ALETEO
POR: Dalia De León Adams
Es la segunda ocasión en que visualizo al inicio de una puesta en escena,
movimientos constantes unánimes por parte de todo el reparto estelar, sin esbozar
palabra alguna.
Aparentemente parecieran un tanto ilógicos o sin fundamento escénico; empero en
ésta ocasión se da inicio justamente con el traslado de cada uno de los actores
rumbo a distintos puntos del escenario, justamente parodiando los movimientos
que registra la tierra durante cualquier terremoto o temblor, al ajustarse las capas
subterráneas con el movimiento terráqueo que las troza y reacomoda.
Empero éste montaje escénico va mucho más allá de presentar un simple sismo,
abordando a la vez una parte mitológica, como según se puede entender en el
siguiente párrafo escrito a colación en la cartelera teatral:
-Aleteo es una obra teatral que busca establecer una narrativa posible para el
mito ancestral que asocia los movimientos de la tierra con el rugido del jaguar.
La pieza -al igual que los relatos que escalan hasta lo mitológico- pretende una
conversación sobre la causalidad de aquello que nos determina y que, en
ocasiones, la razón humana no basta para comprender.-
Sin embargo se tiene como referente de la obra, la Ciudad de México, entrando casi
a la década de los 20’s, en donde una científica en base a sus investigaciones, dará
parte a las autoridades gubernamentales de un posible terremoto que de suceder,
cobraría la vida de muchos habitantes de la urbe.
Temática que dentro de la historia de ficción a abordar, dará pie a diversas
reacciones por parte la autoridad responsable. Junto a dicho personaje aparecen, la
científica, una ingeniero y un asistente del mismo rublo laboral, y una periodista.
Todos ellos actuando con el apoyo de la música en viva en donde suena una batería
y una mezcladora de sonidos, que otorgan mayor efecto al drama a presentar.
Dentro de la dramaturgia, algunos puestos laborales se verán en juego, acorde con
las resoluciones que se lleven a cabo por parte de los personajes, persuadidos por
la resolución mayoritaria del público y, qué su autor, el inminente dramaturgo
David Gaitán en base a su texto hará participe en cuanto al rumbo que deberá
seguir la trama.
Pero ¿quién es David Gaitán? Si aún Usted no lo sabe, le diré que es un importante
escritor, director, profesor y humanista mexicano, que además funge como
director escénico en su propio espacio teatral.
La dirección del montaje se encuentra a cargo de Isabel Toledo, quien logra el
cometido de ésta peculiar puesta en escena, en donde la historia puede dar giros
significativos en el desenlace de la trama.
Por otro lado la escenografía propuesta en un mismo cuadro y tiempo escénico es
abundante y movible, lo cual hace más interesante la propuesta escenográfica y un
tanto más atractiva visualmente, para el espectador.
El elenco estelar esta compuesto por Zabbi Blanco, Estefanía Estrada, Carlos Matus,
Olivia Lagunas, Nara Pech, Adriana Reséndiz y Edwin Tovar; todos ellos actores
estables de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), compañía que la produce
conjuntamente con el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).
ALETEO se presenta en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque con
funciones de jueves a domingos que concluirán el 11 de julio del presente año en
curso 2023.
TESILI
POR: Dalia De León Adams
Obra teatral infantil que tiene como propósito el ser especialmente vista por los
pequeñitos de alrededor o menos de 3 años de edad, a quienes tras de la función se
les invita a pasar al escenario para compartir momentos inolvidables con los
artistas protagónicas de ésta puesta en escena.
Obra original de la dramaturga Toztli Abril de Dios y Katia Castañeda. Ambas
además son las directoras artísticas y las actrices que forman el reparto estelar de
ésta puesta en escena, logrando con ello hacer un montaje escénico, justo a la
medida de sus creativas.
Con una breve función, los niños son invitados bajo la libertad de hacer, opinar,
gritar, tocar, jugar, cantar y desenvolverse muy libremente, tanto al inicio, como
durante y al finalizar la función.
En escena aparecen dos especies de orugas, capullos o larvas, las cuales poco
apoco van renaciendo en éste mundo complejo y hostil, logrando poco a poco
existir y desarrollarse en base a movimientos que van construyendo al reaparecer
en el escenario, con unos trajes que cubren totalmente a las actrices y de los cuales
parecen irse desarrollándose, para finalmente desprenderse.
Con vestimentas de tonos café claro, ambas actrices se mueven y se arrastran de
diversas vértices del escenario, de manera que parece un tanto armoniosos sus
movimientos, al ser acompañados con una música instrumental suave, y una
iluminación a media luz que permite dar en efecto deseado por las dramaturgas.
-TESILI una oruga, es un proyecto dirigido a pequeños entre 0-2 años que trata
de la transformación y el cambio que se produce en todo ser vivo al crecer. El
trabajo explora sensaciones e imágenes que apelan a esos procesos que
comportan todo ser vivo a lo largo de su devenir en el mundo, así como la
diversidad y las múltiples transformaciones por las que atraviesan los cuerpos
a lo largo de sus existencias.
Cita textual de la compañía teatral, expuesta en la cartelera que permite ahondar
en la parte medular de ésta dramaturgia, la cual engloba a cualquier ser vivo en el
incipiente proceso de su creación y desarrollo y, qué de manera experimental, sus
escritoras exponen con el deseo de penetran en la psiquis de los pequeñitos que
observan curiosos la obra, sin tener prejuicio o juicio alguno al respecto.
TESILI se presentó los pasados días sábado 5 y domingo 6 de noviembre 2022, en
el Centro Cultural “El Hormiguero”. Tendrá su próxima función el próximo sábado
12 de noviembre a las 13:00 horas en el Foro Doble Nueve y, el domingo 13 de
noviembre a las 13:00 en el “Teatro Soñario”, para concluir su breve temporada.
EL RECITALITO
POR: Dalia De León Adams
Dramaturgia original de Pedro Franco, bajo su propia dirección escénica. Cuenta
con el reparto estelar de Bárbara Carpio. Alejandro Castellón, Raudelis Torres,
Adrián Bonilla y Gabriel Escudero.
Bajo la propuesta de teatro cabaret, la puesta en escena EL RECITALITO termina
siendo todo un espectáculo tanto visual, como artístico. Contando con cinco
jóvenes cubanos hermosos y talentosos, quienes hacen gala y un verdadero deleite
de su arte.
Obra teatral interactiva, que logran los artistas al invitar a su público abiertamente
a participar y disfrutar de éste montaje, en donde no solamente se actúa, sino que
también se canta, se baila, se recitan y se recurre al arte escénico, demostrando con
todo ello sus intérpretes, ser unos artistas completos que incurren en todas las
disciplinas de espectáculo teatral.
Cuatro jóvenes y una chica, quienes hacen alarde de sus esculturales cuerpos con
sus danzas acompañadas mayor de las veces, por canciones oriundas de Cuba, su
país de origen, como a-priori había ya mencionado aparecen cinco sillas, una
escalera, una maleta y un micrófono; suficientes objetos de utilería, que utilizan
para mostrar diferentes historias, bajo el formato descriptivo de varios monólogos,
representados con histrionismo escénico.
Su talentos son evidenciados, gracias a las voces sonoras de bellas tesituras y
coloridos de voz que utilizan al unísono para ejecutar varios de sus números
dancísticos, que ofrecen con algunas caracterizaciones de personajes, muy
emotivas.
RECITALITO bien puede ser una probadita de los que pueden ofrecer al público
espectador que les caracteriza a los cinco artistas en escena, además desplegar un
alto índice de simpatía y frescura, acompañados de una gran naturalidad al
desenvolverse sobre el escenario.
-EL RECITALITO: No puedo, tengo ensayo, es una puesta en escena que en
principio tendría fines promocionales para apoyar el estreno del espectáculo
“No pudo, tengo ensayo” Una comedia de enredos con texto original de Yunior
García. Se plantea una estructura rozomática que hace uso de la rifa como
dispositivo escénico; donde se sortean cada día los números interpretados.
Desde una perspectiva lúdica los actores ironizan con los pactos de ficción,
aprovechan la relación con el espectador en modo descarga y lo hace partícipe
de las agonías y sudores del proceso.-
Párrafo textual de la misma compañía cubana, la cual ofrece funciones en días
lunes con horario de las 20:00 horas, en el Centro Cultural “La Capilla” cuya fecha
programada para concluir es el día 21 de noviembre 20221.
EL RECITALITO Una obra que no se parece a cualquier otra. Que tiene el toque de
originalidad del autor y la frescura de quien ama el escenario.
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OLVIDA TODO
POR: Dalia De León Adam
El día de ayer jueves 3 de noviembre 2022 se dio inicio a la temporada de
representaciones de la puesta en escena intitulada OLVIDA TODO en la Sala
Héctor Mendoza ubicada en la sede de la Compañía Nacional de Teatro (CNT)
Dramaturgia qué recientemente formó parte del Festival Cervantino cuya temática
tiene como referente el México de 1968, tras del movimiento estudiantil
universitario que terminaría en toda una tragedia y dolo nacional.
Se representa un breve pasaje real en torno a la escritora Helena Garro, de quien se
dijera que traicionó a sus compañeros estudiantes ante una denuncia que incluso a
ella misma afectara haciéndola permanecer alojada clandestinamente, en casa de
una española exiliada, conocida suya. Hecho que quedó en entredicho.
Y justamente dos de las actrices que colaboran en éste nuevo montaje escénico,
son descendientes de refugiadas españolas en nuestro país, durante la década de
los 40’s, en la primera mitad del siglo pasado.
Hecho que no las liga directamente con sus personajes, pero qué de alguna manera
sirvió para matizar el perfil psicológico y como referente para interpretar en éste
triste episodio de la historia mexicana, durante el periodo presidencial del Señor
Díaz Ordaz.
Obra teatral que más que de contenido histórico o costumbrita, podría ser ubicada
un poco como una novela de denuncia, ante los hechos cruentos y violentos
durante éste periodo.
Obra de ficción qué solamente deja entrever lo ocurrido, sin inmiscuirse o
comprometer la pluma de la escritora mexicana, quien presenta a cuatro
personajes femeninos, reunidos en la sala habitación de una casa cualquiera.
Por supuesto que los personajes se presentan ataviados con ropa a la usanza
secular, al igual que los peinados y la ambientación escenográfica conformada con
algunos muebles y objetos de utilería acorde a la época a tratar.
Como un plus, se reflejan en la parte superior del escenario, algunas frases a
manera de instrucciones o comentarios un tanto chuscos e ingeniosos, que van
apareciendo al unísono con el sonido aparente del golpeteo de una máquina de
escribir, justo a punto de iniciar la representación teatral.
Puesta en escena en un solo tiempo y un cuadro escénico en donde la trama es
tratada de manera lineal, dentro de la narrativa, con diálogos interpretados con la
emotividad que precisan para ser caracterizados los cuatro personajes
protagónicos.
Texto de la dramaturga Jimena Escalante, bajo la dirección escénica de Mariana
Hartasánchez que cuenta con el reparto estelar de la maestra Luisa Huerta
(espléndida como siempre en su actuación, quien aparece junto con también otras
talentosas actrices, quienes son Ana Ligia García, Ana Karen Peraza y Octavia
Popesku.
OLVIDA TODO se presenta en la Sala Héctor Mendosa con funciones de jueves a
domingos bajo la producción de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) la cual
dicho sea de paso, cumple su 50º aniversario.
¡EN HORA BUENA CNT!
XOLO. El perro que quería ser can-onizado. (libro)
POR: Dalia De León Adams
Por segunda ocasión el libro físico de la autora Martha Poplawsky Berry titulado
XOLO. El perro que quería ser can-onizado es presentado tras de haber sido
editado.
La primera presentación tuvo cita en la librería El Péndulo de Polanco con la
participación de Eulalia Rivera Carbó, Federico Tracguer, Tamara Quiroz y Hugo
Hernández. (martes 25 de octubre 2022).
Siendo la siguiente exposición de ésta obra literaria el día de ayer 2 de noviembre
2022 en GuzArt, contando nuevamente con la presencia del escritor y publicista
Federico Tracguer .
Martha Luisa Poplawsky Berry nació en México en 1962, estudió Actuaría en la
universidad Anáhuac y cuenta con diversos posgados en distintas instituciones
dentro del país y del extranjero.
Por otra parte cuenta con un diplomado en Arte Mexicano por la misma
Universidad Anáhuac, cursos de apreciación de pintura Occidental e Historia
Comparativa de las Religiones… A tomado talleres de estimulación creativa y
de creación literaria. (boletín de prensa)
Estudios curriculares que le han permitido ahondar en el trabajo literario,
escribiendo su primera novela en base a emblemático animalito de la cultura
autóctona de nuestra región.
-Esta novela sucede a lo largo del México prehispánico y novohispano, narrado
por el espíritu de un Xoloitzcuintle parrandero, irreverente, metiche, narcisista
y encantador, que atestigua, inspira, crea y resuelve muchos de los eventos
sucedidos en nuestro país y que quisiera llegar algún día a ser santo.
El espíritu de XOLO, sabiéndose muerto y teniendo que hacer un sinfín de
milagritos, narra su vida en Tenochtitlán, su cosmovisión vinculada a lo divino
y la cotidianidad mexica, el significado del sacrificio y muchas cosas más.
Nos manifiesta la esperanza de convertirse en santo al averiguar su forma de
morir, sus travesías por los niveles del inframundo y hasta llegar al noveno, el
Mictlan y su experiencias en un ir y venir en los tiempos de la vida
novohispana.- (cita de la presentación del libro).
Novela de corte costumbrista, plasmada de datos históricos, escrita con cierto
humorismo al estilo popular, que permiten mediante la remembranzas del
personaje protagónico de un perrito autóctono Xoloitzcuintle, quien post-mortem
da fe de algunos rasgos de la cultura e idiosincrasia de lo que fuera el gran imperio
mexica.
XOLO. El perro que quería ser can-onizado se encuentra en el Péndulo de
Polanco y a través de Amazon
NIÑAS Y NIÑOS
POR: Dalia De León Adams
Escrita en formato de monólogo, la puesta en escena original del dramaturgo
inglés Dennis Kelly, es una obra tratada en la narrativa de sucesos paralelos,
tratados con retrospecciones y prospecciones temporales para narrar una historia
que comienza con ciertos matices de novela romántica, pero la cual en realidad se
basa en torno a la ruptura familiar, producto de una sociedad cada vez más
deshumanizada y cruenta.
A manera de denuncia, el texto ventila uno de los millones de casos reales que
suceden en el mundo, en donde el ansia de someter y manipular a la pareja
sentimental mediante la agresión física o psicológica, lleva a presenciar situaciones
aún más adversas y crueles, entre quienes la padecen.
La rivalidad surgida hoy en día, como producto de un modos vivendus gestado por
machismo recalcitrante, es la resultante que da paso a la frustración basados en los
sentimientos encontrados de odio-amor, revancha y venganza, creados más allá de
lo racional.
NIÑAS Y NIÑOS es un texto que invita a la reflexión del ¿qué esta pasando en el
contexto real entre las parejas unidas “supuestamente” bajo lazos de amor qué se
ciegan ante lo adverso.
Plagada de situaciones que el escritor expone con matices psicológicos, que
solamente reflejan la inseguridad de la sociedad no reflexiva-machista, quien usa la
agresión para dar salida a sus propias frustraciones.
-Si el teatro es una crónica y el reflejo del presente, esta obra retrata de
manera clara y contundente lo que hemos creado. Una sociedad que es capaz
de cometer los actos más crueles y atroces para poder tener el poder en sus
manos. En esta gran metáfora, que desafortunadamente es una apabullante
realidad; las niñas y los niños son los más afectados; aquellos seres que
estamos anulando todos los días sin piedad alguna. Matamos sus sueños, sus
esperanzas, su futuro… sus cuerpos. Niñas y niños, que usamos como monedas
de cambio, como objetos para destruir y extorsionar, unos a otros, en este
mundo de adultos, de luchas de poder y de culpas. Esta obra nos obliga a
analizar el futuro de nuestra humanidad. ¿Seremos capaces de soltar el poder
¿O será ya, demasiado tarde para que todo lo que hemos construido nos
detenga? Será que todavía exista amor y generosidad para crear un nuevo
orden social? Itari Marta
Teniendo como producción a la compañía “Solovino” el reparto estelar esta
conformado por Maya Blas, quien actúa bajo la dirección escénica de Itari Marta;
puesta en escena que cuenta con el diseño escenográfico y de iluminación de
Thalía Palacios y la traducción y adaptación de la dramaturgia a cargo de Paula
Zelaya.
La obra teatral NIÑAS Y NIÑOS se presenta en el Teatro La Capilla con funciones
los días domingos a las 18:00 horas, hasta el día 11 de diciembre 2022.
REQUIEM
POR: Dalia De León Adams
El REQUIEM es considerado como uno de los conciertos magnánimos a cargo del
compositor austriaco Wolfgang Amadeus Mozart (además de su última obra
musical); autor quien lo creara en el ocaso de su vida en el año de 1791.
Un dato curioso al respecto es el hecho de qué a la muerte de Mozart, Franz Xaver
Süssmayr, alumno suyo, fue el encargado de terminarlo, convirtiéndose
posteriormente en el REQUIEM más afamado en el mundo entero.
Sobre ésta obra y su autor se puede leer en unas páginas de la Internet las
siguientes aseveraciones:
La Misa de Réquiem escrita en Re menor, K. 626, es una misa de Wolfgang
Amadeus Mozart, basada en los textos latinos para el réquiem, es decir, el acto
litúrgico católico celebrado tras el fallecimiento de una persona. Se trata de la
decimonovena…
Mientras trabajaba en La Flauta Mágica, Mozart recibió una comisión de un
extraño para componer un Réquiem, una misa para el descanso del alma de los
difuntos, pero con la condición de mantenerlo en secreto. El hombre que se lo
encargó supuestamente fue el conde von Walsegg, a través de un
intermediario…
Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart (Salzburgo, 27 de
enero de 1756-Viena, 5 de diciembre de 1791), más conocido como Wolfgang
Amadeus Mozart, fue un compositor, pianista, director de orquesta y profesor
del antiguo Arzobispado de Salzburgo (anteriormente parte del Sacro Imperio
Romano Germánico. (Pagina WEW)
Fue el fruto del matrimonio entre Leopold Mozart y Anna Maria Pertl. El padre,
compositor y violinista, de quien aprendió desde muy niño su oficio, excediendo a
su padre en aptitudes musicales.
Y ahora, La Filarmónica de las Artes se vestirá de gala para ofrecer un concierto de
lujo, a manera de conmemoración del próximo festejo del Día de Muertos,
precisamente interpretando el REQUIEM de Wolfgang Amadeus Mozart.
Concierto que se ofrecerá bajo la batuta del director William Harvey, quien funge
actualmente como concertino de la Orquesta Sinfónica Nacional de México y
Honorario de La Filarmónica de las Artes.
También se contará con las espléndidas voces de la soprano Michelle Fox, la
mezzosoprano Sandra Olivas, el tenor Ricardo Estrada y el bajo, Alberto Albarrán;
todos ellos talentosos mexicanos que se presentarán acompañados por el Coro de
las Artes. Será todo un majestuoso concierto que tendrá cita el próximo domingo
30 de octubre a las 18:00 horas en el Teatro Ángela Peralta, en la colonia Polanco
de nuestra Ciudad de México.
REQUIEM de Mozart, quien tras su delirio se llegara a pensar que sería una
partitura que escribió, para su propia muerte.
PEEK CHUUN
POR: Dalia De León Adams
Puesta en escena en un solo acto y muy diversos hermosos cuadros escénicos (a
cargo de Rodrigo Martínez) en los cuales se ambientan nubes movibles,
monumentos, edificios e incluso esculturas de dioses vivientes.
Todo ello con el juego de iluminación, convierten el escenario en un ambiente
propicio para rescatar leyendas populares prehispánicas, acorde con la adaptación
del texto de Diego Álvarez qué en el caso de éste montaje escénico, se ubica dentro
de los mitos mágico-religiosos de la cultura maya, que se traslada al tiempo
contemporáneo.
Tiene como referente un pueblo rústico mexicano en los albores del siglo XX, en
donde cada uno de los personajes son presentados por diversos actores que les
van otorgando longevitud.
Ello aunado de un colorido y abundante vestuario (a cargo de Julia Reyes) que va
aunado con los diversos elementos escénicos, un buen texto, excelentes actores y
una magnifica dirección escénica.
La obra escrita y dirigida por Diego Álvarez Robledo, quien se inspiró en el
texto Peer Gynt de Henrik Ibsen, resulta toda una experiencia que comienza en
la época del Porfiriato, con matrimonios arreglados de los que los personajes
intentarán huir, no así de los rumores que pululan por el pueblo gracias a la
mala fama de Peek, un joven al que le gusta causar problemas y conquistar
corazones, incluso el de las demonios…
Invocaciones mágicas, chaneques traviesos, mujeres hermosas que se
convierten en cerdos y una cabra dispuesta a cobrar dispuesta a cobrar un
trato hecho en el inframundo maya, son algunos de los personajes que
aparecen en el viaje de PEEK CHUUN, una aventura a través del tiempo…
(citas textuales del boletín de prensa)
El personaje protagónico de PEEK CHUUN es un personaje centenario que tiene
como lema “ser solamente el mismo”; ello le lleva a vivir experiencias
contradictorias de abundancia, soledad, amartelamiento, frustración, riqueza, odio,
pasión, amor y violencia, reconocimiento y desacreditación, incluso con él mismo
en el ocaso de su vida.
Elementos medulares de ésta dramaturgia, en donde todo es posible, incluso el
morir y renacer ante las vicisitudes de seres del infrahumanos y de deidades
mayas de las que el personaje de PEEK CHUUN se rodea.
Basada en un texto del afamado escritor Ibsen, el personaje protagónico inicia su
recorrido en el pueblo de Xibalbá, para seguir su recorrido incursionando en
diversas regiones y países e donde se encontrará incluso, hablando frente a frente
con Buda.
Recordemos qué Henrik Johan Ibsen fue dramaturgo y poeta . Nació en 1828 en la
región de Skien, Noruega y murió en Cristianía en 1906. Es considerado el más
importante dramaturgo noruego y uno de los autores que más han influido en la
dramaturgia moderna, y considerado como “el padre del drama realista moderno”.
Entre sus obras más conocidas están: Peer Gynt; Casa de Muñecas; Espectros; Un
enemigo del pueblo; El pato silvestre; y Hedda Gabler:
Peer Gynt es un drama del escritor noruego Henrik Ibsen. Fue escrito en 1867 e
interpretado por primera vez en Oslo el 24 de febrero de 1876, con música
incidental del compositor también noruego Edvard Grieg. (página WEW).
El reparto estelar está integrado por Belén Aguilar, Enrique Arreola, Manuel Cruz
Vivas, Fernanda Echeverría, Daniela Luque, Fidel Monroy, Miguel Pérez Enciso,
David Juan Olguín Almela y Lucero Trejo, todos ello actuando de manera
espléndida en el escenario, contando con una gran dirección artística.
PEEK CHUUN se presenta en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz, del Centro Cultural
UNAM con funciones de jueves a domingos, hasta el día 26 de noviembre.
LA MORDIDA
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
-“Caer en el tambo es una chinga: primero por estar enjaulado, segundo porque los coyotes te
piden que aflojes por todo, para que no te agarren de encargo, para mover el bigote, para
abandonarte en un colchón, para tronar el cacahuate, para atizar coliflor tostada, bueno,
hasta para hacer de la chis.-
Este es el párrafo con el cual iniciaba el programa de mano que ofreció en 2018 “El Artús”
dramaturgo y director de ésta puesta en escena a cargo de la Compañía de Teatro
Penitenciario.
Compañía la cual actualmente ofrece algunas obras teatrales gracias al apoyo de algunos
institutos de cultura, como es la Secretaría de Cultura, el INBA y organismos
independientes como el Foro Shakespeare o El77 Centro Cultural Autogestivo.
LA MORDIDA cuyo título resume la parte medular de la trama teatral, es un montaje
escénico que desgraciadamente presenta una parte de la realidad que se vive en muchos
sectores de nuestro país, los cuales día a día padecen en carne viva la corrupción.
En la historia ficticia escrita por los mismos integrantes de “La Compañía de Teatro
Penitenciario” aparece un joven como podría ser cualquier o cualquiera otra persona qué
en aras de montar una taquería, acude a un organismo gubernamental encargado de
proporcionar el permiso para poder ser abierto el pequeño local y, con ello, servirle de su
propio “modus vivendus”.
El tramite consiste en solicitar tan solo un sello y una firma, sin embargo algo tan simple se
convertirá en una verdadera pesadilla por vivir, en donde LA MORDIDA estará presente
como una especie de beneficio y maleficio.
La obra esta dirigida como a-priori he mencionado, por el mismo Señor Artús Chávez.
Propuesta escénica presentada en un solo tiempo y un solo cuadro en donde aparecen un
escritorio, una mesita con su máquina de escribir una silla, además de varios objetos de
utilería que ambientan el escenario para dar la impresión de encontrarse en una oficina de
gobierno cualquiera.
En escena actúan Javier Cruz, Ismael Corona, Rafael Sencillo y Juan Luis Hernández
Domínguez. Todos ellos con gran entusiasmo e histrionismo escénico representan sus roles
protagónicos; personajes los cuales son el jefe de la oficina, su asistente o secretario, y un
joven.
En escena aparece un cuarto personaje con roles secundarios quien cumple con diferentes
caracterizaciones, que van desde un vendedor de alimentos mudo, cuidador de autos,
personal de limpieza y masajista, además de caracterizar a un policía.
La puesta en escena de LA MORDIDA es una comedia muy divertida, la cual cumple con el
cometido del hombre de teatro comprometido en mostrar una parte de la realidad social, lo
cual convierte al texto en una dramaturgia de denuncia.
Ello aunado al objetivo de hacer pasar un agradable momento a los espectadores, a quienes
invitan ocasionalmente a colaborar durante el tiempo escénico (a manera de obra
interactiva) invitándolos a dar su propio punto de vista respecto a lo que en escena se
presenta, a dar breves aclaraciones como el decir la fecha, etcétera, o a iniciar cantando de
pie el himno nacional.
LA MORDIDA es en resumen, un esfuerzo colectivo de personas que desean hacer de sus
vidas algo significativo, pese a la vicisitudes y penurias que enfrentan en la vida. LA
MORDIDA cerró su ciclo de funciones en el foro El77 Centro Cultural Autogestivo el día de
ayer 27 de octubre 2022, para continuar en el Foro Shakespeare en días martes y miércoles
a partir del 15 de noviembre 2022.
V CICLO DE CABARET
POR: Dalia De León Adams
Por quinta ocasión a partir del día 3 de noviembre vuelve el CICLO CABARET a los
escenarios del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) con las
puestas en escena de “ESCORTita la vida” escrita dirigida y actuada por Minerva
Valenzuela con la cual iniciará el ciclo.
Obra teatral al estilo y formato cabaret, escrita y presentada bajo el objetivo de
representar parte del verdadero mundo de Las Damas de la Noche, en torno a las
cuales se ha escrito y dicho mucha aseveraciones inciertas, sin conciencia de
juicios.
-En un plácido y divertido recorrido por distintas etapas del trabajo sexual de
las mujeres en los últimos 150 años, éste espectáculo hace una crítica social
acerca de algunos prejuicios que se tienen sobre esta forma de vivir. La
intención de la creadora de éste espectáculo es celebrar la vida y la dignidad
de las trabajadoras sexuales a través de un espectacular concierto-. (cita del
boletín de prensa).
También forma parte de éste TEATRO CABARET la dramaturgia original de
Mariano Ruiz con su obra “Shakesperean Tour” quien actúa en el espectáculo bajo
la dirección escénica de Olivia Barrera. Texto que alude al mundo Trans en donde
la identidad, los sentimientos, y modos vivendus no corresponde al genero sexual
con el cual nacieron.
-Este espectáculo de cabaret combina a los personajes femeninos de
Shakespeare con la cultura pop (de la que deberían formar parte) y la
necesidad de un actor por hacer las paces con su niña interior.- (cita del boletín
de prensa).
El tercer montaje escénico en turno será el de “Varieté De-lirios” original de Isabel
Almeda, Julia Arnaut, Carolina Garibay, Ix-chel Muñoz, Cecilia Noreña, Lucía Pardo,
Diana Perelli, Jocelyn Sampayo, Gabriela Ugalde Y Claudia Ivonne Cervantes;
puesta en escena que se encuentra dirigida por Nohemí Espinosa al estilo Clown,
que pretende hacer los elementos chuscos, su objetivo final.
“Varieté De-lirios”está inspirada en la vida de mujeres que adelantadas a su
época dedicaron su vida al clown y la escena en una sociedad que les prohibía
dichas prácticas. Éstos números humorísticos, excéntricos y musicales son
interpretados por una truppe de mujeres apasionadas por el clown. (cita del
boletín de prensa).
“ESCORTita la viada” se presentará del 3 al 6 de noviembre 2022; Shakesperean
Tour” con fechas del 10 al 13 de noviembre 2022; “Varieté De-lirios finalmente
tendrá funciones del 17 al 20 de noviembre 2022, concluyendo con ello el V CICLO
CABARET.
SOBRENATURAL
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Muy ad-doc con la próxima celebración del Día de los Muertos y del Halloween las
Compañía Catarsis Producciones y Embarcaderos Salitre A.C. el pasado día viernes
14 de octubre comenzaron el Ciclo de representaciones de la puesta en escena
intitulada SOBRENATURAL.
Le comento qué es la única obra del género de terror que se presenta en formato
interactivo e inmersiva al público, presentando como parte del libreto algunos
“ritos de las brujas de Xochimilco,” según sostienen ambas empresas teatrales, los
cuales han sido laboriosamente rescatados a través de la herencia oral de sus
habitantes locales.
Bajo la dirección escénica de José Luis Huerta, ésta viene a ser la décima
temporada en que se presenta. Evento que se llevará acabo de manera especial en
horario de media noche, solamente el próximo día sábado 29 de octubre.
El performance se efectúa en el Embarcadero Salitre del Centro Histórico de
Xachimilco, presentando las leyendas circunvecinas, a manera de patrimonio
cultural.
Empero a contribuir en el ámbito cultural, las funciones serán restringidas a los
menores de edad debido a que las casas productoras han considerado que las
escenas son demasiado escalofriantes.
Éstas se llevan a cabo teniendo como panorama los hermosos canales de
Xochimilco, que les da un plus al proyecto audiovisual que usted puede disfrutar
en éste cuadro turístico.
Con respecto al montaje del espectáculo, en el boletín de prensa se explica a
colación lo siguiente:
SOBRENATURAL es un espectáculo cultural que tiene como objetivo directo,
rescatar, promover y difundir a las nuevas generaciones y al público en
general, las leyendas de las brujas, su cosmovisión y que de esta manera nos
muestra la otra cara de éste pueblo literalmente mágico, de éste bello
patrimonio cultural a nivel mundial que es Xochimilco.
Evocando las tradiciones orales de nuestras abuelas, las historias que nos
contaban de niños y que nos erizaban la piel, la brujería, el sincretismo, el
misticismo, la cosmovisión y la herbolaria, por otra parte está perfectamente
documentada en sucesos reales del Xochimilco del 1700 y eso es lo que la hace
completamente atractiva.
La logística y coordinación del presente proyecto están a cargo de Atenea Bianchi y
José Luis Hurta, siendo éste último el autor de la obra, quien dicho sea de paso,
también es el dramaturgo y escritor La Leyenda del Nahual, Axolotl, La leyenda de
los Volcanes y Siniestro.
SOBRENATURAL como a-priori he mencionado inició su temporada con funciones
a partir del 14, 15, 21, 22 de octubre y continuará presentándose el próximo 28 de
octubre a las 20 horas, el 29 de octubre en triple horario de las 17:00, 20:30 y 24
horas; el 30 de octubre a las 18:00 horas; el 4 de noviembre a las 20:00 horas; el 5
de noviembre a las 18:00 y 21:30 horas; el 11 de noviembre a las 20:00 horas y
finalmente el 12 de noviembre a las 18:00 y 21:30 horas.
EL CORRIDO DEL REY LEAR
POR: Dalia De León Adams
Divertida comedia de Fernando Bonilla creada en torno a la meta-puesta en escena
de El Rey Lear de William Shakespeare (obra presentada con cierta censura en
1605), en donde el personaje protagónico de Héctor Balzaretti, caracterizado por
el Maestro Juan Carlos Colombo, tras del intento de interpretar a su personaje se
ve envuelto en una serie de situaciones adversas.
Recordemos que la afamada obra de El Rey Lear a groso modo trata de un Rey ya
muy longevo, quien decide dejar el mando de su reino a sus tres hijas Gonerilda,
Regania y Cordelia, con el fin de poder vivir tranquilo sus últimos días,
sometiéndolas por tal motivo a-priori, a algunas pruebas en donde decide
vislumbrar tanto el amor que le profesan, como su fidelidad; elementos de los
cuales ha carecido en su reino al estar rodeado de aduladores y complacientes
súbditos; empero, se sentirá amenazado por ellas al creerse absolutamente
abandonado.
Obra que Fernando Bonilla utiliza un tanto a manera de partida con un toque
mexicano (tragicomedia ranchekspiriana como él mismo le llama) para mostrar el
mundo de los actores que parece reluciente, pero que en el fondo tiene una serie
de desavenires, como se puede ver tras de bambalinas sugeridas en este texto.
La dramaturgia plagada de momentos tanto chuscos como emotivos, presenta más
allá de lo convencional de una puesta en escena, es decir los inconvenientes que
surgen al montar una obra teatral.
La psiquis de algunos de los personajes sale a colación, en especial al mostrar la
difícil tarea de ser famoso y amar su labor de actor más allá de todo, como el de ser
descendiente directo de éste, y sentirse fuera de la protección y el amor paternal.
Texto además matizado con una banda de la delincuencia organizada que el autor
en base a la ficción presenta, dejando entrever su dolo, ante la injusticia por la
desaparición y mortandad de víctimas en nuestra sociedad.
Es una puesta en escena que hace reír ante una realidad recalcitrante, con un dejo
de humorismo negro, gracias a la creatividad y talento de su dramaturgo, el Señor
Fernando Bonilla.
Montada en un solo acto escénico, la obra cuenta con una temporalidad lineal en
donde se muestra paralelamente el mundo de los actores, en contraposición con
los responsables de un peculiar secuestro qué empero a la crudeza de la
circunstancia a tratar, hace de esta dramaturgia llena de creatividad combinada
con algunos breves párrafos de un texto icónico, toda una mezcolanza escénica en
donde el talento histriónico, sumado a malabarismo, comedia y denuncia, hacen
pasar 120 minutos muy agradables a los espectadores.
El elenco está formado por el primer actor Juan Carlos Colombo, Alejandro
Morales, Valentina Sierra, Daniela Arrojo, Malcolm Méndez, Miguel Tercero, Miguel
Alejandro León y el debutante Juan Daniel García Treviño.
Todos ellos actuando espléndidamente, bajo la dirección artística del mismo
Fernando Bonilla (a manera de homenaje a su padre Héctor Bonilla) quien alude al
arte escénico, como un instrumento de sanación, y un retrato sardónico de las
absurdas distancias entre las diversas realidades que coexisten en nuestro
país.
EL CORRIDO DEL REY LEAR se presenta en el teatro principal del Centro Cultural
Helénico de martes a jueves a las 20:00 horas hasta el día 15 de diciembre.
DRÁCULA
POR: Dalia De León Adams
El pasado domingo 3 de octubre cerró la temporada de la puesta en escena de
DRACULA, la obra icónica del escritor irlandés Bram Stoker, bajo los arreglos y
adaptación de Adggiani Valenzzo.
Recordemos qué Bram Stoker Clontarf, nació en Dublín Irlanda en 1847 y falleció
en Londres, Reino Unido en 1912 y fue el autor de varias obras como lo son Erotic
Tales of the Victorian Age, Bending to Earth, Uncertaintie y Old Hoggen and the
others Adventures; pero la obra que lo catapultó como escritor universal fue
precisamente DRÁCULA.
Al respecto de ésta, se puede leer en una página de la Internet la siguiente
consideración:
Drácula, es una novela de fantasía gótica escrita por Bram Stoker, publicada
en 1897. Publicada en castellano por Ediciones Hymsa bajo la colección ‘La
novela aventura’ en 1935, con portada de Juan Pablo Bocquet e ilustraciones
de ‘Femenía.
Y que mejor lugar para su montaje escénico, que la hermosa capilla Gótica del
Centro Cultural Helénico en donde cubrió la temporada del 7 al 23 de octubre, la
cual retomará en dos funciones más del 1º y 2 de noviembre 2022 en El Teatro
Varsovia.
Sobre éste hermoso recinto el director artístico de ésta puesta en escena producida
por “La Infinita Compañía”, previo al cierre de la temporada hizo mención sobre su
traslado de tan artística recinto desde tierras europeas, hasta nuestro país, tras de
haber antes ido a parar a la ciudad de Nueva York por uno de sus multimillonarios
compradores.
La Capilla Gótica es un espacio para las artes escénicas y para la difusión de la
cultura a través de eventos, conciertos, presentaciones y seminarios. Tiene una
capacidad para 300 personas. Su arquitectura es originalmente gótica del
siglo XIV y proviene de España. Ahora pertenece al Instituto Cultural Helénico…
Pertenecía al conjunto conventual de Sacramenia y al Monasterio de Santa
María de Óvila, en España. Fue traída a América por el coleccionista William
Randolph Hearst y posteriormente a la Ciudad de México por el coleccionista
Nicolas González Jáuregui.
Pero volviendo a la puesta en escena de DRACULA del Instituto Cultural Helénico le
diré que los jóvenes interpretes de ésta armoniosa danza contemporánea son el
primer bailarín Sergio Vázquez quien interpreta de manera casi magistral al
personaje de DRÁCULA junto con la bailarina Lucía Gómez en el rol de Mina
Murray; el personaje de Jonathan Harker es caracterizado por Héctor Valdovinos,
Yazmín Rodríguez aparece como Lucy Westenra, Antonio Soria como Arthur
Holmwood, Yarovslav Villafuerte es R.M. Renfield , y finalmente Ares Perezmurphy
como Abraham Van Helsing.
En la Capilla Gótica tras la tercera llamada inició la función de DRÁCULA a media
luz escuchándose algunos aullidos de lobos en formato “Voz in Off” y, apareciendo
hielo seco que invitaban a la ambientación de la trama de terror de Bram Stoken.
Con vestuarios de diversos diseños en negro, en algunas escenas un tanto
macabras y de ultratumba como se precisa, en tanto que con tonos de color en
otros momentos escénicos, los bailarines interpretaron rítmicamente con
movimientos acorde a la danza contemporánea, ágiles, rápidos y rítmicos, aunadas
a las expresiones de sus rostros que parecían hablar sin palabra alguna, surgiendo
los bailarines de manera muy estilizada en sus movimientos, acompañados con la
música de Philippe Vázquez, en donde se hizo gala de la dirección y coreografía a
cargo de Oscar Ruvalcaba Pérez orquestada por “Infinita Compañía”.
Y como sus mismos creativos artísticos señalan:
Desde la noche regresa el vampiro para buscar lo que desea y lo mantiene no
muerto: la sangre. DRÁCULA.
LO QUE QUEDA DE NOSOTROS
POR: Dalia María Teresa De león Adams
Hermosa historieta que habla sobre las perdidas invaluables que se van
presentando en nuestras vidas, con un dejo de moraleja sobre los valores humanos
y de los seres que nos acompañan con fidelidad desinteresada; las mascotas.
La relación que surge entre una adolescente y su cachorro viene a conmovernos a
través de una trama fresca y juvenil, en donde se hace evidente lo efímero que es
ésta vida.
