa teje y desteje la historia al

utilizar constantes prospecciones y retrospecciones temporales, sin dar una

linealidad temporal, ademas de presentar un personaje protagónico, Robert,

como un hombre que ha perdido la lucidez de sus recuerdos.

En su obra SEPULTURAS Hinojosa logra matizar de manera interesante, hilando

tiempos en el pasado, en el presente, en el futuro e incluso posmortum en boca de

su personaje protagonista, el cual se presenta además como un ser homnipresente

y homnisapiente, en la medida en que da algunos testimonios con precisiones,

desde el momento en que es engendrado en el vientre de su madre, hasta el

momento de haber partido a través de la inminente muerte.

Todo ello lo logra mediante los diálogos de los diferentes personajes actuados por

cuatro actores en escena, siendo tres de ellos quienes caracterizan a la vez a

diferentes personas, interpretadas por los magníficos actores Humberto Solórzano,

Rodolfo Arias, Bárbara Eibenchurtz y Muriel Ricard quien canta en escena con una

espléndida voz.

Ella ejecuta algunas de las canciones que se introducen en ésta puesta en escena,

sirviéndole de coros dos de los actores quienes son Barbara Eibenschutz quien

ante todo actúa en el rol de Dolores, una enfermera, Elena, la madre y la amante;

por otro lado el primer actor Rodolfo Arias, interpreta los personajes de Alonso,

Jacob y un médico corrupto.

El actor Humberto Solórzano con gran maestría e histrionismo escénico da vida al

personaje protagónico de Robert, un hombre atormentado quien recuerda varios

de los pormenores de su infancia compartida con sus padres, la posterior ausencia

paterna, el encuentro cara a cara con Elena, su primero y único amor.

Enamorado a los tan sólo 15 años de Elena, una compañera a quien conociera

desde pequeñitos y con quien engendraría dos hijos a su tan corta edad; empero

les perdería el contacto de manera pronta. Relación que se vio quebrantada ante su

partida a la guerra, en donde con el tiempo adquirirá el grado de Capitán Primero

de la Fuerza Naval y en donde sería seriamente herido.

Por ello, el personaje de Robert aparece la mayor parte del tiempo escénico

ataviado con el elegante uniforme de Capitán, en una escenografía que simula ser

la parte interior de un navío.

Sin embargo la historia somete a éste personaje al infortunio total haciéndolo vivir

en soledad en su eminente locura, en donde sus recuerdos le hacen conversar con

los seres amados del pasado lejano e incierto, a quienes escribe constantemente

cartas que nunca envía.

Esta historia tiene como sustento escénico el uso de prospecciones y

retrospecciones temporales; es decir que la historia no se cuenta de manera lineal

cronológica como sucede con la mayoría de las tramas.

SEPULTURAS de Hugo Alfredo Hinojosa es una producción de Calypso, Efiartes y

Teatro UNAM que se presenta bajo la dirección escénica de Emma Dib, quien emite

la siguiente consideración textual sobre éste montaje escénico, utilizando las

siguientes palabras:

-“ Ésta obra trasciende a sí misma porque va más allá, habla de los seres

humanos y sus relaciones, sus carencias y sus necesidades, sus vilezas y sus

valores, y nos lleva a preguntarnos por todo aquello que enfrentamos y no

alcanzamos a comprender.

SEPULTURAS se presenta en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque,

hasta el día 13 de agosto en fines de semana.

GENERACIÓN AMARGA

POR: Dalia De León Adams

 

Obra teatral que se convirtiera en un parte-aguas, es decir, en un antes y un

después de la dramaturgia inglesa y europea en general en la década de los años

50’s del siglo XX.

GENERACIÓN AMARGA es un texto que fuera escrito por el dramaturgo John

Osborne (Londres 1929-1994)el cual bajo la traducción al español de Michel

Modenessi se está presentado recientemente en el teatro Rafael Solana.

Ello bajo la dirección escénica del maestro Enrique Singer, hombre muy culto,

quien junto con Tanya Selmen han sabido interpretar el referente de éste drama

gestado a mediados del siglo pasado, el cual transportan a la década de los 90’s

debido a que, como mencionarían, fue una época en la cual surgieron muchos

conflictos económico- sociales y por ende políticos tanto en Europa, como en

México en específico, haciendo de dicha generación de jóvenes, una verdadera

GENERACIÓN AMARGA.

Obra teatral comprometida en cuanto a que aborda el panorama global lleno de

frustraciones que se vivieron y que llevaron a colación una serie de desencantos y

frustraciones que se trasminaron incluso, en la vida personal cotidiana amorosa.

¿Qué es lo que da sentido a tu vida? ¿Qué pasa cuando tus ideales y sueños han

desaparecido?

Con un incendiario cocktail de rabia, amor y desesperanza GENERACIÓN

AMARGA es la bomba teatral que marcó un antes y un después en la geografía

del teatro británico luego de la Segunda Guerra Mundial. Con el tiempo se ha

convertido en un ícono de la dramaturgia universal.

Adaptada al México de los 90’s en una sociedad ahogada por la desesperanza y

las promesas rotas, esta desgarradora historia retrata de una manera visceral

toda la ira y la frustración de jóvenes que perdieron los sueños e ideales que

les daba sentido a sus vidas. (nota en cartelera).

Sobre el perfil de los personajes interpretados por José Ángel Bichir, Ela Velden,

Frida Astrid y Jero Medina, la compañía Teatral expresa en cartelera la siguiente

consideración al respecto:

Víctor es un hombre de la clase trabajadora que a pesar de su educación

universitaria, no consigue destacar ni trascender. Vive furioso y desilusionado

y desencadena una guerra sin piedad contra la hipocresía social y la diferencia

de clases. Su esposa Amelia de clase alta, es agredida y arrastrada por el

abismo de la ira de Víctor, anhela una vida diferente y se debate entre la

sumisión y la rebelión. Cuando llega Elena, seductora y manipuladora, las

tensiones y conflictos se multiplican y las pasiones se desatan.

En medio del amor, sombras y rabia GENERACIÓN AMARGA muestra el

aislamiento y desesperación de una generación de jóvenes que intentan a toda

 

costa darle un sentido a sus vidas. Es un estallido de ideales y amargura que

desafía y confronta sin piedad a la sociedad y al espectador mismo.

Obra teatral perteneciente tanto al género psicológico, por la manera en como

hurga en la psiquis de sus personajes, como del género dramático, por su manera

de abordar el texto e incluso, un tanto vanguardista.

John Osborne logró con GENERACIÓN AMARGA (“Look Back in Anger”)

descodificar a la dramaturgia estereotipada secularmente establecida, dándole una

nueva connotación en cuanto a contenido textual.

John Osborne fue un dramaturgo, guionista, actor y crítico del establishment

británico. El abrumador éxito de su obra de 1956 LOOK BACK IN ANGER

transformó el teatro inglés. En una vida productiva de más de 40 años, exploró

muchos temas y géneros, escribiendo para el teatro, el cine y la televisión.

(Wikipedia)

Famoso tanto por la violencia del lenguaje utilizado en sus dramaturgias, como por

la manera ruda y libremente expuesta, presentando sin tapujos las situaciones que

se dejan percibir del desorden político y social que afectara a las familias,

representadas mediante sus distintos personajes, incluso sin intentar justificar o

engrandecer sus propias causas ideológicas de manera maniqueísta, como solían

matizarse los textos.

GENERACIÓN AMARGA bajo la dirección escénica de Enrique Singer y de Tanya

Selmen, es presentada en un solo tiempo y cuadro escenográfico, el cual muestra

una casa habitación muy humilde en donde la cotidianidad y la rutina abruma a

todos sus personajes.

Ahí el desconsuelo, la traición, el deseo carnal, la falta de entendimiento y la

desesperanza, juegan a llevar las situaciones a extremos indeseables y cruentos;

temáticas que por demás esta decirlo, sazonan la puesta en escena de

GENERACIÓN AMARGA.

GENERACIÓN AMARGA se presenta en el Teatro Rafael Solana en la Ciudad

EL ÁNGEL DE VARSOVIA

POR: Dalia De León Adams

 

Drama escrito por Tomás Urtusástegui (nacido en el D.F. 1933-2020) la cual acaba

de concluir temporada en el Teatro Orientación, Luisa Josefina Hernández del

Centro Cultural de Bosque, bajo la dirección escénica de Carlos Rangel.

Le comento que fue un montaje escénicos escrito especialmente para la actriz

Fanny Sarfati en formato de monólogo, de cuyo autor se dice falleciera poco tiempo

después del estreno de su drama, al cual no pudo asistir por motivos de su ya frágil

salud.

-Tomás Urtusástegui Autor teatral con más de cien obras escritas y

doblemente llevadas a escena tanto dentro como fuera del país. Miembro del

Sistema Nacional de Creadores de Arte.- (página WEB).

EL ÁNGEL DE VARSOVIA es una obra que ha sido en varias ocasiones

magistralmente interpretada por la primera actriz, bailarina y cantante Fanny

Sarfati, quien dicho sea de paso, además se ha dedicado a dirigir proyectos tanto

artísticos, como culturales.

De ella por cierto se ha dicho, que es magnífica en todos los rublos laborales, y lo

que sí es evidente es su gran desempeño y madera de actriz que ha demostrado

tener, y que en específico se logró entrever al interpretar su personaje protagónico

de Irina Sendlerowa, una mujer polaca nacida en 9010-2008 y postulada al Premio

Nobel de la Paz, así como galardonada en su país con un gran Homenaje y Alta

Insignia, es decir que sería nombrada como “Dama de la Orden del Águila Blanca”.

De tal modo se dejo escuchar el caluroso y largo aplauso que el público le brindó

manteniéndose de pie en la función de censura de la temporada en el Teatro

Orientación, Luisa Josefina Hernández, del Centro Cultural del Bosque; función

durante la cual estuvieron presentes todo el equipo teatral creativo e invitados.

Ya por demás esta el decir qué la actriz Fanny Sarfati en la puesta en escena de EL

ÁNGEL DE VARSOVIA interpretó con gran plástica actoral y sensible histrionismo

escénico, a una enfermera que salvó a aproximadamente 2 mil 500 niños judíos,

quien por ende sería denominada como “El Ángel del Gueto de Varsovia”; es decir

la polaca Irena Sendlerowa.

Pero, ¿qué se entiende por GUETO? Como bien se encuentra definido en el texto

dramático de Tomás Urtusástegui pronunciado en el escenario por la actriz Fanny

Sarfati “gueto” según dijo con palabras parecidas, significa lo siguiente:

-Un gueto (del idioma italiano ghetto) es un área separada para la vivienda

de un determinado grupo étnico, cultural o religioso, voluntaria

o involuntariamente.- (página WEB).

Que en el caso de la Segunda Guerra Mundial fuese el lugar en donde congregaban

a los judíos marcándolos en alguna parte del cuerpo, siendo vejados y humillados,

a quienes posteriormente llevaban a los Campos de Concentración Nazis con la

 

finalidad de realizar con ellos todo tipo de experimentos o simplemente

exterminarlos de manera masiva.

Madres, ancianos niños y bebes serían las primeras víctimas de Holocausto.

Temática tratada evidentemente por Tomás Urtusástegui en su dramaturgia EL

ÁNGEL DE VARSOVIA que tuviera como referente el ocaso de la vida de Irena

Sendlerowa, quien en conferencia de prensa afirmara las vicisitudes padecidas por

la comunidad judía, y por las personas que intentaban salvar a algunas de éstas.

-La obra de teatro “El Ángel de Varsovia" de Tomás Urtusástegui cuenta la

historia de Irena Sendlerowa, enfermera y trabajadora social que durante la

Segunda Guerra Mundial ayudó y salvó a más de dos mil quinientos niños

judíos del Gueto de Varsovia…

Irena Sendler o Irena Sendlerowa, conocida como «El Ángel del Gueto de

Varsovia” fue una enfermera y trabajadora social polaca católica, que sirvió

en la resistencia de su país durante la Segunda Guerra Mundial. (nota en

Wikipedia).

Al finalizar la función subió al escenario como madrina de la debelación de placas

pos sus además 100 representaciones en dicho recinto cultural, la afamada actriz y

cantante Rocío Banquells, quien fuera invitada por el director escénico Carlos

Rangel a quien por cierto dedicó palabras de gran reconocimiento.

También estuvo presente el hijo del finado Tomás Urtusástegui en calidad de

padrino, para ser el otro debelador de la obra EL ÁNGEL DE VARSOVIA estando en

presencia de toda la compañía de teatro que la hicieron posible montaje escénico,

tras del cual se concluyó con un buen brindis.