Una jovencita pierde a su madre víctima de una enfermedad incurable; así el único
apoyo y compañía será su padre, a quien considera será eterno e invencible como
ella misma. Así va transcurriendo el tiempo hasta que un nuevo integrante llega a
casa.
LO QUE QUEDA DE NOSOTROS es una puesta en escena original de los
dramaturgos Sara Pinet y Alejandro Ricaño, presentada bajo la dirección escénica
de Said Sandoval , su asistente Renata Rodríguez y la musicalización en vivo de los
músicos y guitarristas Anne Yvker y Carlos Gágaro.
La escenografía consta de un gran lienzo blanco ubicado en la parte posterior del
escenario, que sirve tanto para transmitir algunas imágenes videadas, como para
que los actores proyecten de tras de ésta, sus imágenes a manera de siluetas de
diversos personajes secundarios, de los cuales se van precisando en el desarrollo
de la narrativa a tratar.
Los actores en escena son dos actores muy jóvenes, quienes por ende y pese a su
breve experiencia actoral, demuestran tener grandes dotes histriónicos al
interpretar a diversos personajes con la gran versatilidad y naturalidad que les
infieren.
En los roles estelares alternan Karen Forlong, Memo Dorantes, Cinthya Annel y
Said Sandoval, caracterizando a personajes de distintos sexos y edades, además de
a algunos caninos.
Ello lo logran haciendo tanto modulaciones de la voz, como movimientos
corporales y faciales distintos, que de inmediato el espectador advierte para saber
a quienes están interpretando en cada escena.
Contando con un tiempo lineal, en el que tanto se hace el manejo de la narrativa de
sucesos, como por el recurso de diálogos ocasionales, transcurre ésta historia en
donde Natalia y su perro Toto logran conmover al público presente, quienes por
cierto les ovacionaron con calurosos aplausos y gritos efusivos de ¡Bravo!
Al finalizar la función apareció una joven con varios cachorros que pretende dar en
adopción a personas que sean amantes de éstos animalitos y se comprometan a
cuidarlos bien.
Es una asociación que a cambio de un saco de croquetas para perro, se
comprometen en vender dos boletos por el pago de uno sólo. La Asociación se
llama “Los Animalistas México” y Usted los podrá contactar en las redes de la
Internet.
LO QUE QUEDA DE NOSOTROS se presenta los días domingo a las 12:30 horas en
uno de los Foros de La Teatrería.
LOS ERRANTES (O ESE AMOR)
POR: Dalia De León Adams
La Secretaría de Cultura a través del Centro Cultural Helénico presentan en el Foro
La Gruta, la obra teatral LOS ERRANTES (O ESE AMOR) escrita y dirigida por
Verónica Musalem, contando con dos talentosos y reconocidos actores, como lo
son Alberto Estrella y Aída López.
Ambos interpretan los roles estelares de dos enamorados, quienes ven destruido
su amor ante la llegada de una tercera persona; una mujer casada con hijos quien
en vías de colaborar en un proyecto teatral, mantendrá una relación clandestina
con su director y actor.
A manera de Sinopsis la compañía difusora expone los siguientes párrafos a
colación de ésta obra:
-Dos actores ensayan la representación más importante de su vida: su propia
separación.-
-Los dueños de un teatro itinerante se separan luego de 20 años de relación. El
duelo de la ruptura los alcanza en una sierra, donde supuestamente, se
encontrarían nuevamente como pareja. Pero las palabras ya no alcanzan y el
sentido de lo que alguna vez fue su amor se les escapa de las manos.-
Puesta en escena en un solo cuadro escénico en donde el actor Alberto Estrella va
sacando de un baúl, según sea la ocasión, algunos artefactos que logran adecuar las
diferentes escenas a presentar, en ésta dramaturgia emotiva tratada a base de
diálogos entre los dos personajes.
Empero, la pluma de la escritora introduce de pronto la voz de un Yo, narrador
mediante el personaje masculino, para contar más allá de los sucesos y con ello
entrar en la psiquis de la pareja a presentar.
Interesante propuesta escénica que muestra más allá de lo evidente hurgando
dentro de los sentimientos de los personajes, quienes desnudan su alma, en torno a
éste drama romántico.
El amor hasta la locura, la pasión, los celos, el hastío y la desavenencia, son los
ingrediente medulares de ésta trama en búsqueda de reconstruir lo perdido; ello
sazonado con la traición y la ruptura de un amor, que nunca dejó de serlo.
Obra tratada con un posible final de rencuentro, ante una visión Pro-machista de la
dramaturga, quien despliega la posibilidad de restituir la relación, a base de la
posesión del ser que se ama.
Cabe aquí mencionar si el lenguaje del amor eterno bajo una promesa de amor, no
es tan sólo un atadura social, venida del ansia y necesidad de poseer hasta los más
íntimos deseos nuestras parejas.
Los personajes son caracterizados con gran plástica actoral o histriónica por parte
de los dos grandes actores Aída López y Alberto Estrella, quienes dan vida a sus
personajes plagándolos de una gran emotividad desgarradora.
Puesta en escena propuesta mediante una temporalidad llena de prospecciones y
retrospecciones temporales, que poco a poco se van hilando dentro de la trama a
tratar, para con ello dar coherencia a la historia de amor de LOS ERRANTES (O
ESE AMOR) que invita a la reflexión en torno a cómo lidiar con nuestros más
íntimos deseos, sin destruir una relación.
LOS ERRANTES (O ESE AMOR) se presenta en el Foro La Gruta del Centro
Cultural Helénico en días sábados a las 18:00 horas.
DANZONES DE ARTURO MÁRQUEZ
POR: Dalia De León Adams
A veces nos preguntamos ¿qué es un danzón? Aún cunado en muchas ocasiones
hemos escuchado y bailado tan rítmica y cadenciosa música, de tal manera qué
hemos llegado a creer que es un ritmo oriundo de nuestro país, cuando no es así,
pese a haberla adaptado algunos músicos mexicanos entre sus acordes.
DANZÓN: danza y Música. Danza y ritmo musical de origen cubano,
proveniente de otro género cubano llamado habanera o danza criolla.
(definición de una página en la Internet).
Y, si hay alguien que ha hecho propia dicho género musical, por su puesto que es el
gran Maestro Compositor Arturo Márquez, quien con su melodioso reparto de 9
danzones, ha logrado cautivar y atrapar la atención en el extranjero, en donde su
gran talento ya es reconocido.
No en balde hoy en día es el Vicepresidente del Patronato y de la Sociedad de
Autores y Compositores de México en el bello recinto del Centro Cultural Roberto
Cantoral, mismo lugar en donde el día de ayer 20 de octubre 2022 se dio cita a la
Orquesta Mexicana de las Artes Ensamble de Solistas para interpretar sus
danzones.
Bajo la batuta de su director de orquesta, el Maestro Eduardo García Barrios,
estando presente el solista Juan Carlos Laguna en la guitarra y Jacob DeVried en el
saxofón soprano, se hicieron sonar ocho de los 9 DANZONES DE ARTURO
MÁRQUEZ, para el regocijo del público seguidor del que hoy en día se ha
convertido en uno de los íconos de la composición en nuestro país.
Con respecto a los DANZONES DE ARTURO MÁRQUEZ se encuentra en una
página WEB algunos datos al respecto detallados de la siguiente manera:
Danzón no. 3 en 1994, Zarabandeo en 1995, Danzón no. 4 en 1996, Octeto
Malandro en 1996, Danza de Mediodía en 1996, Danzón 5-Portales de
Madrugada en 1997, Danzón no. 6-Puerto Calvario.
Previo al evento se contó con la transmisión de un video proyectado en dos
grandes pantallas ubicadas en un extremo del auditorio del Centro Cultural
Roberto Cantoral, con el motivo de hacer alarde de algunas de las remembranzas
del pasado artístico del Maestro Arturo Márquez; además de las palabras emotivas
ofrecidas a colación, de uno de los directivos del recinto.
La música se hizo sonar en dos tiempos y un breve intermedio, cerrando el
Director de la Orquesta Mexicana de las Artes, el Maestro Eduardo García Barrios,
con la interpretación del DANZÓN 2, la cual se ha posesionado como una de sus
obras emblemáticas de Arturo Márquez; danzón por cierto el cual ha sido el más
tocado en nuestra urbe, colocando al maestro en un lugar privilegiado de la
composición universal contemporánea.
ARTURO MÁRQUEZ es el mayor de los nueve hijos de Aurora Navarro y Arturo
Márquez, quien tocaba el violín en un mariachi. A los 12 años emigra con su
familia a Los Ángeles, California, a los 14 toma por primera vez clases de
violín, tuba, trombón y piano, y a los 17 descubre la música como destino y
regresa de Los Ángeles.
Jesús Arturo Márquez Navarro, conocido como Arturo Márquez, es un
compositor mexicano reconocido por utilizar formas y estilos musicales
mexicanos e incorporarlos en sus composiciones. Fue galardonado en 2009 con
el Premio Nacional de Bellas
ARTURO MÁRQUEZ músico prodigio de México
LA BRUJA
POR: Dalia De León Adams
Espectáculo artístico de música perteneciente al género barroco y danza
contemporánea. La música será interpretada por la Filarmónica de las Artes, en la
cual se interpreta principalmente a dos grandes músicos clásicos barrocos, siendo
uno de ellos Antonio Vivaldi Vivaldi.
-Sus cuatro estaciones (en italiano “Le quattro stagioni”) es un grupo de cuatro
conciertos para violín y orquesta; cada uno está dedicado a una estación:
primavera, verano, otoño y invierno del compositor violinista y sacerdote italiano
Antonio Lucio Vivaldi nacido en Venecia 1678 y fallecido en 1741 en Viena. Fue
conocido secularmente como “il prete rosso” (cura pelirrojo).
Al respecto se encuentra en una página WEB:
Joya celebérrima de la música barroca, los conciertos de Las cuatro estaciones
son las piezas más universales de Antonio Vivaldi y de su época. Publicados en
Ámsterdam dentro de la colección Il cimento dell'armonia e dell'inventione
Op.-
Por otro lado como dato anexo le comento qué La Orquesta Filarmónica de las
Artes (OFIA) fue creada en el año 2007 por jóvenes músicos pertenecientes a las
más prestigiadas instituciones de formación musical, cuyo lema, por así decirlo, es
partir de l o que llaman ninfomanía que reza en breve de la siguiente manera
“Haciendo música tus sueños
Y en ésta ocasión tendrán como director musical invitado al Maestro José Bustillos,
quien tendrá la batuta de la orquesta, la cual se presenta por supuesto en vivo
desde el CUC, es decir, El Centro Universitario Cultural.
Al respecto del contenido de la trama, la casa difusora de la Señorita Sandra
Narváez expone lo siguiente en su boletín de prensa:
-LA BRUJA retumba en los ecos del folclor de cada pueblo. A lo largo de los
siglos en las diferentes culturas de todo el mundo, ha existido de manera
histórica este mito que entra en toda una diversidad de leyendas de seres
oscuros femeninos que están a un paso de lo mortal y lo no humano, seres con
sed de inmortalidad.
LA BRUJA es una obra dacística de terror y suspenso en donde se relata la
historia de una familia en el México colonial asentada en las orilla de un
bosque de encinos en el noreste de Guanajuato. La familia es víctima de
fenómenos inexplicables y atroces que comienzan con la desaparición del
miembro más pequeño, manteniendo a la familia entre la angustia y la
incertidumbre hasta el trágico y sorpresivo final de la historia.
Algunos de los personajes que interpretan con sus danzan éste magnánimo
concierto que gira en torno a una historia de terror, varios de los bailarines van
bajando de entre butacas, para subir al escenario con pasos lentos y siempre
rítmicos.
Su danza rítmica y cadenciosa envuelta con la música instrumentada por violines y
cuerdas hace todo un deleite éste espectáculo adosado con colorido vestuario y
hielo seco que invita a pensar en un mundo mágico-irreal.
Obviamente ejecutados por los jóvenes bailarines quienes con sus danzas y
movimientos acorde a la partitura a interpretar, logran darle elocuencia a la
historia de LA BRUJA.
LA BRUJA se presentará los días 21, 22, 28 y 29 de octubre 2022 en el Centro
Universitario Cultural (CUC).
JUANA CACHONDA
POR: Dalia De León Adams
Bajo la autoría de Josué Almaza y la dirección escénica de Ixchel Flores Machorro,
la próxima puesta en escena intitulada JUANA CACHONDA se presentará con
cuatro únicas funciones en el Foro “A Poco NO” el próximo fin de semana.
En entrevista con su directora artística, quien como a-priori menciono es Ixchel
Flores Machorro (y dicho sea de paso es actriz y productora egresada de la Casa de
Teatro, al igual que el dramaturgo de la puesta en escena, Josué Almaza; ambos
oriundos de Puebla) comentaría los pormenores sobre ésta puesta en escena junto
con una de las actrices que forman el reparto estelar, es decir, Mariana Arenal.
La directora Ixchel Flores pese a ser muy joven, ha incursionado en cine, televisión
y teatro, teniendo participaciones importantes como en la serie de “Hernán” en
Amazon Price y “La Malinche” transmitida en el Canal 11; además fue protagónica
en el cortometraje titulado “La Oscuridad” que fue seleccionada en la 60ª Semain
de la Critique du Festival de Cannes.
JAUANA CACHONDA según comentaron, es una dramaturgia que será producida
por la compañía juvenil “Bezbeco” (lobo en zapoteca) de la cual forman parte, que
se integró como tal a partir del año 2016, tratando temas de interés para niños y
jóvenes audiencias en particular, pues aborda problemáticas que actualmente ellos
enfrentan, como son el bulín, la violencia, el acoso sexual, y la inadaptación social.
JUANA CACHONDA alude a un personaje inadaptado, quien a través del Rap logra
empoderar a las mujeres, victimas de abusos, quienes mediante a la inteligencia
emocional y la adaptación con el medio ambiente que les circunda, logran
superarse.
JUANA CACHONDA inició temporada en marzo del presente año 2022 gracias a la
Residencia Artística denominada “Larvas Creativas. Sus representaciones han sido
en el Centro Cultural Helénico, en Los Pinos y, en el Teatro Hormiguero, para
contemplar el cierre próximo, con las funciones que serán el jueves 20 y el viernes
21 a las 20:00 horas, el sábado 22 a las 19:00 horas y finalmente el domingo 23 de
octubre, a la de octubre a las 18:00 horas.
La trama a manera de Sinopsis presentada por la Compañía Bezbeco trata de lo
siguiente:
-Cuenta la historia de Juana, La nueva de la escuela, una chica de 16 años que
no se siente parte de su nueva comunidad escolar, donde se reproducen
violencias cotidianas, y que busca a través de las redes sociales, crear una
imagen de aceptación. Juana cree en la amistad como un regalo que se debe
cuidar con la lealtad y cariño, gracias a ello, podrá acuerpar para defenderse
de sus agresores. Ella encuentra su voz en el rap, ese será el vínculo para
sublimar el dolor. Si le preguntaran a Juana la definición de Cachonda; ella
respondería: “Cachonda”; decidida, que encara las situaciones, libre y sensual
por derecho propio, osada.-
El elenco está formado por Aldo Brigas, Emmanuel Ortega, Valeria Flores, Michelle
Sema, Mariana Arenal siendo ésta última actriz quien en la entrevista mencionara
que no considera que éste montaje escénico pudiera ser considerado como un
musical; sin embargo estarán incluida tanto música de Rap, como Hip Hop, por ser
géneros urbanos nacidos en barrios, acorde con la propuesta escénica.
-El rap es un género musical que incorpora "rima, habla rítmica y jerga
apoteósica", que se interpreta en una variedad de tipos…
La música hip hop, también conocida como música rap, es un género de
música popular desarrollado en los Estados Unidos por afroamericanos y
latinos del centro de la ciudad en el barrio del Bronx de la ciudad de Nueva
York en la década de 1970-. (definiciones en dos páginas WEB).
JUANA CACHONDA es un “dramedi”, que por tanto combina elementos de la
comedia y el drama, que hará reflexionar e incluso reflejarse, a varios de los
espectadores adolescente
LA VIOLACIÓN DE UNA ACTRIZ DE TEATRO
POR: Dalia De León Adams
Dramaturgia de Carla Zúñiga, bajo la dirección escénica de Cecilia Ramírez Romo
que gira en torno a una problemática que desgraciadamente sucede en muchos
ámbitos de nuestra sociedad aún hoy en día.
Me refiero a la violación corporal que continúan padeciendo muchas mujeres
(incluso hombres y niños) ante el oportunismo extremo de sus jefes, amistades,
conocidos, familiares, compañeros, o incluso arrendatarios, por nombran tan sólo
algunos casos.
Temática que por su tratamiento temático se ubica bajo el género de denuncia ante
la impunidad tratada a manera de drama, mediante la cual a escritora intenta
penetrar en la psiquis de los dos personajes vulnerables, quienes son dos mujeres
pertenecientes al medio teatral.
Esto a través el recurso de un diálogo mediante el cual, convergen una actriz y su
asistente justo a punto de dar inicio la función; de pronto surge un problema aún
sin resolver. Problemática que pone a la actriz en el filo de la muerte como posible
opción para dejar de sufrir y de ser “ella misma”.
LA VIOLACIÓN DE UNA ACTRIZ como muy ad-hoc está sugerido justo en el título
de ésta obra teatral, trata del abuso del cual fue víctima la actriz protagónica quien
está a punto de escenificar un libreto en el cual se hace mofa de un caso de
violación.
Suceso que como es bien sabido, dejará huellas profundas no tan sólo en el cuerpo,
sino aún más en la mente de la víctima, a quien le cambiará el rumbo de su vida y
de su personalidad.
¿Qué hacer ante tal suceso? ¿Cómo reaccionar ante el violentador? ¿Sentirse
víctima o coparticipe es la respuesta? ¿Venganza o complicidad es la respuesta?
¿hacer patente el suceso de violencia? ¿callar? ¿resignarse? ¿herir?
Todos éstos cuestionamiento surgen sin tener respuesta clara alguna para el
espectador, quien aún lejano al drama, conoce por lo menos a alguien quien lo ha
sufrido, o ha padecido del suceso a tratar.
La trama se encuentra bien estructurada, contando con una narrativa que se
ejecuta entre las dos actrices protagónicas en escena, quienes confrontarán con
cierto velo de dudas, lo real entre lo irreal sucedido en sus mentes dolidas.
Puesta en escena en un sólo acto y cuadro, que cuenta con una escenografía inusual
en donde se desmonta el escenario frente al público; hecho qué le da más
credibilidad a la trama de estar presenciando una obra de teatro, que está por
comenzar, a manera de meta-teatro.
Formulario que se ejecuta con gran ingenio gracias también a una adecuada
dirección artística por parte de Cecilia Ramírez Romo y, por supuesto, a las
actuaciones de Amanda Schmelz y Carla Camarillo quienes hacen alarde con éstos
personajes de su gran talento y profesionalismo.
Montaje escénico el cual se encuentra co-producido por Teatro UNAM, la
Compañía Nacional de Teatro (CNT) y el Instituto Nacional de Bellas Artes y
Literatura (INBAL) el cual forman parte del Festival Cultura UNAM.
LA VIOLACIÓN DE UNA ACTRIZ se presenta en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, del
Centro Cultural UNAM con funciones de jueves a domingos.
UN OBÚS EN EL CORAZÓN
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Dramaturgia original de Wajdi Mouawad, presentada por la Compañía “Dorado 70”
con la traducción a cargo de Raquel Uriostegui, bajo la dirección escénica de
Rebeca Trejo, y la producción del Teatro UNAM que se ha estado presentando en el
Teatro Santa Catarina en temporada del 9 al 16 de octubre.
La puesta en escena es un recorrido por los miedos de la infancia, ya que relata
el capítulo de extrema violencia que el autor vivió de niño en un ataque
paramilitar en Líbano… (párrafo de Teatro UNAM)
Obra teatral perteneciente al género biográfico y psicológico que a partir del
personaje protagónico, penetra en la psiquis del autor, quien describe un
fragmento de su niñez a partir de un emotivo monólogo con el cual revive una
traumática experiencia durante la guerra civil, de dicho país de origen árabe.
Suceso marcado que aún con el paso del tiempo, continúa afectando su modos
vivendus y la manera de relacionarse en la realidad, en torno a su familia y la
manera de no poder enfrentar sus miedos.
Nacido en el Líbano, cerca de Beirut, exiliado con su familia cristiano-
maronita, a raíz de las revueltas de los años 70, primero a Francia, luego a
Québec, donde se nacionalizó y comenzó su carrera creativa. Autor de más de
una docena de obras de teatro y más de media docena de narraciones y
novelas. (nota de una página WEB)
UN OBÚS EN EL CORAZÓN es un montaje escénico, en donde aparecen una serie
de cuadros transparentes que permiten la proyección de diversos videos breves,
acorde la mayor de la veces, con la narrativa de los sucesos por recordar por el
mismo personaje protagónico cuyo nombre es Wahab y qué enmarcan
perfectamente junto con una plataforma inclinada, la trayectoria que éste realiza
desde su residencia al hospital.
De dicho modo aparece en escena Bernardo Gambo personificando a un joven
quien manifiesta su obsesión por una visión de un ser irreal de extremidades de
madera, quien se le aparece en dos ocasiones trascendentales en que la vida; la
primera en su infancia y posteriormente, justo en su juventud.
Aparición que lo pone en jaque, frente a la angustia de no poder recordar el rostro
de su madre tras de sufrir ésta una terrible enfermedad y a quien el cuida con
esmero hasta llegado el ocaso de su vida.
El miedo, la angustia, la muerte y la violencia son los ingredientes temáticos
medulares de éste drama peculiar presentado en la puesta en escena UN OBÚS EN
EL CORAZÓN.
El mismo autor Wadji Mouawad expresaría de manera metafórica la siguiente
consideración: La infancia es un cuchillo clavado en la garganta, no se saca
fácilmente.
Conjetura que concuerda perfectamente con el sentido que lleva implícita la misma
palabra obús, citada justo en el título de ésta dramaturgia, pues como Usted bien
sabe, el obús significa un proyectil disparado por una pieza de artillería.
Objeto qué para Wajdi Muoawad le caló hasta el alma. UN OBÚS EN EL CORAZÓN
formó parte del Festival UNAM.
EL MUNDO DE LA LUNA
POR: Dalia De León Adams
EL MUNDO DE LA LUNA en italiano IL MONDO DELLA LUNA, es una ópera buffa
escrita en tres actos, creada con la música original de Franz Joseph Haydn y libreto
en italiano de Carlo Goldoni.
Obra operística que se estrenara en el Teatro del Palacio de Eszterházy, en
Hungría, el 3 de agosto de 1777, año en el cual fue escrita a mediados del siglo
XVII por Goldoni.
Con respecto a qué se entiende por una Ópera Buffa, en una página del Internet se
define de la siguiente manera:
-La ópera bufa (del italiano opera buffa, también denominada “commedia per
musica o dramma giocoso per music” es una ópera con un tema cómico. Se
desarrolló en Nápoles en la primera mitad del siglo XVIII. De allí se difundió
hacia Roma y el norte de Italia. Su contraparte estilística es la ópera seria.-
(Página WEB)
Le comento qué en México es la primera ocasión en que ésta obra operística, es
montada en un escenario mexicano de manera formal, siendo en el Teatro Julio
Castillo en el cual se representó por parte del Instituto Nacional de Bellas Artes y
Literatura (INBAL); organismo que ofreció de manera gratuita dos únicas
funciones que se llevaron a cabo el pasado viernes 7 y domingo 9 de octubre de
éste año 2022.
Con respecto su compositor, el afamado músico compositor de ésta ópera buffa, es
bien sabido qué Franz Joseph Haydn nació el 31 de marzo del año de 1732 en la
región de Rohrau, antiguo Archiducado de Austria durante el Sacro Imperio
Romano Germánico, y qué su fallecimiento aconteció el 31 de mayo de 1809 a los
77 años de edad, en Viena, entonces parte del Imperio Austriaco.
Por su parte el dramaturgo Carlo Goldoni nació en Venecia, 25 de febrero de 1707
y falleció en París, 6 de febrero de 1793. Fue un reconocido libretista italiano de la
entonces Serenísima República de Venecia.
Con respecto a los personajes creados por Goldini en EL MUNDO DE LA LUNA
éstos son Ecclitico (Tenor), Ernesto, un caballero (Contralto), Buonafede (Bajo),
Clarice, hija de Buonafede (soprano), Flaminia, la otra hija de Bounafede (soprano),
Lisetta criada de Buonafede (mezzosoprano), y Cecco, sirviente de Ernesto (tenor).
Es interesante saber qué el libreto de Goldoni había sido utilizado previamente por
cuatro compositores, siendo el primer entre ellos el músico Baldassare Galuppi,
interpretado en Venecia para el carnaval de 1750.
- Fue luego adaptada por la versión de Haydn que se presentaría durante las
celebraciones del matrimonio del conde Nikolaus Esterházy, el hijo menor del
patrón de Haydn, el príncipe Nikolaus Esterházy y la condesa Maria Anna
Wissenwolf. A veces se interpreta como un singspiel bajo el título en alemán
“Die Welt auf den Monde”.- (Pág. WEB)
Posteriormente se escenificaría en otros lugares como en España y Argentina entre
otros países. Ahora en México pudimos disfrutar de ésta gran ópera presentada
por primera ocasión en nuestro país de manera formal por Los Solistas Ensamble
de Bellas Artes del INBAL y la Secretaría de Cultura,
Puesta en escena que se presentó en tres actos, cuadros escenográficos muy
diversos y vistosos que simulaban desde una calle austriaca, como una empresa o,
bien, EL mágico MUNDO DE LA LUNA por decirlo de alguna manera, con
apropiados vestuarios al estilo secular, contando con las voces coloridas de
grandes cantantes juveniles en mayoría, poseedores de hermosas tesituras y, por
supuesto, con una magnífica dirección escénica.
El Coordinador General de Ópera y Música, el Señor José Julio Díaz Infante
comentaría qué cada año se han dado a la tarea de poner en escena obras
operísticas de la más alta calidad (totalmente de acuerdo) traducidas al español a
través de formatos teatrales contemplados para ser accesibles para el mayor
número de público.
El montaje escénico tuvo como director concertador, al Señor Christian Gohmer
quien con sus propias palabras comentara qué ésta Ópera, tan sólo había tenido en
México anteriormente lo que llamó “intentos de ser montada” (digamos de manera
un poco amateur) en algunas escuelas y, en el Cervantino-
-Hemos trabajado con la Compañía Nacional de Teatro y la Compañía Nacional
de Danza, pero ésta es la primera vez que colaboramos con la Orquesta Juvenil
Eduardo Mata que depende de Música de la UNAM, integrada por un grupo de
jóvenes becarios y de los más destacados músicos del país. Estoy maravillado
del nivel técnico que tiene.-
EL MUNDO DE LA LUNA se presentó de manera formal en el Centro Cultural del
Bosque, teniendo a Torre de Viento Producciones a cargo de Fabiano Pietrosanti y
a Juliana Vanscoit, quien consideró que el texto está muy bien estructurado: es un
libreto muy actual y muy fácil de ponerlo en un contexto contemporáneo. Todo
es un juego muy divertido y lo que hicimos fue ponerle un lente.
¡EXCELENTE TRABAJO!
10º FESTIVAL ARTÍSTICO DE OTOÑO
POR: Dalia De León Adams
La Sociedad de Autores y Compositores de México cuya sede se encuentra en el
Centro Cultural Roberto Cantoral, su Patronato y el Instituto Nacional de Bellas
Artes y Literatura (INBAL) están uniendo esfuerzos para presentar lo que será el
10º FESTIVAL ARTÍSTICO DE OTOÑO.
Por dicho motivo se convocó a la prensa el pasado día martes 11 de octubre del
año en curso, para dar a conocer los pormenores de lo que será el programa del
10º FESTIVAL ARTÍSTICO DE OTOÑO ya en puerta.
En el presidio del evento se encontraban El Lic. Roberto Cantoral Suzuki, Director
General de la Sociedad Autores y Compositores de México, el icónico Maestro
Arturo Márquez, quien es el Vicepresidente y miembro activo del Consejo de dicha
Institución, el Señor César Elizalde Presidente del Patronato, el Maestro José Julio
Díaz Infante quien es el Coordinador de Nacional de Música y Ópera del INBAL, el
Maestro Eduardo García Barrios, Director de Orquesta en el Concierto 70 Años de
Los Danzones del Maestro Arturo Márquez; también se encontraba la actriz,
bailarina y cantante Kika Edgar y el Señor Ernesto Ramos, Director de la orquesta
Big Band Jazz de México.
Le comento a Usted qué éste evento gratuito ha favorecido alrededor de 5,000
artistas de muy diversos géneros que abraca desde música vernácula, hasta música
de cámara e incluso, mariachis o Tríos.
Géneros como el Jazz, Blues, Danzón, Rock and Roll, Tropical, Guaracha, Guapango,
Corrido, Pop, Balada Romántica, Góspel, Country, Metal, música Disco, etcétera,
han sonado en dicho recinto cultural para participar y ser galardonadas por un
equipo de eruditos en la materia.
Y por primera ocasión en éste 10º FESTIVAL ARTÍSTICO DE OTOÑO se llevó a
cabo en formato Vía Streamig, para participar en el Concurso de Composición
Orquesta de Cámara Arturo Márquez.
El Evento de Premiación se llevará a cabo el próximo día 10 de noviembre y estará
presente la Orquesta Mexicana de las Artes, bajo la batuta del Director Luis Manuel
Sánchez Rivas.
Mismo día en el cual se honrarán grandes creaciones de importantes baluartes de
la música, con conciertos denominados “LOTERÍA MUSICAL. Evento mediante el
cual se interpretarán algunos de los éxitos que llegaron para quedarse, de
compositores de alto nivel como lo han sido Agustín Lara, Alberto Domínguez,
Álvaro Carrillo, Armando Manzanero, Consuelo Velázquez, Roberto Cantoral, Luis
Demetrio, María Grever y Ema Elena Valderrama.
Melodías que serán armonizadas por grandes voces en el marco del, entre las que
se encuentran Paco de María, Kika Edgar y Ed Lorenz, todos ellos apoyados por la
Orquesta Big Band Jazz de México, 10º FESTIVAL ARTÍSTICO DE OTOÑO.
Las obras galardonadas son Cascabeleando de Yoxyer Zamudio Contreras (El
Pollito); Culebra Calentona de Mario Eliud Mejía Hernández; Nahualli; Entre Bichos
y Flores de Arturo Martínez Zanabria; Chinampero de Alberto Guerrero Días de
león; y El Zacahuil.
A colación, en el boletín ofrecido a la prensa se pueden leer al respecto los dos
siguientes párrafos textuales:
-En el marco del Décimo Aniversario del Centro Cultural Roberto Cantoral se
celebra también la primera década del FESTIVAL ARTÍSTICO DE OTOÑO, un
encuentro dedicado a difundir y alentar la creación musical de las
compositoras y compositores de todos los géneros musicales.
Con la participación de más de trescientos artistas, entre creadores e
intérpretes, del género del Danzón a la Big Band y la Música del Concierto a la
Ópera.-
Entre las actividades de la Jornada INBAL-SACM para el día 6 de noviembre 2022
se ofrecerá un concierto a manera de Homenaje o Tributo al gran Maestro Arturo
Márquez, con la música interpretada a cargo de la Orquesta Sinfónica de la
Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, bajo la batuta del Director David
Pérez Olmedo.
Finalmente el evento de Clausura se llevará a cabo el día 27 de noviembre con la
presencia de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes con el director Rodrigo Cadet,
y la participación de los maestros María Granillo y Leonardo Coral y los nuevos
valores entre quienes se encuentran Pablo Teutil.
Y por si todo ello fuera poco, para el 1º de diciembre la reconocida soprano María
Katzarava ofrecerá un recital, acompañada por el pianista Alain Del Real. Eventos
todos, que se presentarán en el hermoso CENTRO CULTURAL ROBERTO CANTORAL.
LA HORA RADIO ROMA 2
POR: Dalia De León Adams.
Divertida puesta en escena que recrea la manera en que se realizaban las
radionovelas, tan apreciadas en los años 40’en nuestro país por toda la audiencia
familiar.
Recordemos que la aún incipiente existencia del televisor, hicieron de la radio la
manera de mayor disfrute del país en momentos de asueto, cuyas transmisiones
eran muy esperadas por los radioescuchas locales.
Música y radionovelas habían comenzado a suplir los teatros tan frecuentados
secularmente, junto con las películas ofrecidas en el cine de Hollywood y del Siglo
de Oro Mexicano.
Respecto a la introducción de la radio en México, se puede leer en una página WEB
lo siguiente:
Fue a partir de estas fugases trasmisiones experimentales que la escena
radiofónica comenzó a tomar forma y se creó, en 1923, la primera
radiodifusora comercial con las siglas C.Y.L, establecida por Raúl Azcárraga en
sociedad con el periódico El Universal.
La invención de las transmisiones a larga distancia secularmente sacudió al
mundo. Inventó que surgió a través de un experimento que resultaría todo un éxito
y qué cambiaría el rumbo del mundo del espectáculo y la comunicación masiva.
Fue el 14 de mayo de 1897, en que Guglielmo Marconi (Bolonia 1874) envió la
primera comunicación inalámbrica a través de mar abierto, a una distancia de
seis kilómetros, desde el canal de Bristol (Inglaterra) a Penarth, una localidad
de Gales.
Señal que sería el parte-aguas de la radio, el televisor y todos los medios de
comunicación posteriores, y así, tres años más tarde, es decir en 1926, la televisión
fue inventada por el inglés John Logie Baird en 1923 en la ciudad de Hastings.
Pero volviendo a la reciente puesta en escena de la magnífica obra teatral LA
HORA RADIO ROMA 2, ésta no es una obra de corte documental, sino una
divertida comedia y espectáculo visual, en donde los actores son sometidos a
prueba en base a una serie de estímulos; manera por medio de la cual demuestran
el talento actoral o histriónico, cada uno de los integrantes del reparto.
Dramaturgia a cargo de Jerónimo Best, Cristóbal Montiel y Camila Brett, siendo
ésta última quien junto con Artus Chávez, dirigen la obra. En ella actúan Ana
González Bello, Cristopher Agulasocho, Hamlet Ramírez, Johanna Murillo, José
Carlos Illanes, José Ramón Berganza, Majo Pérez, Miguel Santa Rita y Nohemí
Espinoza
Le comento qué por segunda ocasión las compañías productoras “Prospero
Teatro” y “Tercera Llamada” presentan éste exitoso montaje escénico, teniendo
hoy en día como invitados especiales a artistas como lo son Monserrat Magañon
(con quien se reestrenó la obra teatral), Michelle Rodríguez, Regina Blandón,
Poncho Borbolla, Claudia Álvarez y Mauricio Barrientos (El Diablito).
A colación de ésta puesta en escena, en el boletín de prensa aparece la siguiente
cita textual:
-LA HORA RADIO ROMA 2 el programa radiofónico más escuchado de México,
regresa al aire a través de la XYZ, la estación más divertida transmitiendo su
señal desde el Centro Cultura Helénico. Se trata de una intrépida producción de
Próspero Teatro y Tercera llamada…
La puesta en escena es una invitación para que el público presencie lo que
sucede al interior de una cabina de un programa radiofónico en los años 40,
minutos antes de salir al aire y durante toda la transmisión en vivo. Es una
propuesta escénica muy lúdica en la que el elenco improvisa a partir de relatos
como La quedada, donde una mujer quiere probarle al mundo que el amor
existe aún después de los 35 años, así como Ramamán el magnífico - cualquier
parecido con Kalimán es mera coincidencia-, quien intentará resolver el caso
del Jaguar de jade para salvar a la Ciudad de México de una invasión sombie.
Éstos dos episodios son intercalados por entretenidos comerciales, cuya
originalidad será un disfrute para los espectadores.
LA HORA RADIO ROMA 2 se presenta en el Teatro Principal del Centro Cultural
Helénico los fines de semana, hasta el día 18 de diciembre.
SI TE MUERES…¡TE MATO!
POR: Dalia De León Adams
Guillermo Wiechers productor general de la obra teatral SI TE MUERES… ¡TE
MATO! el pasad sábado 8 de octubre 2022, ya estrenó ésta divertida comedia de
enredos.
Dramaturgia matizada por muchos “dichos populares” con una peculiar trama a
presentar, con formato de humorismo negro, que empero, es propia para toda la
familia por lo cual sus funciones son en horario matutino y vespertino.
Teniendo como elenco estelar a dos talentosas mujeres del medio actoral, me
refiero a la actriz Susana Alexander y a su co-protagónica, la Señora Azela
Robinson, quienes juntas logran formar una gran mancuerna en el escenario, bajo
la dirección de Leticia Amezcua.
Ambas exitosas actrices hacen pasar 90 minutos de risotadas constantes, pese a
que la Señora Robinson se ha dado a conocer más, en el medio de la actuación de
corte dramático; sin embargo con ésta puesta en escena ha demostrado que tener
grandes tablas en el escenario, al igual, por supuesto que la reconocida Primera
actriz, Susana Alexander, de quien no es necesario agregar ningún comentario,
pues todo el público conoce su gran gama histriónica, en cualquier género actoral
que interpreta.
Al respecto de éstas dos actrices, en el programa de mano se lee el siguiente
párrafo textual:
-Bajo el título de SI TE MUERES… ¡TE MATO! Susana Alexander emperatriz de
la escena que todo ha demostrado y todo ha conseguido eternamente en el
teatro decide volver para plantarse frente a un auditorio que en minutos la
verá como nunca antes: dinamitando la chispa del alter-ego de la comediante
que la acompaña en la vida diaria, para quines tenemos la fortuna de ser sus
amigos más allegados. Para este victorioso retorno, la Alexander ha decidido
generar complicidad con un torbellino de histrionismo de la siguiente
generación, la inigualable Azela Robinson. Alexander y Robinson trabajan
juntas por primera vez, pero tienen un bagaje en común integrado por
anécdotas, autores, directores, productores y una formación británica que las
hace respectar un escenario al nivel de un templo religioso.-
SI TE MUERES… ¡TE MATO! Es una comedia presentada en un acto, el cual se
encuentra dividido en cinco cuadros escenográficos a cargo del Señor Rogelio
Croda, quien presenta en el escenario una sala de un departamento, en donde se
desarrolla cada escena marcada por el cambio de algunos objetos de utilería y del
despliegue del telón.
A manera de sinopsis de la dramaturgia, la trama presenta a dos mujeres
enfermeras, quienes durante un largo periodo se han dedicado al cuidado de una
anciana extranjera llamada Radojka (Radi).
Ambas asistentes vivirán un suceso inesperado que hará cambiar su rutina laboral
y, en espera de algunas llamadas telefónicas, realizadas por parte del hijo de la
anciana Radojka, mediante breves conversaciones a través de una traductora, será
qué la historia adquirirá diversos matices.
Con respecto a los escritores de este embrollo de comedia divertida, en el mismo
programa de mano su productor general, el Señor Guillermo Wiechers, se expresa
con las siguientes palabras:
-La obra Radojka salió de la mente de sus geniales escritores, los uruguayos
Fernando Schmidi y Christian Ibarzábal, para sumarse a una larga lista de
triunfos particularmente consolidados en el ámbito de la televisión. Sin
deberla ni temerla su más reciente colaboración transmutó a una comedia que
francamente no se parece a nada ¿y ha logrado romperla en una decena de
países! Radojka no sólo puede presumir su éxito en la taquilla, sino de haberse
convertido en el pretexto idóneo para que el público que escuchaba la
recomendación, se viera obligado a regresar a las salas teatrales tras el temor
post-pandémico de acudir a un recinto cerrado . Uruguay, Chile, Colombia,
Perú, República Dominicana, Costa Rica y España, entre otros países han
descubierto la premisa de una historia que afortunadamente recae sobre un
humor deliciosamente negro.-
En el rol del personaje protagónico de Lucía, aparece la actriz Susana Alexander,
compartiendo como a-priori menciono, las escenas con la actriz Azela Robinson,
quien caracteriza al co-protagónico de Gloria; sin embargo dos personajes
complementarios, con pequeños papeles secundarios, surgirán con gran
relevancia.