CONFESIONES DE PAREJAS

POR: Dalia De León Adams

 

Obra teatral inclusiva que forma parte de un compendio de “dramas amorosos”

por llamarlos de algún modo, escritos a manera de monólogos por Sergio Scarpett,

en el cual seis personas en mayoría Drags o Travestis a manera de monólogos

cuentan sus experiencias fallidas, sufridas durante sus relaciones amorosas.

Ello bajo tintes de comicidad, que hacen el disfrute del público en cuanto a que se

representa cada escena de manera totalmente chuscas, aunadas a múltiples

canciones que han sido cantadas por los escuchas, y sonadas en la radio durante

las décadas de los años 80’s, 90’s y 2000

El elenco se encuentra formado por Sergio Scarpett, Alana Voce, Enrique Herrera,

Iván Chávez, Valentina Vassallo, Paola Meixuiro y León Karam, integrándose

actualmente el joven actor Juan Andrés Castro.

-Originario de los Mochis, Sinaloa y quien actualmente vive en la Ciudad de

México. José Andrés es un actor, cantante y locutor del programa de radio

“Celebrity Exa” que toca temas de redes sociales, asimismo es productor de

radio de ExaFM de “La Caminera” y “Paloma y Nacho.

Tictoker mexicano verificado con 7 millones de seguidores. En Tiktoc es

conocido por crear las populares tendencias: cajondelasantojos /loloelazul

/claudiadicemimama /fabianatepasantes/isdelichus /comoquisiera /adltos

chquitos y su hashtag de recetas sencillas de solteros /recetafacillisima… (nota

del boletín de prensa que incluye un poco más de información).

CONFESIONES DE PAREJAS es una dramaturgia escrita por el mismo Sergio

Scarpett, bajo su dirección escénica, que cuenta con una duración aproximada de

120 minutos, los cuales están divididos en dos tiempos escénicos, sin contar con un

breve intermedio.

Acerca de su creativo se puede leer en una página WEB del Internet, la siguiente

aseveración entre otras notas acerca de él, que expongo textualmente:

Sergio Scarpett Romo. 24 Me gusta. Escritor de obras y contenido para medios.

También represento artistas…

Sergio Scarpett (@sergioscarpett) en TikTok |6.7K me gusta.696

seguidores.Represento artistas en Make It Prensa y hago videos…

Sergio Scarpett lleva la “Distorsión” a plataformas. El objetivo de este proyecto

es que los lectores descubran por sí mismos a cada uno de

Ayer fue mi último programa en @snseriotvof gracias a todos que hicieron

posible que estuviera disfrutando todo este año de lo que más me gusta hacer.

CONFESIONES DE PAREJAS es un montaje escénico, que tiene como objetivo el

intentar ayudar a liberar a aquellas personas quienes tienen miedo de asumir su

 

sexualidad, contando historias de vida diversas, que tienen como parte medular de

la trama, la orientación homosexual, o simplemente “Trans”.

Objetivo que la misma empresa productora asume como un experimento social en

búsqueda de la liberación de malas experiencias personal. Historias de amor

desamor, desencuentro y desilusión.

-Un show cómico musical el cual reúne a dos grupos de personas en un

programa de ayuda semanal para despechados, tóxicos y anónimos, en donde

los participantes tendrán que ir contando sus historias de amor y desamor a

través de la música con el principal objetivo de liberarse de todo lo malo que

han vivido junto a sus parejas, o de los errores que han podido cometer en sus

relaciones.- nota de la cartelera teatral.

CONFESIONES DE PAREJAS se presenta en El Telón de Asfalto con funciones los

días viernes a las 20:30 horas.

EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA

PR: Dalia De León Adams

 

Contando con el 70 Aniversario de la fundación de la Compañía del Ballet

Folklórico de México, el día de hoy martes 18 de julio 2023 se presentaron los

representantes de la Compañía, junto con varias personalidades para dar inicio a la

EXOSICIÓN FOTOGRÁFICA que periódicamente presentan.

-La alineación dancística, formada por la bailarina Amalia Hernández,

presenta a través de más de 60 imágenes en gran formato, un recuento por su

trabajo artístico.

Exhibida hasta el 11 de agosto, la muestra da cuenta de la relevancia de éste

ballet, el cual ha llegado a los principales teatros del mundo y a más de 40

millones de espectadores.- (nota textual de la Secretaría de Cultura).

Fotografías qué exhiben íconos e imágenes del arte dancístico vernáculo de

nuestro país, que se han colocado justo a partir de la entrada hacia la Casa del Lago

del Bosque de Chapultepec, en el Paseo de la Reforma s/n en la Ciudad de México,

para ser presentadas a todos aquellos que deseen acudir a apreciar la EXPOSICIÓN

FOTOGRÁFICA del Ballet Folklórico de México.

El Presídium se hizo presente en “Bahía Acuario” estando compuesto por supuesto

por la hija de la fallida Amalia Hernández, la Señora Amalia Viviana B. Hernández,

Coreógrafa y Directora Artística actual de ésta Compañía.

Junto con ella estuvieron la Doctora Lucina Jiménez López, quien funge como

Directora del Instituto Nacional de Bellas Artes; el Señor Salvador López López,

quien es el Director del Ballet Folklórico de México Amalia Hernández; el

Licenciado José Manuel Rodríguez Ramírez, director de Galerías Abiertas de la

Ciudad de México; el General Luis Rodrigo Bucio, Subsecretario de Seguridad

Pública del Gobierno Federal; la Maestra Mariana Aymerich Ordóñez, quien es la

Directora General de Promoción y Festivales Culturales de la Secretaría de Cultura

Federal; el Historiador Salvador Rueda Smithers, Director del Museo Nacional de

Historia, y finalmente, Mónica Pacheco Skidmore, Directora Ejecutiva del Bosque

de Chapultepec.

Ellos en mayoría expresaron algunas palabras enfrente de la prensa e invitados

presentes, con respecto al evento, tras de lo cual se levantaron y se dirigieron

todos ellos, justo hasta la EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA, para dar paso al clásico

corte del listón inaugural.

Corte que fue ejecutado por la Doctora Mónica Pacheco en presencia de también

algunas bailarinas, y tras lo cual se hicieron sonar los Mariachis alegrando con ello

el seceso. Finalmente dulces típicos y aguas frescas fueron convidadas a todos los

presentes.

Le recordaré como dato complementario qué en el año de 1952 Amalia Hernández

tomó la decisión de formar su propia compañía de danza, basada en su experiencia

 

como bailarina, maestra y coreógrafa de gran envergadura. Hecho que la llevaría a

fundar uno de los Ballets Folklóricos más importantes del mundo, dando a conocer

los bailes regionales de nuestro país al presentarse muchos de los grandes recintos

culturales internacionales.

Pese a su fallecimiento acontecido el 5 noviembre del año 2000 en la Ciudad de

México (en donde naciera un 19 de septiembre de 1917) su legado ha continuado a

través de su hija Amalia Viviana B. Hernández y su sobrino el Señor Salvador López

López.

AYER UN CENCALE

POR: Dalia De León Adams

 

Cencale (cencali en náhuatl): casa o granero para conservar el maíz.

El día de ayer sábado 15 de julio se estrenó en el Foro 4 Espacio Alternativo, el

montaje escénico de AYER UN CENCALE escrita y dirigida por Josué Almanza. Se

trata de una puesta en escena que esta abriendo paso a la temporada del

repertorio de obras teatrales seleccionadas para formar parte del Festival de

Monólogos, presentadas por parte de la Secretaría de Cultura, a través del Centro

Cultural Helénico. Evento que dio inicio a partir de la convocatoria efectuado por

El Sistema de Apoyo a la Creatividad y Proyectos Culturales.

Se trata de una escenificación unipersonal que tiene como epíteto la frase

siguiente:

-Frente a la doble quema de brujas , esta obra es mi derecho a réplica-

Frase que la actriz protagónica Alma López incluso utiliza en una parte de la

escenificación dentro de la trama, la cual según comentó a final de la función, se

trata de un bio-drama, en consecuencia a la trama a representar.

Como Sinopsis de la obra, se encuentra el siguiente párrafo al respecto de la

dramaturgia presentada:

-Un 22 de febrero, Alma Delia fue la luz misma. Aquel día ella y su vecina se

electrocutaron, sufriendo una descarga sobrenatural. En una nota que se

publicó después, aparece Alma semi-desnuda y quemada al lado de su vecina

con el título: “Mujeres se electrocutan intentando robarse la luz.” Alma se

convirtió en una nota roja, fue expuesta y violada a través de la imagen

periodística y, por lo tanto, este testimonial escénico es su derecho de réplica.-

Párrafo expuesto e la cartelera teatral que resume perfectamente el contenido de

la narrativa que utiliza su autor y director escénico, Josué Almanza, como parte

medular de su texto el cual está escenificado por la actriz Alma Delia, bajo un toque

de emotividad excesiva.

Obra perteneciente al género teatral de denuncia, ante la impunidad de desamparo

que sufre en ocasiones la clase social poseedora de una baja o casi nula economía,

dentro de la cual está inmerso el personaje de Alma Delia.

Ésta comienza la historia mencionando sus felices momentos vividos con su familia

en el campo, en donde la abuela le enseñara a hacer tortillas, entre muchas cosas;

lugar de donde Alma Delia dice ser oriunda, y de donde partió para trasladarse

posteriormente con su madre a la ciudad

Ahí es en donde padecerá muchas vicisitudes, además de un desgarrador accidente

que no le arrancara la vida, pero que le cobra grandes facturas. En donde cambiará

su modos vivendus y su identidad tanto física, como psicológica.

 

La trama bien puede ser perfilada mediante un matiz psicológico, sin embargo

dista mucho de pertenecer a dicho género, aún cuando el perfil del personaje se

encentra muy bien perfilado por su autor Josué Almanza

AYER UN CENCALE al igual que los demás monólogos del Festival, se presentará en

diversos recintos culturales.

MAMMA MIA

POR: Dalia De León Adams

 

MAMMA MIA ha sido una de las Revistas Musicales con mayor éxito, tanto en la

Unión Americana, como en nuestro país. Fue estrenada como rodaje fílmico en los

Estados Unidos bajo la dirección de Phyllida Loyd, su éxito fue tal que ha sido

postulada en diversos rublos de premiaciones.

Las Nominaciones que ha recibido fueron como Mejor Comedia Musical, Premio

Globo de Oro a la Mejor Película, Comedia o Musical, Premio BAFTA a la Mejor

Música de Película, Premio Globo a la Mejor Actriz Principal

Contando con un alto rating también fue presentada en formato teatral en

Broadway, pero antes de su llegada a dicha ciudad norteamericana, MAMMA MIA!

debutó en Estados Unidos con un tour nacional que arrancó el 15 de noviembre de

2000 en el Orpheum Theatre.

En México no podía faltar de ser presentada y actualmente se presenta bajo la

Producción de Tina Galindo, Claudio Carrera, Daniel Villafañe, Alonso J. González y

Nicolás Vale., en el Teatro de los Insurgentes, en la Ciudad de México.

MAMMA MIA ha continuado colocándose en el gusto del público que llena las

butacas en el Teatro De Los Insurgentes, con la dramaturgia de Catherine Johson,

escrita bajo la idea original de Judy Craymer.

Revista Musical muy bien dirigida por Jason A. Sparks, bajo la nueva adaptación del

texto al español realizada por Enrique Arce Gómez, la cual cuenta con la

musicalización y letra de Benny Andersson Björn Ulvaeus, y algunas canciones a

cargo de Sting Anderson.

Puesta en escena que tiene como plus la presentación de una Orquesta conformada

por 14 músicos en vivo, y un numeroso equipo de actores, además de bailarines

que forman parte de un ensamble y coreografía de estilo swing.

-Donna, una hotelera independiente de las islas griegas, prepara la boda de su

hija con la ayuda de dos viejos amigos. Mientras tanto, Sophie, la alegre hija de

Donna, tiene su propio plan. Invita a la boda a tres hombres del pasado de su

madre con... (nota a manera de Sinopsis en una página WEB).

El rol protagónico de Donna, es interpretado por de manera alternante por la actriz

Lisset y la cantante Kika Edgar, quienes comparten el escenario con los actores

Alejandro de la Madrid, Marisol del Olmo, Francisco Rubio, Gicela Sehedi, Armando

Arrocha, Luja Duhart, Sofía Carrera, Carolina Heredia, Natalia Moguel, Noé

Camacho y Tomás Martínez.