Y como afirman sus creativos, SI TE MUERES… ¡TE MATO! Es una comedia más
negra que un cuervo bañado en petróleo. La comedia se presenta en el Teatro
Fernando Soler, del Centro Teatral Manolo Fábregas, con funciones dobles los días
sábados y domingos.
MERECIDO RECONOCIMIENTO A MARIO IVÁN MARTINEZ
POR: Dalia De León Adams
Por supuesto qué MARIO IVÁN MARTÍNEZ no necesita de mucha presentación,
pues hoy en día su gran talento artístico le hacho ser muy reconocido y apreciado
en el medio tanto actoral, como musical e incluso como escritor y dramaturgo.
No cabe duda que uno de artistas más completos quien se ha convertido en un
ícono como “Cuenta Cuentos” infantiles es el además cantante, musicólogo,
productor y empresario de discos, MARIO IVÁN MARTÍNEZ.
Ha realizado grabaciones en contubernio con el músico laúdista Carlos Corona,
material en donde incluyeron obra y música secular shakespeareana, gracias a la
voz privilegiada de Mario Iván Martínez dentro de dicho género.
Le comento qué además ha sido apoyado en algunos de sus eventos musicales,
contando con grandes orquestas nacionales, como lo son ”La Orquesta Sinfónica
Nacional y la OFUNAM presentándose en recintos emblemáticos como los son El
Palacio de las Bellas Artes, La Sala Netzahualcóyotl y en el Teatro de la Ciudad
Esperanza Iris; además de haber interpretado cánticos como solista, en La Capilla
Gótica del Centro Cultural Helénico.
Oriundo del Distrito Federal, hoy en día la Ciudad de México, nació el 17 de febrero
de 1962 dentro de una familia de artista, siendo su padre un importante locutor
del momento, Don Mario Iván Martínez y su madre la actriz gran Margarita Isabel;
además de ser primo de la directora teatral Luly Rede
Su inquietud como artista, además de la casualidad, le hizo desde muy pequeño
subir al escenario de donde ha hecho con sus múltiples aptitudes artísticas, su
propia casa, por decirlo de algún modo.
Muy joven viajó a Londres en donde realizó sus estudios profesionales en The
Edron Academy bajo el auspicio del Consejo Británico, haciendo suyo además el
idioma local inglés y, el francés, de los cuales con frecuencia ha hecho gala.
Como actor ha incursionado en todos los medios artísticos de la actuación, es decir,
en el teatro, en el cine y en la televisión, con participaciones que le han hecho ser
ovacionado en más de doce asociaciones periodísticas, obteniendo un Premio Ariel
como Mejor Actor Masculino, además del Premio en la Revista TVyNovelas como
Mejor Co-estelar.
Aparece en películas y programas televisivos, tal y como son Como agua para
chocolate, Suave patria, La habitación azul, La Liga de los cinco, Amor real, Mañana
es para siempre y El vuelo del Águila.
Ha producido varios video-cuentos, además de escribir libros físicos infantiles,
recibiendo por esto último una presea por su labor, por parte de la Cámara
Nacional de la Industria Editorial Mexicana (CANIEM).
Escribió la dramaturgia “Van Gogh, un girasol contra el mundo” en donde actuó
espléndidamente caracterizando a dos personajes a la vez, tras de un largo estudio
sobre la vida y obra del pintor, recorriendo personalmente los lugares más
emblemáticos de la existencia de Vincent.
En su Curriculum Vitae cuenta con el “Homenaje” los directivos del Teatro del
IMSS, que le otorgaron por su gran trayectoria artística y, por los 20 años de
representaciones por su obra infantil “Descubriendo a CRI-CRI” evento efectuado a
inicios de éste mes de octubre 2022, en el Teatro Hidalgo, en donde se develó una
Placa Conmemorativa.
MARIO IVÁN MARTINEZ entre varios proyectos más, ha colaborado en montajes
escénicos en el Centro Cultural Helénico, los cuales son El diario de un loco, Música
y obra en tiempos de Shakespeare, Van Gogh un girasol contra el mundo, Cri-cri
que dejen toditos los sueños abiertos, Conoces a Wolf, Navidad de cuentos,
Armonicus Cuatro, Un cuento de navidad y ¿Qué me cuentas Don Quijote?
Por dicho motivo, y por su impresionante labor artística, la Secretaría de Cultura a
través del Centro Cultural Helénico, el día de ayer 7 de octubre, le manifestaron su
reconocimiento a su importante labor, por lo que para “Honrar el talento y
Generosidad del Maestro MARIO IVÁN MARTÍNEZ” (palabras textuales por parte
de su directivo del recinto, el Maestro Antonio Zúñiga ,Chaparro, quien
conjuntamente con su equipo) le otorgándole una presea, entre ramos de flores y
palabras de agradecimiento.
¡EN HORA BUENA, MARIO IVÁN MARTÍNEZ!
ACTIVIDADES DEL CENTRO CULTURAL “LA CAPILLA”
POR: Dalia De León Adams
El CENTRO CULTURAL “LA CAPILLA” convocó a la prensa para dar a conocer las
actividades que se llevarán a cabo la Segunda Semana Internacional de la
Dramaturgia Contemporánea.
Para tal efecto estuvieron presentes por supuesto el Maestro Boris Shoemann
quien funge como directivo del Centro, junto con el actor y coordinador, el Señor
Enrique Saavedra.
La programación se llevará a cabo de forma tanto hibrida (del 24 al 28 de octubre)
como presencial en “La Capilla” durante los meses que van del mes de octubre a
diciembre del presente año 2022.
En la conferencia de prensa estuvieron presentes los artistas Antón Araiza, Patricia
Loranca, Hugo Arrevillaga Itari Marta y Daniel Haddad, quienes tomaron la palabra
para exponer su agenda de actividades, al respecto.
Dentro de la programación se enuentra incluidas algunas compañía teatrales
procedentes del Estado de México y de Hidalgo, que anteriormente fueron
seleccionadas por medio del Circuito de Artes Escénicas en Espacios
Independientes.
EL CENTRO CULTURAL “LA CAPILLA” también presentará sus ya icónicos Cuentos
Antinavideños, además de los ahora llamados Antinavideñitos contando con
representaciones de manera presenciales, los cuales por cierto, están
contemplados ser puestos en escena, de acuerdo con las elecciones a través de un
Taller, a cargo de la Maestra Jimena Eva Vázquez.
Las actividades incluirán tanto puestas en escena, como actividades escenificadas
para todo género de público y edades, en donde se incluyen algunas de las obra
teatrales contemporáneas independientes.
Aunado a esto, le comento a Usted qué La compañía “Los Endebles” así como el
Teatro “La Capilla” están celebrando el Vigésimo Aniversario de la existencia de
“La Semana Internacional de la Dramaturgia Contemporánea”.
También se celebrará el Décimo Noveno Aniversario de los tradicionales Cuentos
Antinavideños y, los Setenta Años de existencia del Teatro “La Capilla”, festejado
todos éstos, con transmisiones Vía Streaming, así como algunas conferencias en
línea, y talleres, en donde se tienen contempladas las participaciones de los
canadienses Michel Marc Bouchard y Larry Tremblay; el español Alberto Conejero;
el colombiano Carlos Satizabal: y el mexicano Mario Cantú, Mariana Hartasánchez
y Conchi León.
Y por si esto fuera poco, además se contará con lecturas dramatizadas de algunas
luminarias del teatro y el retorno de algunos montajes escénicos que ya han
formado parte de la cartelera del Teatro “La Capilla” y del Teatro “Novo”.
Por fin regresa CARMINA BURANA
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
La pasada noche del 4 de octubre 2022 el Auditorio Nacional, se vistió de gala con
la presentación del maravilloso espectáculo musical, operístico, dancístico y visual,
intitulado CARMINA BURANA
CARMINA BURANA producción monumental es un espectáculo creado a partir
de la maravillosa cantata de Carl Orff, con danza, un cortometraje
especialmente creado para la obra y escenografía. Y por iniciativa de Cenit
Entertainment SA de CV y los hermanos Edith, Arturo y Alejandro Morales.
(Nota textual del programa)
Espectáculo reconocido por su gran calidad artísticamente, que por primera
ocasión se estrenó de manera internacional el día 20 de noviembre de 2008, en el
mismo recinto cultural del Auditorio Nacional de la Ciudad de México, en donde se
está presentando hoy en día.
Por su magnífica calidad artística sería ovacionado inmediatamente en 2009,
recibiendo a colación el Premio “Lunas del Auditorio” en el rublo de Mejer
Espectáculo Dancístico del Año.
Reconocimiento muy merecido qué es acorde al “sold out” que ha logrado en
taquilla, gracias al público conocedor del talento artístico, quien les ha dado
calurosos aplausos brindado por los espectadores de pie.
Al respecto de ésta monumental puesta en escena, en el programa podemos
continuar leyendo una siguiente cita textual escrita por el manager cubano de
danza contemporáneo, el Señor Jorge Brooks Gremps:
Son evidentes la sátira, la crítica al poder, las múltiples obsesiones del hombre,
la convivencia con una desenfadada cosmogonía onírica-erótica, apoyadas con
canciones de taberna, más cercanas por su contenido de Rock, al Pop, a la
fisión y otras corrientes musicales de nuestra contemporaneidad, que a los
cánticos religiosos.
La coreografía se construye con movimientos populares citadinos, como
herramientas para armar las composiciones espaciales; el amor se manifiesta
desde el virtuosismo físico de los bailarines, que enfatizan la perspectiva
carnal, directa, mercenaria muchas veces, en el mundo farandulero que con
histrionismo hiperboliza extremos de vida. Estos constituyen algunos de sus
temas fundamentales, característicos de todos los tiempos.
Así es como cánticos sacros interpretados por una monumental orquesta en vivo
conferenciada por el maestro Gerardo Kleinburg e interpretada de manera
magnánima por la cantante operística Filippa Giordano han armonizado el evento,
aunados con la expresión corporal de los bailarines profesionales, en el que por
cierto destaca el gran bailarín solista de fama internacional, Sergio Bernal.
Todo ello se unifica con proyecciones visuales que terminan de ofrecer un
maravilloso espectáculo, en el que la calidad plástica se manifiesta a flor de piel en
el escenario, con la danza contemporánea proveniente de Cuba, bajo la coreografía
de George Céspedes y la dirección del Maestro Miguel Iglesias.
Evento en el cual se agregan las melódicas voces del Coro “Enharmonía Vocalis”
que ofrecen un vasto repertorio sinfónico, aunado con El Coro Infantil “Schola
Cantorvm” (instituto especializado en estudios de la música clásica) que
finalmente logran que el espectáculo artístico CARMINA BURANA sea realmente
¡TODO UN DELEITE!.
LOS DÍAS DE NIEVE
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Dramaturgia de Alberto Cornejo, bajo la dirección artística de Kermin Martínez
que se recrea en la vida de la poetiza española Josefina Manresa Marhuenda
nacida en Quesada 1916 y fallecida por cáncer de mama, en 1987.
Texto con tintes dramáticos que a colación menciona a quien fuera su marido, el
gran poeta español Miguel Hernández (1837-1942) cuyos versos le amor dedicara,
y qué evidentemente en parte, son recitados de manera enfática por la actriz
protagónica Carmen Vera.
Teniendo una escenografía a media luz, en donde hielo seco cubre parte del
escenario, produciendo con ello la sensación de antigüedad, la actriz aparece
inicialmente viendo proyecciones de algunas fotografías, además de contar con un
guitarrista en vivo, quien con su música le da un mayor toque de emotividad a
algunas escenas.
Josefina Manresa publicaría a manera de libro físico “Cartas a Josefina”, siendo
parte de algunas, las que la actriz Carmen Vera, protagonista de éste personaje, lee
de manera emotiva y enfática en escena.
Otro de sus libros fue el intitulado “Recuerdos de la Vida de Miguel Hernández”
que sirven a manera de breviario a la dramaturgia, como se logra percibir n éste
montaje escénico. (Además se encuentra entre sus escritos “Epistolario Inédito
sobre Miguel Hernández” y ”Entre Darío Puccini y Josefina Manresa”).
Puesta en escena en un acto y un cuadro escenográfico donde se incluye a manera
de taller de costura, una máquina de coser y una maniquí, junto con un porta-
trajes, y una mesita con su silla, en donde se encuentra colocado el proyector.
La actriz Carmen Vera, mientra emite su discurso a modo de monólogo, sugiere
estar con una extraña cliente presente, mientras ella termina de confeccionar un
vestido de color “mar” (acorde al texto) a quien cuenta gran parte de su vida, su
relación con el poeta, la muerte sus padres durante el franquismo y de su hijo
primogénito a tan sólo diez meses de nacido (Manuel Ramón), el nacimiento de su
segundo hijo (Manuel Miguel) y su tiempo de gran soledad, apoyada en su máquina
de cocer la cual le parecía con su sonido, producir música.
A manera de Sinopsis, en la cartelera teatral sobre éste drama unipersonal. Se
puede leer textualmente lo siguiente:
-Una costurera está a punto de terminar su último encargo: un vestido color de
mar. Entre puntada y puntada ella rememora su vida a través de la poesía, el
amor y los días amargos. Una pasión histórica con un marido que murió en la
cárcel, un padre fusilado en la guerra, una garganta que encierra secretos. Esa
costurera se llama Josefina Manresa y, su amor, el gran poeta español Miguel
Hernández. ¿Quién espera ese vestido?
DÍAS DE LA NIEVE se presenta en la Sala Novo, del Centro “La Capilla”
FAMILIAS MOSTRUOSAS
POR: Dalia De León Adams
Divertido teatro cabaret, propio para toda la familia, que tiene como dramaturgia
original el texto a cargo de Fernanda Tapia y Andrés Carreño, bajo la dirección
artística de éste último creativo.
Puesta en escena que congrega a todos los personajes míticos de misterio y de
horror, propios de ficción como lo son, la Llorona, el Coco, Frankenstein, el hombre
Lobo, las Momias de Guanajuato, el conde Drácula, el cuervo Negro y a niña tuerta
solitaria que va cargando su propio Ojo en la mano.
Todos ellos irán en búsqueda de ¿quién robó el pan de muerto del Altar? teniendo
una temática medular, que gira en torno de una historia de intriga, búsqueda y
suspenso, en donde “Lo nada normal” resulta ser “Lo normal.
Obra considerada como propositiva qué además promueve la igualdad en todas
sus premisas o modalidades, como lo son la sexual, la racial, la económica, la
cultural y la de identidad.
Así es como los personajes adosados con trajes coloridos y adecuados al rol del
personaje por interpretar, son caracterizados por cinco dinámicos y versátiles
actores, quienes cubren distintos roles en escena.
El reparto estelar está formado principalmente por sus mismos dramaturgos,
quienes como a-priori he mencionado, son Fernanda Tapia y Andrés Carreño,
quienes comparten el escenario con, los actores Iván Serrano, José Ponce y
Montserrat Ángeles Peralta; siendo ésta última quien alterna con la actriz Adriana
Ocampo.
Obra teatral de denuncia en cuanto a lo que no debe continuar siendo un legado
cultural en nuestra sociedad, como lo son la fata de valores en cuanto a defender y
respetar lo ajeno, el no mentir, la prepotencia familiar asumida generalmente por
los padres y, el derecha a identificarse acorde a sus propios sentimientos o
decisiones.
FAMILIAS MONSTRUOSAS termina siendo un título muy ad-hoc a la trama de ésta
puesta en escena, en el sentido en que se van presentado algunos números por
grupo de familias; cada uno de los monstruos míticos aparece en el escenario con
su propia mini-historieta, las cuales se unen finalmente, ante la incógnita de ¿quién
robo el pan de muerto?.
Acerca de la Sinopsis de ésta comedia o cuento propositivo, se puede leer en
cartelero lo siguiente:
-Soledad es una niña muy sola que espera con ansias el festejo del día de los
muertos para convivir y por fin tener amigos. Pero un suceso inesperado se
interpone: alguien roba el pan de muerto de la ofrenda y el festejo se cancela.
Los padres de Soledad dicen que las causantes de tal robo son las familias
extrañas que han llegado a la escuela: una pareja de vampiros y su hija Luz
Clarita: La Llorona, madre soltera con su hijo el coco; las momias, abuelitas de
Frankenstrans; y la familia aumentada de lobos. Edgar Alan, el cuervo,
ayudará a Soledad a visitar a ésta diversidad de familias y tratar de averiguar
qué pasó. ¿Quién lo robó? ¿Se hará el festejo? ¿Estará vivo el pan de
muerto?¿Todas las familias deben ser de una sola manera?
FAMILIAS MONSTRUOSAS se presentan en días sábados y domingos a las 13:00
horas en el Teatro Helénico
AQUÍ TODO SE SABE
POR: Dalia De León Adams
Teatro breve presentado en su 9ª temporada con 4 historias, 4 actores, 11
personajes y una sola dirección; así es como se expresó el Señor Hugo el
dramaturgo y productor de éste espectáculo correspondiente al género de la
comedia.
AQUÍ TODO SE SABE está dirigida por Daniela Parra, quien obtuvo su licenciatura
en Ciencias de la Comunicación en la Universidad Anahuac, además de haber
realizado sus estudios de actuación tano en CasAzul, como en la empresa ARGOS.
En la obra teatral actúan Paola Izquierdo, egresada de la Escuela Nacional de Arte
Teatral (ENAT) y del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), quien
además cuenta con una maestría en Pedagogía Teatral del mismo instituto.
También aparece la actriz y cantante Astrid Mariel Romo, quien está realizando sus
estudios de licenciatura en actuación en la Escuela de Teatro y ha realizado
algunos estudios de canto con algunos profesores del Conservatorio Nacional,
además de cursos de entrenamiento en baile.
El actor Jorge Erwin Veytia Ezqivel es egresado de la Escuela Nacional de Arte
Teatral, con especialización en teatro clásico inglés en London Academy of Music
and Dramatic Art, y cuenta con un diplomado en Pedagogía Actoral.
Y finalmente el actor Misha Arias de la Cantolla realizó sus estudios en El Foro del
Teatro Contemporáneo, posteriormente ingresando en Paris, a la Escuela
Experimental de la Voz en Panthéàtre ACTS, para finalmente realizar unos estudios
en El Conservatorio de Arte Dramático CNSDA del mismo país.
Le diré qué todos ellos cuenta con un historial curricular importante en cuanto a
experiencia laboral se refiere, y hoy en día son los actores que forman el elenco del
montaje escénico AQUÍ TODO SE SABE en la cual se representan cuatro obras
breves, intitulada la primera ”Medio Grande”, en la cual la tía, es grosera y mal
portada y deberá ser cuidada por la su familia; la trama se recrea en los años 50’s.
La segunda es “Redención” presenta una problemática que surge entre dos
antiguos colegas de la escuela, justo en el sepelio de una de las que también fuera
compañera de grupo.
La tercera representación corresponde a “Salvador” en cuya trama se desarrolla en
un consultorio psiquiátrico en donde tanto el médico, como el paciente, son un
tanto peculiares.
Finalmente se representa la mini-obra BABY la cual trata de una joven mujer quien
decide ser madre, por lo cual invitará a un exnovio para intentar su objetivo, sin
embargo, él llegará acompañado.
AQUÍ TODO SE SABE se presentará a partir del día 12 de octubre en el Foro
Shakespeare a las 20:30 horas.
NUESTRO AMADO GENERAL
POR: Dalia De León Adams
-Una obra de Luis Ayhllón, quien realizó una adaptación de Espectros de Ibsen
(por la cual fue reconocido en Noruega con el Ibsen Scope Grant), en la cual
aborda las relaciones de poder que comienzan con la familia y su relación con
lo público; además de un juego de espejos sobre el origen de la violencia en
México.-
Así es como se expresan en la información que proporciona el Teatro UNAM con
respecto a la reciente puesta en escena de NUESTRO AMADO GENERAL. Puesta en
escena adaptada y dirigida por Luis Ayhllón basada en la dramaturgia de Henrik
Ibsen, intitulada “Espectros” que recrea el poderío político, sus desavenencias,
abusos extremos, excesos y abundancias.
La dramaturgia “Espectros” cuya traducción al español también aparece como “Los
aparecidos” ha sido una obra teatral planeada para ser montada en tres actos
escénicos, del dramaturgo noruego Henrik Ibsen, quien la escribiera en el año de
1881; sin embargo se estrenaría un año más tarde (en 1882).
Empero a ello, Luis Ayhllón la presenta en un solo cuadro escenográfico y un
tiempo escénico en el cual se muestra el busto o estatua del General Amado Durán
de un gran tamaño, dentro del cual salen y entran algunos de los actores para dar
paso a la trama.
Además cuenta con dos mega pantallas que sirven de apoyo visual, en éste drama,
en donde el General Amado Durán es actuado por el gran actor, Juan Carlos
Colombo, quien aparece en algunas escenas multimedia, al igual que parte del
reparto estelar y cuyas escenas son musicalizadas con piezas clásicas.
A manera de drama, la sinopsis de ésta obra presenta la vida de la familia Alving,
cuyo hijo único de la pareja presidencial se llama Osvaldo (caracterizado por Ulises
Martínez).
Éste tras de haber salido de un seminario, para después ser enviado a una
universidad de la Unión Americana, por parte de su madre Aurora Durán
(interpretada por Irela de Villers) regresa y se encuentra que su padre ya había
fallecido mediante un accidente aéreo que a él le resulta un tanto sospechoso.
Momento tras del cual se enterará además qué su padre fue un hombre quien
padeció de alcoholismo, de muy mala reputación, y de carácter infiel, quien tuvo
una hija (Silvia García en el rol) tras de un acto de violación; joven quien
permanece en su casa como empleada, al igual que su supuesto padre (estelarizado
por Francisco Aurelio Sánchez).
Osvaldo padecerá de la enfermedad del sífilis por herencia y se encuentra con una
madre además adicta, quien había sufrido durante largo tiempo por causa de su
esposo el General Amado Durán, a quien debe su adicción, según ella misma
argumenta.
Dentro de éste drama con tintes políticos, secularmente tratada en el siglo pasado,
no podía faltar la figura de el cura León, un hombre pedófilo y corrupto, quien
según el texto, intentara tiempo atrás de manera fallida, vender la imagen de la
virgen mexicana, sacerdote interpretado por el muy talentoso actor Rodrigo
Vázquez.
Finalmente le expongo otro de los párrafos textuales expresando en su boletín de
prensa:
NUESTRO AMADO GENERAL es un collage rítmico de múltiples texturas y
recursos, con ciertas referencias a la historia reciente de México, que en su
mayoría pertenecen a relatos de la memoria colectiva o son testimonios de
amigos, conocidos o prensa, que van desde la Revolución Mexicana hasta la
Guerra contra las drogas en el sexenio de Felipe Calderón (2006-2012).
Se considera esta obra como un exponente de la corriente denominada novela
lírica, que entra dentro del género de la novela histórica, acorde con su tratamiento
narrativo.
Puesta en escena que cuenta con un gran reparto estelar, así como un magnífica
adaptación a la realidad mexicana, realizada por su también director escénico Luis
Ayhllón y, una buena realización escénica y musical.
NUESTRO AMADO GENERAL se presentará en tan sólo dos semanas con horarios
dobles de miércoles a domingos en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, en el Centro
Cultural UNAM (CCU)
REBELIÓN
POR: Dalia De León Adams
Roberto Mosqueda es el talentosa dramaturgo, director y actor de ésta puesta en
escena unipersonal, en donde se desempeña caracterizando a diversos personajes
que interpreta, con el talento histriónico que le caracteriza.
Ello teniendo tan sólo de apoyo escenográfico cuatro barriles ubicados en el
escenario, los cuales él mismo va movilizando para dar ilación a cada escena y, de
donde poco a poco va sacando, según sea necesario presentar, diversos objetos de
utilería, para darle vida a un conflicto en donde la REBELIÓN es el juego a seguir.
Saltos atléticos, a veces combinados con diversos movimiento corporales y la
modulación de su voz, aunada con el maquillaje alrededor de los párpados y la
vestimenta sombría que se suman a la iluminación a media luz, dan el efecto de
infortunio que lleva implícita éste drama de ficción, que sin embargo enmarca
perfectamente las desaventuras de cualquier REBELIÓN.
Teniendo como arquetipo el uso de nombres significativos para Roberto
Mosqueda, éstos los utilizará para dar nombre a sus dos personajes protagónicos,
siendo el de “Badi” uno de éstos; palabra de origen otomí, que según el mismo
explicó, se traduce como el hechicero o sabio. (Palabra que también significa
maravilloso o fantástico en árabe antiguo). EL segundo personaje protagónico lleva
el nombre de un pueblo antiguo.
La musicalización, también aclaró Roberto Mosqueda, fue hecha para que cada
personaje fuera identificado dentro de la representación, acorde con perfil con el
cual es caracterizados cada uno.
En cuanto al título REBELIÓN termina siendo muy suigéneris a la temática a tratar,
en donde la injusticia, violencia, la maldad, el sometimiento, el poderío, la
imposición y la sumisión, son los ingredientes esenciales de los conflictos masivos
recalcitrantes que presenta la trama.
A manera de Sinopsis de la obra, se puede leer en la cartelera teatral la siguiente
acepción al respecto:
-Una civilización, gobernada por El Régimen, es azotada cíclicamente por la
crisis de desaparición de mujeres y el descontrol del virus de la “sombra
marrón” .
Badi -el viejo- y sabio guía de una revolución social que busca librarse del cruel
gobierno, ha sido asesinado y el caos domina a su grupo de disidentes. Antes de
salir a destruirlo todo, uno de ellos –el Sin Nombre, un ex sicario mutante-
develará a sus compañeros la verdadera historia de su líder y cómo sus vidas
se cruzaron en un trágico destino.
Sus revelaciones podrían ser la luz que guíe la REBELIÓN.-
La Compañía Roberto Mosqueda, arte escénico & AOPARescena presenta los días
miércoles a las 20:00 horas el montaje escénico de REBELIÓN concluyendo el 28
de septiembre 2022.
PARTISTE PRÍNCIPE
POR: Dalia María Teresa De León Adams
A manera de homenaje aL gran interprete José José, nuestro “Príncipe de la
Canción” el día de ayer 20 de septiembre 2022 se invitó a la prensa para asistir a la
conferencia en donde se darían a conocer algunos de los pormenores de lo que se
planea será un concierto intitulado PARTISTE PRÍNCIPE.
José José volverá a ser recreado para el gozo de todos sus seguidores,
interpretando algunas de sus canciones más afamadas, gracias a la tecnología que
hará que la magia del evento sea posible; innovaciones con la realidad virtual
mixta, presentada en base a una holografía digital que fue expuesta por parte el
Señor Manuel Ibarra, de manera breve.
La cita de la rueda de prensa se llevó a cabo en “La Casa de la Cultura
Azcapotzalco” en donde se presentó su alcaldesa, la maestra Margarita Saldaña,
quien abrió la conferencia de prensa, presentando a los integrantes del podio,
entre los que por supuesto se encontraba el hijo del cantante finado, José Joel.
El también cantante José Joel habló sobre el concierto qué dicho sea de paso ha
llevado un largo año de preparación, según dijo, y que ya se llevará a cabo el día 28
de éste mes, en el jardín La China ubicado de manera muy cercana al recinto de La
Casa de la Cultura.
El concierto iniciará a las 17:00 horas ejecutándose de manera totalmente gratuita,
para todos aquellos que deseen asistir, tras de ya haberse cumplirse tres años del
deceso del homenajeado cantante José José.
Por supuesto se hicieron preguntas sobre los problemas en torno al finado, que no
se contestaron, pues la temática a tratar era justamente sobre el merecido
homenaje al ícono musical mediante el concierto que se llamará PARTISTE
PRINCIPE.
Se comento con respecto de la presentación y probable participación de algunas
personalidades del medio artístico, invitadas al evento, cuyos nombres aún no se
han dado a conocer, pues pretenden sean una sorpresa, así como la selección de
las canciones a presentar.
También se dio a conocer qué dado a la calidad del homenajeado, se tiene
contemplado para éste año, galardonar un poco más al Príncipe de la Canción,
colocando su nombre en alguna calle coludida con el Jardín de la China, en donde
por cierto, ya se encuentra colocada una estatua de José José.
Finalmente cierro la nota mostrando el párrafo textual que aparece en una página
WEB en donde se menciona los siguientes datos con respecto del galardonado:
José Rómulo Sosa Ortiz, conocido como José José, fue un cantante y
actor mexicano. Se le considera como un icono musical en la segunda
mitad del siglo XX. Su legado y trayectoria como cantante le valieron el
llegar a ser apodado como El Príncipe de la Canción.
José José como es bien sabido, nació justo, en la zona de Azcapotzalco ubicada en el
Distrito Federal, actualmente conocida como la Ciudad de México, el 17 de febrero
del año de 1948. Fallecería en Homestead, Florida, Estados Unidos en 2019, sin
embargo:
¡JOSÉ JOSÉ aún no muere en los corazones de los mexicanos!
LA SOMBRA
POR: Dalia De León Adams
El día de ayer lunes 26 de septiembre 2022 en el Teatro de la República se tuvo
una noche de gala con el estreno de la obra teatral LA SOMBRA a cargo de la
Compañía “Alonzzo Producciones” y el apoyo de la casa Difusora “Manojo de
Ideas”.
Dramaturgia original de los escritores Salvador Ignacio y Gabriela Lozano, siendo
ésta última quien además dirige la obra interpretada por la Primera actriz Beatriz
Moreno (Ciudad de México 1952) y el actor co-protagónico José Martini, quienes
recibieron un largo y efusivo aplauso por parte de su público, que en mayoría les
ovacionó de pie al concluir la función.
Para el evento, inicialmente se dio paso en la alfombra roja a varios afamados
actores, colegas (Alejandro Tommasi, Cecilia Gabriela, Raquel Garza, Zaide Silvia
Rodríguez, Marta Ofelia Galindo, entre otros) y amigos invitados, quienes fueron a
ofrecerle su apoyo a los actores protagónicos en el estreno de éste drama singular.
De entre las estrellas invitadas no podía faltar el hermano de la actriz Beatriz
Moreno, me refiero a José Elías Moreno, ambos hijos del finado Don Elías Moreno
(1910-1969) de quien heredaron su gran talento histriónico.
Recordemos qué Beatriz Moreno ha incursionado durante largo tiempo en el
medio artístico, tanto en televisión con cerca de treinta producciones
destacándose en Carrusel, Alborada, Vencer el pasado, María la del Barrio y
Ángeles sin paraíso.
En el medio cinematográfico en filmes como Secretos de Familia, Paraíso y Sin
Memoria; y en el medio teatral en obras como Bodas de Sangre, La casa de
Bernarda Alba, Las Leandras y Vaselina.
Y justo ahora la actriz Beatriz Moreno se encuentra celebrando sus “50 Años de
Trayectoria” con la puesta en escena de LA SOMBRA en donde caracteriza el rol
protagónico de una famosa escritora y artista plástica retirada, quien un día recibe
en su casa a un extraño periodista, con quien revivirá momentos ocultos de su vida
privada.
Al respecto y a manera de Sinopsis de la trama de éste montaje escénico, la
Compañía “Manojo de Ideas” expone en su boletín de prensa la siguiente
aseveración:
-LA SOMBRA es un proyecto impulsado por Alonzzo Producciones, y cuenta la
historia de una pintora y escritora que en su tiempo fue exitosa, vive ahora
separada del mundo hasta que un periodista le solicita una entrevista sobre su
pintura más preciada y ella acepta con emoción.
La charla toma rumbos inesperados cuando el periodista cuestiona sobre “La
Sombra” el último cuento que escribió antes de abandonar su carrera y que
ella incluyó en su libro de cuentos infantiles sin que en realidad tuviera
conexión con éstos. En el transcurso de la entrevista ella se percata que su
interlocutor posee información de su vida que ella nunca ha divulgado, por lo
que comienza a sospechar de las intenciones del reportero. Pronto un
encuentro cordial se convertirá en un enfrentamiento feroz por el
esclarecimiento de un pasado oscuro.-
LA SOMBRA es un drama puesto en escena en dos tiempos y un cuadro
escenográfico que recrea la estancia de la casa de la artista en cuestión; lugar en
donde se desarrolla ésta trama, con un contenido dramático intenso y ciertos
tintes de suspenso que atrapan al público espectador con sus diálogos bien
estructurados.
Al finalizar la función Beatriz Moreno agradeció a su público totalmente
conmovida y con lágrimas en los ojos, haciendo además patente la enorme estima y
amor que siente hacia sus hermanos Angelina y José Elías Moreno quienes,
subieron al escenario para develaron la placa conmemorativa de los “50 Años de
trayectoria” de la actriz.
LA SOMBRA se presenta en el Teatro de la República de la Ciudad de México,
ofreciendo funciones los días lunes a las 20:30 horas.
DESCUBRIENDO A CRI-CRI
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Mario Iván Martínez, denominado “El Cuenta-Cuentos” tras de 15 años de ser el embajador
de la obra musicalizados de Don Francisco Gabilondo Soler ofreciendo un espectáculo
unipersonal intitulado DESCUBRIENDO A CRI-CRI, el día de ayer domingo 25 de
septiembre 2022 fue galardonado mediante la develación de una placa conmemorativa en
el Teatro Hidalgo.
Para tal efecto se presentaron como padrinos de lujo, la locutora Janet Arceo y Tiburcio
Gabilondo Gallegos (hijo del finado CRI-CRI). Dos personas a quien según expresó, además
de considerar hoy en día como parte de sus grandes amigos, han tenido “un poco”, o “un
mucho” que ver en impulsar la realización de éste maravilloso espectáculo infantil, lleno de
creatividad, de colorido, de música, de cuentos, imágenes y obsequios de pequeños
juguetes repartidos por él artista a los pequeñitos, e incluso un poco de baño de agua al
público en general, con una pistola de juguete con uno de sus números.
Las icónicas canciones de Don Gabilondo Soler, CRI-CRI “El Grillito Cantor” fueron parte
del show de Mario Iván Martínez, quien de manera mágica se entrega a su público, quien le
correspondió con un foro totalmente lleno, aplausos efusivos, y cantando ocasionalmente
Todo comenzaría años atrás con la lectura dramatizada de algunos cuentos por parte del
ahora actor, músico y productor, Mario Iván Martínez, junto con su madre Margarita Isabel
con gran éxito.
Así, lo que fuera sólo una posibilidad de incurrir en el mundo artístico infantil, actualmente
en éste otoño la larga trayectoria de 15 años, con su espectáculo infantil DESCUBRIENDO
A CRI-CRI, tras de haber sido invitado mediante una llamada telefónica por parte del hijo
del “Grillito Cantor”, el Señor Tiburcio Gabilondo Gallegos.
Su éxito no tan sólo se ha limitado a llevar su puesta en escena de DESCUBRIENDO A CRI-
CRI, sino que además, le ha llevado hoy día a ser el productor de más de 20 audio-libros;
compendio que se encuentran grabados gracias a sus vastos conocimientos tanto literarios
como musicales, sin aludir a su gran capacidad histriónica como interprete de óperas
musicales renacentista.
“La música y los cuentos” en donde incluyó algunos obras infantiles de destacados
escritores como los hermanos Andersen, que serían musicalizados con repertorios de
grandes clásicos como Schubert, Schumann, Mendelssohn y Ravel.
El talento y desenvolvimiento escénico de Mario Iván Martínez no es casual, pues creció en
un ambiente totalmente artístico, siendo hijo del locutor Mario Iván Martínez Ortega y la
primera actriz Margarita Isabel, además de ser sobrino de Alma Delfina y de Evangelina
Socorro Bonilla (por ende fue sobrino político de Héctor Bonilla) primo de Roberto Sosa y
de la directora teatral Luly Rede.
Realizó sus estudios actorales en Arte Dramático en Inglaterra con especialidad en
Literatura Shakesperiana. Ha obtenido grandes reconocimientos con sus presentaciones
musicales en festivales, como el Cervantino en México, en Manizales, Cádiz , Estambul,
Montreal y UNESCO en Paris.
Mario Iván Martínez ha sido ovacionado en importantes recintos mexicanos tales como en
el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, en el Palacio de Bellas Artes, la Sala Nezahualcóyotl y
el Auditorio nacional de la Ciudad de México, también se ha presentado en la Real
Academia de artes en Londres y en la Universidad de Canterbury, Inglaterra.
Y el día de ayer Mario Iván Martínez cautivó a su público con un espectáculo de primer
nivel, cerrando la presentación de sus 15 años como embajador de la obra y música de
Francisco Gabilondo Soler con la revelación de la placa de su espectáculo DESCUBRIENDO
A CRI-CRI interpretando como a manera de cierre de “broche de oro” “El ratón baquero” y
el aplauso efusivo y parte del público ovacionándolo de pie.
¡FELICIDADES MARIO IVÁN MARTÍNEZ!
CASA DE MASCOTAS
POR: Dalia De León Adams
A cargo de la Compañía “Cacumen Producciones” el viernes pasado 23 de
septiembre 2022, se presentó por primera ocasión en México la obra teatral CASA
DE MASCOTAS original del dramaturgo estadounidense Micah Schraft, bajo la
dirección artística del Señor Antonio Castro.
Para tal efecto se presentó en el escenario tras de la función, su escritor, junto con
el director y todo el equipo creativo que han hecho posible éste montaje escénico,
perteneciente al género dramático por su tratamiento escénico; empero a ello,
presenta ciertos escenas de humorismo negro que le infieren a la obra algunos
tintes de comedia.
Le comento qué el dramaturgo Micah Schraft es además guionista de cine y un co-
productor de la serie Jessica Jones. Él también escribió los episodios AKA Crush
Syndrome, AKA Top Shelf Perverts y AKA 1000.
Pero volviendo al estreno en nuestra ciudad de CASA DE MASCOTAS grandes
figuras del medio artístico se presentaron para apoyar a sus compañeros actores y
al director, quienes eran Joaquín Cosio, Arcelia Ramírez, Rodrigo Murray, Carlos
Aragón y el escritor Juan Villoro, entre otras luminarias más.
En la puesta en escena actúan Alejandro Calva, Mónica Huarte, Ximena Ayala y
Tizoc Arroyo en éste melodrama en donde las mascotas de dos parejas,
desarrollarán una serie de circunstancias que les hará coludirse en una situación
muy peculiar.
CASA DE MASCOTAS (“A Dog’s House” en el idioma original) se escribió en 2015,
mismo año en que se estrenara en Los Ángeles California bajo la producción del
Teatro IAMA, logrando ser nominada por el “L.A. Drama Critics Award” bajo el
rublo de la Mejor Dramaturgia Nueva (The best new play).
A manera de sinopsis podemos leer de manera textual en el boletín de prensa, el
siguiente párrafo:
-CASA DE MASCOTAS cuenta la historia de dos parejas hipster que parecen
sólidas y con un futuro brillante. Ambos matrimonios tienen como mascota a
un perro que es su absoluta adoración. Nos cuenta la historia de Aarón, Eva,
Nicole y Bill, dos parejas que llenan uno de sus tantos vacíos con sus mascotas,
sus vidas cambian cuando lago, el rottweiler de Aarón devora al pequeño
poodle de Nicole y Bill. Eva y Aarón deciden mantenerlo en secreto.
Contando con un solo tiempo y cuadro escenográfico, en donde aparece una sala
con dos sillones, una mesa de centro y una silla, se simula la casa de Aarón y su
esposa Eva, desde donde serán narrados varios de los sucesos ocurridos en base a
los dos animales domésticos.
Sus personajes bien caracterizados, presentan diversos matices psicológicos que
les llevan a diversos estados anímicos, acordes a las circunstancias ocurridas y en
otras, narradas por ellos mismos, que les llevarán a desencadenar el drama.