Los bailarines y cantantes (en ensamble) son Mauricio Salas, Marco Anthonio,

Daniel Fierro, Óscar Hernández, Jonathan Portillo, David Andrés, Astrid Prado, Ana

Cecilia Anzaldúa, Natalia Saltiel, Yazel Rojo, Sofía Peleteiro, Brenda Romo. Y entre

los swings (estilo jazz), están May Rubino, María Paula Mauri, Jorge Garza y Orville

Alvarado.

 

En cuanto a la escenografía ésta recrea una playa la cual se encuentra simulada

mediante una mega-imagen colocada en la parte posterior del escenario, además

de varios objetos movibles de utilería y el uso de una plataforma suben entre otras

cosa, una cama, que hace las veces de la recámara de Donna, entre otros cuadros

escénicos más.

La trama aunque es de índole romántica, en realidad mantiene mayor peso

narrativo en la temática con respecto del empoderamiento de la mujer en cuanto a

deber tomar sus propias decisiones y ser independiente.

MAMMA MIA realmente contiene una dramaturgia muy bien estructurada, que

aunada a todos éstos elemento escénicos, hacen una promesa de ésta comedia

norteamericana, que el público disfruta con la decoración del teatro a manera de

Taberna Griega, en donde pude Usted ordenar bebidas y snaks, así como bailar y

cantar.

MAMMA MIA es una revista Musical presentada en el Teatro de los Insurgentes con

funciones los fines de semana.

DERROTA LUMINOSA. Las anarquistas y la libertad de expresión.

POR: Dalia De León Adams

 

Nota de la dramaturgia:

 

- DERROTA LUMINOSA. LAS ANARQUÍAS Y LA LIBERTAD DE EXPRESIÓN:

Las anarquistas y la libertad de expresión es una obra que rescata del olvido al

movimiento anárquico en México y a las mujeres que participaron en ella.

Mujeres olvidadas por la historia que salen a la luz para mostrar una lucha

incansable comandada por los hermanos Ricardo y Enrique Flores Magón.

Hombres y mujeres que perdieron su libertad y vivieron en movimientos

luchando por la libertad de la expresión y un mundo sin clases sociales, donde

todos tuvieran las mismas oportunidades y vivieran en la igualdad y justicia.

Sus ideas los sostuvieron e iluminaron su camino; dieron sentido a su tragedia

y vivieron al máximo.

En DERROTA LUMINOSA las anarquistas y la libertad d expresión nos

acercamos a los levantamientos que precedieron y acompañaron a los

Revolución Mexicana. Disidencias que subrayaban la pureza del ideal

revolucionario y por lo cual fueron duramente perseguidos, encarcelados y

asesinados. Las mujeres lucharon por la liberación de los presos políticos e

invitaban a la lucha armada. Traficaban armas y escribían y distribuían

pasquines y también sufrieron la prisión. Las mujeres fueron la base para el

sostenimiento de los hombres y mujeres libertarias, haciendo una triple

jornada de trabajo y luchando siempre por la liberación de los presos

comprometidos con el movimiento.

DERROTA LUMINoSA Las anarquista y la libertad de expresión, habla de los

levantamientos armados reprimidos, los planes y las acciones de los

anarquistas de principios de siglo hasta los años veintes en México. El hilo

conductor en la conversación entre Lucía Norman, hija de María Broussé e hija

adoptiva de Ricardo Flores Magón, y Enrique Flores Magón, para reflexionar,

cuestionar y saldar cuentas pendientes en su lucha libertaria. Mujeres

anarquistas, fundamentales para el movimiento; espías, escritoras y activistas

que dan su testimonio y se insertan dentro del magonismo que luchó por una

sociedad más justa a través de la lucha armada y la prensa escrita.-

Análisis a juicio de su dramaturga, escritora y antropóloga, la Señora Estela Leñero

Franco (D.F. 1960) hija del entrañable dramaturgo novelista, periodista, académico

e ingeniero civil el fallecido Vicente Leñero Otero (Guadalajara 1933-2014) quien

obtuviera el Premio Ariel por el rublo al Mejor Guión Cinematográfico y Medalla

Salvador Toscano.

En su puesta en escena “DERROTA LUMINOSA. Las anarquistas y la libertad de

expresión” Estela Leñero hace un recuento de índole histórico de manera

detallada, mediante el cual introduce tanto momentos históricos del Periodo

Magonista, como de los albores de la Revolución, haciendo hincapié en diversas

 

mujeres que colaboraron en la lucha magonista y que empero casi no son

mencionadas en el libros de historia.

Mujeres como la colombiana Blanca Moncaleano, las mexicanas Andrea y Teresa

Villareal, Francisca de Mendoza, Sara Estela Ramírez y Francisca J. Mendoza, así

como la estadounidense Ethel Duffy de quienes muestra sus fotografías reales,

acompañadas de un breviario biográfico; todas ellas combatientes activas, quienes

compartieron los mismos ideales por alcanzar la libertad e igualdad que no

encontraron.

Lucha infructuosa a la cual dio continuidad la Época de la Revolución Mexicana,

sirviendo de algún modo de parte-aguas, por nombrar de alguna manera a dicho

movimiento en el cual por supuesto fue conformado en mayoría por el sexo

masculino. Hombres heroicos que intentaron actuar de manera inicialmente

clandestina, pero que fueron presos o asesinados, a los cuales menciona la autora

de éste drama Estela Leñero, de manera somera.

Drama presentado en formato de dramaturgia que contiene una narrativa la cual

empero otorga mayor peso escénico a los personajes femeninos, sin llegar a ser

una obra de perfil feminista.

Tanto la narrativa, como la trama, tiene la peculiaridad de presentar a los actores

protagonizando tanto roles femeninos como masculinos, sucediendo lo mismo con

los personajes femeninos, aún cuando casi todos los actores y actrices incurren en

mayoría en adosar vestimenta acorde a su propio sexo.

En cuanto a la temporalidad, encontramos tantos prospecciones, como

retrospecciones, lo cual impide una temporalidad de tipo lineal, pese a darse

fechas detalladas tanto de pasajes y sucesos históricos, como de biografías; mismas

que aparecen en el programa de mano, el cual tiene la peculiaridad de tener

formato de página periodística, lo cual me parece un acierto más en la ejecución de

ésta puesta en escena.

Le comento qué ésta puesta en escena compuesta de un cuadro escenográfico en

donde se advierte una serie de escritorios con sus respectivas sillas y máquinas de

escribir como se estilara a la usanza secular, esta recreada para dar semejanza a

una oficina de los albores del siglo XX, con ello ambientando la que fuese sede de la

Revista que los Magón, quienes la intitularon “Semanal Revolucionario” en

cartelera.

Todo ello hace incursionar a éste montaje escénico en una obra de índole tanto

histórico, como de género biográfico, dirigida escénicamente con gran talento por

Juliana Faester.

La obra además como un plus cuenta con un espléndido elenco estelar formado

por Fernando Bueno, Karla Camarillo, Miguel Cooper, Marco Antonio García,

Mireya González, María del Mar Náder, Laura Padilla, Roldán Ramírez, José Carlos

Rodríguez, Antonio Rojas, Amanda Schmelz y Mariana Villaseñor.

En cartelera teatral se puede advertir de manera textual, el siguiente párrafo a

manera de resumen o sinopsis de la obra:

 

-A través de la mirada de Enrique Flores Magón, se habla del origen ideológico

de la Revolución.

Los hermanos Flores Magón, pese a ser encarcelados, exiliados, perseguidos y

derrotados, no claudican en su lucha por difundir sus ideas editando

periódicos de crítica tenaz contra el régimen Porfirista, contra los caciques

privilegiados, hacendados y latifundistas que oprimen al pueblo.

Y tanto luchar y morir para que finalmente se eliminan a los supuestos opresores,

para dar paso a otros también opresores que se establecen sobre la sangre

derramada de los hermanos muertos que ofrendaron sus vidas en la lucha. ¡Qué

pena que siempre sigue todo igual! Y como más o menos reza un poema:

¡Que pena que siempre sea igual, los mismos villanos, las mismas cadenas, los

 

mismos traidores y los mismos.. los mismos poetas!

 

DERROTA LUMINOSA se presenta en el Foro de las Artes con entrada libre hasta

éste domingo 16 de julio 2023.

AGNES DE DIOS

POR: Dalia De León Adams

 

-El bebe fue descubierto en un bote de basura con el cordón umbilical enredado

alrededor del cuello. La madre fue encontrada inconsciente junto a la puerta

de su habitación por la perdida excesiva de sangre. Fue acusada por homicidio

y llevada a juicio. Su caso me fue asignado a mi.- (Nota del programa de mano).

Éstas cruentas palabras corresponden a la Sinopsis de la obra teatral AGNES DE

DIOS presentada en el Teatro La Capilla. Es un texto original del dramaturgo John

Peilmeier presentado por la Compañía “Caos Arte y Equis Emergente”, bajo la

traducción y dirección escénica de Oscar Casanova, quien además es el fundador

de dicho grupo creativo.

-La obra narra la historia de la Doctora Martha Livingston, una psiquiatra que

debe investigar el caso de la hermana Agnes, una joven monja cuyo hijo ha

sido estrangulado. Agnes asegura que su concepción fue inmaculada y no

recuerda haber dado a luz. La Doctora Livingston deberá distinguir las

mentiras de la percepción alterada por la fe de la monja. (nota del boletín de

prensa).

AGNES DE DIOS cuyo título original es “Agnes of God” llegó al medio

cinematográfico bajo la autoría de John Peilmeier como un largometraje

estadounidense en el año de 1985 en la ciudad de Broadway obteniendo tres

nominaciones al Oscar, que empero cuyo guión se basara en una obra de teatro

homónima.

-John Pielmeier es un dramaturgo, guionista y novelista estadounidense. Entre

sus libros físicos se encuentran Hook's Tale: Being the Account of an Unjustly

Villainized Pirate Written by Himself , Voices In The Dark , and, Agnus Dei . (en

Wikipedia)

Ahora en el teatro La Capilla se presenta AGNES DE DIOS teniendo como elenco a

las actrices Alejandra de la Rosa, Carmen Vera, Paulina Bringas y Xochitl de la

Concha; todas ellas incurriendo en una excelente actuación.

La puesta en escena cuenta con una narrativa mezcla de emotiva y cruenta, escrita

a manera de drama que ventila la inconsistencia de algunos integrantes del orden

religioso, que en éste caso son personajes justificados por su autor, en base a la

carencia de experiencia e ingenuidad característica, aunada a una vida rota por

circunstancias desafortunadas, vividas en el hogar maternal, con una progenitora

carente de juicio, según se matiza el personaje de la madre de la novicia AGNES.

Por otro lado la Doctora Martha Livingston se perfila como un personaje chato,

poseedor de una figura fuerte, ética, profesional y persistente, quien intentará

llegar hasta las últimas consecuencias para el esclarecimiento del caso llevado a

juicio.

 

Finalmente la Madre Superiora del Convento, una monja creyente y devota de su

religión, quien empero fuera sido anteriormente ha sido casada y con hijos, y quien

actúa con un dejo de modernidad, intentando siempre de proteger a la novicia

recluta.

Tal vez el éxito de ésta dramaturgia estriba precisamente en que su escritor matiza

a sus personajes de manera muy real y vivencial, lo cual la hace aparecer frente al

público, como una obra difícil de digerir, que bien puede ubicarla como una obra

naturalista, en donde se muestran pormenores que bien pueden pasar por

funestos.

AGNES DE DIOS además de contener una interesante dramaturgia, cuenta con una

buena dirección escénica a cargo de Oscar Casanova, (egresado de la Universidad

en Guadalajara y quien también realizó sus estudios en la ciudad de Nueva York)

quien como a-priori he mencionado, es además el traductor del texto del inglés al

español y creativo de la Compañía Teatral “Caos Arte y Equis Emergente”, la cual

presenta precisamente éste drama.

Montaje escénico que tiene como apoyo algunos cánticos ejecutados a capela por

parte de las actrices en escena, y que nos son caprichosos, sino que forman parte

de la trama a tratar, en ésta puesta en escena perteneciente al género dramático,

que lleva implícito de alguna manera como consigna ¿Si vale la pena el llegar a

dilucidar la verdad a toda costa?

-Oscar Casanova eligió este texto por su dinamismo y lo controvertido de los

temas que toca. En la obra la fe y el escepticismo combaten por aclarar un

crimen inesperado, con una narrativa rodeada de misterio.-

AGNES DE DIOS se presenta n el Teatro La Capilla con funciones, días jueves

hasta el 24 de agosto del año en curso 2023.

TEATRO A UNA SOLA VOZ. 18º.

POR: Dalia De León Adams

 

TEATRO A UNA SÓLA VOZ se le ha denominado al encuentro de monólogos que

serán presentados por parte de varios estados de la República Mexicana.