CASA DE MASCOTA se presenta en el Teatro Lucerna del recinto Cultural Milán,
los días viernes sábados y domingos hasta el 13 de noviembre.
FIERCE
POR: Dalia María Teresa De León Adams
FIERCE es un montaje escénico en donde se reúnen diversos elementos para darle
forma a una obra teatral de índole propositiva. Elementos que se reúnen para darle
voz e imagen a una comunidad que desea ser escuchada y comprendida mediante
las premisas que muestra ésta puesta en escena presentada con elementos que
algunos son de ficción dentro de la trama, mezclados, con la presentación vivencial
de personas con VIH+, e información real y científica al respecto.
Todo ello sazonado con música y un poco de bailes o danzas que expresan la
sexualidad homosexual o la pluri-sexualidad. Dramaturgia que constituya un grito
de atención hacia el modo vivendus de una comunidad que desea ser respetado y
vista como una parte integrante de la sociedad, real y recurrente en el mundo.
Por ello, en escena se presenta un podio o conversatorio con el público, para
expresar a través de los integrantes o personajes de ésta obra teatral, alguna
información respecto al “Síndrome de la Enfermedad de Inmuno Deficiencia
Adquirida”; cómo tratarla y cómo vivir con él virus, responsabilizándose cada uno
de padecerlo, aún cuando hay quienes nacieron ya infectados.
Obra del género de denuncia con matices de documental escrita por César Enrique
y Myma Moguel, quienes además la dirigen y actúan junto con Emilio Bastré en el
rol de “Bonita” y Omar Lozano.
Puesta en escena que tiene como Sinopsis la siguiente aseveración:
-Las y los protagonistas de ésta historia vivirán experiencias trascendentales
que alterarán su perspectiva de lo que es amar y lo que significa la vida ¿Se
pueden convertir los miedos en alegrías? ¿Se puede danzar una desesperación
y volverla dignidad? Ésta es una pieza escénica que entrelaza lo documental, lo
ficcional, la danza y el arte voguing para darle resonancia a las muchas luchas
que enfrenta la comunidad VIH+ (expuesto en el boletín de prensa)
FIERCE desea mostrar de manera viseral la manera de sentir y de vivir tanto la
sexualidad como la cotidianidad, en donde se suele tener el temor de amar, de vivir
y de morir, entre rechazos o exclusiones.
Con una duración de 80 minutos FIERCE se presenta en el Teatro Helénico los días
lunes a las 20:00 horas.
LA MONJA ALFÉREZ
POR: Dalia De León Adams
Obra perteneciente al siglo de Oro español escrita por la pluma del afamado
escritor Juan Ruiz de Alarcón (1581-1639) impulsor de diversas variantes dentro
de la dramaturgia, quien se inspirara en la vida de Catalina de Erauso y Pérez de
Galarraga para escribir su obra de LA MONJA ALFÉREZ.
El personaje protagónico es el de Ramírez de Guzmán, nombre que en la vida real
utilizara LA MONJA ALFÉREZ, cuyo real nombre de nacimiento fuera Catalina
de Herausa y Galarraga. Su nacimiento aconteció en San Sebastián el 10 de febrero
de 1592 durante el virreinato de la Nueva España.
Fue popularmente conocida como la MONJA ALFÉREZ convirtiéndose en un
legendario militar tras de esconder su condición de mujer; además de haber sido
monja y escritora con anterioridad.
Se le considera uno de los personajes más legendarios y controvertidos de su
época. Sus seudónimos fueron Francisco de Loyola, Pedro de Orive, Alonso Díaz,
Ramírez de Guzmán y Antonio de Erauso, quien falleciera en el año de 1650.
Hoy en día LA MONJA ALFÉREZ es la puesta en escena de La Compañía
Nacional de Teatro(CNT) que en coproducción con El Festival Iberoamericano del
Siglo de Oro de la Comunidad de Madrid, bajo el rublo de “Clásicos de Alcalá” se
está presentan en la Sala Héctor Mendoza, ubicada en la misma sede del CNT.
Montaje escénico que cuenta con una parte del elenco estable de la Compañía
Nacional de Teatro, teniendo a la gran actriz Erika de la Llave, como personaje
protagónico, bajo la dirección escénica de Zaide Silvia Gutiérrez.
Directora que por primera vez funge en la dirección dentro del CNT, pero quien ya
había mostrado anteriormente tener además de dotes de actriz, talento como
directora escénica.
Puesta en escena en un solo acto y cuadro que enmarca cada uno de los tiempos
escénicos gracias al gran talento de sus actores, quien como siempre, muestran
tener grandes estudios, además de disciplina e histrionismo escénico, que se hace
gala en la caracterización de sus personajes.
Obra teatral con tientes románticos que podemos ubicar perfectamente dentro del
género épico, cuyas escenas son precisadas a golpe de espadas, qué quedan
suspendidas con posteriores movimientos lentos que le dan un efecto especial a las
escenas de acción.
Por supuesto no podía faltar una trama en donde situaciones de enredos terminan
por ser desmadejadas, poniendo a la luz las verdaderas intenciones y acciones de
cada uno de los personajes, como suelen ser las dramaturgias de Juan Ruiz de
Alarcón.
Obra teatral que resalta los valores humanos más allá de la identidad personal o
sexual, que logra inferir el dramaturgo Juan Ruiz de Alarcón, quien pese a haber
nacido en Taxco en 1580 (hoy Ciudad de México) es internacionalmente
reconocido como uno de los íconos de la literatura española del Siglo de Oro.
LA MONJA ALFÉREZ se presenta en la Sala Héctor Mendoza en breve
temporada.
AMOR AL CUBO
POR: Dalia De León Adams
Puesta en escena en un acto y un solo cuadro escénico de la dramaturga y directora
Alejandra Martin, perteneciente al género teatral del drama contemporáneo, en
cuyo reparto estelar aparecen el actor Julio Bracho y la actriz Valentina Penagos
junto con su creativa Alejandra Marin.
Obra teatral en la cual la temática a tratar gira en torno a la pasión, el desafío, la
traición y las relaciones poli-sexuales. Dos mujeres y un hombre comparten la
misma cama y gozan de una relación que creen “libre” y “perfecta”. Sin embargo
aparecen ciertos hechos o inconvenientes que dejan entrever lo fútil de la relación.
Un personaje más, es esencial en el desarrollo de la trama; personaje empero que
nunca aparece físicamente en escena, pero que está presente aún en estado post-
mortem acorde con la trama, y quien bien puede intervenir, e incluso cambiar los
parámetros de la relación.
-Iris, Gael y Hanna mantienen una relación poliamorosa aparentemente
perfecta. Un mes después de la muerte de su hermano Jano, Gael es incapaz de
entrar a la misa recordatorio donde está su familia. Iris y Hanna encuentran a
Gael hundido y borracho, en el jardín de la iglesia aferrado a una caja
misteriosa que Jano dejó. Hanna quiere abrirla. Gael es incapaz de hacerlo. Iris
tiene un secreto. ¿Qué habrá dentro? La caja cambiará sus vidas.
AMOR AL CUBO es una propuesta escénica cuya producción se encuentra a cargo
de España y Puerto Rico, cubriendo ahora una gira internacional. Por fin llega a
escenario mexicano, tras de haber sido seleccionada en del “Festival de
Teatro2021” efectuado a cargo del Instituto de Cultura Puertorriqueño.
Obra teatral con una temática un tanto irreverente, ad-hoc al tiempo en que
vivimos en donde ya algunas parejas se proclaman en Pro de una relación más
abierta. Pero, ¿hasta dónde resulta funcional? Tal vez Usted encuentre la respuesta
en éste montaje escénico original de Alejandra Marti, como a-priori he
mencionado.
Teniendo como cuadro escenográfico la recreación del jardín de una iglesia, en el
escenario se encuentran colocadas varias plantas coloridas, entre las que se ubica
en la zona central, una banca desde donde los actores se presentan emitiendo los
diálogos de sus personajes. Puesta en escena que cuenta con aproximadamente 80
minutos de representación.
Los tres actores demuestran tener tablas y una gran disciplina en el escenario al
entregarse por completo a sus personajes, como lo advirtiera la actriz Diana
Bracho, quien se encontraba en el teatro apoyando a su sobrino justo el día del
estreno para el público.
AMOR AL CUBO se presenta en el Foro Shakespeare cada día viernes, a las 20:30
horas.
LAS VISIONES
POR: Dalia De León Adams
Muy sui géneris al mes Patrio, la Secretaría de Cultura mediante El Centro Cultural
Helénico y la compañía Nacional de Teatro (CNT) presentan la puesta en escena
LAS VISIONES del dramaturgo José Emilio Hernández, bajo la dirección artística
del maestro Boris Schoemann, en el Foro “La Gruta”.
Es un montaje escénico en un acto, en donde la escenografía está compuesta por
una carreta de madera de la cual se van utilizando varias partes como las ruedas
de las llantas, para simular unas prisiones, entre muchos usos del mismo objeto, de
donde se abren algunas partes centrales, a manera de puertecillas, para asomarse
los diversos personajes que recrean éste drama plagado de humorismo negro.
El talento del maestro Boris Schoemann sale a colación, junto con un maravilloso
texto de base de José Emilio Hernández y la gran actuación de los artistas
protagónicos, que unánimemente hacen un deleite de ésta obra.
El reparto estelar está formado por el elenco estable de la Compañía Nacional de
Teatro (CNT) quienes son Armando Comonfort, Judith Inda, Octavia Popesku y
Alan Uribe Villarruel.
-Ramón Yanes y Anastasia Robles atraviesan el país en busca de Francisco
Villa, Mientras Margarita y Catalina Macías intentan seguirles paso. El tiempo
se alarga, se detiene, pasa distinto. El país se convierte en un rompecabezas a
descifrar en los sueños y en las marcas que dejan las piedras en el camino. El
amor durante la revolución mexicana no es lo que parece.- (Sinopsis de la
Compañía Difusora)
José Emilio Hernández Martín (Ciudad de México, 1993) es egresado de la carrera
de Escritura Creativa y Literatura de la Universidad del Claustro de Sor Juana.
Actualmente se encuentra estudiando Escritura Creativa y Literatura.
Por su parte el maestro franco-mexicano Boris Schoemann es un excalente director y
actor, además de traductor, editor, docente teatral y directivo del “Teatro La
Capilla” y el “Foro Salvador Novo”.
Pero volviendo a la puesta en escena de la obra LAS VISIONES le comentaré
finalmente qué la trama de ésta obra teatral, está conformada con rasgos del
género teatral histórico-revolucionario.
Muestra algunos elementos populares que hacen evidente que la preparación de la
dramaturgia por parte de su autor, es un estudio profundo que más va más allá de
un texto de archivo, pues analiza la parte psicológica de las masas revolucionarias
emitidas a través de sus personajes, muy bien delimitados.
LAS VISIONES es un texto en donde lo evidente se mezcla con lo onírico y la
locura, rasgo que ubica a la trama dentro de un contexto del realismo mágico,
característico de la literatura latinoamericana, en la cual “lo irreal” se transforma
en “real”.
LAS VISIONES usted la podrá ver en el Foro “La Gruta” en horario de las 20:00
horas en el Foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico”.
MOMENTOS MÁS ALLA DE LA VIDA
POR: Dalia De León Adams
MOMENTOS MÁS ALLÁ DE LA VIDA surge a raíz de aludir lo característica que
resulta la muerte para nosotros los mexicanos, quienes jugamos, nos reímos,
caracterizamos e incluso la festejamos la muerte.
Fue el sentido que hizo intitular la próxima presentación que tendrá la presencia
de las dos, más icónicas y representativas compañías vernáculas de nuestro país a
nivel internacional. Por supuesto me refiero a la Compañía del BALLET
FOLKLÓRICO DE MÉXICO y al MARIARICHI VARGAS DE TECALITLÁN.
Ambas empresas volverán a unir esfuerzos para ofrecer un espectáculo de máxima
calidad vernácula, según se dio a conocer el día de ayer 14 de septiembre en la
rueda de prensa, durante la cual se encontraban la Coreógrafa Viviana Basanta
Hernández, hija de la fundadora de la Compañía (es decir la fallecida Amalia
Hernández) con su Director General, el Señor Salvador López y el Señor Carlos
Vargas, Director de tan reconocido Mariachi; por supuesto junto con los músicos y
bailarinas de ambas empresas.
Como es sabido, EL BALLET FOLKLÓRICO DE MÉXICO fue fundado por Amalia
Hernández en 1952 y por siete décadas ha sido el conjunto más emblemático del
baile folclórico de México, con prestigio internacional.
Por su parte EL MARIACHI VARGAS DE TEPALITLÁN se encuentra celebrando los
125 de su aniversario, y qué mejor manera de hacerlo que con un nuevo sencillo
que se estrena justamente el día de hoy 15 de septiembre 2022, con el título de “Mi
Mejor Error”, con un video especial en el cual aparece como protagónica, la actriz
mexicana Kate del Castillo.
Video que será presentado en vía YouTube. Producción discográfica cuyo tema
esta a cargo de los autores mexicanos Bruno Rex y Mónica Vélez. Le comento de
paso como información adjunta qué el Mariachi, durante el próximo mes de
octubre se presentarán tanto en Corea, como en España.
La casa Difusora a cargo de la Señorita Nidia Elisa Manzanero presentó a colación
de éste evento, el siguiente párrafo textual en el boletín de prensa:
-Esta importante colaboración llevará a la escena a las dos agrupaciones más
representativas en su genero ante el mundo, con un extraordinario
espectáculo que traerá a la memoria los momentos más entrañables de la
historia de México, en el que através de la música y la danza realizarán un
vivaz recorrido por las diferentes épocas, regiones, tradiciones y costumbres
que forman parte fundamental del característico espíritu mexicano.
La gala suma el talento de artistas mexicanos del más alto nivel, considerados
embajadores de la cultura nacional, para enaltecer la riqueza del folclor, la
historia, las tradiciones y las expresiones artísticas de nuestro país ante todo
el mundo en un inigualable intercambio creativo que captura la belleza y la
esencia de México.-
MOMENTOS MÁS ALLÁ DE LA VIDA está programado para el día domingo 19 de
marzo del 2023 a las 18:00 en el Auditorio Nacional en la Ciudad de México.
“Si te mueres…. ¡TE MATO!”
POR: Dalia De León Adams
Llega una hilarante comedia cargada de humor negro, con dos grandes figuras del
medio artístico. Me refiero a la Maestra Susana Alexander, quien en su larga
trayectoria como un ícono de la comedia mexicana, entre muchos géneros más de
la dramaturgia, se presenta junto con otra gran actriz muy conocida por su belleza
y talento, mayormente en el medio televisivo. Me refiero a la actriz Azela Robinson.
Azela Jacqueline Robinson Cañedo es una actriz anglo-mexicana, nacida en el Reino
Unido en 1965. Llegó a México siguiendo el amor de un mexicano, para quedarse
en nuestro país, volviéndose una afamada actriz de reparto estelar.
Famosa por sus interpretaciones antagónicas en numerosas telenovelas
mexicanas, entre las que destacan “Cañaveral de pasiones”, “Contra viento y
marea”, “Llena de amor” y “Yo no creo en los hombres”, entre muchas telenovelas
más.
Y como elle misma argumentó, sus inicios en el medio actoral fueron justamente en
el teatro; medio escénico en donde próximamente compartirá el escenario con la
Señora Susana Alexander.
La actriz Susana Alexander por supuesto, no necesita tampoco gran presentación,
pues es de todos reconocida por su larga trayectoria artística, en donde ha
demostrado amor a los escenarios y, por supuesto, por su gran talento e
histrionismo heredado por su también afamada madre.
Sus padres fuero la escritora, traductora, directora artística y actriz Brigitte
Kauffman de Alexander (1911-1995) y el inminente profesor metodista, Alfredo
Alexander-Katz .
Susana Alexander(nombre artístico) en realidad se llama Suzanne Ellen Rose
Alexander-Katz y Kaufmann, es también directora, traductora, creadora y primera
actriz mexicana con grandes tablas en el medio teatral, cinematográfico y
televisivo.
En fin, amabas actrices compartirán próximamente el escenario en el Teatro
Fernando Soler del Centro Teatral Manolo Fábregas el 8 de noviembre, con la obra
teatral “Si te mueres… ¡TE MATO!”
Dramaturgia original de Fernando Schmdit y Christian Ibarzaba, quienes han
logrado mantenerla por muy larga temporada en cartelera, además de haber sido
galardonada en la categoría de “Mejor Obra” tanto en Chile como en Argentina,
Uruguay, Colombia, Costa Rica y España.
Ahora llegará a escenario mexicano, bajo la producción de Guillermo Wiechers,
quien por fin regresa para ofrecer al público ésta divertida comedia, bajo la
dirección de Leticia Amezcua.
Recordemos qué Guillermo Wiechers se inició como productor independiente con
el montaje escénico de “Yo madre, Yo hija” , justamente teniendo como actriz a la
Señora Susana Alexander. Otras de sus producciones, por mencionar algunas, han
sido “Yo Soy Mi Propia Esposa”, “Rojo”, “Godspell” y “La Fierecilla Tomada”,
además de ser el productor ejecutivo de Jesucristo Súper Estrella y “José el
Soñador””.
“Si te mueres… ¡TE MATO! Por fin hará su debut en México, obra teatral que
tiene como Sinopsis, según el párrafo textual de la casa Difusora de “Manojo de
Ideas” (a cargo de Marilu Torrano y Carlos García) la siguiente aseveración teatral:
“Si te mueres… ¡TE MATO! Es una comedia familiar, de humor negro, la cual
narra las peripecias de dos mujeres que tienen a su cuidado a una señora
mayor de origen serbio. Sin embargo; sus vidas dan un giro inesperado cuando
ésta mujer nonagenaria fallece, y lo que pintaría para ser una tragedia, por el
accidente en sí y por el inminente desempleo de las enfermeras, se transforma
en una hilarante oportunidad para que Lucía (Susana Alexander) y Gloria
(Azela Robinson) mejoren su calidad de vida. ¿Cómo? ¿De qué manera? A partir
de octubre, el público podrá averiguarlo.
“Si te mueres… ¡TE MATO! Se presentará los sábados y domingos en doble
función de 13:00 horas para toda la familia y a las 17:00 horas, durante cuatro
semanas, pues después se tiene contemplado salir de gira.
CLEOPATRA Y ANTONIO
POR: Dalia De León Adams
-La emperatriz egipcia, CLEOPATRA, intenta mantener su reino libre de la
intervención romana, con la idea de honrar el trono de los Ptolomeos y
heredarlo a su hijo Cesarion. Sin embargo, Cesar Octavio luchara contra ella,
primero, tratando de rebatarle a Antonio, y después, luchando contra los dos,
pues ve en el primogénito de Cleopatra un obstáculo para la legitimación de su
poder en Roma. (Sinopsis textual del INBAL).
La obra teatral CLEOPATRA Y ANTONIO por su puesto está basada en algunos de
los hechos reales que acontecieron en el año 41 A.C. ; trama que ubica a ésta puesta
en escena dentro del género histórico o Biográfico.
Dramaturgia escrita por William Shakespeare, que se presenta con gran aceptación
del público, en el Teatro “El Galeón” del Centro Cultural del Bosque. Consiste en
una puesta en escena en dos actos, en los cuales se ventila el amor de CLEOPATRA
y Marco ANTONIO, aunado al ocaso de sus vidas, tras de un conflicto bélico lidiado
con el emperador romano Cesar Augusto.
Antonio y Cleopatra (Antony and Cleopatra) es una tragedia histórica en cinco
actos del escritor William Shakespeare, escrita en 1606, representada por
primera vez en 1607 o 1608 y publicada en la edición conocida como First
Folio, en 1623. (página WEB)
La adaptación está a cargo de Olivia Barrera, quien además dirige la obra con gran
talento la puesta en escena, integrada con un elenco estelar en el que actúan casi
puras actrices, habiendo tan sólo dos actores masculinos; uno de ellos fungiendo
en el papel de asistente de CLEOPATRA, en tanto que el otro, apareciendo como el
brujo o hechicero egipcio (el actor Mariano Ruiz), quien predice los
acontecimientos nefastos por iniciar.
En el reparto femenino se encuentran grandes actrices como lo son Carmen
Mastache, caracterizando a CLEOPATRA, Ana Graham en el rol de ANTONIO,
Natalia Alanís (como Cesar Augusto), Guillermina Campuzano, Alissa Reyes, Leticia
Pedrajo, Aleyda Gallardo, Ana Sofía López, Alejandra Marín, Lucy Escandón y
Carolina Contreras (Swinger).
Otro rasgo peculiar es la vestimenta con la cual está adosado casi todo el elenco,
pues con excepción del hechicero y Cleopatra, utilizan prendas actuales, en las
cuales el pantalón es la prenda generalizada.
Empero portan una especie de banda colocada de manera diagonal, de la cintura,
pasando por el hombro, hacia una de las piernas que le da un toque de antigüedad
a los personajes, aunado a los peinados.
El colorido en tonos grises, beiges, blanco y verde, dan un efecto especial, que
simula las tierras egipcias de antaño. Por otro lado el montaje escenográfico,
mayormente está compuesto por plataformas a manera de pasarelas y
escaloncitos, que permiten perfectamente marcar los distintos cuadros a
escenificar para darle ilación a la narrativa.
CLEOPATRA Y ANTONIO, una historia de amor marcada por la pasión y la
tragedia, quienes según narra la historia real, tras su encuentro en Tarso en 41 a.
C., la gobernante egipcia inició una relación con Marco Antonio de la que nacieron
tres hijos: Alejandro Helios, Cleopatra Selene II y Ptolomeo Filadelfo. Antonio usó
su autoridad como triunviro para ejecutar a Arsínoe IV, cumpliendo el deseo de
Cleopatra. Juntos gozarían de grandes éxitos y derrotas, que les llevaría hacia la
muerte.
CLEOPATRA Y ANTONIO se presentan de miércoles a domingos en diferentes
horarios, en el Teatro “El Galeón Abraham
ANTES DEL DESAYUNO
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Obra teatral a manera de tragedia original del dramaturgo Eugene O’Neil, bajo la
actuación protagónica de la actriz Viridiana Monteagudo, la dirección artística del
maestro fallido Fernando Martínez Monroy con la dirección adjunta de Sebastian
Montes Miranda.
Le comento qué el ahora director del “Teatro Fernando Martínez” Monroy, el Señor
Esteban Montes Miranda, antes del deceso del maestro (fundador del recito que
lleva su nombre) ocurrido en diciembre del año pasado, ya tenían en puerta la
presentación de la obra teatral ANTES DEL DESAYUNO.
Sin embargo, se estrenaría apenas el pasado sábado 3 de septiembre, quedando
como director adjunto al Señor Esteban Montes Miranda, datos que él mismo nos
hizo saber al respecto en una breve entrevista.
De tal modo qué se puede leer en el programa de mano presentado antes de la
función, la siguiente aseveración que preparó la Compañía Teatral ÁPERIRÓN
TEATRO para el Maestro Fernando Martínez Monroy, en el que sería su cincuenta
octavo (58º) aniversario de su nacimiento:
-Decía Ludwik Margules, que existen textos dramáticos que nos buscan y nos
van siguiendo a lo largo de nuestra trayecto, y que sólo podemos llevar a
escena cuando al fin, la vida y la experiencia, nos permite tener la claridad
suficiente para acceder a su misterio.-
Asís ha sido la travesía que ha seguido la puesta en escena de ANTES DEL
DESAYUNO. Fernando Martínez Monroy comenzó a trabajar el misterio de ésta
obra de O’Neil, en 2016, casi con un año antes de que Ápeiron Teatro cambiara
de sede, para encontrar la que sin lugar a duda, es y será nuestra casa.-
En la puesta en escena, como a-priori he mencionado, aparece la actriz Viridiana
Monteaguado representado el rol estelar del personaje protagónico de la Señora
Rowland, bajo un monólogo o formato unipersonal, en el que empero colabora tras
bambalina el actor Mario Alberto Moreno, en el papel de Alfred, ofreciendo sonidos
y gritos ocasionales que hacen sentir su presencia, dentro de una recámara, la cual
sin embargo, el público no ve, pero que hacen notar su presencia escénica.
Con respecto a la actuación de la actriz Viridiana Monteagudo, la misma Compañía
ÁPEIRON TEATRO AC. continuando argumentando textualmente en su programa
de mano, el siguiente párrafo:
-No sólo los azarosos cambios de fortuna, sino la necesaria transformación y la
sunción vocacional de la actriz Viridiana Monteaguado acerca de su ser
creativo, y el dominio de sus herramientas, han sido lo que finalmente nos ha
permitido, reconstruir y consolidar la dirección que Fernando había dejado
tan claramente asentada en el trabajo de creación del personaje y de puesta en
escena, desde entonces.-
Viridiana Monteaguado logra caracterizar a la Señora Rowland gracias a la plástica
actoral e histriónica que le infiere a su personaje, quien es una mujer desesperada
viviendo en la miseria extrema, quien despliega su dolor con el llanto y frases de
dolor y desconsuelo omitidas hacia su marido desempleado e irresponsable. Una
mujer que en consecuencia está a punto de ser desalojada junto con su cónyuge,
del humilde hogar en donde habitan.
Con un tiempo escénico de cerca de 60 minutos la trama es presentada en un
cuadro escénico, en el cual se muestra una morada en donde está ubica una
cocineta, una mesa pequeña con sus dos sillas y un especie de alacena o trastero en
donde se ubican algunas botellas de alcohol casi vacías, y algunas mantas y ropaje
colocados en un mueble al lado.
Diseño escenográfico a cargo de Andrea Prado Martínez y Luis Cuevas Uriostegui
que se complementa con el vestuario a la usanza secular a cargo de Rodrigo Sosa
Bernal.
La ambientación junto con la actuación concuerdan con la situación extrema a
presentar, en éste drama emotivo, lleno de vicisitudes y vivencias desafortunadas,
que se expone junto con el texto plagado de infortunio de Eugene O’Neil, el cual es
presentado con la traducción al español de Uriel Mejía Vidal.
ANTES DEL DESAYUNO se presenta en el Teatro Fernando Martínez Monroy en
días sábados a las 19:00 horas en su sede La Compañía ÁPERON TEATRO AC. Bajo
la producción de Francisco Xavier Rodríguez y Mary Carmen Leyva.
HOMENAJE PÓSTUMO A LA ACTRIZ ADRIANA ROEL
POR: Dalia De León Adams
El día de ayer, viernes 9 de septiembre 2022 en la Sala Héctor Mendoza de la
Compañía Nacional de Teatro (CNT) se le rindió un merecido homenaje a quien
fuera una de las primeras figuras del medio teatral.
Por supuesto me refiero a la recientemente finada actriz, Adriana Roel, quien
formara en el ocaso de su vida, parte de ésta importante compañía escénica. Por
ello numerosos compañeros actores quienes trabajaron en algunas puestas en
escena y películas con Adriana Roel, se presentaron para frente a sus cenizas, darle
el último adiós, junto con amigos y familiares.
De los artistas quienes se congregaron en dicho acto conmemorativo se
encontraban Zaire Silvia Gutiérrez, Angelina Peláez, Arturo Beristain, Oscar
Narváez, Antonio Rojas, Andrés Páez, Erando González, Nara Neyda, Luis Rábago,
Meche Pascual, entre muchas figuras del medio, además de algunos medios
periodísticos como el Canal 11 y Canal 22 y las revistas digitales Expedientes
Secretos, Menú Teatral y Homoespacios.
La Doctora Aurora Cano, quien funge como la actual Directora de la Compañía de
Teatro- INBAL (siendo la primera mujer que asume tan importante cargo, a partir
de junio 2022) dirigió algunas palabras recordando a la actriz, en reconocimiento a
la ardua labor como primera actriz.
HOMENAJE PÓSTUMO A LA ACTRIZ ADRIANA ROEL cuyo verdadero nombre
fuera Rosa María Gorbea Orozco. Sobre su nacimiento se dice que fue oriunda de la
Ciudad de Monterrey, y que nació el 5 de julio del año 1935. Datos desmentidos
por uno de los integrantes de la CNT, pues como indicó, en realidad Adriana Roel
nació en la Ciudad de México (antes Distrito Federal) en el año de 1934, un día 4 de
julio.
Su fallecimiento ocurriría el 4 de agosto del presente año, en la ciudad de Mérida,
Yucatán, a sus 88 años de edad, estando cerca de sus familiares, quienes hicieron
algunos comentarios con respecto a la vida personal de la actriz homenajeada.
También se narraron los mitos que alrededor de Adriana Roel surgieron, como el
hecho de habérsele identificado como pariente cercana del entonces afamado
cantante y actor, Cesar Costa Roel, lo cual era totalmente falso.
Rosa María Gorbea Orozco desde pequeña mostró gran desenvoltura y dotes de
actriz, ingresando a la Escuela del Instituto Nacional de Bellas Artes (hoy en día el
INBAL) iniciando su carrera a finales de la década de los 50’s.
A lo largo de su vida fue galardonado con una multitud de preseas , estando entre
ellos, dos “Premios Ariel” como mejor actriz en 1979 y en el 22014, entre varios
reconocimientos como Co-estelar.
Su simpatía, sencillez, sinceridad y profesionalismos que le caracterizaron, hoy en
día son recordados por todos aquellos que la conocieron, estimaron y amaron
como persona, mujer, familiar, amiga y sobre todo, como una talentosa estrella.
¡DESCANCE EN PAZ ADRIANA ROEL!
COMPOSITORES EMERGENTES
POR: Dalia De León Adams
“COMPOSITORES EMERGENTES HACIA LAS ARTES ESCÉNICAS Siete piezas
coreográficas y un monólogo” resulta ser una propuesta un tanto novedosa en
cuanto a la búsqueda de integrar diversas disciplinas del arte coreográfico en
general, en el cual se incluye incluso, un discurso en base a una lectura.
-Siete compositores emergentes crearon la música original de las piezas que se
presentan… bajo la tutela y dirección artística de Rodrigo Castillo Filomarino.
También se cuenta con coreógrafos y bailarines de gran talento para hacer de
éste espectáculo una experiencia completa.- (nota de la casa difusora Adriana
González).
Musicalización que un poco a manera de “collage” reúne varios géneros musicales
que van desde una danza árabe, hasta un hit hop y un ritmo africano, entre otros
géneros musicales propuestos por los músicos auto-nominados emergentes
quienes avivan cada una de las presentaciones coreográficas, que ejecutan los
bailarines en el escenario.
Se logra con ello un lenguaje corporal en donde hay varias lecturas a seguir, como
un numero ejecutado por dos chicas, una adosada de blanco, en tanto que la otra
todo en negro, quien en contraposición a su pareja realiza movimientos más
bruscos y cadentes que hacen pensar en el contrapeso que existe entre la bondad y
la maldad terráquea.
Otra de las coreografías es presentada por una bailarina y un bailarín, quienes
interpretan un número con matices de romanticismo, quienes posteriormente
simulan con sus movimientos rítmicos, la agresión que suele existir entre muchas
parejas sentimentales.
Así es como el arte coreográfico va marcando diversos estilos de vidas y emociones
con las danzas al estilo contemporáneo, y que en termino general dan vida a éste
espectáculo intitulado justamente COMPOSITORES EMERGENTES HACIA LAS
ARTES ESCÉNICAS quienes son Josué Tenorio, Emilio Guno, Mario Antonio
Moreno Torres, Mauricio Suárez, Mariano Rivera Valdez, Jail Less y Caleb Reyes.
La puesta en escena es montada en dos tiempos escénicos, siendo el primero
estrictamente coreográfico, en tanto qué en el segundo aparece de entre el público
una joven quien levantando la voz, comienza un monólogo con ciertos tites
filosóficos en cuanto a una determinada manera de mirar el amor, la sexualidad y
la auto-aceptación.
De tal modo qué descendiendo de su asiento entre el público, se desplazarse hacia
el escenario para hacer referencia de una lectura, leyendo en breve
ocasionalmente algunas anotaciones, e intentando mantener un dialogo con
algunos de los espectadores presentes en el foro a quines ella misma se dirige en
base a su intervención escénica.
Segundo acto en el cual, posteriormente vuelven a integrarse tres números
coreográficos más. Las danzas contemporáneas en general son presentadas bajo el
juego de luces, las cuales van marcando a cada número por presentar.
Puesta en escena de aproximadamente 120 minutos que se presenta en días
martes a las 20:00 horas el teatro “El Milagro”.
NOCHES DE CABARET EN CONCIERTO
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Bajo el patrocinio de “Producciones MAS” el día de ayer se convocó a la prensa en el Salón “La Maraka” para dar a conocer los pormenores de lo que próximamente serán LAS NOCHES DE CABARET EN CONCIERTO.
Y como afirma la casa Difusora: -NOCHES DE CABARET es el concepto musical, el cual consiste en una gran noche que reúne a íconos que harán vibrar todos tus sentidos.
En dicho evento mayormente musical, se presentarán algunos de los cantantes que con el tiempo han dejado huella interpretando a grandes autores, para quedarse en la preferencia de un numeroso público quienes les siguen.
Artistas entre quienes se encuentran Rocío Banquells, Carlos Cuevas, Manoella Torres, Alejandra Ávalos, Marcela Mistral, David Noriega y Los Dandys, quienes por complacencia hacia sus fans, interpretaran los números musicales que han tenido mayores éxitos.
También serán incluidos algunos nuevos valores musicales, como lo son David Noriega y Marcela Mistral (esposa del influencer mexicano, conductor y empresario Poncho de Nigris Guajardo) quienes se mostraron muy entusiastas y agradecidos por ser incluidos.
Al verse reunidas a tan importantes legendas del medio musical en México, se cuestionó a su productor sobre la posibilidad de grabarse un disco conmemorativo del concierto, a lo cual respondió qué por el momento se lo impedía el respeto a los acuerdos que cada uno de los cantantes, tienen con su respectiva firma disquera que les avala.
LAS NOCHES DE CABARET se presentarán en diversas fechas entre las que están confirmadas los días 30 de septiembre y 1º de octubre. Tentativamente el día 15 de septiembre también está contemplado y al día siguiente una presentación en Cuernavaca que se llevará a cabo, estando incluido el Trío “Los Panchos” para todos los amantes de las clásicas baladas románticas.
Diversos géneros musicales amenizarán el Concierto, además se contará con la presencia del comediante Tony Balardi, quien por cierto comentara en la rueda de prensa que está a punto de convertirse en cantante profesional.
Finalmente se concluyó el evento con entrevistas personales a los cantantes, comediante y organizadores de éste evento musical LAS NOCHES DE CABARET cuya cita será en la Ciudad de México en el Salón La Maraka”
Salón LA MARAKA ubicado en calle Mitla 410 C, colonia Narvarte Poniente, Delegación Benito Juárez.
¡VIOLENCIA!
POR: Dalia María Teresa De León Adams
La Compañía Nacional de Teatro (CNT) conjuntamente con el Centro Cultural
Helénico, el día de ayer 6 de septiembre 2022 presentaron en el Foro “La Gruta” la
puesta en escena de la joven dramaturga Valeria Loera, bajo la dirección escénica
de Diana Sendero.
Obra ganadora del “Premio Nacional de Dramaturgia” por parte de Helénico, como
lo hizo patente el Director General del recinto, el Maestro Arturo Zúñiga Chaparro
quien estuvo presente durante la función.
Éste premio surgió como homenaje, al joven dramaturgo Gerardo Mancebo del
Castillo Trejo (1970- 2000) por su trayectoria teatral considerada como muy
representativa en el medio teatral.
Bajo ésta condición de obra ganadora, es que se efectuó la puesta en escena de
Valeria Loera, quien comentara que la escribió durante el tiempo de encierro
debido a la pandemia, mientras que pasaba además por una triste decepción
amorosa.
A manera de Sinopsis le comento qué la trama gira en torno a la ¡VIOLENCIA! Ésta
entendida como la que comúnmente es padecida por un sector de la sociedad,
quienes viven momentos de frustración entre las cuatro paredes de su casa, sin el
amparo real de la familia.
¡VIOLENCIA! es también el nombre de una joven, quien vive la soledad que le deja
una mala relación sentimental con un actor narcisista y desubicado, una madre
quien no le muestra gran afecto ni atención, loca por las relaciones extra-sexuales,
una madre quien constantemente la compara con su hermana y, aunado a ello, un
padre fallido de quien conserva imaginariamente su cabeza en el refrigerar y con
quien suele ocasionalmente dialogar, de manera infructuosa.
Sin embargo, un obsequio por parte de su madre, transformará la vida de la joven,
quien es mostrada en ésta trama divertidísima, bajo diferentes chicas, quienes son
“ella misma”, y que se presentan dando vida a las diversas personalidades
psíquicas de VIOLENCIA.
Dramaturgia que podemos considerar por su tratamiento escénico, como una obra
farsica con matices del teatro del absurdo, plagada además de humorismo negro.
La imaginación creativa de su escritora Valeria Loera se pone de manifiesto en ésta
puesta en escena, bien estructurada, con ciertos dejos de obra surrealista, en
donde sus personajes son posibles de hacer cosas extra-natura, las cuales habitan
en lugares peculiares, como en el bote de basura, debajo de la cama, en el espejo,
en la despensa, en el closet, o inclusive en la hielera del refrigerador.
En éste montaje escénico actúan parte del reparto estable de la Compañía Nacional
de teatro, quien deja entrever la ardua preparación académica que poseen, junto
con la magnífica dirección artística de su entusiasta directora, Diana Sendero.
¡VIOLENCIA! Puesta en escena en un acto y tiempo escénico aproximado de 90
minutos, que se presenta en el Foro la Gruta del Centro Cultural Helénico en días
martes a las 20:00 horas.
HUELLAS DE MANGLAR
POR: Dalia De León Adams
-Una historia acuática sobre la migración y la familia, espectáculo interactivo
de títeres y objetos para niños y niñas…
Una historia que a partir del amor a la flora y la fauna reflexiona sobre el
fenómeno de la migración, a través de una mirada donde las fronteras no sean
un impedimento para reconocer la igualdad sensible que habita a todos los
seres del planeta.-
Así se expresó la compañía Difusora con respecto a ésta puesta en escena infantil
Pro-natura que permite a los infantes adentrarse un poco en el mundo del saber,
con respecto a lo que es un MANGLAR teniendo como fundamento para ello, una
historia fresca y divertida en donde los animalitos del MANGLAR son las estrellas
de la obra.
Y como Sinopsis de la obra infantil escrita por la dramaturga Frida Tovar, la misma
difusora encabezada por la Señorita Gaddi Miranda presenta la siguiente
aseveración en su boletín de prensa:
-Los MANGLARES son una familia de tortugas que viven en un manglar de la
península de Yucatán. La temporada de tormentas se avecina y se ven
obligados a mudarse junto a toda su comunidad; sin embargo un evento
inesperado los separa, llevándolos a vivir una aventura desconocida, en donde
conocerán a otros tipos de familias y aprenderán que sin importar el lugar al
que vayan , el hogar está donde la familia se encuentra, y que es posible cobijar
al otro sin condiciones distintas propias.-
HUELLAS DE MANGLAR es un montaje escénico con pocos elementos
escenográficos que se suplen perfectamente con diversos objetos de utilería que
van, desde mantas azules traslúcidas que simulan el mar, como pistolas de
plásticas que al disparar producen burbujas de colores y, algunos animales
pequeños y grandes que son manipulados a manera más o menos de muñecos
guiñol o títeres en el escenario, los cuales son los intérpretes de los personajes
protagónicos del cuento.
Así tortugas, cangrejos, peces, y una víbora aparecen recreando una historia en
donde los lazos familiares, la unión, el amor y la solidaridad son los elementos
fundamentales de la trama.
Por supuesto que la temática acerca de la migración también forma parte medular
en la narrativa, mostrando el cómo algunas comunidades de animales en forma
natural se ven obligadas a desalojar los sitios que habitan, sin poder volver jamás,
como suele suceder con los cangrejos, en tanto que las tortugas se alejan, pero
tienen la posibilidad de re-habitar su hábitat geográfico natural.
Los jóvenes actores quienes manipulan a los “títeres” además aparecen
interactuando con el público, arrojándoles pelotas ligeras de gran tamaño, además
de pasar entre los espectadores con las mantas que simulan las olas y arrojando las
burbujas para dar el efecto de estar dentro de la mar; propuesta de la directora
artística, Leslie Jordán Rosas, quien logra un mayor acercamiento entre el equipo
de actores, con los niños y el agrado del público en general.
El elenco está formado por Montserrat Molotla, Alejandro Rubalcava, Bárbara
Delfín, Miranda López Aguayo, Cecilia Domínguez, Mariana Esquivel y Carla
Loredo.
HUELLAS DE MANGLAR se presenta en el Foro “La Gruta” los sábados y domingos
a las 13:00 horas.
PREMIOS APT, Agrupación de Periodistas Teatrales, 2022
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Como es bien sabido el APT son las siglas de La Asociación de Periodistas
Teatrales, fundada en 1982 por el Maestro y Presidente del APT, el Señor
Benjamin Bernal quien junto con su Vicepresidente, el Señor Humberto Morales,
por motivo de la trigésima octava entrega de preseas (38) presidieron el evento
dedicando algunas palabras vía streaming a los video-escuchas.
Evento llevado a cabo el pasado día 2 de septiembre a las 2:00 horas por vía
streaming mediante el cual también se celebraron a la vez los 40 años de la
Fundación de la prestigiada Asociación.
A la ovación se reunieron el gran actor de cine, teatro y televisión Don Ignacio
López Tarso, y su homologo Sergio Corona; ambos ofreciendo algunas palabras
para tal efecto, en agradecimiento.
Y no podía faltar el recordar a aquellas grandes figuras del medio artístico finadas,
que con su gran labor enriquecieron el medio actoral a quienes se les recordó y
mencionó tras de un minuto de silencio.
Posteriormente se amenizó la ceremonia incluyendo tres piezas melódicas, la
primera interpretación contando con la voz de Laura Cortés, la segunda en
homenaje a Marco Villafán y, la tercera con un tema musical de la obra icónica
teatral de “Cats” en cortesía del productor (y actor) el Señor Gerardo Quiroz.
Se harían también sentir las palabras de Nora Velázquez y Chabelita, quienes
agradecieron junto con los ovacionados, quienes fueron designados en directo
desde el canal de “Cyberarte” ( www.wowmx.tv ).
Los nominados fueron Arturo Amaro, Gilda Salinas, Mario Iván Martínez, Luz María
Meza, Enrique Montaño y Lorena de la Garza. Por otro lado también se
mencionaron a los que obtuvieron la estatuilla (diseño del escultor Ariel de la
Peña); preseas otorgadas en las siguientes categorías:
- Premio Emilio Carballido para autor Nacional: Alejandro Román con “Érase
una vez la novia”.
- Premio Salvador Novo para mejor dirección: Jorge Seleme con “Así de
Simple”.
- Premio Juan José Gurrola a Teatro de búsqueda: Richard Vaqueira, con
“Dios juega video juegos”.
- Premio Ignacio López Tarso a mejor actor: Daniel Jiménez Cacho con
“Network”.
- Premio Silvia Pinal para mejor actriz: Itati Cantoral, con “Sola en la
obscuridad”.
- Premio Víctor Hugo Rascón Banda: Arturo Amaro, con “La resurrección de
la libélula”; y Gilda Salinas, con “Voilá Paris”.
- Premio Mejor obra del año a: “Network”.
UNA NIÑA ES UNA COSA A MEDIO FORMAR
POR: Dalia De León Adams
Dramaturgia de la escritora irlandesa Elimar McBride (1976) cuyo título original
es A GIRL IS A HALF-FORMED THING montada bajo la adaptación del texto de
Annie Ryan el cual presenta testimonios de ficción una joven quien desde su
infancia sufre y vive bajo la influencia del machismo, llevado al extremo de la
misoginia, retratando con ello múltiples sucesos de la realidad.
Obra por la cual la autora sería galardonada con el Premio anglosajón “Goldsmiths”
en el año 2013, la cual publicaría tras de seis años de haber sido escrita.
Dramaturgia la cual la misma Elimar McBride describiría como “un flujo de
consciencia” (método narrativo).
Puesta en escena a manera de tragedia, bajo la dirección artística de Juan Miranda
en un solo acto y tiempo escénico, tratada bajo el recurso teatral unipersonal, en el
cual aparece la actriz Pía Laborde-Noguez narrando de manera un tanto
fragmentada los sucesos expresados en Primera Persona, que hila pasando de un
personaje a otro dentro de la narrativa, de manera continua e incluso
ocasionalmente de manera impersonal, un tanto difusa en ocasiones.
Y como señala el actor y ahora crítico teatral Roberto Sosa, al reconstruir parte de
los diálogos de éste drama que se expresan literalmente de la siguiente manera
dentro de la actuación y, que parecieran no tener coherencia, o mejor dicho “ estar
sustentados dentro de un desarticulado relato (rasgo del teatro del absurdo):
-A medio crecer, a medio sentir… a medio querer. “Tu padre nunca iba a
misa…” le dice su madre. Su hermano padece de una enfermedad mental, “esa
enorme cicatriz en tu cabeza… .” Su padre un hombre alto. “¿Sí te llegó el
cheque… ?. Tocan la puerta, es su tío, “¿puedo pasar?”. “Eres una niña rara,
atrevida, me gustaría darte un beso…”. Me cogiste, “creo que ya no estoy
limpia…”.
La obra ya había sido representada en nuestra ciudad en el museo de Arte
Contemporáneo “Rufino Tamayo” con éxito; suceso que haría pensar en la
posibilidad de una nueva temporada. Hoy en día se ha estado presentando en el
Teatro “El Milagro” con gran suceso también.
Dramaturgia cruenta expresada bajo un matiz que la ubica dentro del género
naturalista, en cuanto a su tratamiento, manteniendo una narrativa expresada bajo
con un constante lenguaje altisonante y burdo, al que es sometido una jovencita
maltratada tanto por su familia desde su nacimiento, como por un pariente
cercanos y sus supuestas parejas sexuales.
Obra contemporánea que enmarca perfectamente la mentalidad misógina
adoptada incluso por parte del mismo género femenino, como lo expresa
perfectamente el mismo título de éste drama UNA NIÑA ES UNA COSA A MEDIO
FORMAR; y como “cosa es justamente tratado el perfil del personaje protagónico.
La desventura a la cual son sometidas muchas mujeres del mundo solamente por
su condición de género, es presentado sin maquillar en ésta puesta en escena. Y en
cuanto a la psiquis del personaje interpretado por Pía Laborde-Noguez éste es
logrado al ser interpretado, infiriéndole la emotividad y la preparación que la
joven actriz demuestra tener en el escenario.
La revista The New York Times al hacer mención sobre este drama argumentaría
textualmente lo siguiente: Una obra fantasmal, el cuerpo apenas está ahí, más
fantasma que persona”.
UNA NIÑA ES UNA COSA A MEDIO FORMAR concluye su temporada en el Teatro
“El Milagro” precisamente el día de hoy domingo 4 de septiembre 2022.
FITU 2022 inició con “NÓS”
POR; Dalia María Teresa De León Adams
Tal vez Usted se pregunte qué significa FITU. Le diré qué FITU son las siglas del
Festival Internacional de Teatro Universitario.- Es una plataforma para jóvenes,
maestros e investigadores nacionales y extranjeros que difunde su trabajo
mediante el fortalecimiento de relaciones, ...
Como uno de los Proyectos de mayor aceptación en el ámbito cultural
Universitario, se encuentra éste Festival de Teatro que da cita a un número
importante de artistas y creadores escénicos en la celebración de un encuentro
vivo y apasionado, donde el entusiasmo y la entrega de los participantes ha
sido su motor.
El FITU se ha caracterizado por ser un espacio de encuentro y una plataforma
de convivencia y aprendizaje para la comunidad académica (Citas textuales de
la página WEB)
Tras de la pandemia, el FITU tuvo proyecciones enlazadas de manera streaming
con sus seguidores y, por fin, el día de ayer 2 de septiembre 2022 se volvió a
realizar de manera presencial, estando presente para la apertura el Director
General de Comunicación Social, el Señor Juan Meliá quien con su diálogo inicial
dio apertura al evento en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural
Universitario (CCU).
Posteriormente se hizo una breve semblanza de algunas de las personalidades del
medio teatral ya fallecidos, proyectando mediante un video en que se mostraban
sus fotografías. Momento que resulto muy conmovedor y de gran duelo para el
medio teatral.
El FITU 2022 es un Festival que tiene contemplado presentarse durante el periodo
que va del 2 al 11 de septiembre 2022 y que arrancó justamente con la puesta en
escena de “NÓS” de la compañía brasileña “Grupo Glapäo” la cual cuenta con 40
años de trayectoria.
“NÓS” está dirigida por Marcio Abreu y tiene como reparto estelar a grandes
actores entre los que se encuentran Lydia del Picchhia, Antonio Edson, Teuda Bara,
Beto Franco, Eduardo Moreira, Julio Maciel y Paulo André.
La trama está hablada mayormente en portugués, con los diálogos traducidos al
español colocados en la parte posterior superior del escenario. También por
supuesto cuenta con algunos diálogos en español, siendo algunos muy reiterativos,
con el fin de enfatizar la idea de qué “nadie debe exponerse al ridículo o a ser
humillado, (a), (e).
Obra un tanto a manera de denuncia, en el sentido en que va en contra de
prejuicios establecidos socialmente y de racismos o clasismos. Dramaturgia
presentada con algunos brotes de diversos géneros artísticos como lo son los
cantos entonados de manera muy armónica, música presentada en vivo, o la
presentación de un baile flamenco maravillosamente ejecutado, lo que les hace ser
unos artistas muy completos.
Todo ello agregándole a las actuaciones la alegría y momentos de crisis
emocionales emitidos gracias a la gran plástica actoral inferida y al histrionismo
que poseen los actores del “Grupo Galpäo”; aptitudes que muestran al caracterizar
a sus personajes en escena, quienes dicho sea de paso, aparecen en un montaje
escenográfico en donde se prepara un guiso y una bebida que comparten a su
público, al cual además finalmente invitaron a bailar, logrando una atmosfera de
hermandad, y agrado con los espectadores quienes les ovacionaron efusivamente
al finalizar la función.
Con respecto a ésta propuesta escénica, la casa Coordinadora de Difusora Cultural
de la UNAN bajo el cargo de la Señorita Aura Fuentes Gómez, quien presentaría en
el boletín de prensa la siguiente aseveración:
-NÓS surgió con la exploración de las cuatro décadas de experiencia de la
compañía y se trata de su montaje número 23 en el cual se debaten cuestiones
actuales como la violencia, la intolerancia y la convivencia a partir de una
dimensión política, el público es invitado a presenciar situaciones de opresión
y de convivencia, provocadas por las relaciones de proximidad entre el artista
y el espectador, actor y personaje, escena y audiencia, público y privado,
realidad y ficción.-
Y para finalizar le comento qué EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO
UNIVERSITARIO (FITU) celebra actualmente su vigésima novena edición (29ª);
festival que no tan sólo trata de presentar valiosas e interesantes propuestas
escénicas, sino qué el FITU también programa muchas actividades más, las cuales
son:
-Obras nacionales e internacionales, proyecciones, talleres, entrega de
reconocimiento Luisa Josefina Hernández a la docencia teatral, conferencias,
mesas redondas, lecturas dramatizadas, convocatorias, exhibición y venta de
publicaciones especializadas y La Gran Final.- (Párrafo textual del programa de
mano de la UNAM).
FITU 2022 se presenta en diversas instalaciones de la UNAM hasta el próximo 111
de septiembre.
DIANE
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Dramaturgia a cargo de Itzel Lara, bajo la dirección escénica de Luis Alcocer
Guerrero, la cual cuenta con el reparto estelar de Itzhel Razo en el papel de DIANE
y Vladimir Grajales (personaje complementario); puesta en escena que se acaba de
estrenar en el Foro del Teatro “La Capilla”.
Obra que pertenece al genero teatral experimental por su tratamiento escénico,
que inicia con frases repetitivas, seguidas de un silencio en el escenario,
presentando movimientos corporales un tanto rítmicos por parte de los dos
actores en escena, quienes junto con la escenografía le dan un toque de irrealidad o
apariencia onírica a ésta puesta en escena en un acto.
Adosados con máscaras, uno de ellos aparece todo en negro con el rostro cubierto
la mayor parte del tiempo escénico con una maya oscura, que le da apariencia de
ser una sombra viviente, con igual apariencia un tanto etérea que su compañera.
El ambiente es un tanto lúgubre, contando con un texto que sugiere que el
personaje protagónico se presenta post-Morten, narrando los pormenores de su
escabrosa vida. Una joven fotógrafa quien hace tomas constantemente de hechos y
situaciones adversas, en donde la sangre no podía faltar en ésta cruenta historia.
La trama de este drama peculiar está basada en parte de la biografía de una
periodista estadounidense, presentada según se puede leer en cartelera, bajo la
siguiente aseveración:
-DIANE Arbus fue una fotógrafa controversial que se esforzó toda la vida por
mantenerse a salvo de la depresión que la llevó al suicidio a los 47 años.-
DIANE Arbus (Manhattan, Nueva York 1923-1971) A inicios de la Segunda década
de 1960, Diane Arbus cuyo verdadero nombre era DIANE Nemerov, fue una
fotógrafa bien establecida, quien aportaba algunas exposiciones al Museo de Arte
Moderno de Nueva York, tras de haber obtenido la beca “Guggenhein” de Artes
Creativas, en su mismo país natal.
La obra de DIANE Arbus es conocida principalmente por las fotografías de
personas marginadas o peculiares a quienes ella misma denominaba “los freaks”.
Su legado ha sido altamente calificado principalmente en “La Bienal” de Venecia y
en El MOMA.
El montaje escénico de DIANE bajo la dirección de Luis Alcocer Guerrero, logra el
efecto deseado gracias a su gran creatividad artística y plástica, aunada a las
actuaciones de los dos jóvenes artistas entusiastas y a un adecuado montaje
escenográfico, complementado con el juego de luces.
DIANE se presenta en el Teatro “La Capilla” con funciones los días lunes a las 20:00
horas.
Placa conmemorativa a TEATRO DE CIERTOS HABITANTES
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Hoy en día el grupo artístico creativo denominado TEATRO DE CIERTOS
HABITANTES ya no necesita de presentación, debido a que ha logrado colocarse
en la preferencia del público conocedor, quien aprecia el talento y disciplina que
muestran en cada presentación.
Y ya cumpliendo su Vigésimo Quinto aniversario de haber sido fundada la
Compañía por el Señor Claudio Valdez Kuri, en el evento de reconocimiento por su
importante labor en el medio artístico teatral se le otorgó una Placa
Conmemorativa, el pasado domingo 28 de agosto 2022 en el Teatro “Juan Ruiz de
Alarcón” del Centro Cultural Universitario.
Claudio Valdés Kuri dedicaría algunas palabras de agradecimiento con las cuales
haría saber a su público qué el TEATRO DE CIERTOS HABITANTES terminó
siendo actualmente El TEATRO DE “MUCHOS” HABITANTES.
Por tal motivo fueron invitados todos los artistas que en alguna ocasión han
formado parte de ésta importante compañía. Claudio Valdés Kuri también haría
mención de algunas de las personas que han sido “claves” en el largo caminar del
TEATRO DE CIERTOS HABITANTES, siendo uno de ello Juan Meliá el Director del
Teatro UNAM.
Así Juan Meliá Director General de Comunicación Social pasó al escenario
dedicando algunas palabras de elogio y mutuo reconocimiento al director y
dramaturgo.
A la vez estuvieron presentes otras personas icónicas para el Señor Claudio Valdés
Kuri, quien afirmara que cada año invitan a un artista importante del medio que
haya marcado de alguna manera, su labor dentro de la compañía, siendo en ésta
ocasión nada menos que la Maestra Luisa Huerta, quien participara en la
revelación de la Placa Conmemorativa, junto con el Director Estadounidense
Michael Halbertam, quien dicho sea de paso, fue quien dirigiera una de sus obras
en la Unión Americana que se mantuvo por el largo lapso de seis meses.
Le comento que el evento se llevó a cabo tras de la presentación de la puesta en
escena de la obra TRIPLE CONCIERTO, dramaturgia escrita por Mónica Hoth y, el
mismo Claudio Valdés Kuri en la cual se hace un derroche de sapiencia musical, y
de una magnífica dirección, junto con el talento de los artistas en el escenario, que
fuera parte del Festival IM-PULSO Música Escena de la UNAM.
Y por supuesto que en el Foro totalmente lleno, en donde se pusieron de la mayor
parte del público, para aplaudir y ovacionar con algunos gritos de ovación, al
TEATRO DE CIERTOS HABITANTES.
¡FELICITACIONES A CLAUDIO VALDÉS KURI Y A TODO SU EQUIPO CREATIVO!
DESDÉMONA FRENTE EL CADÁVER
POR: Dalia De León Adams
DESDÉMONA personaje creado con el ingenio de Williams Shakespeare en su
icónica obra OTELO escrita en 1603 en la cual los celos, la irracionalidad, la envidia
y la calumnia son los ingredientes medulares que se sazona la trama para dar como
resultado ésta tragedia.
OTELO es un moro, general al servicio de Venecia, quien ha conquistado el amor de
Desdémona, hija del senador veneciano Brabantio con quien contrae nupcias.
Ambos personajes retomados en la trama de la reciente obra teatral intitulada
DESDÉMONA FRENTE AL CADÁVER de manera protagónica a manera de
denuncia (por los feminicidios ocurridos constantemente aún hoy en día).
El tercer gran protagonista de la obra de Shakespeare de OTELO es Yago. Es un
subordinado de Otelo que quiere destruirle. Toma como aliado a Rodrigo quien
está enamorado de Desdémona e inventará un romance entre ambos. Otelo segado
por los celos le quita la vida a su esposa DESDÉMONA.
Yago en la obra de DESDÉMONA FRENTE AL CADÁVER es un personaje ausente,
pero de vital importancia en la narrativa, debido a que es quien detona la tragedia
en la cual se ve envuelta DESDEMONA, perdiendo la vida por ello.
DESDÉMONA FRENTE AL CADÁVER es una dramaturgia escrita por Patricia
Yáñez y José Antonio Becerril a través del Programa “Residencia Expuesta” de
Teatro UNAM.
Ambos son parte de la Compañía “La Lejana Teatro” y son quienes actúan
caracterizando a OTELO y DESDEMONA teniendo en la escenificación la música en
vivo de Juan Pablo Villa, quien además es el editor de efectos y sonidos.
Los actores (y creativos) son quienes en base a un lenguaje poético corporal
marcan el ritmo de diversos cuadros escenográficos, enmarcados por el uso
multimedia de imágenes que complementan el drama.
También aparece un tercer personaje en escena, un supuesto investigador de los
hechos del crimen, quien con una cámara de video aparece constantemente en la
obra.
Ello debido a que ésta trama está escrita a manera de presentar dos tiempos
escénicos a la vez; el del momento shakespeareano (siglo XVII) en el cual OTELO
asesina a su mujer DESDÉMONA encausado por los celos que le despierta
injustamente Yago, y el otro tiempo paralelo que se recrea en la contemporaneidad
en que hoy día vivimos, en donde ésta historia suele ser recurrente, mujeres
asesinadas por sus parejas quienes pueden ser una madre, hija, sobrina, tía, abuela,
amiga, compañera, vecina o simplemente una conocida.
Por ello al finalizar la puesta en escena si Usted conoce a una DESDÉMONA puede
pasar a escribir su nombre en uno de los muros que forman parte del escenario de
ésta obra teatral.
DESDÉMONA nombre que utilizara Williams Shakespeare y que significa en griego
“DESDICHADA”.
DESDÉMONA FRENTE AL CADÁVER se presenta en el Teatro Santa Catarina en
corta temporada con funciones de jueves a domingos.
LA ÚLTIMA CINTA DE KRAPP
Dalia María Teresa De León Adams
KRAPP Se define como el gusto por mantener un cierto control maestro por las
cosas. Otra acepción es el no saber manejar la indiferencia o interferencia de
otras personas, o bien, la memoria documental como montaje del pasado; el
archivo entendido como lugar de custodia de la memoria individual y colectiva
es un espacio de acopio de aquella imagen que el pasado impone al futuro.
Y justamente es de ésta última acepción de la cual trata la puesta en escena de
KRAPP estelarizada con gran plástica actoral por el gran director escénico,
ensayista, traductor, dramaturgo pedagogo y actor mexicano Luis de Tavira.
Le recuerdo qué el Señor Luis Fernando de Tavira Noriega (1948) entre sus libros
publicados se encuentra Hacer teatro hoy, El corazón de la materia: Teilhard el
jesuita, Ser es ser visto, La séptima morada, Ventajas de la epiqueya: comedia de
intriga, La pasión de Pentasilea, Teatro escogido y Espectáculo invisible.
LA ÚLTIMA CINTA DE KRAPP escrita por Samuel Beckett en el año de 1958,
consistió en una obra para ser montada en un solo acto escénico. Se trata de un
monólogo o espectáculo unipersonal en el cual un hombre maduro celebra a solas
en su cuarto semi-oscuro sus 69 años. De pronto decide escuchar en su viejo
magnetofón los sucesos vividos cuando tenía 39 y la vida le sonreía con un tórrido
amor en los momentos en que pasaba por una crisis existencial.
Y como asegura la casa difusora al respecto:
Nosotros lo hacemos mediante las notas de voz que mandamos por el celular,
generando archivos de nosotros mismos y de nuestras relaciones con los
demás. Ésta obra nos invita a identificarnos con esos deseos de volver a un
pasado imposible de cambiar, pero que podemos revivir con solo escuchar una
grabación.
Su autor originalmente la escribió para ser escenificada por el actor norirlandés
Patrick Mage. A manera de Sinopsis, la trama trata de un refugiado, quien en la
soledad de su oscuro aposento se prepara algunos tragos y reflexiona sobre su
bochornoso pasado.
La puesta en escena muestra el lado pesimista, retraído y solitario característico de
el tan importante escritor Samuel Beckett quien reviste generalmente a los
personajes de su obra, de manera un tanto solitarios y sombríos, así como
inmersos en circunstancias adversas.
LA ÚLTIMA CINTA DE KRAPP es una obra que ha sido considera como el texto
autobiográfico de su autor de Samuel Beckett (1906-1989). Entre sus obras se
encuentran Proust (1930), Murphy (1938), Molloy (1951), Malone muere (1951),
El innombrable (1953), y Watt (1953),
Samuel Barclay Beckett fue un dramaturgo, novelista, crítico y poeta irlandés, uno
de los más importantes representantes del experimentalismo literario del siglo XX,
dentro del modernismo anglosajón.
Su obra es generalmente fundamentalmente considerada como sombría y tendente
al minimalismo y, profundamente pesimista, casi hasta nihilista (corriente
filosófica que sostiene la imposibilidad del conocimiento y niega el valor de las
cosas).
Por esto último no es extraño la consideración de Beckett casi al finalizar su
monólogo de LA ÚLTIMA CINTA DE KRAPP cuando asegura con otras palabras
qué el romance sostenido, cuya experiencia grabara, fuera la etapa más bella de su
vida, sin embargo NO le gustaría revivirla.
LA ÚLTIMA CINTA DE KRAPP, obra lírica de Samuel Beckett interpretada con
gran maestría por el actor Luis de Tavira, Usted la podrá ver en el Foro la Gruta del
Centro Cultural Helénico hasta el día 11 de septiembre en sábados y domingos.
LAS CRIADAS
POR: Dalia De León Adams
LAS CRIADAS, originalmente “Les Bonnes” (en francés) es una obra teatral del
dramaturgo Jean Genet, estrenada en París en el año de 1947. Puesta en escena la
cual causara mucha polémica, sufriendo en su estreno la repulsa por parte del
público asistente, empero a ello, con el tiempo se convertiría en una obra icónica
del género dramático.
Con un contenido cruento e irreverente, el texto puede ubicarse también como una
obra naturalista en el sentido de que se narran la historia tal y como suele suceder
en la realidad, sin ningún tapujo o disimulo alguno.
LAS CRIADAS recrea un drama en el cual se ven inmersas dos mujeres al servicio
de una apoderada y rica mujer casada llamada María Antonieta, cuyo marido ha
tenido el infortunio de ir a parar en la cárcel, debido al falso testimonio urdido por
LAS CRIADAS mediante unas cartas que le comprometieron, para poder despojar a
sus patrones de sus bienes materiales y posición social.
Un asesinato podrá ser parte del plan a seguir. Por su parte la Compañía creativa
de ésta obra trágica, expone dentro de la cartelera teatral el siguiente párrafo
textual al respecto:
-La obra cuenta la historia de LA CRIADAS, Clara y Solange, dos hermanas que
aman y odian a la Señora para la que trabajan. Cuando están a solas
representan la ceremonia de ser la Señora, llevando a cabo un juego siniestro
sobre el ejercicio del poder. Ambas han cometido un delito por el que están a
punto de ser descubiertas. Todo las acusa y las arrastra a una trágica opción:
huir, ir a la cárcel o enfrentarse a la muerte.-
Hoy en día bajo la dirección escénica del Señor Víctor Carpinteiro, quien por cierto
hace una extraordinaria labor, se presenta la obra en el Teatro “El Círculo Teatral”
fundado por él y su homólogo el actor, director, productor y profesor Alberto
Estrella.
Iván Duarte, Alan Blasco y Murias Reynoso estelarizan éste drama mostrando
tener grandes dotes histriónicos. La puesta en escena, como Usted podrá ver, se
realiza a través de solamente actores masculinos, lo cual es una variante si se
considera qué comúnmente ha sido representada por un reparto estelar femenino.
Empero, la fuerza del tono de voces y la emotividad que muestra un actor
masculino al actuar en un rol de mujer, le da un plus a la caracterización dramática,
además de convertirla en una presentación de carácter contemporáneo.
La obra se presenta en un solo tiempo y un cuadro escenográfico vacío,
inicialmente, que se construye inmediatamente con la utilería que dos de los
mismos actores colocan, dando la impresión de presentar una meta-obra en
escena.
Finalmente sus diálogos son fluidos y emotivos, conformados con un lenguaje
coloquial que va acorde con el adoso femenino de un vestuario llamativo y en otra
hora atrevido, que muestran en todo momento escénico los actores.
LAS CRIADAS se presentan en El Círculo Teatral los días jueves con horario de las
20:30 horas.
SACM Preseas
Por: Dalia De León Adams
La Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM) se vistió de fiesta éste
25 de agosto para entregar los grandes ÉXITOS SACM 2022 a diversos miembros
del medio musical.
Premios que se otorgaron por su reconocimiento a la labor artística en el que se
contemplaron diversas modalidades y géneros musicales que incluían tanto
canciones, como piezas o conciertos musicales; melodías que han logrado
colocarse en el mayor rafting en el agrado de muchos seguidores y escuchas en
nuestro país.
Para tal efecto se reunieron grandes personalidades que incluyeron a los directivos
de Centro Cultural Roberto Cantoral, como lo son su Director General, el
Licenciado Roberto Cantoral Succhi, el maestro Martín Urieta quienes forman
parte del Consejo Directivo y el gran maestro Memo Méndez Gulú.
Por supuesto que no podían faltar grandes figuras del medio musical, quienes
fueron premiados o invitados especiales (quienes transitaron en dos alfombras
azules) a éste magnánimo evento en el cual fue galardonado con el rublo de “Gran
Maestro” al compositor mexicano Arturo Márquez, quien recibió una estatuilla
para tal efecto, interpretándose en la Sala del Centro Cultural Roberto Cantoral dos
de sus piezas musicales más icónicas, como lo son “Danzón No. 2” y “Melala” con la
Orquesta Nacional Filarmónica del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura
(INBAL) y el Coro de Niños Cantores de Toluca, San Luis Potosí y otros estados.
Así transcurrieron aproximadamente 30 minutos, tiempo durante el cual, el
público ovacionó de pie al Maestro Arturo Márquez por sus grandes composiciones
mezcla de música clásica, vernácula y tradicional.
Arturo Márquez nació en Álamos, Sonora en el año 1950. Estudió en el
Conservatorio Nacional de México, en el taller de composición del Instituto
Nacional de las Bellas Artes en donde ingresó en el año de 1976 al taller de
composición.
Éstos y más pormenores fueron dados a conocer en la sala de Concierto a través de
una semblanza videada y transmitida en una mega pantalla en el fondo de dicho
recinto.
Tras de ello, todos los presentes se trasladaron al Jardín de la Asociación de
Compositores y Autores de México (SACM) el cual fue cubierto y colocada otra
mega pantalla, para transmitir la tan esperada premiación de los ÉXITOS SACM
2022 mientras se ofreció una espléndida cena.
Para finalizar le recuerdo qué la premiación completa la puede Usted seguir en las
redes y en la pagina Web de la SACM la cual es: https://www.sacm.org.mx
La Sociedad de Autores y Compositores de México es una Sociedad de Gestión
Colectiva de Interés Público creada conforme a la legislación mexicana en el
año de 2007 —pero con antecedentes organizativos desde 1945 en que se
fundó el Sindicato Mexicano de Autores y Compositores mexicanos (SMACEM)
con el propósito de fortalecer el vínculo con los usuarios de la música para
crear una nueva cultura en el reconocimiento al derecho de autor, buscando en
forma conjunta, con la sociedad y el gobierno de México la debida protección
de las obras intelectuales como parte importante, como parte importante del
acervo cultural de la nación y como elemento esencial de identidad cultural,
reivindicando así el trabajo de los compositores como una profesión digna y
honesta que puede ser ejercida por cualquier mexicano, con la justa
retribución que le permita vivir decorosamente del fruto de su inspiración.
¡FELICIDADES A LA SACM y a todos los que hicieron
NO TODAS VIVEN EN SALEM
POR: Dalia De León Adams
Puesta en escena en un acto, con una escenografía a media luz que recrea el
ambiente preciso para el montaje escénico de NO TODAS VIVEN EN SALEM que
está dirigida por la joven Gina Botello quien le otorga un toque de modernidad a la
obra.
Obra de la cual al tan sólo leer su título nos viene en mente “Las Brujas” y,
justamente esa es la temática que aborda su autora Jimena Eme Vázquez quien
mediante elementos de ficción, construye la génesis de dichas supuestas
hechiceras.
Recordemos qué en enero de 1692 se inició en la localidad de Salem, en
Massachusetts, el juicio contra varias mujeres acusadas de practicar la brujería, y
qué algunos inquisidores enseguida las enjuiciaron, llevando a la hoguera a todas
aquellas quienes negaban tener contactos o actos malignos.
Hecho fehacientes qué es introducido dentro de la trama de NO TODAS VIVEN EN
SALEM cuyo texto además cuenta algunas anécdotas históricas mezcladas con la
manera popular de visualizarlas y muy breves presentaciones de programas
televisivos, que en el siglo pasado lograron alcanzar gran audiencia, al ser
presentadas las brujas como personajes protagónicos.
Y justo sobre ésta puesta en escena la Compañía Difusora a cargo de la Señorita
Gaddi Miranda escribe el siguiente párrafo en su boletín de prensa de manera
textual:
-A manera de collage escénico se desarrollan las historias de Alice, bruja-niña
inserta en los procesos de finales del siglo XV en Europa; Tituba, bruja-esclava
y primera acusada en los juicios de Salem de 1692; y Khaterine bruja-escritora
que forma parte del gran movimiento feminista en 1968.
El montaje escénico consta en parte de la presentación de títeres, imágenes
multimedia, hielo seco en el escenario en ciertos cuadros y, de la aparición de un
objeto con forma de televisión en donde se introducen tanto imágenes, como una
actriz que amenizan la puesta en escena.
NO TODAS VIVEN EN SALEN como anteriormente comenté es una dramaturgia
original de Jimena Eme Vázquez, que pertenece al género documental en cuanto a
que se basa en algunos testimonios históricos, los cuales son sazonados mediante
la ficción y el drama, con elementos fársicos en cuanto a la narración.
En la puesta en escena en parte se rompe con el arquetipo tradicional que se tiene
sobre las brujas, dándole un giro mediante una propuesta feminista la introducción
de diálogos construidos de manera muy bien estructurada, inteligente y
documentada, bajo un toque de humorismo negro.
NO TODAS VIVEN EN SALEM se presenta en el Foro La Gruta del Centro Cultural
Helénico hasta el día 11 de noviembre.
LA TEMPESTAD
POR: Dalia De León Adams
Una de las obras icónicas del afamado escritor inglés Williams Shakespeare
(nacido en Stratford-upon-Avon, Reino Unido, 1564 -1616) es puesta en escena
hoy en día en formato tanto de teatro guiñol, como de teatro presencial por parte
de la actuaciones estelares un entusiasta reparto estelar.
Su directora artística es nada menos que Lourdes Pérez Gay Titiritera, quien como
muy probablemente Usted sabe, es escritora, productora y directora de teatro
mexicana. Egresada de la Facultad de Filosofía y Letras UNAM. Fundadora junto
con Mariano Leyva en 1968 del grupo de teatro político Mascarones en el estado
de Morelos.
En 1977 funda, junto con Lucio Espíndola, la compañía Marionetas de la Esquina
en donde funge como directora artística y productora ejecutiva. Destacan sus
obras Historias en Colores de 1991 y Dibújame una vaca de 2002. En 2014 abre el
Centro Cultural La Titería, justo el recinto cultural en donde se acaba de estrenar la
obra teatral LA TEMPESTAD, justo el sábado pasado 20 de agosto 2022.
La puesta en escena es una adaptación en donde algunos elementos de la obra de
LA TEMPESTAD se mezclan con la de “Hamlet” de mismo icónico autor inglés, con
otros elementos de ficción que la infieren dentro del contexto de teatro para niños,
tomando en cuenta qué además se incluyes dentro de la representación teatral
algunos muñecos guiñol o títeres.
En ésta trama los elementos medulares son la traición, la perseverancia, la magia,
la inteligencia, la sensatez y por supuesto el amor. Se narra la historia de la reina
Gertrudis desposeída por su cuñado, tras de éste haber matado a su hermano,
Hamlet el entonces rey, para quedarse con su reino y su mujer. Ante la negativa de
ésta la despoja de todo y ella sobrevive de LA TEMPESTAD alojándose en una isla.
Recordemos que ésta obra clásica en resumen trata de la historia de un hechicero,
exiliado a una isla, que trae a sus dos hermanos a la isla a través de una tormenta
provocada con el fin de exigir su venganza y restaurar a sí mismo ya su hija a
Milán.
Empero, en la propuesta de ésta adaptación escénica la reina se convertirá en la
eficaz hechicera buena e indulgente, llamada Próspero. Trama que además tiene
algunos efectos visuales y que tendrá un final feliz volviéndola en cuento o
comedia, dejando a un lado el género de la tragedia, en que Williams Shakespeare
incursiona.
Con respecto a la escenografía, ésta cuenta con varios elementos que hacen posible
la escenificación de la mar y de sus constantes oleajes, utilizando para dicho efecto
tanto el juego de iluminación, como el uso de grandes mantas movibles
manualmente con cuerdas e incluso diaposivas.
Por su parte la Compañía artística realiza la siguiente aseveración sobre su
montaje escénico:
-Con títeres, Mappings y una isla muy peculiar, LA TEMPESTAD cuenta la
historia de Próspero quien, doce años después de haber sido expulsada de
Milán, decide vengarse de su cuñado y de quienes la traicionaron.
Ese día Próspero y Ariel provocan una inusual tormenta que atrae a sus
enemigos a su isla de exilio. El momento de la venganza ha llegado y si todo
sale como Próspero lo ha planeado, ella y su hija recuperarán lo perdido.
LA TEMPESTAD se presenta con funciones los sábados a las 18:00 horas y los
domingos a las 17:00 horas en “La Titería”.
Vicente Guerrero Callle, Del Carmen, Coyoacan. 04100 Ciudad de México
LAS DEVORADORAS DE UN ARDIENTE HELADO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Dramaturgia al estilo Drag basada en un texto de Antonio González Caballero;
autor que dicho sea de paso, es la primera ocasión en la cual es representada
alguna de sus obras en el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL)..
Ubicada como obra fársica, o teatro del absurdo, es un montaje escénico propuesto
a manera de Revista Musical a argo de la Compañía teatral “Figurat” puesta en
escena bajo la dirección artística de Emmanuel Márquez Peralta, quien en rueda de
prensa comentaría haber sido discípulo del autor de éste melodrama.
Antonio González Caballero (San Luis Potosí 1927-2003) fue escritor, pintor,
escultor, caricaturista, guionista de cine, radio, televisión, cuentista, novelista,
director teatral, pedagogo y dramaturgo mexicano.
Se reconoce actualmente, su labor en el medio teatral mexicano. Entre sus obras
escritas se encuentran entre otras, “Cómo escapar de la niebla”, “La maraña”, “El
Plop”, “El medio pelo”, “Tres en Josafat” y “La maraña”.
Con respecto a éste montaje escénico, en el boletín de prensa se considera lo
siguiente:
-LAS DEVORADORAS DE UN ARDIENTE HELADO, una farsa musical, un
absurdo, una metáfora imposible, un deseo repugnante, un juego de espejos
delirante, un esperpento drag. Cirse e Isadora salen a tomar un helado en la
nevería “Las Walkirias”; acompañadas de Diego, hijo de Isadora y esposo de
Cirse. A través de ellos disfrutamos de la patética y absurda relación que existe
en esta familia.-
El reparto estelar se encuentra formado por Jorge Zárate, Misha Arias de la
Cantolla, Omar Esquinca y Angelo Enciso. Actores entusiastas que se presentan
adosados con peculiares pelucas y un vestuario llamativo, incluyendo maquillajes
al estilo Drag que dan un efecto casi de cuento, además de por su escenografía
colorida y vistosa.
Personajes que la misma compañía considera estrambóticos, los cuales además de
actuar, cantan y bailan en ésta peculiar revista musical, un tanto irreverente, que
utiliza un lenguaje altisonante de manera ocasional que se ajusta perfectamente
con el texto en donde todo puede ser posible.
Con respecto a la obra le comento qué consiste en un proyecto que fuera
seleccionado tras de una convocatoria propuesta a través del “Programa de Teatro
para Adultos” del INBAL, entre los años 2019-2020, logrando la categoría de
Producción y Coproducción de Clásicos Universales del siglo XX.
Y como explicara su director escénico, quien como a priori hemos dicho es el Señor
Emmanuel Márquez Peralta, ésta es una puesta en escena que truncó su
presentación en aquel entonces, debido a la pandemia padecida por todos.
Y empero a ello, por fin La Compañía Teatral “Figurat” (cuya propuesta escénica
consiste en la búsqueda de nuevas narrativas y temas que vayan dirigidas en
especial a los niños y los adolescentes) se presentará ya en el Teatro Julio Castillo
del Centro Cultural del Bosque, del 25 al 2 de octubre los fines de semana.
LA MANZANA DE LA DISCORDIA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Dramaturgia farsica que trata acerca de algunos fragmentos de la obra de Homero
intitulada “La Iliada y la Odisea” que en griego homérico como fue escrita, se
escribe Ἰλιάς: Iliás y, en griego moderno Ιλιάδα: Iliáda.
Obra afamada internacionalmente, cuya fecha del escrito se desconoce con
exactitud, pero que se ubica dentro del siglo VIII Antes de Cristo, acorde con los
testimonios que indican que Homero, nació durante dicho periodo en Jonia, como
antiguamente se conocía a la Antigua Grecia, ubicada en la Costa Centro Occidental
de Anatolia.