Escenificación de obras teatrales unipersonales que se llevarán a cabo a mediante

la clasificación de dos Circuitos: Circuito Norte (del 15 de julio a 6 de agosto) y

Circuito Centro Occidente (del 22 de julio al 13 de agosto).

Título que alude a la colaboración de 14 monólogos en total, que ya han

previamente seleccionados y, que se presentarán según corresponde a la situación

geográfica a la cual corresponde cada entidad.

Para tan efecto la Ciudad de México a través de la Secretaría de Cultura del

Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL)

através de la Coordinación Nacional de Teatro sumaron esfuerzos para invitar a los

diversos estados que conforman nuestro país, a participar dentro de éste

encuentro de TEATRO A UNA SÓLA VOZ.

En ésta ocasión se celebra “El 18º Festival de Monólogos” tras de haberse iniciado

en el estado de Coahuila por primera ocasión en el año 2020 dicho evento, al cual

ahora se integran cada vez un mayor número de puestas en escena que incluyen la

participación activa de más estados.

El objetivo es -el poder incrementar el impacto en las audiencias en nuestro país, así

como promover la rotación y diversificación de artistas y agrupaciones

seleccionados- como según se dio a conocer mediante una Rueda de Prensa

mediante la cual estuvieron presentes los directivos de cada sede del festival.

Entre éstos se encuentra Aguascalientes, Chihuahua, Coahuila, Colima, Durango,

Guanajuato, León, Jalisco, Michoacán, Nuevo León, San Luis Potosí, Sonora, Sinaloa,

Tijuana, Veracruz, Zacatecas y la Ciudad de México.

Las puestas en escena en el Circuito Norte a presentar, serán los monólogos

intitulados Cangrejo, Tiburón, Lengua Madre, A lo mejor te encuentro, La historia

de Sá, Zurdo, Por temor a que cantemos.

Por otro lado por parte del Circuito Centro Occidente se presentarán las obras

teatrales Now Play, Días y flores, El mundo es una planta carnívora, Josefina la niña

nahuala, Los sueños de la lluvia, La historia de las cosas, y, 404 not Found.

Y como se encuentra de manera textual estipulado a manera de objetivo de éste

18º FESTIVAL DE MONÓLOGOS:

-En apego al eje estratégico de inclusión, diversidad e igualdad, este festival

busca procurar espacios libres de violencia y discriminación de cualquier

índole y se han considerado criterios de equidad y paridad de género, inclusión

y diversidad cultural.-

MEMORIA DE PICHÓN

POR: Dalia De León Adams

 

Tras de varias presentaciones en diversos escenarios de Costa Rica, de donde por

cierto es oriundo el dramaturgo, director y actor Ando Gamboa, la obra teatral de

corte biográfica intitulada MEMORIA DE PICHÓN ha llegado también tocando

escenario en México.

Es un montaje escénico un tanto lúdico, el cual tan sólo precisa del apoyo escénico

de algunos objetos de utilería, como lo son un par de botellas aparentemente de

alcohol (que huelen a jugo de manzana), una pelota de fut ball soccer, ropa,

lámpara construida a mano y varias imágenes de personas dibujadas.

Material aparentemente simple, pero que enmarca perfectamente la historia que

emerge del drama teatral, en donde el padre del autor es el personaje a

comentarse en ésta escenificación unipersonal, en el que el dramaturgo presenta

su fallida relación con quien fuera su padre.

Música y canto complementan el ambiente de este monólogo en el cual se presenta

su mismo autor Andi Gamboa para interpretar a manera de personaje protagónico

a un padre alcohólico y golpeador, quien empero es amado y admirado por su

prole.

El personaje del hijo se presenta como un Yo narrador, quien cuenta algunos

pormenores y pasajes de su vida familiar, en la cual si bien es cierto que está

escrita para otorgar gran peso escénico a su padre, el autor narra algunos sucesos

en los cuales aparecen además su madre y sus hermanos.

El abuso sufrido por parte de un hombre maduro y solterón que cambiarán su

vida, aunado al comentario con respecto al enorme parecido físico del personaje

protagónico con su padre, hecho por parte de una mujer costarricense, no podían

faltar para sazonar el monólogo.

La caracterización por parte del actor Andi Gamboa es impresionante al

interpretar al hombre ebrio, lo cual denota la madera de actor que posee, pues

logra el gran histrionismo escénico que posee, y que logra además con la

adecuación de la voz, la cual cambia totalmente.

A manera de sinopsis, el mismo Andi Gamboa y la compañía difusora expresan con

respecto de ésta puesta en escena, utilizando las siguientes aseveraciones al

respecto que aparece en cartelera teatral:

-Esta obra es el primer biodrama sobre la relación del actor Andi Gamboa con

su padre. “Esta es una obra que apela al amor hacia nosotros mismos, a la

necesidad del perdón para avanzar.-

-Esto me permitió aceptar la herencia de mi papá y transformarla en una

nueva masculinidad. Alimentado de la memoria que tienen los objetos y,

tratando de ser fiel a los hechos, cuento el cuento de lo que signifcó mi padre;

“significo” porque lentamente la figura se ha ido borrando para darle paso a

 

un hombre mayor recluido. ¿Qué fue entonces de aquel hombre que celebraba

todo con mucho alcohol? Aquel que juraba que mañana iba a cambiar. Es ahí

donde se brinda homenaje al antihéroe, al hombre que quiso ser y no ha

muerto en el intento. –

MEMORIA DE PICHÓN se presentó el día 11 de julio del año en curso 2023 en la

Sala Novo del Centro Cultural La Capilla y el próximo martes 18 de julio

escenificará Andi Gamboa su obra AUTOPsIA DE UNA SIRENA.

A TI QUE TE GUSTA VOLAR

POR: Dalia De León Adams

 

Montaje escénico que contiene una dramaturgia muy bien estructurada, la cual

aborda el tema del engaño, la desesperanza, la impunidad, el oportunismo, la

incredulidad, la traición y la violación a la razón, y la enfermedad del cáncer, de

manera medular con un texto que va más allá de VOLAR.

A TI QUE TE GUSTA VOLAR es una puesta en escena original de Luis Fernando

Zubieta que bien puede pertenecer al género de ficción, en cuanto a que aborda un

supuesto “encuentro de tercer tipo” con dos seres de otro mundo al que en el texto

su propio autor Luis Fernando Zubieta denomina BG-440.

Empero la temática a abordar va más allá indagando el lado oscuro de las

empresas farmacéuticas en la cara de una negociación corrupta, lo cual la ubica

dentro del género de denuncia.

La incógnita que entonces surge, gira en torno al siguiente cuestionamiento que la

misma compañía creativa expone con la siguiente frase:

 

¿Hasta dónde llegarías para salvar a quien más amas?

 

Misma Compañía que a manera de Sinopsis proporciona los siguientes párrafos

que dan referencia a la narrativa de ésta obra teatral:

-A TI QUE TE GUSTA VOLAR, puesta en escena de ciencia ficción que aborda el

drama familiar entre Rosa y Juan y su hijo enfermo de cáncer. Éste montaje

pone en relieve que el amor no conoce límites y que la cordura se desdibuja

ante una situación crítica.-

La obra versa sobre un matrimonio con problemas financieros y un hijo

enfermo de cáncer en etapa terminal. Juan es agente de viajes, pero no siempre

lo fue. Hace 15 años lo despidieron de una aerolínea donde era piloto por

causas especulativas de negligencia y tráfico. Rosa su pareja tiene un trabajo

ordinario condicionado por la gravedad de las circunstancias en las que se

encuentra; su historia se desenvuelve entre citas médicas, aprietos económicos

y, sobre todo, en un amor que permean por encima del estado adverso de las

cosas. Así, esta pareja péndula entre el desencanto y la esperanza hasta que

una enigmática propuesta se avizora como una potencial solución.

A medida que el cáncer d su hijo evoluciona, las posibilidades de curarse

disminuyen y el costo del tratamiento aumentan. Una noche Juan se encuentra

con dos personas extrañas, un hombre y una mujer, quienes conocen su pasado

y le ofrecen la misión de ir a BG-440, un planeta desconocido en busca de un

mineral que podría significar la cura para todo tipo de cáncer. Así con sigilo,

Juan realiza un exhaustivo entrenamiento para cumplir con la misión; por otro

lado Rosa su esposa, se verá obligada a lidiar sola con la enfermedad de su

hijo…-

 

A TI QUE TE GUSTA VOLAR es una puesta en escena en un solo tiempo escénico y

un cuadro escenográfico movible (propuesto por Javier Ángeles) que se encuentra

conformado por varias plataformas que son manipuladas por los mismos actores

en escena, las cuales junto con el juego de iluminación (a cargo de Matías Gorlero)

dan la impresión de encontrarse dentro de un panorama futurista.

Por otro, lado la trama está conformada por dos distintas propuestas escénicas en

ciertos momentos de la ejecución de éste drama peculiar, que lleva empero, al

mismo desenlace de la obra.

Obra teatral la cual por cierto, esta dirigida por su mismo escritor, el Señor Luis

Fernando Zubieta y bajo la producción de Héctor López, teniendo en los roles

protagónicos a los actores Fernando Memije, Abril Mayett, Tamara Vallarta, Miguel

Narro y Héctor Iván González. Todos ellos adosando el vestuario a cargo de Sol

Kellan.

A TI QUE TE GUSTA VOLAR se acaba de estrenar en el Teatro Principal del Centro

Cultural Helénico y se presentará hasta el día 25 de septiembre en horario de las

20:00 horas los días lunes.

CAPERUCITA FEROZ

POR: Dalia De León Adams

 

Quien no ha visto en cine o televisión, el afamado cuento de CAPERUCITA ROJA; o

ha leído, o por lo menos le ha escuchado narrar por parte de algún familiar tan

icónico cuento infantil.

-Caperucita Roja es una niña que quería mucho a su abuela; un día su

madre le da una cesta con comida para que se la lleve a la abuela, que

está enferma y vive en una casa algo lejos de ellas. En el camino se

encuentra con el Lobo Feroz que la reta a una carrera hasta la casa de la

abuela- (nota en Wikipedia)

Y su final, por supuesto no podía ser pasado por alto, momento cuando el lobo se

adelanta a la casa de la abuelita de CAPERUCITA ROJA y se traga completamente a

la abuela, tras lo cual se viste con los ropajes de la abuela y se mete en su cama,

para engañar a la niña de caperuza roja y posteriormente también engullirla.

Pero abuelita, ¿por qué tienes esos ojos tan grandes?

 

Para verte mejor

 

¿Por qué tienes esa nariz tan grande?

 

Para olerte mejor

 

Y ¿por qué, tienes esos dientes tan grandes?

 

Para comerte mejor

 

Pero como todo cuento infantil tiene un final feliz, no se hace esperar la llegada de

un fuerte y aventurado cazador, quien cayendo en la cuenta de lo sucedido, de un

hachazo abre el vientre del lobo, saliendo de dicha manera tanto CAPERUCITA

como su amada abuelita.

Y si Usted se pregunta con respecto a quien fuera su escritor o escritora, al

respecto no se tiene muy claro la acreditación de dicho texto, como se hace ver en

la siguiente nota:

-Siempre se ha dicho que la idea fue de Charles Perrault, que escribió el

cuento en el siglo XVII. Sin embargo, también se dice que sus orígenes

son más antiguos; de hecho, hay un poema belga que habla de la historia

de una niña que llevaba una túnica roja y que se encuentra con un lobo.-

En el montaje escénico de las dramaturgas Mónica Jaimes y Jovanna López, el cual

intitularon CAPERUCITA FERÓZ la narrativa toma un gran giro inesperado, pues

justamente los personajes malos del cuento, resultan ser nada menos que

CAPERUCITA y su abuelita.

Texto que además se recrea en la actualidad bajo un toque de modernidad, y

aunque también tiene como referente el bosque, el cual también deberá atravesar

 

CAPERUCITA para llegar a casa de la abuela, en éste caso el personaje es una joven

de suéter y gorra roja, quien es amiga de un cálido, ingenuo y buen lobezno.

Empero CAPERUCITA FEROZ resulta ser un cuento que contiene la mayoría de los

personajes, y mantiene una narrativa que no difiere de la parte medular de la obra

clásica de CAPERUCITA ROJA.

Obra escrita en éste caso para audiencia preferentemente adolescente, bajo la

dramaturgia de Mónica Jaimes Jovanna López, presentada por el grupo creativo

“Manos a la Obra” la cual acaba de comenzar temporada en el Foro de “Un Teatro”

este domingo 9 de julio del año en curso 2023 a las 13:00 horas

La puesta en escena cuenta con el reparto estelar encabezado por la misma Mónica

Jaimes, bajo la dirección escénica de Jovanna López, en la cual también actúan

Samuel Chávez, Samantha Carrillo, Karen Corante, Paola Palacios, Eduardo Castillo

y Ariel Balderas.