Es una epopeya griega atribuida tradicionalmente a “La Ilíada” qué junto con “La
Odisea” son atribuidas a Homero. Ambas se ubicada dentro del género de la poesía
épica, que versa sobre la guerra librada y acontecida en Troya a través de un
enorme caballo;
El conflicto bélico que fuera librado por los aqueos para liberar a la esposa de
Melenao rey de Esparta, llamada Helena, tras de haber sido aparentemente
raptada por Paris, del palacio del mismo rey de Esparta.
Como dato complementario le recuerdo qué “La Ilíada” se compone de hexámetros
dactílicos, y consta de 15 693 versos; en su trama se habla de la cólera de Aquiles.,
narrados en los acontecimientos ocurridos durante 51 días
Suceso que también se ventila mediante el momento en el cual Aquiles ofende a
Agamenón, librando por ello ambos una pelea a muerte. Suceso determinado por
la Diosa Atenea quien al igual que todos los personajes de la trama, se
“caricaturiza” por llamar de alguna manera a las caracterizaciones matizada de
manera chuscas, y a la introducción de elementos de la actualidad, como el uso del
celular y un carrito de supermercado, dentro de la trama.
La dramaturgia es una adaptación y creación colectiva, bajo la dirección escénica
de Iona Weissberg y Aline de la Cruz, en donde aparecen actores muy talentosos
como lo son Rodrigo Muray, Artús Chávez, Christopher Aguilasocho, Fernando
Córdova y Noemí Espinosa.
Todos ellos interpretando con gran plástica actoral y versatilidad a varios
personajes tanto femeninos, como masculinos, recurriendo para dicho efecto sus
grandes talentos histriónicos que muestran a través de la modulación de sus voces
y movimientos tanto corporales, como faciales, logrando que ésta puesta en escena
sea realmente un deleite y un derroche de risas.
Actores quienes además ocasionalmente invitan al público presente, a colaborar en
ésta divertida farsa, llena de colorido y diversos cambios de vestuario, con el uso
de pelucas, e incluso maquillaje utilizado para algunas caracterizaciones; además
de contar con una escenografía compuesta de objetos de utilería movibles que
hacen posible el cambio de los diversos cuadros escénicos..
Respecto a la parte medular de la trama, en cartelera teatral se puede leer de
manera textual la siguiente aseveración:
-En LA MANZANA DE LA DISCORDIA Zeus baja del Olimpo y cita en la tierra a
Hera, Atenea y a Afrodita porque ha decidido acabar con la humanidad, pero
las diosas se oponen y sugieren encontrar un modelo para un héroe nuevo que
nos guíe. Es así que las diosas re-visitan distintos momentos de La Iliada para
elegir un nuevo arquetipo que nos dirija.-
LA MANZANA DE LA DISCORDIA se presenta en el Foro teatral Sor Juana Inés del
Centro Cultural de la UNAM con funciones que se presentan de jueves a domingos
en doble horario hasta el próximo 27 de agosto.
¡FELICITACIONES! a todos los que hacen posible ésta obra teatral.
INDECENTE
POR: Dalia María Teresa De León Adams
La historia real de una obra de teatro judía que escandalizó al mundo entero.
Llega a la cartelera mexicana de Paul Voget , basada en la controvertida
puesta en escena The God of Vengeance, escrita en 1907 y escenificada
alrededor del mundo con gran revuelo en la comunidad judía, lo cual la sitúa
como una de las obras más contundentes del siglo XX…
INDECENTE de la dramaturgia ganadora de Pulitzer, Paula Voget cuenta la
historia de la controvertida obra de Sholem Asch The God of vengeance y los
apasionados artistas que arriesgaron todo para llevarla a los escenarios de
Europa y Estados Unidos. Una pequeña compañía judía de teatro narra el viaje
de la obra desde su creación en Varsovia en 1906, pasando por su presentación
en Broadway –censurada por mostrar un beso entre dos mujeres- hasta sus
últimas representaciones en el ghetto de Lodz en Polonia durante la ocupación
alemana.-
INDECENTE es una obra que lleva implícita en sí diversas lecturas que van desde
el mostrar el homosexualismo tan censurado en los albores del siglo pasado, como
bosquejar la constante diáspora judía, (etnia como Usted bien sabe, carente
secularmente de una región o país propio) el racismo recalcitrante en pos del
judaísmo, y la pasión de los actores por mantener su arte, más allá de las
consecuencias.
Todos esos elementos la convierten en una obra de denuncia; denuncia por la
injusticia y los prejuicios preestablecidos a nivel mundial. Obra puesta en un solo
tiempo escénico que contiene una escenografía movible que hace posible el
indagar, qué puede pasar tras bambalinas durante una función teatral, e incluso
antes, logrando un acercamiento de los artistas con el público mediante la
presentación de una meta-obra, dentro de la dramaturgia.
Es decir qué dentro del montaje escénico, se representa a la vez parte de otra obra
teatral, con una dramaturgia en donde el amor entre dos mujeres surge tras de
escenificar algunas candentes escenas en las cuales ambas artistas se abrazan, se
besan y se confiesan su amor.
Temática qué por supuesto escandalizaría a inicios del siglo XX, justo cuando fue
escrita en 1906 por su autor autor polaco de origen judío Sholem Asch (1880-
1957) bajo el título de The God of Vengeance (La venganza de Dios)
Obra que posteriormente sería adaptada por la dramaturga Paula Vogel (1951
Washington CD., Estados Unidos) bajo el título de INDECENTE. Dramaturgia en la
que por cierto Paula Vogel introduce al autor Sholem Asch, a manera de personaje
dentro de su adaptación al texto.
El elenco está formado por Alberto Lomnitz, Elizabeth Guindi, Ana Guzmán
Quintero, Majo Pérez, Roberto Beck, Jorge Lan y Federico Di Lorenzo, quienes
portan ropa a la usanza secular, además de actuar, cantan y bailan dándole un plus
a ésta interesante puesta en escena .
INDECENTE se presenta hoy en día bajo la dirección artística de Cristian Magaloni
y la producción de Ana Kupfer en el Teatro Helénico, con funciones de jueves a
domingos hasta el día 2 de octubre.
EL SENDEBAR
POR: Dalia María Teresa De León Adams
A colación con la ya muy próxima apertura de las universidades en nuestro país y,
en específico de la Universidad Autónoma de México (UNAM) regresó “El Carro de
Comedias” a la Explanada del Centro Cultural Universitario con la puesta en escena
de EL SENDEBAR; La Cruzada de una fémina ilustrada.
Pero, qué es “El Carro de Comedias? Según la misma Universidad Autónoma en
donde se presenta periódicamente todos los años:
-Es un espectáculo en el que intervienen directores vestuaristas, escenógrafos,
utileros y por supuesto actores egresados de las diferentes escuelas de arte
teatral, como es el CUT, ENAT, Colegio de Literatura Dramática de la Facultad
de Filosofía y Letras, Casa Azul, UAQ, UANL, BUAP, etc.-
Se fundó en el año de 1998, iniciando el proyecto con la presentación de la obra del
escritor y poeta español de Federico García Lorca “La Barraca. El Carro de Comedia
pertenece a la dirección de Teatro de la Coordinación de Difusión Cultural de la
UNAM.
Desde entonces ha ofrecido funciones en base a dramaturgias clásicas, realizando
para ello adaptaciones contemporáneas de los textos para ser presentados tanto
en escuelas como en las mismas calles, en festivales y por supuesto en la Explanada
del Centro Cultural UNAM, en donde hoy en día los sábados y domingos tienen
función a las 11:00 AM.
Le comento que por primera ocasión en veinte años de existencia que tiene La
Compañía “Carro de Comedias” se comenzó a dirigir por una mujer, quien por
cierto es Mariana Hartasánchez.
Por su parte, Mariana Hartasánchez comentaría al respecto:
-Me siento honrada de poder ser portavoz de algunos nuevos cuentos que las
mujeres estamos empezando a reeinscribir en éste palimpsesto que es la
historia de la humanidad.-
Dramaturgia con la cual además, se dio apertura de funciones presenciales en
2021 en dicho recinto cultural, teniendo como productora a la Dirección de Teatro
UNAM.
Así fue como la Compañía Difusora se diera a la tarea de exponer la siguiente
Sinopsis en el boletín de prensa con respecto a la temática que aborda ésta obra
teatral:
-“Narra la historia de Enedina, una mujer que, travestida de hombre,
encuentra EL SENDEBAR. Un libro destinado a injuriar a las mujeres y enseñar
a los hombres a cuidarse de ellas. Al descubrir el contenido misógino de sus
cuentos, Enedina hace todo lo necesario para tener ese libro y lo leva a u grupo
de cómicos, con quien juega a representar los relatos que éste contiene para
luego demostrar la falsedad de sus narraciones. Lo que ella no sabe es que muy
cerca hay un hombre capaz de hacer cualquier cosa por seguir acallando la
voz de aquélla que busca contarse a sí misma.”_
Obra farsica presentada a manera de comedia, que presenta algunos cuentos
breves actuados por jóvenes integrantes del “Carro de Comedias. La obra recrea la
Época Medieval europea mostrando a unos comediantes como fuera a la usanza
secular, quienes viajan en su carreta que les sirve además del escenario para
contar historietas, a todas aquellas personas dispuestas a escucharlas.
Con vestuario acorde a la época, los actores con mucha gracia y frescura
representan a diversos personajes a la vez; y así a manera de meta-obra,
representar algunos de los divertidos y breves cuentos de EL SEDEBAR, tratado en
el que se incluye el cuento del rey llamado Álcos quien teniendo 90 mujeres, sin
embargo no ha tenido un solo hijo, el cual desea fervientemente. Una de sus
mujeres le aconseja que le pida a con fe a Dios y ese día por fin, juntos procrean.
Años más tarde el rey Álcos es burlado por su joven amante, quien intentará
engatusar a su hijo, persuadiéndolo para matar al rey y así juntos gobernar el
reino.
También se narra el cuento en el que un hombre al salir y alejarse de casa para
trabajar, es engañado por su mujer, quien goza de una relación ilícita con un
apuesto y joven amante, por lo cual su esposo al sospechar sobre su conducta
infiel, pide a un perico que le cuente todo aquello que haga su mujer durante su
ausencia.
Finalmente se recrea la historieta de un hombre adinerado y caprichoso, quien
pide a su vasallo que le lleve cada día un delicioso y peculiar pan qué una joven
hornea cada mañana; sin embargo un día dicha joven deja de realizar esa labor,
por lo cual el hombre adinerado junto con su siervo, irán a intentar sacarle la
receta.
Éstos entretenidos cuentos forman parte del montaje escénico EL SENDEBAR, la
obra cuya adaptación escénica hoy en día se encuentra como inicialmente
mencionara, a cargo de la dramaturga Mariana Hartasánchez.
La obra se basa en realidad en EL SENDEBAR , también llamado “Syntipas” o
“Libro de los Engaños”. Un libro de cuentos o “Exampla castellano” escrito a
mediados del siglo XVII en plena Época Medieval, que compila una serie de escritos
narrados por la tradición árabe, que provenían del antiguo legado cuentístico
persa e hindú.
EL SENDEBAR se presenta en días domingos en la Explanada del Centro Cultural
UNAM a las 11:00 A.m.
MATERIA PRIMA
POR: Dalia De León Adams
Obra experimental escrita y dirigida por Olinda Larralde Ortiz en la cual colaboran
tanto actores extranjeros como mexicanos, en una trama en donde se ventila la
relación de una mujer mexicana, quien mantiene una relación en Holanda con un
hombre originario del país, narrando el personaje protagónico algunas de las
expresiones populares y forma de vida local.
Perteneciente al género experimental, contiene una trama en donde se hace uso
constantemente de la lengua neerlandesa, apareciendo de inso-facto con letreros
escritos la traducción y, por supuesto con diálogos también en español.
Diálogos los cuales resultan ser idóneos para representar ésta dramaturgia en
donde se hace un acercamiento de ambas culturas, aún cuando sea de manera
totalmente somera.
También contiene elementos de la corriente del realismo mágico, en donde el
chamanismo e incluso, lo irreal, forman parte de la realidad dentro de la trama,
partiendo del supuesto de una experiencia descarnada o post-mortem, como se
puede apreciar en la siguiente consideración sobre el texto, expuesta en el boletín
de prensa por parte de su director el Señor Raúl Medina y, que es la siguiente:
-Ella es arrastrada por una ola de luz, un idioma extranjero en la voz de un
hombre. Se muda entonces de México a Países Bajos. Incorporar ese lenguaje
ajeno la llevará a profundidades insospechadas de su ser, que como fuego
implacable, habrán de consumirla hasta la inmutable esencia de quien es.-
Los ingredientes medulares de ésta puesta en escena son el mostrar las diferentas
del modos vivendus, la adaptación a otra cultura, la representación de la muerte, la
búsqueda por la esencia humana y el ser.
Montaje escénico que invita a una reflexión de corte filosófico con respecto a lo que
comúnmente creemos sea lo real, mezclado con lo irreal y entendido como
gestación de la vida fundada en el estado de vigilia, en el sueño o, tan sólo como
producto de un texto.
La escenografía de éste montaje teatral está apoyada en el recurso multimedia, en
donde se proyecta en dos de los espacios escénicos algunas imágenes coloridas a
manera de mostrar la génesis de la vida.
Efectos que se logran a través de dos muros logrados a base de papel, que
posteriormente son destruidos en algunas partes, por algunos de los personajes
secundarios que los rompen en algún momento escénico.
En el reparto estelar se encuentran los actores Valeria Bazúa, Rodrigo Alcántara,
Martijn de Rijk y Lot van Lutern, quienes además de actuar, ocasionalmente cantan
logrando con ello una puesta en escena más agradable.
MATERIA PRIMA se presenta en el teatro El Granero Xavier Rojas del Centro
Cultural del Bosque con funciones de miércoles a domingos por la Compañía Lázuli
Teatro, con el apoyo de La Coordinación Nacional de Teatro.
Entrega de galardones.
EXITOS SACM 2022-08-19
POR: Dalia De León Adams
El pasado miércoles 17 de agosto 2022 se dieron cita para una Conferencia de
prensa en La Casa Alfonso Esparza Oteo del “Centro Cultural Robert Cantoral”, el
Lic. Roberto Cantoral Zucchi quien actualmente funge como Director General de la
Sociedad de Autores y Compositores Mexicanos (SACM).
También formó parte de la mesa directiva en dicha rueda el compositor, profesor y
director artístico de 35 artistas en la Compañía disquera “Melody” y Maestro
Guillermo Méndez Gulú y su homónimo el Maestro Martín Urieta uno de los
miembros más destacado en el medio musical, quien preside hoy en día El Consejo
Directivo en dicha institución.
Y por si aún no tiene bien claro qué es el SACM, le muestro el siguiente párrafo
expuesto en una de las páginas Web del Internet:
La Sociedad de Autores y Compositores de México es una Sociedad de Gestión
Colectiva de Interés Público creada conforme a la legislación mexicana en el
año de 2007 —pero con antecedentes organizativos desde 1945 en que se
fundó el Sindicato Mexicano de Autores y Compositores mexicanos (SMACEM)
con el propósito de fortalecer el vínculo con los usuarios de la música para
crear una nueva cultura en el reconocimiento al derecho de autor, buscando en
forma conjunta, con la sociedad y el gobierno de México la debida protección
de las obras intelectuales como parte importante, como parte importante del
acervo cultural de la nación y como elemento esencial de identidad cultural,
reivindicando así el trabajo de los compositores como una profesión digna y
honesta que puede ser ejercida por cualquier mexicano, con la justa
retribución que le permita vivir decorosamente del fruto de su inspiración.
Volviendo a la Conferencia de prensa ofrecida por el SACM para dar a conocer
algunos de los pormenores que tendrán lugar el día 25 de agosto a las 21:00 horas
en el mismo recinto cultural, se darán a conocer los EXITOS SACM 2022 se
programaron según expuso el Licenciado Cantoral Zucchi, de la siguiente manera:
-Las Categorías que serán galardonadas: 25 años y 50 años.
-Se hará reconocimiento “Póstumo Juventino Rosas” al Maestro Cuco Sánchez.
-Se otorgará el Reconocimiento “Gran Maestro” al Maestro Arturo Márquez.
-Se otorgarán preseas a las 12 canciones que han sido más sonadas en 2022, entre las
que se encuentra el Maestro Edén Muñoz, incluyendo tres canciones independientes.
En el evento se contará con la presencia al Maestro Martín Murieta y el Licenciado
Roberto Cantoral Zucchi.
Y por supuesto, se contará inicialmente con una Alfombra Roja para dar paso a las
personalidades del medio, presentes en los EXITOS SAM 2022 que como he
mencionado a-priori, se llevarán a cabo el día 25 de agosto 2022.
NAVIDADES EN MÉXICO
POR: Dalia De León Adams
Como actividad en la época decembrinas, la Compañía coreográfica del “Ballet
Folklórico de México fundado como es bien sabido por la Señora Amalia
Hernández Navarro (D.F., 1917-2000) en 1952, convirtiéndose en un conjunto
emblemático a nivel internacional a través de la cual importantes coreografías
como La danza del venado, La Danza Maya” La Danza de La Revolución y la Danza
Jalisco, dieron la vuelta al mundo, escenificándose en diversos emblemáticos
recintos culturales.
Aún su fama y legado continúan a través de su hija la bailarina y coreógrafa Viviana
Basanta Hernández quien funge como Directora Artística y por uno de sus nietos,
el hoy Director General de dicha Compañía Coreográfica, quien es el Señor
Salvador López López.
Éste entrevista nos dio pormenores de lo que será su nueva propuesta escénica
intitulada NAVIDADES EN MÉXICO en el Auditorio Nacional, la cual consta de gran
expresión artística que la ha ubicado en una de los montajes coreográficos más
populares en la actualidad.
Así Salvador López López hizo saber qué una de sus actuales coreografías icónicas
es precisamente NAVIDADES EN MÉXICO la cual se ha presentado durante los
últimos quince años, en el Castillo de Chapultepec y, por primera ocasión será
llevada al recinto del Auditorio Nacional, teniendo como fecha agendaza el día 29
de diciembre del presente año 2022.
Puesta coreográfica qué formará parte del festejo por los 70 años del aniversario
de la Compañía del “Ballet Folklórico de México”. La puesta en escena constará de
tres actos, siendo el primero en el que se recreará la etapa previa al nacimiento de
Jesús; en el segundo acto se tiene contemplado presentar la alabanza y adoración
de los tres Reyes Magos, al niño Dios recién nacido.
Finalmente se concluirá con el tercer acto en donde no podía faltar la posada
tradicional mexicana y por supuesto, la presencia de un mariachi que engalanará
como un plus, ésta maravillosa puesta coreográfica.
-Un espectáculo fuera de serie que entrega al público la combinación perfecta
de las tradiciones decembrinas mexicanas, la narrativa de la Navidad y la
expresión artística de la danza”.- (aseveración de la Compañía Difusora a cargo
de la señorita Nadia Elisa Manzanero).
Y como buena noticia para los seguidores del “Ballet Folklórico de México” habrá
descuentos y promociones en la adquisición de sus boletos en el mes de agosto en
Tiketmaster, en las taquillas del Palacio de Bellas Artes (que es el recinto en
donde, comúnmente se presenta en días miércoles y domingos) en el Castillo de
Chapultepec, en el Museo Nacional de Antropología y por supuesto en el Auditorio
Nacional, en donde se llevará a cabo la función NAVDAD EN MÉXICO el 29 de
diciembre 2022, a las 20:30 horas.
EL ÚLTIMO ACTO DE AMOR
POR: Dalia María Teresa De León Adams
-Después siete años de espera, desde Francia regresa a México el Festival
Itinerante Internacional de la asociación “Al Alma” del artista
pluridisciplinario y gestor cultural franco-mexicano Alain Ramírez Méndez,
con espectáculos diversos de tres compañías francesas, talleres y clases
magistrales del Théàtre de l’Opprimé Paris, la programación abre el
panorama de la creación artística. - (párrafo del boletín de prensa).
Así es como a finales de julio y primeros días de agosto llegó para presentarse
tanto en el “4º Espacio Alternativo” del Centro Cultural Helénico, como en el Teatro
“La Capilla y, finalmente en el Teatro “El Milagro” de la Ciudad de México.
Entre talleres, teatro cabaret y puestas en escena se presentó una dramaturgia
premiada en España bajo el rublo de Mejor obra; me refiero a EL ÚLTIMO ACTO
DE AMOR. Un montaje escénico en donde dos grandes marionetas (títeres o
muñecos de guante) fueron precisamente los protagonistas de ésta romántica obra
teatral.
Drama montado mediante retrospecciones y prospecciones temporales, que da
inicio en el ocaso de la mujer. La dramaturgia está escrita con tintes de tragedia.
Trama en donde un bello y sublime romance entre una pareja de enamorados, será
separada por el largo transcurso de una vida juntos. Y, el recuerdo de la muerte de
un hijo, acaba siendo una de las remembranzas del pasado, revividos en EL
ÚLTIMO ACTO DE AMOR.
Manipulados los muñecos por dos jóvenes actrices, quienes tanto inicial como
durante el transcurso de la obra entonaron sus melodiosas voces. Una melodía
sonaba además, para ambientar las escenas románticos entre éstos peculiares y
carismáticos personajes ancianos.
Tal vez aquí sea interesante recordar lo que entendemos por “títeres” o marioneta:
-Un títere o títeres, en un amplio sentido, puede referirse a cualquier objeto
que cumpla estos dos requisitos:
Que sea movido con un objetivo dramático o "en función dramática". Es decir,
todo títere debe aspirar a convertirse en un personaje.-
Y justamente éste último es en el que cabe mencionar con respecto a éste drama
del cual se refiriera el Teatro “El Milagro” de la siguiente manera:
-EL ÚLTIMO ACTO DE AMOR del dúo franco español conformado por Clara
Chapelet y Raquel Sastre Rojo nos transporta hasta la historia de amor más
bella, jamás contada. Acreedora de los dos premios a la Mejor Obra del
concurso de micro-teatro ”Islazultura” de Madrid en 2017, por parte del
jurado y del público, éste espectáculo de marioneta portada nos enternece con
la ayuda de la música original de Tonhinjo di Carmo, exdirector musical de
George Moustaki, y director musical actual del mítico Théàter de l’Opprimé de
Paris. En un hospital, una anciana descansa respirando con dificultad. Su
marido se pasa los días junto a ella pues sabe que le queda poco tiempo. Un día
la anciana se despierta y le escribe algo en una pizarra. Esto le llevará a
recordar 40 años atrás: la primera cita con su primer amor, su único amor.
Pero no todos los recuerdos son buenos, un acontecimiento gris los llevará a
hacerse una promesa… EL ÚLTIMO ACTO DE AMOR.
COSA
POR: Dalia De León Adams
-Propuesta de teatro físico que plantea una reflexión acerca de la cosificación,
una realidad con la que convivimos cada día, ya sea de forma directa o
indirecta.
Pero decidimos hacerlo desde el punto de vista de la protagonista, una niña,
tratando de jugar con la inocencia y la rudeza que suelen caracterizar el
pensamiento infantil.
La crudeza de la realidad puede teñirse de la poética de su imaginario.
Elegimos un personaje extremo, el eslabón más débil de la cadena: mujer, niña
y de clase socioeconómica baja, es decir, el blanco más fácil para la
explotación; y nos centramos en la capacidad de todo ser humano para
evadirse de la realidad a través de la imaginación y el desarrollo de la
resiliencia.-
Así se expresa la compañía teatral difusora acerca de la reciente puesta en escena
intitulada COSA.; obra perteneciente al teatro experimental y de vanguardia que
proyecta la realidad a través de la estética corporal.
Y digo estética corporal pues la actriz protagónica hace uso de constantes
movimientos motrices que simulan la danza contemporánea, en donde el cuerpo es
el instrumento mediático, para dar expresión y lectura a la trama escénica.
Dramaturgia original de las jóvenes españolas Rakel Ezpeleta y y Ainara Unanue,
siendo ésta última quien además es la interprete de la obra teatral que se está
presentado desde España.
Puesta en escena en un solo tiempo y cuadro escenográfico en el que se muestra
tan sólo en la parte superior derecha, una especie de ventana, además de una silla
que funciona como objeto simbólico, y el cual sirve a la actriz para lograr
escenificar la trama, junto con un saco de donde saca ocasionalmente una especie
de arena.
Trama que tiene como contenido medular la ingenuidad, la vulnerabilidad, la
solidaridad y la amistad. Ingredientes que se mezclan con el real imaginario y un
diálogo mediante el cual la actriz únicamente emite una conversación unipersonal,
sin hacer uso de una narrativa, como comúnmente suele suceder en los
espectáculos unipersonales.
Dirigida por una de sus dos creativas, es decir de Rakel Ezpeleta, la obra muestra
momentos de la cotidianidad qué comúnmente acontece cada día, expresada por la
actriz a través de un monólogo, en donde ocasionalmente canta.
En cartelera teatral se puede leer la siguiente aseveración con respecto a éste
montaje escénico:
-En un espacio lóbrego, Ella trata de seguir una rutina de trabajo. Su cuerpo
lucha por mantenerse dentro de los límites permitidos sin lograrlo.
Sólo recibe la vista de Él, ha aprendido a someterse y temerlo. Sumergida en un
sueño terrorífico sin fin, 16 pasos de una niña se repiten al cruzar una
habitación . En la pesadez del encierro y el aislamiento surge una entrañable
amistad. Su mente se rebela y su imaginación pide auxilio. Así descubren a
Katrin, su inseparable alter ego… su silla.
Ella es consciente de lo que ocurre. No es más que una cosa, perfectamente
prescindible. Pero a pesar de ello, quiere ser un objeto insurrecto. Por eso debe
escapar de éste lugar.-
COSA: título que encierra justamente la psiquis del personaje, sentimiento que
inconscientemente se anida en el inconsciente del adolescente, de donde brota el
“amigo (a) imaginario”.
Obra con muchas lecturas que persuaden a los espectadores, en donde la
creatividad se expone a flor de piel, en una historia en donde también Usted
deberá recurrir a su propia imaginación
Finalmente le comento que ésta obra se presenta para beneficio de la subvención
de la movilidad de creadores de nuevos textos del Departamento de Cultura y
Política lingüística del Gobierno Vasco 2022, así como para ayuda a los programas
de residencia LSD in movement de la compañía Los Deade danza.
COSA se presenta en el Teatro La Capilla que se presentará hasta el día 19 de
agosto.
¡SUERTE! PARA TODOEL EQUIPO CREATIVO.
“EDIPO Nadie es ateo”
POR: Dalia María Teresa de León Adams.
Escrita y dirigida por David Gaitán la obra teatral EDIPO DE MÉXICO tiene como reparto
estelar a la actriz Carolina Politi, Adrián Ladrón, David Gaitán, Diana Sedano, Ramón
Morales y, como escenógrafo al Maestro Alejandro Luna, cuya función se representa e dos
únicas ocasiones en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, en su homenaje
La puesta en escena de “EDIPO Nadie es ateo” esta basada en la tragedia griega de
Sófocles “Edipo Rey”, cuya fecha de creación es desconocida, aún cuando la sitúan al
rededor del año 430 A.c.
Tragedia escrita originalmente como es bien sabido, por el afamado dramaturgo griego
Sófocles, quien naciera en Colonus, Atenas; EDIPO REY es considerada su obra magna,
junto con la obra Antígona.
Drama transcendental que ha tenido a través del tiempo gran difusión internacional entre
millones de lectores y espectadores, siendo de las más representadas en los escenarios
internacionales. De tal modo qué además ha servido como parámetro en cuanto al
tratamiento de sus personajes protagónicos de Edipo y su madre, en el campo de la
psicología, respecto al amor filial excesivo qué algunos hombres han sentido por su madre
en todos los tiempos, a lo que Sigmund Freud llamaría “El Síndrome de Edipo.
En el caso de la puesta en escena del director artístico David Gaitán “EDIPO Nadie es ateo”
mantiene la parte medular de la trama de Sófocles, en cuanto al perfil de los personajes y, la
esencia de la trama.
Empero, la adaptación del Maestro David Gaitán presenta algunas variantes, incluso
introduciendo en la historia abiertamente la variante de un Edipo bisexual que se desfoga
sexualmente con Creónte, mostrándolo como adicto o amante del sexo sin límites, del cual
goza sin ningún tapujo; características con miras de actualizar a los personajes.
La trama presentada cierto rasgos que actualizan la trama de Sófocles, en cuanto a que se
muestran besos y caricias sin disimulo, con cierto looks transexual.
La historia original narra qué Edipo, rey de Tebas, es coronado justo al esposar a su propia
madre sin saberlo a ciencia cierta; su nombre es Yocasta. Esto tras de haber matado a su
propio padre el rey Layo, lo cual también ignoraba, cumpliendo así con la predicción que
había hecho tiempo atrás, el Oráculo griego. Al respecto sobre la historia de éste drama, en
el programa de la obra se encuentra escrito:
-Tebas esta cubierta por los cadáveres de sus animales, sin razón aparente, han ido
muriendo de poco a poco. Ante el desconcierto que la peste ha generado en la ciudad, el
oráculo Tiresias dice: “Un humano se coló entre las bestias. Secuestró todo el
salvajismo disponible. Encuentren al animal y Tebas renacerá. “El rey Edipo, aferrado
a restablecer el bienestar de su pueblo, comienza una cacería ciega en pos del
culpable.-
Tras de una gran peste que se difunde en toda Tebas, Edipo Rey envía a Creónte su tío por
parte lineal materna, a consultar al Oráculo para intentar buscar el remedio a tan grande
mal. El Oráculo asegura que la peste parará solamente cuando el homicida de su antiguo
rey Layo, sea muerto o desterrado. Edipo maldice y sentencia con rigor al presunto
homicida, sin caer en la cuenta de que es él mismo, el asesino.
Para investigar al respecto, Edipo acudirá al vidente del reino…. El enredo había surgido
años atrás cuando su padre, el Rey Layo tras de haber tenido a su primer vástago con su
mujer, la reina Yocasta, el Oráculo le predijo que su propio hijo, le arrancaría la vida por lo
cual, el Rey Layo ordenó su ejecución de Edipo, la cual no fue llevada a cabo, por el
contrario, fue llevado a Corinto y dado en adopción a una humilde pareja de campesinos.
“EDIPO Nadie es ateo” tiene como referente a la ciudad de Tebas. Sin embargo sus
personaje se mueven en una época actual, utilizando algunas prendas de vestuario actual,
así como utilería y el maravilloso cuadro escenográfico a cargo del Maestro Alejandro Luna,
a quien se le está reconociendo por su magnífica labor.
La adaptación de la trama de David Gaitán, de algún modo intenta ser una invitación hacia
la reflexión respecto con los gobiernos en general, así como con los venideros, según
argumentara tiempo atrás la misma compañía, pues presenta diversos simbolismos y
analogías.
-Nuevamente David Gaitán nos presenta su versión de un clásico griego “EDIPO, Nadie
es ateo” En esta obra plantea -a partir de una extensa argumentación y de la premisa
formal del vértigo- una disertación a propósito del concepto de la verdad y su
aplicación en contextos tanto íntimos como de política pública.
Este montaje, articulado en torno a 5 personajes ( Edipo, Yocasta, Creónte, Tiresias y
un mensajero) en un único acto, que funciona para ver el entramado privado de
quienes gobiernan y la posible incidencia en los ciudadanos-
EDIPO sigue siendo una obra que deleita y asombra al público, que acude constantemente a
ver la obra. “EDIPO. Nadie es ateo” ya había sido escenificada por parte del mismo David
Gaitán en el teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural UNAM, posteriormente en el
teatro “El Galeón” y hoy en día a manera de Homenaje al Maestro Alejandro Luna, nada
menos que por el hermoso recinto cultural del Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, con sólo
dos funciones: sábado 13 y domingo 14 de agosto.
Alejandro Luna Ledesma nacido en el Distrito Federal en 1939. Arquitecto, escenógrafo,
catedrático y académico. Ha montado la escenografía e iluminación para más de 200 obras
teatrales y 20 óperas tanto en México, como en Estados Unidos, en Asia y en Europa.
¡FELICIDADES POR S GRAN LABOR, SEÑOR ALEJANDRO LUNA!
50º FESTIVAL INTERNACIONAL CERVANTINO (Programa)
POR: Dalia De León Adams
Como es sabido, el inicio del FESTIVAL ITERNACIONAL CERVANTINO tuvo lugar
en el año de 1953 en Guanajuato, cuando el Señor Enrique Ruelas, Promotor
Cultural, realizó el montaje de los “Entremeses Cervantinos” en homenaje al
mundialmente destacado escritor español Miguel de Cervantes Saavedra, (Alcalá
de Henares 1547-1616) como es bien sabido, una de las figuras icónicas de la
literatura española; razón por la cual el festival lleva sugerido el apellido del tan
destacado dramaturgo (“Cervantino”).
Ahora al cumplirse el cincuentavo aniversario de la fundación del FIC, es que el
recinto cultural del Teatro de La Ciudad de México, Esperanza Iris, se galardonó
ofreciendo lo que será el programa del próximo encuentro en la ciudad de
Guanajuato.
Programación que se diera a conocer a través del podio presente. Evento el cual
tras de concluir, fue amenizado con la presentación musical del Coro del recinto
que interpretó algunas melodías del finado Juan Gabriel, además del breve
convivido entre el podio, invitados y la prensa presente.
Para tal efecto asistió el director del Sistema de Teatros el Señor Ángel Ancona
fungiendo como moderador del evento. También se presentó la directiva de la
Programación Artística del Festival, la Señora Gabriela Morales y el director
teatral, musicólogo y dramaturgo y creador de la Compañía de Ciertos Habitantes,
el Señor Claudio Valdez Kuri, entre otras personalidades del medio que formaron
parte del podio, el día de ayer 9 de agosto 2022.
El FESTIVAL INTERNACIONAL CERVANTINO está planeado para dar inicio el día
12 de octubre; encuentro cultural que concluirá hasta el día 30 del mismo mes, en
donde se tiene contemplado abarcar diversos géneros artísticos como lo son la
música, danza, poesía, pintura, canto, baile, teatro, cine, circo, exposiciones,
presentaciones de libros, conferencias, intervenciones urbanas, eventos callejeros,
y polifonía.
Según se dio a conocer, se contará con más de doscientas presentaciones, a cargo
de alrededor de sesenta compañías y, más de mil trecientos artistas, quienes
formarán parte de ésta gama de mosaicos y expresiones artísticas que irán desde
la presentación de La Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, hasta
encuentros de lucha libre, entendida ésta como una expresión socio-cultural.
Entre los grupos y artistas que asistirán, se encuentran Los Caifanes con quienes
por cierto, se tiene programado concluir el evento, Hello Seahorsel, Astrid Hadad,
Cecilia Toussaint, Teatro de Ciertos Habitantes, Los de Abajo, La Trouppe, Barro
Rojo, Héctor Infanzón, México de Colores, Coro Gay de la Ciudad de México, La
Única e Internacional Sonora Santanera, Las Reinas Chulas, Sonido La Changa, el
Coro Acardenchado, Musas Sonideras, el Fantasma, Fuerza Guerrera, Canek, Solar,
Negro Navarro, Mr. Jack, Jessy Ventura, Diva Salvaje, Demasiado, la Diosa Ketzal
Bengalee, Sexy Violeta, Danzonera Acerina, Claudia Lavista, Son Rompe Pera, entre
otros más.
50º FESTIVAL INTERNACIONAL CERVANTINO se realizará del 12 al 30 de
octubre 2022 y tendrá como país invitados de Honor a la República de Corea y, a la
Ciudad de México.
LA LENGUA EN PEDAZOS
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
La dramaturgia: LA LENGUA EN PEDAZOS fue seleccionada para ser puesta en
escena en el Teatro “El Galeón Abrahán Oceransky”del Centro Cultural del Bosque a partir
del pasado día 8 de marzo.
Obra cuya autoría es del español Juan Antonio Mayorga Ruano, quien naciera en Madrid en
el año de 1965. Al respecto le comentaré qué es un escritor contemporáneo muy destacado,
quien recibió el Premio Nacional de Literatura dramática en su país. Es el autor de los
libros “Cartas de amor a Stalin”, “Hamelin”, “Juana Mayorga”, “La Paz perpetua y
Himmelweg. También incurrió en el medio cinematográfico con el guión “En la casa”.
La dramaturgia de Juan Mayorga que aquí nos interesa tratar y que es LA LENGUA EN
PEDAZOS, esta inspirada en el libro autobiográfico de Santa Teresa de Ávila, intitulado
“Libro de Vida”.
Comienza en la cocina de un pequeño convento cuyo nombre fuera “San José”. Recinto
religioso el cual, como es bien sabido, fue construido por la misma Santa Teresa y es
justamente ahí en donde comienza la trama, sirviendo de referente a la conversación del
implacable y ortodoxo inquisidor.
Ambos personajes enfrentan un interesante debate, al poner en juicio los actos religiosos
tan refutados secularmente por el alto monasterio católico; debate que pondrá en peligro a
la Santa, de ser excluida por la iglesia y de ser enjuiciada para arrancarle la vida por los
argumentos acusatorios en contra de la beata. Debate ideológico llevado hasta los extremos
de la lógica clerical en contra de la pasión de Santa Teresa de Ávila quien abrazara en
extremo su fe.
Santa Teresa de Ávila o, Santa Teresa de Jesús, en la vida real se llamaba Teresa Ali Fatin
Corella Sánchez de Cepeda y Almada. Nació en la provincia de Gotarrendura, Ávila en
España en el año de 1515. Se le conoce como la monja fundadora de la Orden de “Las
Carmelitas descalzas”. Ha sido la religiosa con mayor influencia y arraigo y de las primeras
mujeres en ser reconocidas por sus altos estudios, como Doctora en Poesía y Filosofía.
Murió en 1582.
El montaje escénico de ésta dramaturgia del género biográfico, no tan sólo brinda la
oportunidad de asomarse al complejo pensamiento y carácter de la considerada hoy en día
Doctora y “Santa Teresa” sino qué además es una oportunidad de dar a conocer su lado más
humano y vulnerable volcando la idiosincrasia religiosa y secular de su época.
Puesta en escena en un solo cuadro y tiempo escénico, que se recrea con el montaje
escenográfico de una cocina, en donde la monja prepara realmente un platillo que ofrecerá
a su peculiar visitante, durante un dialogo que surge convirtiéndose en un largo y caluroso
debate en el cual se enfrentan la beata y el inquisidor, exponiendo cada uno las razones que
propician dicho encuentro entre ambos.
En la obra actúan dos grandes actores quienes forman parte del repertorio estable de la
Compañía Nacional de Teatro (CNT). Ellos son Mariana Giménez en el papel protagónico de
Santa Teresa y, Diego Álvarez Robledo quien caracteriza al inquisidor. Actores que forman
parte del reparto estelar junto con Edwin Tovar, Rodrigo Vázquez y la actriz invitada,
Isabel Alcantar.
Le comentaremos qué la actriz Mariana Giménez además funge como directora y maestra
de teatro. En cuanto a Diego, además de ser el personaje co-protagónico en ésta obra
teatral, forma parte del equipo en ésta puesta en escena y es el director artístico de ésta
esplendida puesta en escena, al igual que Mariana Giménez.
Sin más concluiré informando qué LA LENGUA EN PEDAZOS ya se había presentado en el
Teatro “El Galeón” Abraham Oceransky, en el año 2019, tras de haber recibido el Premio
Nacional de Literatura, como mejor obra dramática, volviendo en ésta ocasión en el Teatro
“Orientación” Luisa Josefina Hernández del Centro Cultural del Bosque, bajo la producción
de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) y la Secretaría de Cultura.
LA LENGUA EN PEDAZOS ofrece funciones los fines de semana de jueves a domingos.
TRIPLE CONCIERTO
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
La Compañía Teatral “Ciertos Habitantes” tras de una trayectoria de 25 años, a
manera de ovación acaban de reestrenar en el foro Juan Ruiz de Alarcón, la puesta
en escena TRIPLE CONCIERTO.
Dramaturgia que tiene como temática medular el exponer algunos de los Pro y
contras que existen en los concursos en donde comúnmente se gesta la
competencia y frustraciones.
Sucesos chuscos entre los jóvenes colegas se ventilan en un supuesto día común,
que les llevan a vivir situaciones en donde lo docto, se mezcla con lo cotidiano
mientras esperan los resultados del certamen.
Obra original de Mónica Hoth y Claudio Valdéz Kuri, siendo éste último quien
además es el director artístico de la obra y, el fundador de dicha compañía artística
de “Ciertos Habitantes”, en la cual participan grandes músicos muy jóvenes, a los
cuales disciplinó llevándole un arduo año de gran trabajo y caacitación, para lograr
que además lograran actuar.
Por más está decir lo virtuoso que el Señor Claudio Valdez Kuri es, a todos sus
seguidores, quienes además se ubican en diversas latitudes en el extranjero, en
donde mediante giras ha logrado llevar sus montajes escénicos de gran calidad
artística a través de Festivales internacionales.
Director escénico, musicólogo, dramaturgo y creador de talleres, Claudio Valdés
Kuri, hace alarde con sus obras de su gran creatividad y gran talento que se
manifiesta evidente, en cada una de sus puestas en escena, poniendo contenidos
temáticos que evidencian su amplia cultura.
Y TRIPLE CONCIERTO no es la excepción, pues es una puesta en escena que
además de ser divertida, es muy ilustrativa, en la cual se interpretan fracciones de
algunas sinfonías, arias y de las obras más representativas y afamadas de algunos
íconos de la música clásica, como Wolfgang Amadeus Mozart, Igor Stravinski,
Ludwing van Beethoven, Antonio Vivaldi, Frédéric Chopin, Serguéi Rajmáninof,
Johann Sbastian Bach, Achille Claude Debussy, Franz Liszt, y Ravel; además de
interpretar una pieza de Ernesto Lorduy (y se hace mención de Gabriela Ortíz),
poniéndole ocasionalmente divertidas letras. Música que suenan entre otros
géneros que van incluso interpretarse en el foro un tango del bandoneonista Astor
Piazzolla.
En TRIPLE CONCIERTO se hace todo un derroche de sapiencia musical, contando
con virtuosos artistas, quienes ponen de manifiesto su profundo estudio y
habilidad musical interpretativa. Ellos son Edwin Calderón, Sasha Cortés, Sebastián
Espinosa Carrasco, Konstantin Evmenkin, Mario Mendoza y Naomi Ponce de León.
Así es como se deleita al público, con una dramaturgia interesante y muy bien
estructurada. Obra teatral que ya anteriormente se había presentado, incluso en el
mismo recinto en el año 2019, tras de haber participado como parte del Festival
IM-PULSO programado por la Universidad Autónoma de México (UNAM)
resultando ser ganadora en la categoría de “Movimiento Escénico” y, en 2021 fue
ovacionada como la “Obra del Año” y como “Dramaturgia Mexicana”
La obra TRIPLE CONCIERTO se presenta en el Teatro “Juan Ruiz de Alarcón” con
funciones de jueves a domingos.
¡FELICIDADES COMPAÑÍA “CIERTOS HABITANTES”!
HOMENAJE PÓSTUMO
POR: Dalia De León Adams
Ayer, miércoles 4 de agosto 2022 en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del
Bosque se reunieron algunas personalidades del medio, los amigos, compañeros de
trabajo y la familia de la finada primera actriz Marta Aura, para rendirle un
HOMENAJE PÓSTUMO por su gran labor como actriz, tanto dentro del medio
cinematográfico, como teatral.
Reconocimiento que se llevó a cabo por medio de la Secretaría de Cultura del
Gobierno de México, a través de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) teniendo
como conductor al primer actor Arturo Beristáin Bravo quien dedicó un breve
discurso inicial, en el cual diera el último adiós a quien fuera su compañera y amiga
Marta Aura, uniendo sus más sentido pésame a los dolientes. También le dedicaron
algunas palabras la Señora Aurora Cano, Directora de La Compañía Nacional de
Teatro y Literatura (INBAL) y, la directora escénica María Muro.
Durante la ceremonia estuvo presente su hijo Rubén Rojo Aura, mismo quien
dirigiera el largometraje titulado “Coraje”; la última película en donde figurara la
actriz Marta Aura, protagonizando el rol estelar basado en su vida y, que le hiciera
ganadora al la presea del “Premio Mezcal” distinguiéndola como mejor actriz 2022.
La película se rodó justo, tras de haber concluido la ceremonia en el mismo recinto
cultural. Rodaje que fuera realizado en la Cuidad de México, bajo el rublo de drama,
con una duración de 90 minutos.
A manera de Sinopsis de la película, la difusora del homenaje, la Señorita Ana
Gabriela Villa Villasana presentó en el boletín de prensa la siguiente consideración
al respecto:
-Alma es una actriz de 75 años con evidentes problemas de visión. Ella forma
parte de una de las compañías privadas de teatro más importantes en México
y, para elle, ser parte del elenco estable de esta compañía nos sólo es un sueño
de toda su vida, sino que es su único sustento.-
Un minuto de aplausos por parte de la audiencia presente le fueron ofrecidos a
Marta Aura, cuyo legado actoral ha quedado grabado en la mente de sus
seguidores.
¡DESCANSE EN PAZ, MARTA AURA! (1939-2022).
UNA VUELTA A LA MANZANA
POR: Dalia De León Adams
-Espectáculo cabaret para una fruta, tres actores, un gusano y una edecán-
Así se expresa inicialmente la compañía creativa en torno a la puesta en escena
UNA VUELTA A LA MANZANA, en donde la manzana es el fruto a través del cual
gira la trama escrita y dirigida por Santiago Torres-Vázquez bajo un estilo escénico
fársico, en donde el mito se mezcla con la idiosincrasia popular con un tono tipo
burlesque.
Por ello en la cartelera teatral podemos leer la siguiente sinopsis con respecto a
éste montaje escénico, presentado en el Foro del recinto cultural “El Círculo
Teatral” a partir del día de ayer, miércoles 3 de agosto 2022.
UNA VUELTA A LA MANZANA es un espectáculo de cabaret donde La Manzana
nos invita a disfrutar de un suculento recorrido dramático para recordar
algunos de los pasajes donde ha sido protagonista, a través de tres episodios.
El mito de Adán y Eva, el mito de la Manzana de la Discordia y el cuento de
Blanca Nieves.
A lo largo de la historia la manzana ha representado el pecado, la traición, el
reconocimiento y lo prohibido, convirtiéndose así en el símbolo perfecto de la
pasión.
La trama está matizada con algunos números musicales, frases chuzcas, tonos de
sensualidad y un lenguaje altisonante que le otorgan cierto grado de actualidad y
conducta popular, que hace reír al público en general, constantemente.
Puesta en escena en un solo acto escénico de 90 minutos en donde los actores se
presentan con diversos cambios de vestuario, para caracterizar a dieciséis
distintos personajes de manera muy versátil.
El reparto estelar esta compuesto por Santiago Torres-Vázquez, Viridiana
Monteagudo, Eduardo Mojica Tinoco, Dánae Luna, Agustín Ocegueda, Jessie
Garibay, Roxana Padierna e Iván Cisneros.
Y como explicaron a manera de semblanza:
LA MANZANA: Su alto contenido en fibra favorece el tránsito intestinal y
ayuda a la digestión de las grasas, tiene una alta propiedad antioxidante,
mejora el sistema inmune, favorece el bienestar, un alimento dietético
dietético y nutritiva, reduce la fatiga y mantiene en buen estado a los
dientes.
MUJER, LA verdad se enreda como un plato de espaguetis.
Por: Dalia María Teresa De León Adams
Dramaturgia original de Queralt Riera, que habla respecto a la parte más
vulnerable de la MUJER. La temática se aborda a través de tres personajes
femeninos: la abuela, la madre y la nieta, quienes a la vez son madre-hija, hermana-
hija y abuela.
Es decir, la trama toca el parentesco confuso que se crea cuando un padre viola a
su propia hija, convirtiéndose de insofacto en el abuelo-padre de la niña nacida a
consecuencia de tal nefasto acto. Violación e incesto que lleva hacia la desazón de
la victima, e incluso en varios casos, a la práctica de la prostitución como modo
vivendus, e incluso en ocasiones al suicidio, o al asesinato del victimario.
Drama totalmente cruento que ventila la miseria del alma aunada a la pobreza y
falta de valores morales, que les lleva al abandono y el desconsuelo. Tres
generaciones se reúnen en una cocina para desmembrar un pasado que aún pesa y
flagela, mientras que se cocinan unos espaguetis.
Por supuesto el montaje escenográfico exhibe una cocina en donde transcurre todo
el tiempo escénico y el olor de los espaguetis se hizo sentir. Además de algunas
fotografías y mini videos que son proyectados en la parte posterior del escenario.
Por su tratamiento ésta obra teatral bien puede ser considerada como
perteneciente al género naturalista, en cuanto a que retrata perfectamente a una
parte de la sociedad, quienes viven en el abandono total, ante su naturaleza
femenina que les convierte prematuramente en madres, aún en las peores
circunstancias de su vida.
Obra feminista que retrata el sentir de algunas mujeres unidas por los lazos de
parentesco, que las encadenan a vivir sus vidas en el desconsuelo del desamparo y,
que les obliga a truncar sus sueños, ante una realidad adversa.
Tres jóvenes actrices que unen sus talentos histriónicos para caracterizar a los
personajes femeninos, en base al recurso teatral de la narrativa. Ellas son Jimena
Hinojosa, Priscila Rosado y Cossete Borges.
-Frente a la violencia a la que estamos sujetas como mujeres, como personas:
¿Qué postura tomar? ¿Cómo replantearnos nuestra historia, para salir del rol
al que parecíamos estábamos “destinadas?-
Aseveración de la Compañía creativa, expuesta a manera de cartelera teatral qué
mediante a la reflexión, intenta concientizar con respecto a lo que
desgraciadamente es actualmente una problemática real, que día a día enfrentan
incluso las sociedades que se aprecian de muy “civilizadas”.
Producción a cargo de la Compañía “27 FITU” dirigida por Mariana García Franco y
Diana Sedano MUJER, La verdad se enreda como un plato de espaguetis se
había estado presentando en el Teatro Santa Catarina de la UNAM.
Se acaba de reestrenar en el mismo recinto cultural, tras de una breve interrupción
o pausa a partir del día 28 de julio, planeando concluir la corta temporada el día 14
de agosto.
Las funciones son los fines de semana de jueves a domingos, con una duración de
60 minutos.
“DOLORES” UN ESPECTÁCULO TOTAL
POR. Dalia María Teresa De León Adams
El reciente domingo 31 de julio en el Foro 4 Alternativo, del Centro Cultural
Helénico, se dio inicio al FESTIVAL INTERNACIAL AL ALMA compuesto por tres
puesta en escena de creación francesa las cuales incluyen, el montaje escénico tipo
cabaret-teatro, con tintes de clown, intitulado “DOLORES” UN ESPECTÁCULO
TOTAL” original de Jean-Christophe Coutaud.
También “El último acto de amor” un drama emotivo musicalizado en donde los
actores protagónicos son dos grandes muñecos guiñol (también llamados títeres)
manipulado por dos jóvenes artistas.
Y finalmente la obra teatral,” ¡Ay! Un poeta” cuyo lema es: Hablemos de poesía y de
ti como nunca antes alguien lo ha hecho. Obras presentadas de manera alternativa,
en tan sólo hasta el 14 de agosto 2022.
La primera “DOLORES” UN ESPECTÁCULO TOTAL es un espectáculo que
conjunta divertimento, drama y arte, escrito por su dramaturgo, director escénico
e interpretación, el artista Jean-Christophe Coutaud, quien aparece en escena con
gran desenvoltura mostrando talento y dotes histriónicos, quien en escena
caracteriza a una “bailaora” flamenca.
Personaje femenino que mediante un texto interesante y creativo, intenta instruir
con respecto a, lo que se entiendo por arte flamenco, proponiendo algunas técnicas
para tanto cantar, bailar, ambientar e incluso ofrece un número musical a través de
su canto y el sonido de la guitarra.
Se trata de una puesta en escena en la que su actor protagónico interactúa con el
público presente, haciendo con ello un espectáculo totalmente divertido en donde
el personaje narra además, sus supuestas experiencias amorosas.
Con respecto a éste montaje escénico, en la cartelera teatral podemos encontrar la
siguiente Sinopsis sobre la obra:
La bailaora más famosa del mundo vuelve de su gira mundial para
compartirnos su visión sobre el flamenco –made in Dolores-. Mediante una
conferencia, ella habla de su vida y de su carrera, pero… ¡Atención! Dolores es
un ser muy complejo que busca el amor único y ese podrías ser tú. Se trata de
una puesta en escena de flamenco burlesco para todas las edades. Mientras el
personaje principal se burla de la sociedad, el carácter grotesco, ambiguo,
divertido, seductor y provocador de esta obra, nos hace reflexionar sobre la
complicada situación actual de las mujeres. Es la encarnación caricaturesca
del star-system con todas sus aberraciones.
Finamente le comentaré qué justamente con ésta obra teatral de “DOLORES” UN
ESPECTÁCULO TOTAL cuya segunda y última función tendrá lugar el próximo
domingo 7 de agosto en el Foro 4 Espacio Alternativo) es que se dio apertura al
FESTIVAL AL ALMA 2022, considerado como el evento pluridisciplinario que se
creó en el año 2015, bajo el objetivo de promover artistas y obras afiliadas a la Red
franco-mexicana para con ello mostrar a otros países, dichas culturas.
¡EN HORA BUENA! a todo el equipo creativo.
VITA BREVIS
POR: Dalia María Teresa De León Adams
El importante productor de teatro el Seño Moisés Zukerman, ingeniero químico
por la UNAM y empresario, quien ha demostrado su inmenso amor al arte escénico,
el día de ayer tras dar por concluida las representaciones de la obra teatral VITA
BREVIS, en el Foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico, subió al escenario
dando la noticia de su despedida como productor general.
Así dio la noticia, agradeciendo al público y a su esposa quien como dijo, siempre le
ha acompañado. Suceso por cierto, el cual lamentamos pues se le considera uno de
los productores más valiosos del medio actoral, por su buen juicio en seleccionar
las puestas en escena por abordar y por introducir grandes textos a nuestro país.
Pero volviendo al montaje escénico de la obra VITA BREVIS le comento que el
texto es la adaptación del libro del autor Jostein Gaarden quien como temática
medular abordara según su juicio, la lucha de las ideas judeocristianas contra la
libertad de la naturaleza.
Escrita con datos fehacientes que se entrelazan con el diálogo de ficción, la obra
ventila la breve experiencia sexual de un afamado obispo, a través del personaje de
Flor Emilia, la mujer del que posteriormente pasaría a la historia como un hombre
docto en filosofía y teólogo por profesión, quien legaría sus obras escritas las
cuales por cierto, aún forman parte de la reflexión filosófica en las academias y
universidades de gran parte del mundo.
Puesta en escena interesante y controversial que ya se había representado tiempo
atrás en algunos foros de recintos importantes en nuestra Ciudad de México por
los mismos creativos teatrales.
Teniendo como interprete a la artista Ángeles, quien en el escenario demuestra su
gran madera de actriz al caracterizar al personaje protagónico de Floria Emilia, la
puesta en escena termina siendo un ran acierto.
La dramaturgia es presentada a manera de espectáculo unipersonal dentro de un
foro en donde la obra se armoniza con música secular, teniendo como montaje
escenografito a una especie de carpa en donde se ubica una silla desde donde se
expresa la actriz.
La obra es puesta en escena en un cuadro y un solo tiempo escénico para presentar
el monólogo de una mujer oriunda de un pueblo en África. Empero la trama tiene
como referencia la ciudad de Milán, en Italia a mediados del siglo IV.
De dicho modo el personaje de Floria Emilia hace alusión al párroco nacido en el
año 354 en la ciudad de Tagaste (en la actual Argelia) y quien se sabe murió en 430
en Hipona. Personaje ilustrado a quien pone en evidencia, tras de un reclamo docto
e inteligente, que plasma el escritor Jostein Gaarden con su pluma.
OJALÁ SEA SÓLO ¡UN HASTA PRONTO SEÑOR ZUKERMAN!
360º TRES PIEZAS SOBRE NUESTROS CUERPOS
POR: Dalia De León Adams
Solamente contó con una función la propuesta de la Compañía “Ciudad Interior”
360º TRES PIESZAS SOBRE NUESTROS CUERPOR creada por el Señor Alejandro
Chávez Zavala quien es el director artístico y creativo, fundador por cierto de dicha
asociación en 2007.
Como compañía invitada para llevar a cabo dicho proyecto escénico se presentaron
algunos integrantes del CEPRODAC cuya directora a cargo está la Señorita Cecilia
Lugo.
Ambas asociaciones coreográficas presentaron con fecha reciente del 29 de julio
2022 dicho espectáculo dancÍstico en el hermoso recinto del Teatro de la Ciudad
Esperanza Iris.
Se trató de un proyecto que incluyó danza, la cual fue efectuada mediante
movimientos plásticos muy estilizados, que incluían ritmos cadenciosos, e incluso
ocasionalmente, una atmósfera silenciosa logrando con ello ofrecer al público un
espectáculo visual espectacular.
Función en la cual se integraron tres piezas coreográficas, empalmadas para lograr
mediante el discurso corporal de los bailarines, otorgar sensaciones proyectadas a
través del efecto de un viaje al universo sideral, para posteriormente reintegrarse
en el plano terrenal, para en específico concluir en nuestro país, provocando
remembranzas.
Para la Compañía “Ciudad Interior” 360º TRES PIEZAS SOBRE NUESTRO
CUERPO la representación dancÍstica fue planeada y propuesta bajo las siguientes
vertientes escénicas:
-El proceso de búsqueda es un laberinto, pero tiene una ruta de color, de
sabor, de nuevos planteamientos para resignificar otras herramientas y
códigos de la misma danza, es un juego alentador y con un espacio para el
gozo- (aseveración por parte de Alejandro Chávez Zavala).
El elenco estelar estuvo formado por los bailarines Hanna Berrones Mejía, Carlos
Efrén Gorrostieta Fernández, Daniela Garza Arredondo, Omar Baas Pacheco,
Regina Perea Kuri, Claudia Adriana Izquierdo Pérez, Paulina Hernández Montoya y
el mismo Alejandro Chávez Zavala, por parte de la Compañía “Ciudad Interior.
Por su parte el CEPRODAC presentó dentro del reparto de bailarines a Jonathan
Cordero Alaves, Eduardo Esquivel Macías, Luis García Neri, Alejandro Santos
Hernández, Marlon Lázaro, Sierra Cairo, Diego Cardiel Castro, Javier Gárate
Salazar, Tomás Gómez Pereyra, Isaac Mondragón Jaramillo y Luis Perera Madero.
EN HORA BUENA!
LA ÓPERA BRUNDIBÁR
POR: Dalia De León Adams
A medio día del día viernes 29 de julio 2022, se estrenó para la prensa la obra
operística de BRUNDIBAR en el Teatro Julio Castillo del recinto Cultural del
Bosque.
La Coordinación de teatro conjuntamente con las compañías Sempiterno KIDS y
Armar Media, son las casas productoras que se han dado a la tarea de presentar LA
ÓPERA BRUNDIBÁR musicalizada bajo la batuta del director concertista Jorge
Cózatl, y con la participación de la directora escénica Ruby Tagle Willingham y la
directora del Coro infantil Nicté Espíndola Alonso.
Le comento qué LA ÓPERA BRUNDIBÁR es la pieza operística infantil en dos actos
con música de Hans Krása y libreto en checo de Adolf Hoffmeister que tiempo más
tarde se adaptaría para la impresión del libro en formato físico infantil, contando
con los dibujos trazados por Maurice Sendak y el texto escrito por Tony Kushne.
En ésta ocasión la adaptación se representa en un sólo acto escénico, presentado
en dos cuadros escenográfico en donde inicialmente aparecen los pequeños
cantantes en el escenario, para posteriormente dar cabida al montaje de tres
grandes viviendas coloridas de entre las cuales se abren las ventanas y una puerta
desde donde aparecen los infantes cantando.
Los personajes protagónicos son los hermanos Pepchek, Aninka, un gorrión, un
gato y un perro, interpretados por los niños cantores del Faro de Oriente y el
cantante operístico Arturo López Castillo, quien interpreta al personaje malvado
de BRUNDIBÁR el organillero.
El compositor Hans Krása escribió la ópera BRUNDIBÁR con el libreto de Adolf
Hoffmeister en 1938. La ópera ganó fama tras de estrenarse en el gueto de Terezin
(lugar en donde parte de los niños judíos permanecieron).
Hans Krása pensó que con BRUNDIBÁR ayudaría a suavizar un poco del
sufrimiento padecido por los niños de Terezin, ante el horror que padecían dentro
del gueto.
Ópera breve que comúnmente suele tener la duración de 40 minutos y qué a
manera de Sinopsis, en el boletín de prensa se lee lo siguiente al respecto al
contenido de la trama:
Dos hermanos necesitan comprar leche para su madre enferma, pero no tienen
dinero. Para conseguirlo deciden imitar a BRUNDIBÁR, el organillero del pueblo.
Pero él se cree el amo de la plaza y los echa. Felizmente, un gorrión, un gato y un
perro se ofrecen a ayudar a los hermanos y, con la ayuda del resto de los niños del
pueblo, cantan una preciosa canción logrando recoger el dinero para la leche…
pero el malvado BRUNDIBÁR no duda en arrebatárselos.
Las funciones están programadas los sábados y los domingos en el Teatro Julio
Castillo con horario matutino.
POSTALES
POR: Dalia De León Adams
A Isabel le gustan los mapas, esos viejos y desgastados que tienen dibujos en
las esquinas con monstruos que amenazan con destruir por siempre la Rosa de
los Vientos. De niña soñaba con vivir aventuras y visitar los lugares impresos
en las postales que mandaba su papá cada que salía de viaje. Hoy Isabel ha
decidido hacer sus maletas y enfrentar su miedo al mar, solo hace falta una
cosa.
El párrafo anterior es la Sinopsis de la obra teatral POSTALES que el día de ayer
miércoles 27 de julio 2022 se acaba de estrenar en “Un Teatro” ubicado en la
colonia Hipódromo, Cuauhtémoc.
Consiste en una obra teatral escrita por Martín López Brie, puesta en escena bajo la
dirección artística del joven debutante Iván Sotelo, quien agradeció satisfecho la
oportunidad que le brindaran para dicho efecto, tras terminar la función.
Bajo la actuación estelar de Carolina Reyes el personaje de Isabel/Isabelina tomó
forma en el escenario, gracias a su gran emotividad y disciplina actoral que logra
inferirle a su personaje.
Actriz protagónica que con gran versatilidad caracteriza mediante un Yo, narrador,
quien cuenta las anécdotas imaginarias en las cuales incurre su personaje desde
muy pequeña, anécdotas que logran darle un vuelco a su vida, entrelazando la
realidad con la ficción.
POSTALES es un montaje escénico puesta en escena en un solo cuadro y tiempo
escénico, en donde aparece una tina de baño vieja y deslucida que sirve a la actriz
de punto de partida, para lograr narrar los hechos que constituyen ésta trama de
ficción junto con algunos objetos de utilería que le sirven de soporte a la trama.
La psiquis del personaje constantemente está a flor de piel haciendo gala de sus
deseos más íntimos de viajar por el mundo a través de una barca. Su mundo gira en
torno a la mar en donde su padre navega, su madre fallece y en donde el amor de
su vida se aleja.
POSTALES se presenta en el Foro UN TEATRO.
LOS GUAJOLOTES SALVAJES
POR: Dalia María Teresa De León Adam
El día de ayer martes 26 de julio 2022 los grandes Productores Teatrales Morris
Gilbert y Claudio Carrera convocaron a rueda de presa en el Restaurante-Bar La
Jacinta.
El motivo de la Conferencia fue el dar a conocer los pormenores de la próxima
puesta en escena de la obra LOS GUAJOLOTES SALVAJES que están a punto de
estrenarse.
Consiste en la obra original de Christopher Durang nacido en Nueva Jersey,
Estados Unidos en 1949, quien es un destacado escritor conocido empero por sus
obras de comedia escandalosa. Su trabajo sería especialmente popular en la
década de 1980.
LOS GUAJOLOTES SALVAJES se considera por gente del medio escénico como la
obra magistral de Durang la cual inicialmente fue publicada en formato de libro
físico, por una editorial estadounidense.
Obra que ha sido dramatizada y adaptada en innumerables ocasiones, tocando en
esta ocasión a la casa Productora “Mejor Teatro” y al productor Claudio Carrera la
propuesta escénica de ésta interesante comedia.
Le comento qué su título en inglés original fue “VANYA, SONIA, MASHA AND
SPIKE”. La dramaturgia tiene tintes de comedia fársica que el escritor Christopher
Durang le introdujera a su obra, teniendo con base a las características de la obra
“Tío Vania” del cuentista y dramaturgo ruso Antón Pávlovich Chéjov (Taganrog,
Rusia 1860-1904).
TIO VANIA es una obra icónica del teatro universal escrita por Anton Chéjov.
Tiene como referente a una finca rural de la Rusia del siglo XIX, Vania y los demás
integrantes de la casa, ven su vida alterada por la aparición de Alexander (ex
cuñado de Vania) y Elena su joven esposa.
Obra tragicómica que empero, acorde con lo que según se aseguró en la rueda de
prensa, lleva implícita una consigna con diversas premisas sociales; ésta será
dirigida por el maestro Enrique Singer (actor, director y productor teatral) además
de contar con un muy buen reparto estelar en el que se encuentran Margarita
Gralia, Roberto Blandón y Raquel Garza (conocida como Tere la Secretaria) entre
otros actores más.
El elenco estelar por supuesto estuvo presente en la rueda de prensa. Actores que
expresaron tanto su entusiasmo, como su agradecimiento a los productores Morris
Gillbert y Claudio Carrera por permitirles formar parte del nuevo proyecto
escénico en puerta para dar inicio el día jueves 1º de septiembre en el Teatro
López Tarso.
Y teniendo en consideración el título de la obra qué generalmente encierra la parte
medular de la trama, le recuerdo qué: (nota de una página WEB)
LOS GUAJOLOTES SALVAJES (oriundo de México) son también conocidos
con diversos apelativos, como el de pavo, gallipavo, guajolote norteño,
pisca, chompipe, guanajo, totole, cocono, o simplemente pavo; es una
especie de ave galliforme de la familia Phasianidae.
POLLITO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
-“POLLITO es una pieza escénica que se adentra en el universo de lo femenino y
logra desnudar el alma de sus personajes, pero también de los espectadores. ..
La obra indaga en las memorias infantiles, explora los cambios que atraviesa
una persona con el paso del tiempo, evidencia los abandonos cotidianos y se
adentra en las llagas heredadas…
En pollito podemos ver a todos los personajes y a todas sus relaciones
atravesadas por un sistema, por una herencia cultural que coloca a las
mujeres en el centro de la violencia absoluta.-“
Son párrafos textuales de la misma compañía acerca de la puesta en escena de
POLLITO producida por la Compañía Nacional de Teatro (CNT) que nos
introducen de lleno al mundo de ficción de su autora Talía Yael, galardonada en
2019 con el Premio de dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo Trejo.
Mezcla de lo real (estado de vigilia) y de lo onírico, la obra se sumerge en el género
surrealista con dejes de costumbrismo al dibujar las difíciles relaciones sociales
entre las cuales muchas mujeres luchan por sobrevivir, ante la ausencia masculina
que les deja huellas y les va mermando poco a poco al introducirles en un mundo
de conflicto y rivalidades; ello, producto del recuerdo recalcitrante, ante una
cultura que aviva el prejuicio y el machismo.
La trama sumerge a dos seres vulnerables que intentan sobrevivir ante sus propios
miedos, complejos y conflictos familiares, estigmatizando a madre e hija, quienes
ante el desconsuelo se cobijan bajo un mismo techo en donde simulan, juegan, ríen
y lloran juntas.
Esto entre otras cosas más, es la parte medular de la obra de la dramaturga Talía
Yael, presentada bajo la dirección escénica de Micaela Camargo, quien además
introduce su sello peculiar, en donde lo cotidiano se entretejo con lo imaginario en
éste drama, que bien puede considerarse dentro del género del realismo mágico.
Finalmente le comento qué con la obra POLLITO ya había sido representada en
otros recintos como lo son El Centro Cultural Helénico y en uno de los foros del
Centro Cultural del Bosque. Hoy en día se presenta en La Casa Sede de la Compañía
Nacional de Teatro (CNT) quien publica en la cartelera teatral la siguiente
aseveración:
Un pollito confundido en el fondo de una entraña siente que algo le araña, las
ansias de su libido. Busca en el más turbio olvido de su vida aquel meollo que lo
libere del escollo dejado por padre y madre hasta que entienda y le cuadre por
qué es amarillo pollo.
POLLITO se presenta de jueves a domingos en la Sala Héctor Mendoza, teniendo
como elenco a una parte de los actores estables de La Compañía Nacional de
Teatro (CNT).
EL BANQUERO ANARQUISTA
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Original del afamado escritor portugués Fernando Pessoa la puesta en escena EL BANQUERO ARNARQUISTA se presentó en breve temporada, es decir en dos únicas funciones de manera presencial en “El Circulo Teatral” bajo la dirección artística del también dramaturgo mexicano Luis Mario Moncada de quien le comentaré de paso, fuese galardonado con el “Premio de La Juventud” en 1985.
Excelente puesta en escena que la misma Compañía del Círculo Teatral expresó a manera de sinopsis, para ser exhibida en su cartelera teatral la siguiente consideración al respecto:
A partir de una conferencia escénica, el montaje pretende poner en jaque las ideas preconcebidas y simples de algunas ideologías políticas.
En el escenario un hombre elegante y adinerado presume su experiencia de ser uno de los anarquistas más radicales, en 60 minutos exprime al máximo la retórica pessoana y confronta el ruido de nuestras ágoras virtuales, llenas de especialistas de la nada que compran discursos que no entienden para presumir en un twit o un pie de foto.
Recordemos sobre el dramaturgo de la obra EL BANQUERO ANARQUISTA como a-priori he mencionado, es el icónico escritor Fernando Pessoa, nato en Lisboa, Portugal en el año de 1888, quien fuera reconocido por sus heterónimos, es decir, por sus múltiples personalidades que adoptara a través de su vida, quien por ende se registrándose como un autor poseedor de diversos apelativos.
Algunos de los nombres que registrara fueron el de Alberto Caeiro. Alexander Search, Álvaro de Campos, Bernardo Soares y Ricardo Reis. Su alcoholismo le llevo a sufrir de la cirrosis hepática que le causó una muerte un tanto prematura.
Con respecto a su obra EL BANQURO ANARQUISTA se presentó a manera de monólogo, el cual fue ejecutado por el actor David Hevia quien demostró grandes dotes actorales en el escenario al caracterizar el rol protagónico con gran maestría y emotividad, por lo que logró poner de pie a una parte del público presente, quien le ovacionó con un cálido aplauso.
El texto está lleno de retoricismos en torno a diversas connotaciones con respecto a lo que podemos entender por anarquismo, que el mismo autor introdujo para con ello llevar al público a las múltiples contradicciones que dicho término lleva implícito, lo cual permite que el actor cuestione al espectador, con respecto a la temática a tratar, haciéndolo como partícipe en algunos momentos escénicos durante la función.
Respecto al vestuario, el personaje se encuentra ataviado elegantemente, bebiendo champagne y fumando puro, en aparente contradicción al intento de abolir las desigualdades de clases y el abuso capitalista, es decir, a la postura que comúnmente opta el personaje para manipular mediante diálogos de indole sofista hacia sus oyentes.
Esta es una contradicción que el mismo escritor propone en aras de la reflexión; sin embargo, el actor en cierto momento de la obra cambiará sus ropas por otras de apariencia común o proletaria, mostrando su espíritu aparente pro-populista de libertad y equidad, para con ello poder convencer que es EL BANQUERO ANARQUISTA.
Por ello en una de las páginas WEB de manera textual se puede leer con respecto al texto de Pessoa los siguientes párrafos textuales:
-“Un hombre elegante y adinerado presume ser uno de los anarquistas más radicales; en 60 minutos exprime al máximo la retórica Pessoa y confronta el ruido de nuestros ágoras virtuales, llenas de especialistas de la nada que compran y comparten discursos que no entienden para presumir en redes sociales.
EL BANQUERO ANARQUISTA forma parte de lo que algunos llaman cuentos de raciocinio, otros “sátira dialéctica”, característicos de la escritura de Pessoa, quien desarrolló un cuento que se interna por los grandes problemas políticos de su tiempo y, en realidad de todos los tiempos, en que se toca la libertad individual, el Estado, las servidumbres de la acción política y la naturaleza de las leyes.”-
En cuanto a la escenografía de la obra de EL BANQUERO ANARQUISTA le diré qué en el montaje aparecía una silla y una mesita sobre la cual se ubicaba una botella de champagne y un gran puro. Artefactos de utilería que se presentan a propósito a manera de una perspectiva simbólica sobre la trama, que matiza al banquero rodeado de lujos y éxito económico que comunmente el hombre rico adquiere haciendo gala de dichos objetos lujosos de placer, como símbolo de opulencia?
Pues bien, finalmente le diré qué la obra teatral de EL BANQUERO ANARQUISTA había sido presentada en diversos foros teniendo como actor protagónico a el actor David Hevia, sin embargo su talento y emotividad se muestra cada vez va más en ascenso.
EL CONSULTORIO DE LA DOCTORA SPELLMAN
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Divertida e interesante puesta en escena escrita por Alberto Estrella cuya tónica surge en base a la siguiente premisa:
Una doctora en psicoanálisis decide realizar una sesión abierta de terapia y la visitan diversos personajes que en realidad son proyecciones de su personalidad.
Recordemos que Alberto Rodríguez Estrella (Guadalajara 1962)es un muy activo y excelente actor de cine, televisión y teatro, siendo éste último medio actoral en donde más se ha desarrollado contando con su propio recinto Cultural, el conocido “Circulo Teatral” en donde además ha fungido como profesor y promotor Cultural en diversas Disciplinas y Artes.
Sumándole a su brillante trayectoria está el hecho de ser creativo; me refiero a su postura como dramaturgo, en donde el día de ayer jueves 21 de julio 2022, demostró tener pluma de escritor.
EL CONSULTORIO DE LA DOCTORA SPELLMAN como un plus fue recreada bajo la excelente actuación de la actriz protagónica venezolana Teresa Selma (Puerto Pirtu, Venezuela 1930), bajo la dirección artística de Andrés Tena.
Así tres talentos se unieron para dar paso a éste montaje escénico y quienes son desde luego Alberto Estrella, Teresa Selma y Andrés Tena, dando por resultado la ovación del público y la prensa presente en el emblemático Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.
Teatro que abrigó la función de EL CONSULTORIO DE LA DOCTORA SPELLMAN la cual, le comento, se ha estado escenificado en el Teatro “El Círculo Teatral” a partir del día 17 de julio, en días domingos.
La trama gira en torno al psicoanálisis, con algunos datos o elementos de conocimiento al respecto por parte del autor, que ubica a la obra dentro del género psicológico.
Se trata de un monólogo que invita al público ocasionalmente a colaborar, sugiriendo letras o nombres que el personaje protagónico de la Doctora Spellman utilizará para leer citas guiadas al respecto en la dramaturgia.
También se hace participe a una persona del público quien tendrá una breve y divertida participación dentro de EL CONSULTORIO DE LA DOCTORA SPELLMAN escenificado con divanes y algunos objetos de utilería para dar dicho efecto.
Y con el talento y peculiar simpatía de la actriz Teresa Selma, la puesta en escena del dramaturgo Alberto Estrella termina siendo todo un deleite. Escrita con dejos de cultura que dejan ver y mostrar el carácter intelectual de su autor, la obra también esta escrita con ciertos dejos de comedia farsita, en tanto al estilo digerible con matices risibles que hacen que el espectáculo unipersonal tenga un carácter emotivo, que da pie al final feliz, pese a las situaciones adversas y ocasionalmente cruentas, que la dramaturgia muestra sin tapujos, exhibiendo algunas cosas que surgen en la realidad y utilizando un lenguaje ocasionalmente altisonante, como es común hoy en día en nuestra sociedad, que empero, hace carcajear al público.
EL CONSULTORIO DE LA DOCTORA SPELLMAN está muy bien estructurada, lo cual hace que la actriz logre de inmediato a través de la narrativa, diferenciar a cada uno de los distintos personajes sugeridos en el texto de Alberto Estrella,
Obra teatral que Usted podrá verla en el Circulo Teatral, los días domingos a las 18:00 horas.
245 ACTOS DE MALDAD EXTRAORDINARA
POR: Dalia De León Adams
Las historias de súper héroes no siempre son como lo esperabas.
Y justo ésta frase podría considerarse como la consigna de ésta dramaturgia cuyas
escritoras son Paula Zelaya Cervantes y Ana González Bello, siendo ésta última
creativa, quien además da vida al personaje protagónico de Andrea, en éste
monólogo intitulado 245 ACTOS DE MALDAD EXTRAORDINARIA.
Obra teatral que por cierto posee un título muy ad-hoc con la parte medular de la
trama, dentro de la cual la actriz interprete Ana González Bello va narrando
diversos supuestos actos de maldad en la sociedad, y, en general en nuestro país.
La historia además gira en torno a dicho personaje de ficción cuyo nombre es
Andrea, el cual acapara la narrativa para denunciar numerosos actos de maldad y,
en contraposición, al personaje de su padre.
Dicho personaje el cual no aparece en el escenario más que en breve en una de las
pantallas televisivas colocadas en la parte trasera del Plateau, pero que adquiere
gran relevancia en la narrativa es el de “Chuchoman”.
Susodicho padre de la protagonista, quien podía volar y, cuyas odiseas se narraban
en el noticiero de Jacobo Zabludovsky, acorde con el texto de ficción, en donde la
malhechora es nada menos que “La Malinche”, mujer quien entre otras cosas
intentó vender Tenochtitlán.
La obra definitivamente pertenece al género teatral de ficción, pues se basa en el
supuesto de que existen en diversos países Superhéroes que realizan hazañas para
proteger a su pueblo, siendo nuestro héroe mexicano Chuchomán.
A manera de Sinopsis de ésta obra, en la cartelera teatral aparecía hasta el día de
ayer 20 de julio 2022 la siguiente consideración: (y digo aparecía pues se dio por
concluidas las representaciones, como inicialmente había sido planeada)
En un México en el que los superhéroes existen, el gen súper ha comenzado a
extinguirse. Hay crimen e injusticias, los bomberos matan abejas, los
bravucones de la escuela están fuera de control y la única persona que está
dispuesta a hacer algo al respecto es Andrea –una pequeña irresponsable,
imprudente, insoportable y súper inmadura adolescente-. Andrea mide 1.50 y,
definitivamente, no es la heroína que el país esperaba, pero es lo que hay.
Justo en la trama, tras la desaparición de Chuchoman, a quien se asegura asesinara
“La Malinche”, Andrea, hija del superhéroe intentará tomar el carácter de heroína,
tras el supuesto de poder poseer genéticamente el gen heredado por su súper
padre.
245 ACTOS DE MALDAD EXTRAORDINARIA es una obra propuesta bajo un tono
chusco que le otorga el carácter de “cómics”; montaje escénico que como a-priori
había mencionado, ayer se dio por terminada el ciclo de funciones en el Teatro
principal del Centro Cultural Helénico.