Y si Usted desea saber un poco más de que va la puesta en escena de CAPERUCITA

FEROZ, basta con darle clic en la página que contiene la cartelera teatral sobre ésta

obra en donde se puede leer a manera de sinopsis, la siguiente acotación al

respecto:

-CAPERUCITA es una joven egoísta , ególatra y presumida que disfruta de

hacer bullyng al lobo.

Sin embargo, es precisamente el lobo quien da una lección a

CAPERUCITA y le muestra el verdadero significado de la amistad.

Finalmente le comentaré qué para la compañía teatral “Manos a la Obra” éste

montaje escénico mantiene como fin el ir en contra del bullyng en todas sus

expresiones.

Objetivo que textualmente manifiestan, lo cual hace que la obra teatral incursione

dentro del género de denuncia; acierto que lleve implícito un mensaje positivo

para la audiencia, y no tan sólo sea un divertimento para el público.

-El tema principal es la violencia verbal y física que generan el Bullyng,

además de abordar los valores como el respeto, la empatía, el amor e

invita a reflexionar al espectador sobre nuestras acciones como sociedad

y además pensar qué es lo que le inculcamos a los hijos desde la casa.

Compañía Teatral “Manos a la Obra” la cual ya tiene en puerta, una nueva

producción escénica en La Teatrería.

TUS EX Y MIS EX A LA CHINGADA

POR: Dalia De León Adams

 

Obra teatral escrita y dirigida por el Señor Óscar Rubí en la cual actúa junto con la

joven actriz Alejandra Haydee, en una divertida comedia en donde el amor se pone

a prueba tras del momento de intentar unirse en matrimonio.

Mario y María están a punto de casarse, cuando uno de ellos empieza a dudar.

Así que par confirmar su amor, empiezan a platicar de sus “ex” y descubren

que cada uno ha tenido curiosos “especímenes”.

Dos actores hacen más de 15 personajes creando divertidas situaciones que a

final de cuenta nos hacen recordar que lo más importante, siempre es el amor.-

(Sinopsis de la dramaturgia expuesta en la cartelera teatral).

TUS EX Y MIS EX A LA CHINGADA es una comedia ligera que esta puesta en dos

actos escénicos, cuyo cuadro escenográfico esta conformado por dos sillones, una

mesita de centro, una silla y una puerta que por cierto, sirve de apoyo para el

cambio de personajes; muebles que en suman asemejan una sala de departamento

en donde transcurren todas las escenas sugeridas por la dramaturgia.

La temática medular en cual gira la trama de ésta obra teatral es el amor, así como

la manera de relacionarse con diferentes parejas, que acaban por ser los “ex” de

una joven pareja, la cual habla sin tapujos acerca de sus pasadas relaciones

amorosas, para tomar una resolución al respecto.

La duda del compromiso, por supuesto, surge ante el hecho estar a punto de

consumarse el matrimonio. ¿La incógnita que surge es ¿si vale la pena dejar una

vida plena de libertad? ante la posibilidad de compartir toda la vida con la persona

a quien se ama.

Lo cierto es qué los “Pro” y los “Contra” en una relación de convivencia, salen a

flote para con ello poder evaluar de manera honesta y razonable, la decisión de

transcender el compromiso, uniéndose en matrimonio.

Le comento qué tanto Óscar Rubí, como Alejandra Haydee, interpretan en ésta

puesta en escena a muy distintos personajes, que van desde femeninos a

masculinos. Interpretaciones que resultan un tanto chuscas para el público, lo cual

les hace reír a carcajadas.

TUS EX MIS EX A LA CHINGADA tras de dos años manteniéndose en cartelera

teatral, la obra por fin logró a sus 100 representaciones, por lo cual cada uno de los

actores tuvieron a bien el invitar a una madrina de honor para develar la

correspondiente placa conmemorativa.

Por parte del Señor Óscar Rubí se presentó la primera actriz Norma Lazareno a

quien conociera actuando y, quien se convertiría en amiga, guía, y un ejemplo a

seguir por parte del actor.

 

Por otro lado la actriz Alejandra Haydee invitaría a la también primera actriz Ofelia

Mediana, amiga entrañable por cierto, de la Señora Norma Lazareno, quien subió y

dedicó palabras de afecto a la joven actriz Alejandra Haydee, a quien dijo considera

casi como una hija, según manifestó el día de la Debelación de Placa que se llevó a

cabo el pasado jueves 06 de julio del año en curso 2023, en el Teatro Rafael Solana

en nuestra Ciudad de México.

TUS EX Y MIS EX A LA CHINGADA continúa con sus funciones de aproximadamente

90 minutos. Obra teatral que se seguirá presentando en el mismo Foro del Teatro

Sergio Magaña, los días jueves a las 20:30 horas (tras de haberse presentado en

larga temporada en el Teatro Rodolfo Usigli)

SALSA SINFÓNICA ESPECTACULAR

POR: Dalia De León Adams

 

Ya en estando cercana la fecha de estreno del concierto ALSA SINFÓNICA

ESPECTACULAR se convocó a la prensa para darnos a conocer los pormenores de

lo que será éste gran concierto en donde dos géneros musicales se fusionarán para

deleite de los escuchas.

Grandes éxitos de la música de SALSA contando con la solista estelar invitada a “La

Bravera” Karal Esquivel quien interpretará las canciones que sonarán en

compañía de la “Filarmónica de las Artes” ejecutándose en la Sala Silvestre

Revueltas del Centro Cultural Ollin Yoliztli.

Y es que por primera vez en su historia , la Filarmónica de las Artes presentará en

éste recinto la producción SALSA SINÓNICA ESPECTACULAR, el primero y hasta el

momento el único Espectáculo en México donde se fusionan ambos conceptos.

Por su parte el director de la Filarmónica, el Señor Enrique Abraham Vélez entre

varias acotaciones, la siguiente opinión al respecto del concierto:

-El objetivo es que la SALSA sea tocada, ejecutada de una forma diferente,

haciendo fraseos, dinámicas, articulaciones, como pocas veces se ha hecho con

éste género musical.

-Así como hicimos Beethoven el año pasado, la Nueve Sinfonías, en éste recinto

del Centro Cultural Ollin Yoliztli, demostrarle al público que también podemos

hacer este tipo de música de corte comercial, de corte popular, con una

destreza impecable, con músicos de formación profesional.- (Vélez Godoy)

Se explicó durante la conferencia que se realizará la producción de contrastes

entre pianos, fortes, fraseos y articulaciones que darán como resultado la fusión de

éstos dos géneros, de manera exquisita, como lo logramos constatar durante la

breve presentación de dos números musicales icónicos en el género de la SALSA.

En concierto contará con la presentación de 17 números, en el cual se prevé hacer

un breve homenaje al recién desaparecido Andrés García, por lo cual se hará sonar

el tema de “Pedro Navajas”; también se interpretará música de la Orquesta Buena

Vista Social Club, Rubén Blades, Celia Cruz, Héctor Lavoe, Ray Barreto, Willie

Colón, entre otros grandes íconos de la música SALSA.

Realmente el concierto será espectacular, como acertadamente se logra mencionar

en el título de éste evento SALASA SINFÓNICA ESPECTACULUR el cual como a-

priori se ha mencionado, se llevará a cabo en la Sala Silvestre Revueltas del Centro

Cultural Ollin Yoliztli, los días 22 y 29 de julio a las 19:00 horas.

PILAR BOYERO

POR: Dalia De León Adams

 

Los recientes días 4 y 5 de julio, la cantante Pilar Boyero rindió un homenaje a dos

grandes interpretes españolas, como lo fueran las fallecidas Rocío Dúrcal (auto-

reconocida como la española más mexicana) y la también afamada cantante Rocío

Jurado.

Dos Rocíos que pusieron en alto el nombre de España como cuna de grandes

figuras en dicho género artístico, país al cual también pertenece la intérprete Pilar

Boyero, quien posee una magnífica voz con la cual nos impactó en el concierto

intitulado HOMENAJE A ROCÍO DÚRCAL Y ROCÍO JURADO, sumándose a las

grandes voces de origen español.

Al respecto de ambas homenajeadas figuras, podemos leer en el boletín de prensa

la siguiente apreciación al respecto:

-Han pasado casi 20 años desde el fallecimiento de ambas personalidades, y su

presencia continúa vigente, en la radio, en las conversaciones, en los

recuerdos…

La versatilidad de éstas dos grandes figuras se refleja en su tránsito por la

canción vernácula, el bolero y las baladas románticas. –

Durante el concierto Pilar Boyero interpretó varios de los éxitos que hicieran tan

apreciadas por el público en ambas latitudes del mundo, a ambas interpretes que

aún continúan vigentes, pese a ya no encontrarse en éste mundo.

Así en concierto, se hizo escuchar melodías que tuvieron y continúan teniendo un

gran rating tanto en venta, como en la radio. Canciones como La gata bajo la lluvia,

Me nace del corazón, Cómo han pasado los años, Como una ola, Como tu mujer, Ese

hombre, o, Señora, entre otros grandes éxitos internacionales como La Llorona,

por citar algún ejemplo.

El concierto fue presentado en compañía de dos músicos cubanos, estando en el

piano Lázaro Zaldívar y en los instrumentos de aliento otro excelente músico.

Concierto con una aproximada duración de dos horas, fue ovacionado por el

público

Pero quien es ¿Pilar Boyero? Le diré que es una magnífica interprete quien ha

participado en diversos Festivales. Ella ha salido de España para lograr colocarse

en Cuba, en Marruecos y en Portugal con su canto, y actualmente en México. Le

comento qué no es la primera ocasión que visita nuestra país, en donde según

expresó, tiene intenciones de volver.

Pilar Boyero Gómez, más conocida como Pilar Boyero, es una cantante,

presentadora y profesora española especialista en copla. Nació en Cáceres,

España el 28 mayo de 1974. Ha logrado grabar dos álbumes bajo el título de

“Cáceres-Manhattan” y “Por Siempre Carlos Cano” (Nota en Wikipedia)

 

Poseedora de una gran voz que logra altos y bajos en una sola interpretación,

hermoso colorido de voz y una enorme proyección de su canto, quien ha

incursionado en diversos géneros, interpretando desde flamenco, baladas

románticas, pero especialista en copia.

Por último le diré qué Pilar Boyero el próximo viernes 14 d julio 2023, a las 20:00

horas se presentará con su concierto HOMENAJE A ROCÍO DÚRCAL Y ROCÍO

JURADO bajo la batuta del maestro Alfredo Ibarra, en el marco del XIII Aniversario

del Centro Cultural Universitario Bicentenario, en el Estado de San Luis Potosí

DIVAS DE CORREDOR

POR: Dalia De León Adams

 

Puesta en escena bufa, que incluye espectáculo clown, números musicales,

espectáculo al estilo cabaret y dramaturgia a través de la ardua investigación

realizada por parte de su autora e intérprete Adriana Moles, quien además de ser

escritora, es cantante, actriz y productora de sus propios textos.

Acerca de ésta polifacética actriz, Adriana Moles y de su puesta en escena

intitulada DIVAS DE CORREDOR, buscando en un sitio WEB se encuentra la

siguiente aseveración al respecto de ella y su show:

Adriana Moles regresa con su unipersonal «Divas de corredor… enamoradas»,

una nueva versión del espectáculo con el que se le vio en la cartelera teatral

de ...

A partir del uno de abril, todos los sábados del mes, Adriana Moles estará

presentando su espectáculo en el Foro “Odeón”, del nuevo Teatro Royal ...

El show, que estrenó a mediados del presente año, llegó al Teatro NH a partir

de enero de 2017. “Es una obra que habla, desde un enfoque ...

Y así se encuentra varias notas más, acerca de Adriana Moles y su espectáculo

estilo cabaret, escrito a manera de representación unipersonal. Y lo que también es

también es cierto es, que mas allá de su trayectoria, ha logrado permanecer en el

gusto del público, representando su texto de DIVA DE CORREDOR durante tres

temporadas en Youkali Cabaret, en el Teatro NH como a-priori se mencionó y, en el

Teatro Royal de ésta Ciudad, además realizar algunas giras y de haberse contado

con la presentación de sus personajes tanto en varios cuadrantes de la Radio, como

en algunos programas televisivos.

A manera de Sinopsis de la trama de la puesta en escena DIVA DE CORREOR la casa

difusora escribiría al respecto de la parte medular de éste montaje escénico, lo

siguiente:

-Monólogo que combina teatro, cabaret, clown y un repertorio de cantos

populares, internacionales y operísticos para guiar al espectador en un viaje

por la hilarante imaginación de su protagonista Madame Bijoux du Jour. Una

excéntrica anti-diva en el olvido que mientras espera a su amor platónico

Memo el de la Farmacia y desde su sillón en un rincón de Azcapotzalco, nos

contará sus éxitos de casting, pues nunca le dieron ningún papal (a excepción

de un pato).-

En este peculiar recurrido, esta Diva de corredor, esta actriz decadente que ha

desgastado sus pies por los pasillos tantas veces andados y que nunca la

condujeron al éxito, nos contará de las diferentes personajes que encarnó de

aquellos con los que tropezó y que van desde Doña Clemen la del cantabar,

hasta la cantaora Chiti de Sevilla, Paloma Guerrero, presidenta de la asamblea

de rechazados de la UNAM o bien, podremos apreciar la entrañable relación

 

que tiene con Monique, su amiga imaginaria quien continuamente la induce a

tomar.-

DIVAS DE CORREDOR se presentará por tan sólo en una ocasión el día martes 18

de julio a las 20:00 horas en “El Foro Expresarte” de la Librería Gandhi , Sucursal

en Miguel Ángel de Quevedo, Coyoacán.

¡QUE ACUMULES MÁS ÉXITOS Adriana Moles!

ANTOLOGÍAS BRUJAS e HISTORIAS DE MOTEL PARA DRAMATURGIAS DE PASO

Por: Dalia De León Adams

 

Tras de una exitosa presentación de varias dramaturgias efectuadas en el Foro

Shakespeare, éstas hoy en día se encuentran publicadas en la Editorial anexa

“Shakespeare & Cía” en dos libros físicos. Intitulados ANTOLOGÍAS BRUJA e

HISTORIAS PARA DRAMATURGIAS DE PASO.

Ambos contienen dramaturgias que han sido postuladas a través del Proyecto

intitulado “México en Escena, Grupos en Artísticos” (MEGA 2022) junto con el

Sistema de Apoyos para la Creación y Proyectos Culturales (SACPC).

-Seis textos, seis historias distintas que nos dicen que desde el teatro, también

 

podemos cambiar narrativas.-

 

Todas contienen una serie de narrativa que originalmente fueron planeadas bajo

una perspectiva femenina, propuestas escénicas qué tienen por segundo año

consecutivo como objetivo, el motivar o incentivar la creación en las jóvenes

generaciones.

Por dicha razón se efectuó el día de ayer martes 4 de julio en El77 Centro Cultural

Autogestivo la presentación de ambos libros físicos. Evento en el cual participaron

la Directora de Shakespeare & Cía, la Señorita Itari Marta.

Junto con ella asistieron los dramaturgos Napoleón Alfaro, Diana Benítez y Luz

Alejandra Fuentes, estando también presente en calidad de Madrina del Evento, la

Comunicóloga y escritora Paulina Vieitez.

Y según se expuso como información complementaria en el boletín de Prensa en

donde se da a conocer lo siguiente al respecto del compendio de obras publicadas:

Obras seleccionadas en la ANTOLOGÍA DE BRUJAS (2022-2023)

- BRA por Rosa aurora Márquez Galicia (Mérida, Yucatán)

- MAREA ALTA por Ieri Romero (Ciudad de México)

- PÚLSAR por Gabriela Román Fuentes (Cuernavaca, Morelos)

Obras seleccionadas en la Antología de HISTORIAS DE MOTEL PARA

DRAMATURGIAS DE PASO (2022-2023)

- ROSA VENU por Luz Alejandra Fuentes Sánchez (Cuautitlán, Izcalli, Edo

de México)

- CRÓNICA DE GUERRA EN UN CUARTO DE HOTEL por Diana patricia

Benítez Rodríguez (Ciudad de México)

- BIG FLAMINGO por José Napoleón Alfaro Santos (San Salvador, El

Salvador)

Finalmente le comentaré qué ya está en puerta la que será la Tercera Convocatoria

que lanzará “Shakespeare & Cía” conjuntamente con MEGA y (SACPC) para todos

aquellos nuevos valores de la creación dramatúrgico.

GENERACIÓN AMARGA (conferencia)

POR: Dalia De León Adams

 

Ya en puerta la puesta en escena de GENERACIÓN AMARGA cuyo título original es

“Look Back in Anger” se convocó a la prensa mediante una conferencia para hablar

sobre algunos pormenores de la misma.

GENERACIÓN AMARGA es una obra teatral que fuera escrita en la década de los

50’s en el siglo pasado por el dramaturgo británico John Osborne ( nacido en

Fulham ,Londres 1929 y fallecido en1994 Clun, de quien a colación se menciona lo

siguiente en un sitio WEB:

-John James Osborne fue un dramaturgo, guionista, actor y crítico del

establishment británico. El abrumador éxito de su obra de 1956 Look

Back in Anger transformó el teatro inglés.

Y en el boletín de prensa se puede leer textualmente aludiendo a dicho suceso y

momento en que cambiaría la tónica a seguir de la dramaturgia teatral:

-La fecha divide bruscamente el teatro británico del siglo XX en un antes y

un después; éste fue el momento, por lo que se dice, cuando el teatro

británico redescubrió su seriedad artística, su juventud, su política, su ira.

Obra teatral que le diera gran prestigio como escritor y que le llevaría a ser

ovacionado de la siguiente manera:

- Premio Tony a la Mejor Obra , Premio Óscar al Mejor Guión Adaptado ,

New York Drama Critics' Circle Award a la Mejor Obra Extranjera .-

(Wikipedia)

Y que según Jean Bernard Tenaille, el joven productor general del montaje

escénico en puerta, un prestigiado crítico teatral llamado Kenneth Tynan en el

momento del estreno de Look Back in Anger” presentado en El Royal Court

Theatre, efectuado bajo la Producción de la Englih Stage Company, al emitir un

juicio muy fortuito acerca su dramaturgo John Osborne, detonaría el éxito rotundo

de dicho escritor.

-No podría amar a nadie que no deseara ver Look Back in Anger-

Hoy en día dicha obra será puesta en escena bajo el título de GENERACIÓN

AMARGA contando con la dirección del reconocido Maestro Enrique Singer, quien

conjuntamente con la directora escénica Tanya Selman, llevan a cabo dicha labor,

lo cual me parece una promesa de acierto en éste rublo.

En la parte actoral se encuentran José Ángel Bichir, Ela Velden, Jero Medina y Frida

Astrid, quienes interpretarán los roles protagónicas de éste montaje, el cual se

convertiría en un ícono en Europa.

Enrique Singer (de quien para abreviar tan sólo le diré que es hombre culto con un

amplio e importante curriculum vitae) hizo hincapié en algunos datos sobre la

 

trama de la dramaturgia “Look Back in Anger” de los 50’s, que por supuesto se

enfocara en el país británico de su escritor.

El reto fue trasladarla hacia los 90’s en nuestro país, por considerar el Señor Singer

que fuera una década trascendental tanto en lo político, como en lo social y lo

económico en nuestro país, e incluso en el mundo entero.

En consecuencia mencionaría la trascendental caída del Muro de Berlín, cuyo

suceso entre muchos otros hechos seculares, detonaría un gran cambio en la

estructura ideológica de muchas latitudes.

La mesa directiva estuvo precedida por su productor, el Señor Jean Bernard

Tenaille, quien presentara a sus dos directores escénicos y cuatro actores, a

quienes otorgara la palabra.

Así tras de escuchar a cada uno de ellos, quienes además respondieron a las

preguntas formuladas por la prensa, concluyó la Rueda de Prensa entre fotografías

y entrevistas personales, con la promesa de dar inicio el próximo día 15 de julio del

año en curso 2023, a la temporada de ocho funciones de GENERACIÓN AMARGA en

el Teatro Rafael Solana, en sábados y domingos.

VIRUS

POR: Dalia De León Adams

 

Esta obra esta hecha de fragmentos que arman un rompecabezas para hablar

 

de los cuarenta años del VIH-SIDA en México

 

Montaje escénico recientemente estrenado en el Teatro La Capilla, bajo la

dramaturgia y dirección de Abraham Tari Beltrani, la cual cuenta con el elenco

estelar formado por los actores protagónicos Jorge Luna Wong, Alfredo Orozco y el

mismo A. Tari Beltrani.

BEVE HISTORIA DE UN VIRUS es una obra teatral que pertenece al género

documental, en cuanto a que contiene tanto una breve explicación acerca de cómo

se gestó el Virus del Sida, así como la manera de contagiar y propagarse, la fobia

causada ante los enfermos del VIH, la desmitificación de que tan sólo lo padece la

comunidad Gay y, la manera de controlarse hoy en día, e incluso las diferentes

maneras de referirse a ésta comunidad.

El síndrome de inmunodeficiencia adquirida (SIDA) es una afección crónica

que pone en riesgo la vida provocada por el virus de la inmunodeficiencia

humana (VIH). Al dañar tu sistema inmunitario, el VIH interfiere con la

capacidad de tu cuerpo para luchar contra infecciones y enfermedades. (nota

de una página WEB).

Sin embargo no es el objetivo de la compañía creativa hacer una semblanza sobre

la misma, sino el de concientizar un poco acerca de la temática y romper mitos

acerca del mismo, lo cual hace a la obra incursionar dentro del género del teatro de

denuncia.

La trama además esta conformada por la exposición de diversos casos reales, entre

los cuales se encontraban algunas persona que fueron contagiados siendo víctimas

de una violación, por parte de algún pariente cercano o bien, un desconocido.

Cruenta en su narrativa, la obra empero presenta un toque de humorismo, en

cuanto a que se entrelazan las historias con algunas canciones y bailes que los tres

personajes estelares, ejecutan con gran entusiasmo.

BREVE HISTORIA DE UN VIRUS además cuenta con algunas proyecciones

televisivas en las cuales se denota la conducta de algunos médicos o elementos de

los mismos hospitales, quienes se han negado a tratar a éstos pacientes.

Por supuesto no podía faltar el mencionar el rechazo sufrido, sostenido por

personas que rompiendo con la confianza de los enfermos, indagaban su situación

de contagio.

Para ello fueron colocadas en el escenario nueve televisiones de diversas pulgadas,

que servían en ciertos momentos escénicos, de apoyo a ésta puesta en escena

propuesta en un acto y tiempo.

 

BREVE HISTORIA DE UN VIRUS se presenta en el Teatro “La Capilla” con funciones

en días lunes y miércoles a las 20:00 horas.

 

Báilame un Cuento EL LAGO DE LOS CISNES

POR: Dalia De León Adams

 

El Ballet de la Ciudad de México, se encuentra por concluir el día de hoy 2 de julio

2023, la serie de funciones que se han estado ofreciendo en el Teatro Xola, Julio

Prieto bajo el título de “Báilame un Cuento EL LAGO DE LOS CISNES”

La puesta en escena por supuesto se encuentra recreada en la icónica obra de EL

LAGO DE LOS CISNES de Tchaikovsky, solamente qué para ser más digerida y

entendida por el público infantil (pues se ha presentado en horario matutito para

toda la familia) se incluyó paralelamente a la representación escénica, la lectura

por parte de un locutor quien le narra a dos pequeños ubicados inicialmente en e

escenario, la historia de amor entre Odette y Siegfried.

EL LAGO DE LOS CISNES es reconocida como una hermosa obra, que ha dado

vuelta al mundo. Fue compuesta como es bien sabido por Piotr Ilich Tchaikovsky

entre 1875 y 1876.

Montada por primera ocasión en un teatro de Moscú EL LAGO DE LOS CISNES

contó con la coreografía del afamado Ballet ruso “Bolshoi”; puesta en escena que se

escenificó en aquella ocasión (siglo XIX) mediante cuatro actos escénicos.

-La historia narra un amor imposible entre el príncipe Siegfried y Odette, una

joven reina convertida en cisne junto a toda su corte por el hechizo del

malvado brujo Rothbar. La joven sólo puede recuperar su forma humana por

la noche y únicamente será liberada del maleficio por aquel que le prometa

amor eterno.-

-La obra transcurre entre el amor y la magia, enlazando en sus cuadros la

eterna lucha del bien y del mal. La protagonizan el príncipe Sigfrido, Odette y

el Brujo Von Rothbart- (notas de una página WEB)

En ésta ocasión “Báilame un Cuento EL LAGO DE LOS CISNES” se encuentra a cargo

del Ballet de la Ciudad de México, presentada en dos tiempos y varios cuadros

escenográficos, que cuentan con distintas mega-imágenes en la parte central

posterior del escenario, que hacen las veces de la corte del Príncipe Siegfried,

además del bosque encantado, en donde se ubican los cisnes.

Un gran número de bailarines ejecutan la coreografía ejecutada con la música de

Prior Ilich Tchaikovsky, adosados todos ellos con múltiples vestuarios que

sugieren diversas cortes europeas, a la usanza secular de la obra.

En cartelera teatral se puede leer acerca de éste hermoso espectáculo, la siguiente

apreciación al respecto:

-Prólogo: Un bosque oscuro. La princesa Odete y sus amigas pasean por el

bosque cuando se encuentran al hechicero el Barón Von Rothbart, quien

tomando la forma de búho las engaña y las convierte en cisnes.-

 

Báilame un Cuento EL LAGO DE LOS CISNES concluye en día de hoy domingo 2 de

julio en el Teatro Xola Julio Prieto.

DETÉN EL TIEMPO EN TUS MANOS. Libro

POR: Dalia De León Adams

 

DETÉN EL TIEMPO EN TUS MANOS como Usted recordará, es una de las frases

más significativas de la canción “El reloj”, perteneciente al género del bolero, cuya

música y letra se debieron al talento del compositor y cantante mexicano Roberto

Antonio Cantoral Cantoral García (Ciudad Madero 1935-2010) entonces integrante

del trío musical Los Tres Ases, cuando la presentaran al público, consiguiendo

gran aceptación y fama.

Y justamente su hijo Roberto Cantoral Zucchi el día de ayer 28 de junio 2023se dio

a la tarea de presentar su libro físico, el cual intitulara DETÉN EL TIEMPO EN TUS

MANOS para hacer alarde y homenaje a quien fuese su tan importante progenitor.

Libro que pertenece al género biográfico, que detalla muchas de las circunstancias

tanto profesionales, como situaciones familiares, de amistad y muestra del

esplendido ser humano que caracterizó a su padre hasta el ocaso de su vida, quien

falleciera un 7 de agosto del 2010 en la región de Toluca de Lerdo.

Libro en el cual se puede leer en la contraportada las siguiente palabras escritas

por su hijo Roberto Cantoral Zucchi, quien actualmente se desempeña como

Director General de la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM),

puesto que por cierto 1983 ocupara su padre.

-Tienes en tus manos un retrato escrito de la vida de uno de los más grandes y

reconocidos compositores mexicanos. Roberto Cantoral, un hombre que tuvo

como pasión la música y la creación artística.

A más de una década de su partida, se siguen escuchando en todo el mundo sus

canciones: El Reloj, La Barca, Regálame ésta noche, El triste, Al final, y otras

tantas de su autoría. Su música mantiene intacta su capacidad de conmover y

emocionar a quien lo escucha.

Pero ¿quién fue Roberto Cantoral? ¿Cuáles fueron sus inicios?, ¿Cómo logró

posicionarse en el mundo de la composición y la música mexicana?, ¿Tuvo un

gran amor?, ¿Qué lo hizo sufrir?, ¿Qué lo hizo gozar?, ¿Cuáles fueron sus

sueños?, ¿Qué lo motivaba? La pluma de Roberto Cantoral Zucchi nos permitirá

conocer y entender mejor a este gran hombre que nos regaló tanto.

El legado que nos deja el maestro Cantoral permanecerá por siempre; sus

composiciones, en las voces de múltiples intérpretes; sus alcances en la lucha

gremial en defensa del derecho de autor, a través de sus compañeros

compositores.-

La presentación de llevó a cabo en el hermoso recinto del “El Cantoral” que fuera

diseñado por el destacado arquitecto Gerardo Broissin en honor a tan distinguido

maestro Roberto Cantoral, ya reconocido como un ícono de la canción en México y

otras latitudes más allá de nuestras fronteras.

 

Así fue qué en tan celebre recinto cultural mezcla de ingeniería vanguardista,

modernidad y elegancia, se efectuó tan importante evento, la presentación del

libro DETÉN EL TIEMPO EN TUS MANOS.

En la mesa directiva se encontraron presente Pavel Granados, Hernán Lara Zavala,

Martín Urieta y Larisa Curiel, todos ellos grandes maestros y conocedores de arte

musical en el rublo de la canción mexicana.

Tras de breves comentarios en los cuales se daba valía a la obra escrita de Roberto

Cantoral Zucchi, y entre algunas interpretaciones de la música de su padre, entre

las que por supuesto sonó “El Triste”, se llevó a cabo un esplendido brindis, con el

cual se cerró tan importante presentación de la obra literaria la vida de Roberto

Cantoral Zucchi.

Con ello tuvo a bien presentar la biografía novelada en done se deja entrever qué

Roberto Antonio Cantoral García, con su talento logró postularse como uno de los

más importantes compositores del Siglo pasado (XX).

LEONARDO

POR: Dalia De León Adams

 

El pasado sábado 24 de junio 2023 se dio inicio a un muy interesante monólogo. Y

digo muy interesante, no tan sólo porque se exponen algunos de los momentos

más trascendentales de la vida y obra del maestro Leonardo da Vinci, sino también

por la manera de ser representada por el actor hoy día de moda Rodrigo Murray,

quien logró por cierto mostrar que posee talento, grandes tablas y dotes

histriónicos.

Otro aspecto también a considerar es la escenografía propuesta por Carbajal en

consideración con su interprete, quienes presentan una pieza enorme construida a

base de grandes piezas de colores que modifican la escenografía, acorde a los

acontecimientos a representar por parte de Murray, quien por cierto es quien los

mueve y transforma, aún cuando sugieren visualmente tener una masa pesada.

La obra es un parte-aguas de dos historias y tiempos paralelos a escenificar, en

donde el actor protagónico representa al afamado pintor, científico, inventor e

ingeniero, entre otras cosas, Leonardo da Vinci, en tanto que por otra parte a un

aparente actor fracasado.

El perfil de Leonardo da Vinci lo logra acomodando en su cabeza de manera rápida

una peluca y por supuesto una barba a la usanza, adosando una vestimenta

igualmente a la época que sugiere el referente de la obra, y que es la Italia del siglo

XVI.

-Vinci, (15 de abril de 1452-Amboise, 2 de mayo de 1519) fue un polímata

florentino del Renacimiento italiano. Fue a la vez pintor, anatomista,

arquitecto, paleontólogo, botánico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero,

inventor, músico, poeta y urbanista.-(nota en página WEB)

Objetos de vestuario y maquillaje que retira con destreza para dar vida de manera

inmediata, a un actor prácticamente desempleado, quien pretende hacer una

puesta en escena en donde caracterizará al célebre Leonardo da Vinci.

Rodrigo Murray con su interpretación logra representar a diversos personajes y

voces tanto femeninas como masculinas, guiado por las modulaciones de voces y

movimiento corporales y facial según sea la escena en cuadro a presentar.

Le comento que su actuación gustó tanto al público, de tal modo de que todos los

espectadores le ovacionaron de pie, ante lo cual Murray reaccionó con gran

emotividad, pero sin perder la sencillez que le caracteriza.

En cuanto al montaje escénico de ésta puesta en escena, la compañía difusora a

cargo de la Señorita Gaddi Miranda comentaría al respecto con el siguiente párrafo

textual acerca de ésta obra teatral que estuviera ya próxima a ser presentada al

público, lo siguiente:

Sinopsis

 

- A 500 años de nacimiento de Leonardo da Vinci, los que habitamos

el planeta seguimos maravillados por la capacidad inventiva y

creativa que desarrolló durante toda su vida. En 75 minutos

Rodrigo Murray nos lleva de la mano por la Italia renacentista y nos

trae de regreso al convulso siglo XXI, mientras interactúa con

Leonardo 4, la monumental pieza diseñada por el arquitecto

Enrique Carbajal (mejor conocido como Sebastián).

La obra propuesta en horario familiar resulta ser muy ilustrativa, pues Rodrigo

Murray logra dar tanto fechas, como lugares, y personajes importantes

seculares, que formaron parte de la vida del pintor.

Puesta en escena en un solo cuadro escenográfico y un solo tiempo de

aproximadamente 75 minutos, en donde los dos personajes protagónicos

lograron de alguna manera unir destinos, bajo la mágica pluma de su

dramaturgo, director y actor, el Señor Rodrigo Murray.

¡MUY BUEN TRABAJO MURRAY!

TONTA

POR: Dalia De León Adams

 

Bajo la dirección y dramaturgia de Adrián Vázquez el día de ayer miércoles 28 de

julio se ofreció una de las dos únicas funciones de la obra teatral intitulada TONTA

que están programadas para ser representadas en uno de los Foros del Centro

Cultural El Hormiguero.

TONTA la cual consiste en un espectáculo unipersonal, en el cual la actriz

protagónica es María Antonieta Hidalgo, una joven actriz del grupo creativo Los

Tristes Tigres da vida mediante un monólogo, a una chica mezcla de atrevimiento,

ingenuidad e irreverencia, quien descubre sus dotes de actriz en lo que se pretende

sea una película pornográfica.

El personaje incurre en el desglose de situaciones vividas, tras de intentar quedar

en el rol estelar porno, mediante un casting que detalla. Así es como va poco a poco

narrando los sucesos mediante el personaje femenino que funge como “Un Yo

Narrador, en Primera Persona”.

Es decir, la joven poco a poco inmerse al espectador en uno de los episodios

vividos por el personaje de una chica, quien narra su experiencia la cual diera

inicio en la escuela junto a sus compañeros, quienes le pagaban por enseñarles los

calzones.

Hecho que dentro de la narrativa poco a poco va llevando a un tono más colorido y

comprometido de situaciones que el personaje va matizando con un lenguaje

coloquial, pero un tanto subido de tono.

La actriz María Antonieta Hidalgo empero a ser un monólogo interpreta a diversos

personajes, que cobran vida mediante la modulación de su voz y por los

movimientos que ejecuta en escena, tanto corporales como faciales, que logran

hacer que el espectador distinga de inmediato a los diversos personajes que por

cierto, están perfilados bajo un toque de humorismo que le encanta a la gente,

haciéndola reír a carcajadas constantemente.

Toque especial que suele utilizar su escritor, el Señor Adrián Vázquez, a todas sus

obras teatrales y que le han hecho tener cada vez un mayor número de seguidores

que disfrutan de su talento.

Adrián Vázquez es hombre creativo que ya no necesita de mucha presentación,

pues en el medio ha logrado colocarlo y darle fama con varios de sus éxitos como el

de “Los Días de Carlitos” o “Wenses y Lala”, por tan sólo mencionar, dos ejemplos.

Adrián Vázquez quien dicho sea de paso, como actor ha estado nominado en los

Premios Ariel, bajo la categoría de “Mejor Co-actuación Masculina” ha incursionado

en diversos rublos del medio escénico, como actor, escritor, director y creador de

su propia Compañía Teatral denominada “Los Tristes Tigres” la cual cuanta cada

vez con un mayor número mayor de integrantes.

 

Su curriculum vitae es bastante abundante, tanto en estudios como en experiencia

profesional, y sin embargo Adrián Vázquez no ha perdido la sencillez, que sólo

caracteriza a “Los Grandes Valores”.

TONTA Usted la podrá ir a ver el próximo día miércoles 5 de julio a las 20:00 en el

Teatro Cultural El Hormiguero.

MONEDAS DE CHOCOLATE

POR: Dalia De León Adams

 

MONEDAS DE CHOCOLATE recrea momentos que se tornan inolvidables en una

historia que enaltece la cultura maya, las tradiciones sagradas, pero sobre todo la

amistad, la empatía y sororidad entre seres humanos de la mano de títeres guiñol,

de mesa, de varilla y teatro de sombras.

La Compañía oriunda de Quintana Roo “Lunares teatro” presentan la dramaturgia

original de Araceli Pszemiarower, bajo la dirección escénica de Luis Rivera López,

la cual el día de hoy acaban de iniciar representaciones.

Función para niños de MONEDAS DE CHOCOLATE que iniciaron con el pie derecho

al lograr tener gran audiencia éste viernes 23 de junio de 2023 en la Sala Xavier

Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque (CCB).

Puesta en escena integrada por muñecos guiñol que la dramaturga logra manipular

dentro de una escenografía, configurada como una enorme maqueta colorida (por

describirla así) en donde aparece la zona maya que desean simular.

Y ¿En donde se ubicaban los mayas?

-Los mayas ocuparon una considerable superficie dentro de Mesoamérica.

Existen vestigios arqueológicos en los estados de Yucatán, Campeche, Quintana

Roo, Chiapas y Tabasco en México. También en los países centroamericanos de

Guatemala y Belice, así como porciones de Honduras y El Salvador.- (en

Wikipedia)

Llena de árboles y aparente zona boscosa es en donde toman vida los muñecos de

guante presentados en diversos tamaños por sus creativos, en donde surge una

historieta de amistad entre una indígena local y una princesa maya, cuyo padre es

un avaricioso emperador quien pretende conservar la mayor cantidad de granos

de cacao, para intercambiarlos a manera de dinero.

MONEDAS DE CHOCOLATE contiene un título ad-hoc con la temática medular a

presentar, y que es la gran producción del cacao que dicha espléndida región

precolombina maya que se marca como referente, posee.

En la historia los personajes protagónicos por supuestos son los indígenas

interpretados mediante títeres, los cuales aluden dentro de la narrativa y la trama

de la obra, a algunas canciones ancestrales tradicionales cantadas en parte en su

lengua original, que es el náhuatl.

Sin embargo, el objetivo de éste montaje escénico, además de divertir, es el de

ilustrar a los infantes un poco sobre dicha producción, hecho que coloca a la

dramaturgia de inmediato, en una obra teatral perteneciente al género didáctico.

Ello en el sentido en que informa por ejemplo, acerca del papel de los mosquitos

para la distribución del polen en las plantas del cacao, siendo en sus flores en

donde dicho insecto labora directamente. Ello se explica al presentar un video de

 

imagines ilustrativas a dicho proceso de fertilización de las plantas, por medio del

insecto.

Y ¿En dónde se encuentran?

-Ubican grandes bosques de cacao en territorio maya. Por ello, la producción

de granos de cacao fue cuidadosamente controlada por los líderes mayas del

norte de Yucatán, y los árboles de cacao, así como en algunas colinas, como es

el caso de Belice, en donde es común encontrar la planta en distritos como

Cayo, Sant Creet, Belize y Toledo.

-Los mayas no consumían el cacao como un postre dulce y lechoso como lo

hacemos nosotros. En su lugar, hacían con los granos un líquido amargo y

denso, que era estimulante y refrescante en lugar de relajante como el

chocolate caliente de hoy en día.- (notas en página WEB)

MONEDAS DE CHOCOLATE se presenta en el Teatro Xavier Villaurrutia del Centro

Cultural del Bosque (CCB) tan sólo del 23 al 25 de junio del año en curso 2023.

VOILÁ PARIS

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

Obra teatral mezcla de género biográfico con matices de revista musical y ficción,

en la cual se logra observar el gran talento histriónico y versatilidad que posee la

actriz protagónica Sandra Galeano, quien en escena logra caracterizar a distintos

personajes tanto femeninas como masculinas, transformándose con cambios que

realiza de manera muy rápida, e incluso un tanto sexi, tras de un vestidor portátil

ubicado a un costado del escenario.

Música francesa e incluso italiana, suenan al unísono con cada interpretación, en

donde además la actriz mediante la modulación de la voz y movimientos

corporales distintos, logra dar vida a personajes de diversas nacionalidades y

géneros, como a priori he mencionado.

Empero el peso escénico se encuentra en la interpretación del personaje

protagónico de quien en la vida real fuera Freda Josephine McDonal, una mujer de

origen humilde norteamericana, quien logró con su talento artístico ubicarse como

un ícono dentro de su género, y quien llegara a contraer nupcias con aristócrata,

además de haber obtenido como residencia, dos castillos, e incluso el convertirse

en una de las amistades de la Princesa Consorte Grace Kelly, de Mónaco.

Joséphine Baker (San Louis Misuri, Estados Unidos 1906), registrada al nacer

como Freda Josephine McDonald, fue una bailarina, cantante y actriz francesa

de origen afro-americano, considerada la primera vedette y estrella

internacional.

Contrajo nupcias en cuatro ocasiones, siendo entre ellos Jo Bouillon, William

Howard Baker, cuyo apellido adquirió como actriz. Adoptó doce niños de

diferentes nacionalidades. Fue espía y activista contra la Alemania nazi. (notas

en Wikipedia)

Propuesta escénica escrita por la dramaturga Gilda Salinas, quien se dio a la tarea

de reconstruir a un personaje femenino tan polémico en la Europa de los albores

del siglo pasado, de quien se exhibe a manera de sinopsis de la trama, la siguiente

consideración al respecto:

-Freda Josephine McDonald fue una bailarina, cantante y actriz que nació en

Saint Louis Misuri, el 3 de junio de 1906. Abandonados por su padre, un músico

percusionista, Josephine tuvo que trabajar desde niña, al igual que su madre,

para poder sostener su familia.

Su talento y carisma le permitieron unirse a The Dixie Steppers y

posteriormente mudarse a Nueva York. Para sus catorce años, Josephine había

contraído matrimonio con William Baker, de quien conservaría su apellido

para su nombre artístico.- (en cartelera teatral)

Puesta en escena propuesta por su directora Fanny Sarfati en un cuadro y un

tiempo escénico de 70 minutos, que el día de ayer 22 de junio concluyó su

 

temporada en el Circulo Teatral, recibiendo un largo y caluroso aplauso con el

público mayoritariamente de pie, tras lo cual el Maestro Miguel Sabido subió para

felicitar a la actriz Sandra Galeano, así como el productor de la obra.

VOILÁ PARIS según comentó su misma dramaturga Gilda Salinas, se llevará en

breve a la ciudad de Cuernavaca para ser representada en un museo.

¡EN HORA BUENA!

 

LA NOCHE ETERNA

POR: Dalia De León Adams

 

LA NOCHE ETERNA es un documental escrito por Coco Fusco, basada en algunas

apreciaciones que el poeta, expreso político Néstor Díaz de Villegas le comentara

en entrevista.

-Juliana Emilia Fusco Miyares, más conocida como Coco Fusco, es una artista

interdisciplinaria, escritora y curadora cubano-americana que vive y trabaja

en Estados Unidos. Comenzó su carrera artística en 1988. Nació el 18 de junio

de 1960, en Nueva York, Estados Unidos en donde realizó sus estudios en la

Universidad de Middiexes en donde se graduó en 2007, en la Universidad de

Stanford, y en la Universidad de Brown. Obtuvo los premios

Premios: Beca Guggenheim en Artes Creativas, Estados Unidos y Canadá .-

(información en Wikipedia)

Néstor Díaz de Villegas, quien fuera condenado a pasar cinco años en la Prisión de

Aranza en Cuba, por tan sólo haber escrito un poema de índole político de tan sólo

diez renglones sería encarcelado, mismo documento que se muestra en el

documental de Coco Fusco por unos breves instantes, razón por la cual no puede

ser leído.

Tras ello el gobierno consideró al poeta Néstor Díaz Villegas en contra del Sistema

de Fidel Castro. Durante el rodaje se señala mediante el diálogo de los personajes,

el hecho de que han sido encarcelados por expresarse o manifestarse dentro de su

propio rublo artístico, a todas las personas cuando son consideradas en oposición

al régimen, como ya era bien sabido en el mundo entero, que comúnmente se

procede de dicho modo, en los sistema dictatoriales, y no ha sido la excepción en la

isla de Cuba.

Actualmente según informara Coco Fusco ya se encuentran muchos artistas,

intelectuales e ideólogos cubanos, en calidad de presos políticos, por causas

también injustificadas, sumándose la preocupante cifra de alrededor de 900 presos

políticos en Cuba.

Situación preocupante que motivó a Coco Fusco a tratar de investigar acerca del

tema, y en concreto del caso infortunado de Néstor Díaz Villegas y otro expreso

político a quien fue a entrevistar a la región de la Unión Americana en el cual vivía

con otros ancianos, quien la recibió con agrado luciendo con ropa nueva y muy

buena disposición ante la entrevista; él murió meses después como producto de su

longevidad.

A Coco Fusco además le interesó el hecho de que Néstor Díaz Villegas haya sido

capaz, junto con otros compañeros reclusos, de por medio de una cámara

introducir el cine en la prisión que en aquel momento resultó novedosos para

muchos de sus contemporáneos.

 

La escenificación de obras y el rodaje fílmico fue todo un éxito, de tal modo qué

que incluso se estaba planeando expander los eventos al pensar en compartirlos

contando con la presencia del público no prisionero.

Gran parte de ello fue narrado por la misma Coco Fusco en persona tras del rodaje

fílmico, quien se presentó junto con importante antropóloga Hilda Landrove y la

Coordinadora de Difusión de la UAM, Yissel Arce, siendo ésta última quien fungió

como moderadora del Conversatorio que se realizó con el público entre el cual por

cierto se encontraban varios artistas cubanos.

La presentación de la película LA NOCHE ETERNA original de Coco Fusco, se

planea ser presentada en diversos Festivales que incluyen a España y la ciudad de

Nueva York, entre otras latitudes.

 

FINITUD

POR: Dalia De León Adams

 

BASTARÍA CON QUE EL AMOR TUVIERA DE LA MUERTE LO CIERTO Y DE LA

 

VIDA LO INCIERTO.

 

Frase que encierra la parte medular de ésta dramaturgia que corresponde al

género del drama por el contenido de su historia cruenta, pero que también puede

incursionar como un texto surrealista, en donde todo puede ser posible con una

sola determinación.

Dramaturgia de Víctor Weinstock que cuenta con la excelente actuación de Mario

Zaragoza, quien dicho sea de paso, ya ha sido galardonado con el premio Ariel en el

rublo de Mejor Actor (2009), Mejor Co-actuación masculina (2012) y Mejor actor

de Cuadro (2002).

En la obra FINITUD interpreta a un personaje que le dará la vuelta a la trama a

tratar en la narrativa. Da vida al personaje de un hombre extraño, irreverente, que

utiliza algunas frases filosóficas, profundo, sincero, mal portado y mal alineado,

empero con un toque encantador.

Los otros dos actores también poseen gran histrionismo en escena; ellos son

Patricia Blanco y Gastón Yáñez, quienes interpretan a una peculiar pareja que se

mantienen resguardados en un viejo hostal u hotel, dentro del cual permanecen

observando constantemente a través de la ventana, a un auto viejo de donde creen

aparece y desaparece un hombre.

La parte psíquica de cada uno de éstos dos personajes, es esbozada bajo un hilo de

angustia y auto-reclamaciones constantes, basados en diálogos aparentemente

difíciles de ser interpretados por el público, pero qué poco a poco se van deshilan

hasta concluir el drama.

-Una pareja de cincuentones tiene un desperfecto mecánico en una carretera

desolada. Se orillan en una curva, y mientras su hija duerme plácidamente en

el carro, él revisa el motor y ella alerta a otros conductores. Un camión sin

frenos los sorprende y arrolla al carro. Ambos logran escapar ilesos, ero la

niña y el camionero mueren al instante en la bola de fuego.

Esta pieza tragicómica trata de las primeras horas inmediatas a dicho suceso

cuando intentan explicarse su situación en el mundo tras una pérdida de

semejantes proporciones, que los arrastra por los territorios de la culpa, el

reproche y el dolor. El encuentro con un extraño testigo del accidente será

crucial para cuestionar el sentido de la muerte y la necesidad de un ser

superior que les regale la esperanza frente a una vida que se pierde por un

capricho fatal.- (Sinopsis en cartelera)

La obra da muestra de una gran retórica y reflexión sobre la vida y la muerte,

reposada tras la angustia de lo que se pudo evitar, de lo posible, sobre lo vivido y

sobre lo relevante en la vida.

 

Puesta en escena que invita a reflexionar, propuesto en un solo cuadro escénico, en

donde tan solo se observa un especie de muro, de donde aparecen dos ventanas

que sirven de marco a éste drama o tragedia peculiar.

Todo ello bajo la dirección escénica de su mismo dramaturgo, el Señor Víctor

Weinstock quien dicho sea de paso, cuenta con otras obras como lo son Avocado

Ice Cream (1990), De nudos (1993) y La órbita del hombre (1994), por nombrar

algunas.

La obra teatral FINITUD es presentada con el juego de luces a cargo de Jesús Giles y

el de audio sonoro propuesto por Deborah Silberer; elementos escénicos que son

complementados con el vestuario a cargo de Brisa Alonso, importantes para el

ambiente sórdido que se precisa en éste drama para cumplir su cometido.

FINITUD inició temporada el día 8 de mayo y tiene contemplado concluir funciones

en el Teatro Varsovia, para el día 18 de septiembre del año en curso 2023 en días

lunes a las 20:00 horas

La Crítica de Teatro en México. Es una publicación gratuita que reúne las colaboraciones de periodistas de primer nivel, que sin  pago alguno, colaboran con sus escritos e imágenes de video y fotografía, que son responsabilidad de sus autores, exclusivamente.

 

Atentamente

Redacción de La Crítica de Teatro en México.