Empero a ello la productora a cargo, subió al escenario tras la función haciendo
mención de qué ésta puesta en escena de 245 ACTOS DE MALDAD
EXTRAORDINARIA regresará pronto a algún otro escenario mexicano.
Finalmente le comentaré qué bajo la dirección escénica de la misma Paula Zelaya
Cervantes y el talento histriónico de Ana González Bello, la obra logró tener gran
audiencia, en dicho recinto cultural.
¡BIEN POR SUS JÓVENES CREATIVAS!
ARANZA ZU LÓPEZ y su Proyecto QUETZALCOATL
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Tal vez Usted aún no se ha informado respecto al Proyecto QUETZALCOATL ya en
puerta. Por ello le comento qué La Leyenda de QUETZALTCOATL es el próximo
musical que tendré lugar el 19 y 26 de agosto, así como el 2 y el 9 de septiembre en
El Teatro Centenario Coyoacán.
Será una Producción Artística de ARANZA ZU LÓPEZ quien comenzara a producir
en el año 2017, tras de haber sido parte integrante del equipo de bailarines de la
importante Compañía de Amalia Hernández, la cual comenzó a considerar
repetitiva en su presentaciones, por lo que decidió formar su propia empresa.
ARANZA ZU LÓPEZ es una productoras de las más jóvenes de Latinoamérica entre
muchas otras latitudes, quien ante la inquietud de llevar más allá de los países
comúnmente frecuentados para mostrar la riqueza de nuestra cultura, se dio a la
tarea de producir sus propias creaciones artísticas por medio de La Compañía
“Arte y Folklor México”.
Es una empresa artística que intenta modernizar y darle un giro a los espectáculos
comúnmente llevados tanto al interior de país, como en zonas internacionales,
através de las últimas décadas presentando impactantes espectáculos de gran
calidad artística.
Bajo dicha consigna visito el país de Kosovo, en cuya región inició un encuentro
endo-cultural por primera ocasión con México, abriendo las puertas y haciendo
brecha, por lo cual donaría algunos vestuarios y parte de su utilería autóctona,
para ser depositada en uno de los museos locales.
Otros de los lugares visitados por la Compañía “Arte y Folflor México”, serían Chile,
Corea del Sur, Polonia, Bulgaria, Bosnia, Hungría, Eslovaquia, Serbia, Albania,
Macedonia y Herzegovina.
Compañía que ha sido galardonada con alrededor de 30 premios Nacionales como
lo son por mencionar algunos, La Medalla “Cien Años educación Puebla”, Gaviota,
México en tus manos, Micrófono de Oro, Poder Joven, Forjadores de México y 2
Arlequines.
En cuanto a preseas Internacionales han obtenido alrededor de 40 premios;
además de obtener diversos “Nombramientos” por parte de Embajadas, Gobiernos
y Promotores Culturales, así como el lograr colocarse en prestigiados lugares por
diversos Certámenes de índole Mundial.
Pero volviendo a la Producción de La leyenda QUETZALCOATL, éste será una
puesta en escena teatral que constará de la presencia de una gran coreografía.
También incluirá el apoyo multimedia para algunos efectos, la presencia de aromas
tradicionales como el uso del Nepal, para lograr con ello ambientar y presentar un
espectáculo sensorial, con música en vivo ejecutada por la “La Orquesta
Prehispánica de México”, y la presencia de la cantante Silvia Zepeda.
“Arte y Folklor México” es la Compañía que tras de un arduo año de trabajo
creativo tiene, como su misma productora propone, a manera de “Misión”
Sincretizar la tradición cultural con propuestas creativas aunadas a la
tecnología, ofreciendo un espectáculo internacional de la más alta calidad.
Y como “Objetivo” Difundir por medio del espectáculo parte de nuestro legado
histórico para llevar al público de todas las edades a retomar los valores
culturales.
EN HORA BUENA Y FELICIDADES POR SUS LOGROS!
BODAS DE SANGRE
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Puesta en escena dirigida por el maestro Diego del Río con música en vivo que
tocan al ritmo del son flamenco, introduciendo una coreografía acorde al estilo
musical y añadiendo cantos sonoros en donde se muestra un coro de voces
educadas para la ocasión.
Tanto para el despliegue de la coreografía y la presencia en el escenario de jóvenes
artistas, se presenta el elenco estelar formado por Mariana Almazzi, Karla Báez,
Amaranta Caravantes, Gonzalo de Esesarte, Mario González-Solíz, Andrés Jurado,
Diego Meléndez, Yamile Palacios, Nicolás Pinto, Fernando Ransom, Ana Lucía
Santibañez, Jerry Vega, Saúl Villa y Fabiola Villapando.
Dramaturgia con gamas a la usanza española que se adereza con el ritmo de las
guitarras ejecutadas por los mismos actores quienes además ambientan algunas de
las escenas con las palmadas de manos y golpeteos rítmicos que se asocian de
inmediato texto del icónico escritor andaluz de fama internacional.
Tragedia qué como es bien sabido, fuera escrita tanto en verso como en prosa por
el afamado escritor español Federico García Lorca en el año de 1931, aún cuando
ésta fuese editada hasta el año de 1933.
Originalmente fue concebida para ser montada en 3 actos y 7 cuadros; empero a
ello, la puesta en escena en El Círculo Teatral en donde hoy en día se presenta, es
en un acto y un cuadro escénico que resulta recrear perfectamente el drama,
dándole un toque totalmente a la usanza española, cuya parte de la idiosincrasia
secular, es brevemente puesta en manifiesto por el texto de Lorca.
BODAS DE SANGRE es reconocida como uno de sus más emblemáticos dramas de
Federico García Lorca al igual que “La casa de Bernarda Alba”. Otras de sus
creaciones dramatúrgicas son “Doña Rosita la Soltera”, “Mariana Pineda”, “El
público”, “La zapatera prodigiosa” y “Yerma”
Recordemos que Lorca nació en la provincia de Fuente Vaqueros, España en el año
de 1898. Fue poeta, dramaturgo y prosista. Su homosexualidad lo llevó a ser
ametrallado por las fuerzas fascistas armadas del General Franco (1892-1975) en
la región de Granada en el año de 1936. Sin embargo hoy en día, es considerado
como el poeta y escritor más emblemático de la lengua española, del siglo XX.
Como Sinopsis de la trama de BODAS DE SANGRE le comento qué es escenificado
el asesinato de Nijar y su rival de amores Leonardo, justo el día de la boda del
primero, tras de robar a quien recién esposara; hecho que desencadenará una gran
tragedia en el pueblo.
Algunos de los pormenores que comprenden éste drama, fueron ficcionalizados
bajo la pluma de Federico García Lorca; sin embargo, el autor se basaría en un
hecho real que aconteció hace 82 años; sucesos trágicos, mismos que la misma
Compañía da a conocer tras de concluir la función.
BODAS DE SANGRE además de ser considerado como drama o tragedia, es una
obra ubicada dentro del género de la poesía dramática; se sabe que una noticia en
la prensa local española, la cual asegurara qué una mujer se fugó el día de su boda,
con su antiguo novio, fue un acontecimiento que detonaría en la mente de Federico
García Lorca los hechos imaginarios de los que bien pudieron ser los pormenores
de la huída de dicha pareja sentimental.
Con ello se fraguaría una serie de circunstancias poco vividas en la España
Franquista, como lo serían la libertad de acción, el simbolismo de la muerte y la
venganza andaluza, o bien, el quebranto de la idiosincrasia de la sociedad local
imperante.
En El Círculo Teatral se escenifica éste drama con gran dejo de talento que se hilan
con muestras claras de los conocimientos adquiridos por los actores, dándole a
éste montaje escénico un carácter totalmente profesional y, por supuesto, por una
gran dirección por parte de Diego del Río y el buen desempeño por parte de su
productora Yamile Palacios.
BODAS DE SANGRE es una obra teatral que vale la pena presenciar. Tendrá tan
sólo tres funciones más en el recinto Cultural del Círculo Teatral y que son los días
miércoles 20 de julio, lunes 25 y miércoles 27 de julio 2022.
CICLO BEETHOVEN
POR: Dalia María Teresa De León Adams
La Filarmónica de las Artes “echa la casa por la ventana” con un maratónico CICLO BEETHOVEN sin precedentes en México, convirtiéndolo en su proyecto más ambicioso dentro del marco de los nueve festejos por su XV aniversario: Las Nueve sinfonías de L. V. Beethoven en cinco días.
Así es como se expresó la Difusora a cargo de Sandra Narváez al referirse al maratónico CICLO BEETHOVEN interpretadas bajo la batuta del maestro Enrique Abraham Vélez Godoy, director musical de La filarmónica de las Artes.
Un poco a manera de semblanza le recuerdo qué Ludwig van Beethoven (Vonn, Alemania 1770-1827 Viena, Austria) fue compositor musical, director de orquesta, pianista, violinista y profesor de piano. Su legado artístico comprende en términos cronológicamente, desde el Clasicismo hasta los inicios del Romanticismo.
Volviendo al CICLO BEETHOVEN el evento se llevará acabo en el Centro Cultural Ollin Yolistli, pese a la gran dificultad que hoy en día implica el mantener a una Compañía Independiente, con la gran calidad artística que precisa. Y que le ha inferido La Filarmónica de las Artes.
Sin embargo, el gran esfuerzo que han empleado durante lo largo de quince años de trayectoria, demuestran tanto el amor al arte como la persistencia y perspicacia en continuar ofreciendo eventos de máxima calidad musical, de dicha compañía artística.
Le comento qué como un plus, su director, es decir el maestro Enrique Abraham Vélez Godoy, tiene contemplado el invitar para unir esfuerzos en el evento en puerta, a los Directores invitados Luis Manuel Sánchez, el Director Jorge Barradas y a su homólogo Luis Manuel Bustillos, quienes se presentarán para con ello ofrecer un espectáculo musical de máxima calidad.
Gala que dará inicio el día miércoles 20 de julio al filo de las 20:00 con la interpretación de la Sinfonía número 1 en C mayor, Opus 21, y la Sinfonía número 5 en C mayor, Opus 67.
Para el siguiente día, es decir el jueves 21 de julio 2022, a las 08:00 pm. se presentará el maestro Luis Manuel Sánchez para interpretar la Sinfonía número 2 en D mayor, Opus 36, y tras ésta, la Sinfonía número 6 en F mayor, Opus 68 (Pastoral).
El viernes 22 de julio 2022 a las 20:00 horas la Sinfonía número 3 en Eb mayor, Opus 55 (La Heroica), así como la Sinfonía número 8 en F mayor, Opus 93, teniendo como director al maestro José Luis Bustillos.
Para el día sábado 23 de julio 2022 se tiene contemplado interpretar bajo la batuta del Maestro Jorge Barradas, la Sinfonía número 4 en Bb mayor Opus 60, así como la Sinfonía número 7 en A mayor, Opus 92, a las 19:00 horas.
Finalmente para cerrar con el debido “Broche de oro” el domingo 24 de julio 2022 a las 18:00 se presentará el director musical de La Filarmónica de las Artes, que como a-priori mencionamos es el Maestro Enrique Abraham Vélez Godoy, quien dirigirá la 9ª Sinfonía en D minor, Opus 125 (Choral), tan afamada en el mundo entero, teniendo presenta a la cantante soprano Silvia Dhart, la mezzosoprano Paola Gutiérrez, barítono Vladimir Rueda y el Tenor Ricardo Calderón.
Todos ellos conjuntamente y uniendo esfuerzos en el proyecto CICLO BEETHOVEN también estará el Coro de las Artes, bajo la asesoría vocal a cargo del Maestro Isaac Bañuelos, lo cual convierte en toda una promesa y deleite para los amantes de la música icónica de Ludwig van Beethoven.
EN HORA BUENA!!!!
PIÑATA DRINK
POR: Dalia De León Adams
El día de ayer 11 de julio 2022 en el Teatro Lucerna del Centro Teatral
Milán, a la prensa e invitados para ser presentada la puesta en escena de PIÑATA
DRINK.
Presentada por Alberto Garmendia ésta obra es original de Miguel Narro, quien
además dirige su propia dramaturgia; drama en donde actúan como la mesera
Gomitas la actriz Renata Milán, en el rol de Toper aparece el actor Roberto Valdez,
caracterizando al personaje de Julián/Blanco actúa Héctor Sandoval, como
Fernanda/Piernas aparece la actriz Luz Olvera, Pamela Ruz se encuentra en el
papel de Cuerda, Mel Fuentes interpreta a la mesera Confeti, y como Ácido, se
presenta el actor Alan Escalona.
Todo el equipo creativo está compuesto por jóvenes entusiastas, quienes unidos
logran un montaje escénico colorido, vistoso y peculiar, casi de cuento infantil que
empero finalmente contrasta con una trama en donde la banalidad, el dolor, el
coraje, la venganza, y actos funestos convierte en los ingredientes medulares de
éste drama o una historia de horror.
SINOPSIS:
Un grupo de asesinos se reúne en el excéntrico restaurante mexicano llamado
PIÑATA DRINK para planear la muerte de una mataperros. Pero su estancia en
el lugar desatará conflictos no previstos.
Obra farsica que bien puede pertenecer al género del teatro del absurdo, por la
manera en que es abordada la temática del asesinato y la matanza de animales,
muy en específico, de los caninos.
Una obra que incurre en situaciones reales, pero qué en la manera en que se
aborda, termina siendo una obra mayormente de humorismo negro, que hace reír
al público, aún en situaciones bastante crueles y cruentas.
Muestra a un grupo de jóvenes quienes se reúnen para indagar la manera en qué
desean castigar con la muerte, a una persona a quien llaman tentativamente
también con un mote, quien se dedica a matar a los perros ajenos.
Todos se verán inmersos en un juego de trampas en donde se pone en riesgo la
vida, al intentar ganar un sorteo en donde el premio mayor será el obtener una
piñata a la cual deberán romper, pensando en obtener dulces, gomitas y drinks.
Un menú exótico y estrambótico será sugerido por una mesera quien recomienda
los extraños platillos, adosados de manera colorida, que hace juego con el peculiar
e igual colorido restaurante.
Un final inesperado, en dónde todo bien puede pasar en PIÑATA DRINK.
ANGÉLIQUE
POR: Dalia De León Adams
Espectáculo unipersonal escrito y dirigido por Eduardo Castañeda al estilo del
teatro cabaret, que se presenta bajo un toque de estilo bohemio . ANGÉLIQUE es
una puesta en escena que cuenta con canciones de fama internacional, como lo son
La vie en rose, Je ne regrette rien, Bésame mucho, La Llorona, entre otras
composiciones e interpretaciones de Glenn Miller, Nina Simone, Consuelo
Velázquez y Edith Piaf.
En el montaje escénico se cuenta con un grupo musical en vivo integrado por un
baterista, una pianista, un saxofonista y un violonchelo, quienes interpretan las
bellas melodías, junto con la voz armoniosa de la cantante y actriz Muriel Ricard,;
artista quien con su simpatía ha cautivado al público espectador, llenando cada
función el foro.
ANGELIQUE es una cantante mulata de origen francés que trabaja en un bar de
la ciudad de México en 1959. Su repertorio está compuesto por arreglos
sorpresivos de música francesa, estadounidense y mexica. Entre canciones
hace gala de una agudeza e ironía sobre sus experiencias en México; narra
como llegó al país, el porqué es políglota, así como sus raíces americanas,
africanas y europeas; cuenta chistes y confronta los más profundos prejuicios
raciales de nuestra cultura desde la perspectiva de una migrante fascinada…
Una obra ubicada a finales de los años cincuentas que refleja cómo algunas
cosas tardan mucho en cambiar…
Es una crítica hacia la identidad y el folclor mexicano. Argumentos sobre la
obra de la casa Difusora a cargo del señor Raúl Medina).
Obra teatral que cuenta con un monólogo ofrecido por la actriz e interprete
musical Muriel Ricard, en donde la temática medular a tratar es el racismo,
teniendo como referente nuestra Ciudad de México a finales de la década de los
años 50’s.
Por ende inicialmente, teniendo como personaje en el escenario a un presentador,
por medio de éste se ofrecen algunos datos acerca de lo que sucedía secularmente
en dicho periodo, durante el cual Adolfo López Mateos era el presidente de la
República Mexicana y, Mario Moreno Cantinflas, una de las más importantes
figuras del medio artístico mexicano.
De dicho modo surge el supuesto de la llegada de ANGÉLIQUE a nuestro país, justo
el día del fallecimiento de su madre acaecido en tierra parisina. Las cartas escritas
a su madre en anteriores visitas a México, al igual que a su pareja o amigo Philipe
son mostradas a través de videos proyectados, para darle seguimiento a la
narración respecto a la trayectoria de la cantante.
Cartas que sirven para crear el mundo ficticio en el cual se sumerge el personaje
protagónico de ANGELIQUE, creado bajo la pluma de su autor, el dramaturgo
Eduardo Castañeda, quien con su talento da vida al personaje migrante.
Es una producción ejecutiva de Edgar Uscanga bajo la dirección musical de Gilda
Méndez, con el arreglista Geo Enríquez, que cuenta con el diseño del vestuario a la
usanza secular de Andrea Pacheco.
Puesta en escena presentada por la Coordinación Nacional de Teatro y Vuelta de
Tuercas Producciones, que se presenta en el Teatro El Granero Xavier Rojas del
Centro Cultural del Bosque, los fines de semana hasta el 17 de julio 2022.
SENSIBLE FALLECIMIENTO DE LA PRIMERA ACTRIZ MARTA AURA
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
La Compañía Nacional de Teatro (CNT) , el Instituto Nacional de Bellas Artes y
Literatura (INBAL) e incluso la importante empresa TELEVISA han expresado su
más sentido pésame a los familiares y personas cercanas por el deceso de la
PRIMERA ACTRIZ MARTA AURA, a sus 83 años de edad.
Se inició como actriz en el año de 1959 tras de haber egresado de La Escuela
Nacional de Arte Teatral (ENAT) del INBAL. Sin embargo su primera colaboración
ya como actriz profesional sería en El Teatro La Capilla.
Contaba con una gran trayectoria artística, de la cual hizo alarde através del
tiempo gracias a su gran talento histriónico, trabajando tanto en el teatro, como en
el medio cinematográfico, en la televisión.
Por ello el día de hoy sábado 9 de julio de 2022 se puede leer en algunas páginas
WEB las condolencias ofrecidas a sus seres queridos; e incluso en algunos medios
televisivos quienes se están dando a la tarea de ofrecer al público en general,
amante de su trabajo, algunos de los pormenores de su brillante carrera como
actriz y difusora de la cultura.
Por lo tanto, la Secretaria de Cultura del Gobierno de México Alejandra Fausto
Guerrero también expresó su pésame al reconocer la destacada labor de la actriz
Marta Aura. Lucina Jiménez, directora general del Instituto Nacional de Bellas
Artes y Literatura (INBAL) tampoco dejó de lamentar dicha perdida
La Difusora de La Compañía Nacional de Teatro (CNT) es decir la Señorita Ana
Gabriela Villasana, de inmediato dio a conocer la noticia sobre la muerte de la
artista, debido a ser el recinto cultural en donde a partir del año 2012, formó parte
Marta Aura, como miembro activo y estable de la Compañía, por lo que su difusora
tuvo a bien expresar sus condolencias, narrando la trayectoria artística de tan
insustituible actriz.
Mismo año por cierto, en el cual también se haría poseedora del “Premio Mezcal”
por ser galardonada como la Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine de
Guadalajara 2012, con la película intitulada “Coraje”.
Trabajo en la industria cinematográfica con Alfonso Arau, Jorge Fons, Arturo
Ripstein, Felipe Cazals y Alfonso Cuarón. En televisión su primera participación
sería en la telenovela Acompañame (1978).
Algunas de las obras teatrales en las cuales Marta Aura colaboró fueron El Círculo
de cal, Ilusiones, Códice Ténoch, A soldier in every Son, Los grandes muertos,
Éramos tres hermanas (Variaciones sobre Chéjov, Homeridas, Este paisaje de
Elenas, Numancia, Proyecto Leñero, La panadería, El padre y memoria y Mujer on
the border, en donde durante 12 permaneció (En México, España y Los Estados
Unidos).
DESCANSE EN PAZ, MARTA AURA!!!!!
VAN GOGH, Un girasol contra el mundo.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Mario Iván Martínez acaba de reestrenar el día de ayer sábado 2 de junio 2022 en el Teatro Helénico, la obra de su autoría VAN GOGH, Un girasol contra el mundo, en donde por cierto actúa espléndidamente interpretando el personaje protagónico del pintor neerlandés Vincent Van Gogh (Países Bajos 1853-1890), con ese don histriónico que le caracteriza, aunado al parecido que logra en el escenario con su personaje, hecho que hizo ponerse de pie al final de la función, al público quien le ovacionó calidamente.
Se contó con la presencia de la maestra Luly Rede, la directora de esta puesta en escena, quien aunado al impecable trabajo de Mario Iván Martínez, logro con su dirección darle un plus a éste magnífico montaje escénico.
Y dije impecable trabajo, al tomar en cuenta la preparación previa que hizo su autor y protagonista Mario Iván Martínez a-priori de escribir su dramaturgia, la cual le llevó cerca de cinco años, tiempo en el cual se dio a la tarea de recorrer diversos lugares en donde Vincent Van Gogh se desempeñara, estando incluso en el hospital en donde finalmente perdiera la vida el pintor post-impresionista.
Todo ello con el afán de conseguir los pormenores que hicieron del pintor un ícono del arte impresionista internacional. Desde sus inicios en que Mario Iván Martínez, al abordar la difícil y compleja, pero apasionante vida del pintor Vincent Van Gogh y su importante relación filial con Teo, enriqueció su investigación con sus viaje a Francia, Holanda e Inglaterra, en donde visitó algunos de los lugares recorridos por el pintor holandés, quedando prendado por su historia llena de anécdotas que Mario Iván Martínez, con su peculiar pluma narra, llenado a su dramaturgia de datos y elementos culturas agregando además algunas fotografías familiares y narrando algunos de los hallazgos vividos por Vincent Van Gogh con otros importantes pintores de su época, con quienes tuvo cercana relación como serían Paul Gaugin (Paris 1848-1903), Toulouse Lautrec-Montfa (Albi, Francia 1864-1901) entre otros más que menciona en su texto rico de elementos culturales, añadiendo música secular de Claude Debussy y otros más, como es su costumbre por la pasión que siempre ha demostrado por el arte en general.
Mario Iván Martínez Morales es un gran artista, musicólogo, cantante operístico y hacedor de puestas teatrales infantiles. Además a colaborado en algunas producción discográficas al respecto de sus trabajos en donde se advierte música de la época Shakespeare, así como de algunos poemas, cuentos infantiles musicalizados entre los que se encuentran canciones de Cri-cri y, sus dos más recientes cuentos editados en libros físicos uno sobre Vincent Van Gogh y otro sobre Sor Juana Inés de la Cruz.
Sobre Mario Iván Martínez en breve le diré que es un magnífico anglo y franco parlante; hijo de la Primera actriz fallida Margarita Isabel y del locutor radiofónico Mario Iván Martínez Ortega, quienes influyeron por supuesto en su gran formación intelectual.
Y de ese corazón amante de la sapiencia y el arte surgió como tributo a la vida y obra de Vincent Van Gogh, una obra en sí interesante, que surge del mundo colorido del pintor, quien como Mario Iván Martínez menciona, se inspirara en la frase –Sueño con pintar… y luego pinto mis sueños.
Al respecto la difusora del Helénico a cargo de la Señorita Gaddi Miranda conjuntamente con la empresa Manojo de Ideas, cuyos titulares de la difusora son el Señor Carlos García y la Señorita Marilú Torroja, ya con anterioridad, desde la primera ocasión en que se presentó ésta obra, mencionarían en el boletín de prensa incluyeron la siguiente consideración:
-“El teatro Helénico se engalana con la puesta en escena: VAN GOGH, Un girasol contra el mundo, obra que pone al descubierto la personalísima relación del primer actor mexicano Mario Iván Martínez con una de las más recias personalidades de la pintura, Vincent Van Gogh (1853-1890). En este nuevo texto dramático, Martínez hurga e insiste en los encuentros y desencuentros ocurridos en la vida fascinante y turbulenta de este genio de la plástica moderna. Resalta así mismo la figura de la escritora y feminista Johanna Bonger de Van Gogh, cuñada de Vincent y heredera de su vasta producción pictórica y epistolar. Inspirado por la experiencia de prestar su voz al documental “Vincent, pinceladas de un genio” de Peter Knapp y Francois Bertrand, producido por el museo de Orsay, el Museo Van Gogh y el Cenro Cultural Tijuana, el actor mexicano decidió someterse a un proceso de investigación que culminó en ésta creación literaria, dando seguimiento a esta experiencia.”-
VAN GOGH, Un girasol contra el mundo se presenta los fines de semana n el Teatro principal de Centro Cultural Helénico.
LA PERSONA DEPRIMIDA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
La depresión es un trastorno emocional que causa un sentimiento de tristeza constante y La pérdida de interés en realizar alguna actividad, que puede incluso llevar a la persona que lo padece en situación extrema, al suicidio.
La perdida de interés permanente que causa, puede provocar una serie de trastornos tanto emocionales, como físicos; trastornos que llevan a la falta de apetito y dificultad o exceso de sueño, falta de concentración, además de una muy baja autoestima.
Las causas son muy diversas por lo cual, generalmente es sugerido ser tratado por un profesional, ya sea psicólogo o psiquiatra, siendo el segundo quien apoya sus consultas con la ingesta de fármacos que deberá ingerir periódicamente el paciente.
Información entre otra que se ofrece en función presencial mediante el texto de la dramaturgia LA PERSONA DEPRIMIDA a través del diálogo o proyecto unipersonal escenificado con la actriz protagónica Carolina Politi, bajo la versión teatral y dirección escénica de Daniel Veronese.
Dicho en otras palabras, es en torno a ésta temática de índole psicológico, qué como núcleo medular se apoya la obra teatral LA PERSONA DEPRIMIDA escrita por el dramaturgo estadounidense David Foster Wallace (Ithaca, Nueva York 1962-2008).
Foster Wallace fue un destacado profesor y escritor estadounidense, muy reconocido por su novela “La broma infinita”, la cual fuera considerada por la revista “Time” como una de las 100 mejores novelas en lengua inglesa durante los años 1923 al 2006.
Mediante el recurso escénico de un monólogo, ésta obra teatral narra un caso específico por lo que muy ad-hoc se intitula LA PERSONA DEPRIMIDA. La actriz se presenta y cuenta los pormenores del caso de una mujer cuyo nombre nunca es manifiesto, quedando en duda si está basado en un caso real, o bien, es una mera obra de ficción.
Por otro lado la actriz narradora se presenta en calidad de personaje omnisciente y omnipresente, quien por tanto esta siempre presente y sabe todo lo que debe ocurrir en relación con LA PERSONA DEPRIMIDA, sin embargo cuenta los pormenores sintomáticos de una paciente depresiva sin dejar en claro si se trata de un caso médico real, o bien, tan sólo es el producto de la pluma del dramaturgo.
Por ello en el boletín de prensa se menciona lo siguiente al respecto:
-“Disculpe si lo estoy distrayendo e su vida activa, vibrante, libre de angustia y ubicada a larga distancia….
Esta obra narra en tercera persona el devenir de una mujer con depresión patológica, la relación con su analista y con sus padres hasta la relación con su analista, va internándose en detalles de profunda humanidad, que más allá de la patología, deja entrever un susurrante pedido de ayuda.” (Sinopsis de la cartelera teatral)
Puesta en escena conmovedora que resulta de gran interés para gran parte del público por ser poseedora de una temática recurrente hoy en día en nuestra sociedad, por lo cual el personaje, desgraciadamente bien puede parecerse a cualquier familiar o persona cercana.
Caracterización que precisa de una interpretación emotiva y de un profesionalismo con alto nivel histriónico, como lo demuestra en el escenario la gran actriz Carolina Politi.
UNA PERSONA DEPRIMIDA se presenta en el Teatro “La Capilla” los días jueves a las 20:00 horas hasta el día 14 de julio 2022.
TÁRTARO Réquiem de cuerpo presente por el niño que aprendió a matar.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
La temática aborda el hecho de vivir de frente a la muerte como una constante, en
ésta dramaturgia original de Sergio López, quien retrata a una parte de la sociedad
totalmente corrupta, que vive en aras de sobrevivir entre lazos tormentosos de
riesgo, sin fuga posible.
Monólogo puesto en escena en un solo tiempo escénico, que empero presenta
diversos cuadros con un contenido narrativo altamente cruento, que hace que la
obra pertenezca al género naturalista, por la descripción minuciosa en que se
muestran algunos pormenores de una vida difícil y tormentosa que un niño
desamparado, que entre otros, comúnmente padecen.
En la narrativa se expresa el encuentro frente a frente con el inframundo, latente
en ésta recalcitrante historia de una persona atrapada en el desaliento que da el
desamparo, quien empero se cobija día a día con una realidad infernal, en donde se
aprende a no tener límite al realizar acciones para anular o agredir a terceros, y
mucho menos por ende, se da cabida a la esencia de bondad y piedad que el ser
humano se aprecia de llevar congénitamente en sus entrañas.
El autor presenta a un hombre quien narrará algunos pormenores de su vida post-
mortem, desde antes de ser procreado y al ser gestado el vientre de su madre, una
humilde mujer desamparada a la cual perderá de manera temprana, tras de vivir
en una familia carente de desahogo económico y sin amparo.
Su padre, la figura del hombre irresponsable que se muestra sin miramientos sin
ataduras ante sus familiares, a quienes abandona sin miramientos; su madre una
mujer que muere joven dejando en el desamparo total a sus dos hijos.
La presencia de una hermana adolescente, Águeda, la cual es llevada por la fuerza
por unos hombres quienes la raptan de manera brutal y a quien nunca volverá a
ver, le marcará definitivamente, dejándolo en la soledad y el desamparo absoluto
en ésta dramaturgia.
Por otro lado se relata la efímera relación con un único compañero constante en su
vida, Víctor; su casi un amigo con quien padecerá y vivirá situaciones extremas y a
quien le arrancarán la vida frente a él.
Finalmente aparece dentro de la narrativa el personaje co-protagónico de Joaquín,
su jefe. Un hombre quien le enseñará a matar, desafiar, agredir y violar toda ley
hasta el momento de ser prematuramente asesinado.
Todo ello es en síntesis el panorama en donde queda inmerso el personaje
protagónico, con el rol de un Yo, narrador, quien en la obra además, narra su
propia vida, tanto a-priori de nacer, como a-posteriori a su fallecimiento.
El desconsuelo es una constante que se filtra en la trama la cual es musicalizada
con algunas piezas de música clásica y otros géneros musicales en algunos
momentos escénicos enmarcados bajo la técnica multimedia que se entretejen en
ésta puesta en escena con los momentos de locura, desesperanza y desosiego
vivido por el personaje protagónico del personaje cuyo mote es el TÁRTARO
(ácido de potasio que forma una costra cristalina en el fondo y paredes de la vasija
donde fermenta el mosto. También significa sarro de los dientes).
Drama acompañado con una serie de imágenes que se proyectan en una mega
pantalla colocada en la parte posterior, central del escenario, junto con algunos
objetos de utilería movibles y la presencia de hielo seco en algunos de los cuadros
escénicos.
La obra teatral TÁRTARO ésta se encuentra interpretada a manera de monólogo o
proyecto unipersonal, por el actor Bernaldo Gamboa, a quien la misma Compañía
que realiza el montaje, le denominan el “Experimentado histrión”.
Grupo creativo que se autodenomina “El Colectivo TeatroSinParedes, el cual por ya
había presentado éste montaje escénico años atrás, el cual por cierto informaría lo
siguiente de manera textual con respecto a éste proyecto teatral, y que finalmente
expongo en ésta crónica teatral:
TÁRTARO-“Réquien de un cuerpo presente por el niño que aprendió a matar-”
Escrito por Sergio López Vigueras, el ganador del Premio Nacional de
Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo 2017, TÁRTARO es un
monólogo que reflexiona sobre las circunstancias a las que se enfrenta una
gran parte de la juventud que construye nuestro país debido al narcotráfico
imperante en todo el territorio. La puesta en escena es un inigualable cruce
entre la investigación sociológica y poesía.
Bernardo Gamboa nos cuenta la historia de un sicario, el hijo de una nación en
ruinas, gestado en medio de una guerra fraticida. Estamos en el último
instante de su último enfrentamiento: en medio de las ráfagas, siente el golpe
del disparo que segó su vida y, al buscar sentido, recorre sus momentos claves;
desde su anémica gestación, hasta la agonía de su madre producida por sus
condiciones de trabajo, hasta que se convirtió en una máquina de muerte. ¿Un
monstruo o un mártir? Estamos en el último instante de su último
enfrentamiento”-
TÁRTARO bajo la dirección de David Salmon, se presenta en ésta ocasión en el
Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque con funciones de jueves a
domingos.
ME LLEVA EL TREN
POR: Dalia De León Adams
Durante una de sus sesiones espiritistas, Francisco I. Madero, contacta con una vieja chamana de la Sierra tarahumara llamada Guarupa. La sabia mujer intenta seguir comunicándose con él para informarle sobre la traición que se avecina por parte de Victoriano Huerta. Sin embargo la Revolución que aqueja al país genera “demasiado ruido, demasiada interferencia” y Madero no la escucha. Al no poder contactarse con él, decide abordar el tren como polizón para viajar hasta la Ciudad de México. Durante su viaje, Guarupa se topará con Juan –un muchacho que huye de Villa- y con Adela –una muchacha que escapa de la bola- y entre los tres, atravesarán un país abrumado por la guerra con la ilusión de lograr un futuro mejor en su tierra. (Sinopsis de la Compañía)
Teniendo como director escénico a Jorge Valdivia, la dramaturgia de Camila Villegas resulta ser un deleite, plagada de datos seculares acerca del periodo Maderista que poco a poco se van narrando.
Además contando con un gran equipo de actores, entre los que se encuentra Carmen Mastache en el rol de la chamana Guarupa, Enrique Saavedra como Francisco I. Madero, entre otros personajes más que interpreta, que van desde un soldado, a un vocero de periódicos; Sonia Couoh también da vida a diversos personajes entre el que sobresale, el de Adela y finalmente, Federico Zapata principalmente en el rol del fugitivo adolescente, llamado Juan. Todos ellos actuando con gran plástica actoral.
Así es como en ME LLEVA EL TREN se va entretejiendo la ficción con la realidad mediante el personaje de la chamana, quien entre sueños, sapiencia nata y fetichismos, matiza al texto convirtiéndolo en una obra perteneciente al género del realismo mágico.
Empero por su peso narrativo, la obra igualmente pertenece al género de la novela histórica, debido a que los héroes patrios aparecen en escena o bien, son nombrados acorde a las notas registrados fehacientemente por nuestra historia mexicana.
Esto lo logra la escritora a través de los personajes de los periodiqueros, quienes en la realidad también sustentaban las noticias más destacadas secularmente, con sus gritos entre las calles vendiendo su producto (periódicos) a la usanza del momento.
Así los personajes reales de dicho modo retoman vida en la obra, expresando sus ideas y actuando junto con los personajes de ficción, quienes sirven de pretexto para recrear el periodo maderista, con la pluma y el talento de la autora de ésta obra teatral.
La puesta en escena es en un solo acto, bajo la propuesta escénica de Tenzing Ortega y Sofía Macedo, la cual para efectuar los diversos cuadros escénicos, precisan del movimiento constante de la utilería, realizado por los mismos actores, y sobre todo, de diversos cambios de vestimentas, siendo principalmente efectuado entre dos de los actores en particular (Enrique Saavedra y Sonia Couoh).
Vestuario propuesto por Sergio Mirón, quien aunando esfuerzos con los demás integrantes de la compañía, logran inferir a las escenas los efectos del panorama Revolucionario del México post-porfirista de inicios del siglo XX.
La idiosincrasia, la política, y la colaboración exenta de conciencia real ante los hechos acontecidos secularmente, se pone en evidencia en el texto de Camila Villegas, quien logra con su texto, recrear perfectamente el panorama acontecido.
Finalmente le comento qué ME LLEVA EL TREN fue la obra ganadora del certamen organizado por CONACULTA Y el SOGEM en el marco del Bicentenario, y se presenta en días martes y miércoles en el Teatro “La Capilla” a las 20:00 horas.
UNA HISTORIA DE AMOR Y ESPERANZA: YAHUALLI.
Dalia María Teresa De León Adams
Adaptación de la obra “Circulo de Tiza Caucasiano” del icónico escritor Bertolt Brecht quien hace referencia al amor a la madre tierra y los valores humanos. Eugene Bertolt Friedrich Brecht, más conocido como Bertolt Brecht nació en Augsburgo, Alemania en 1898-1956. Fue un dramaturgo y poeta alemán de los más influyentes del siglo XX, creador del teatro épico, también llamado teatro dialéctico, cuya obra más afamada es la de “Madre Coraje y sus hijos” escrita en 1939.
“El círculo de tiza caucasiano” es también una obra perteneciente al teatro épico, escrita con carácter crítico, con un prólogo y cinco actos por su autor, el escritor alemán Bertolt Brecht, la cual se estrenara en 1948. Obra dramática y los versos que empero fueron escritos entre 1944 y 1945 en Santa Mónica, durante su estancia en Los Estados Unidos.
UNA HISTORIA DE AMOR Y ESPERANZA: YAHUALLI es en cambio una trama que nos hace recordar el pasaje bíblico en el cual se narra la sabiduría del Rey Salomón, quien tras de un juicio entre dos mujeres que argumentan ser las madres de un pequeño, el soberano dicta como veredicto, que lo partan en dos y entreguen una parte a cada mujer. Ante tan adversa resolución la verdadera madre decide donar su parte del niño a la otra mujer, para evitar que el cuchillo lo atraviese. El rey ante tal sacrificada actitud, se da cuenta que ella es la verdadera madre y decide entregarle a ésta, a su cría.
Temática abordada en UNA HISTORIA DE AMOR Y ESPERANZA: YAHUALLI sólo que en dicho caso el juez del pueblo le entregará a la madre adoptiva al pequeño, pues es quien muestra misericordia ante el veredicto de ser despedazado el pequeño.
La Compañía “Zapato Roto” y “HL Producciones” son las encargadas de presentar esta historia en donde se suma además el amor de una pareja, quienes se juran amor en el tiempo que estalla la guerra, ante la esperanza del pronto regreso del soldado.
Así surgen los personajes protagónicos de Emilia (madre adoptiva), su novio el soldado y, Natela, la madre legítima del pequeño Miguel, bajo la adaptación la dramaturgia y la dirección escénica por parte de Verónica Albarrán.
-La obra se sitúa entre las ruinas de una guerra, ahí se reúnen los habitantes de dos pueblos vecinos con la intención de resolver la disputa por un territorio que cada cual reclama como suyo. ¿De quien es la tierra? Para reflexionar sobre este asunto y darle fin al conflicto sin que haya pleito, representan una obra teatral sobre la historia de dos mujeres que reclaman al mismo niño como su hijo; Natela –la madre biológica- pierde al pequeño tras de huir fatídicamente de la guerra. Emiia –una joven trabajadora doméstica- lo recoge para criarlo como si fuera su propia madre. ¿De quién es el niño?- (La difusora)
Este enfrentamiento gestado a partir del conflicto bélico, es recreado con una serie de movimiento coreográficos y una vestimenta que inicialmente es totalmente adosada en negro, para posteriormente dar cabida a un vestuario colorido que insinúa la pradera mexicana, aunada por cantos a capela, de música tradicional, que solamente es acompañada ocasionalmente con los golpes rítmicos de un tambor.
Puesta en escena emotiva, protagonizada por un grupo de jóvenes entusiastas, formado por Ana Sofía Velarde, Salma Ramos, Rafa Laja, Hibert Lara, y Héctor López, quienes inicialmente reciben a su público de manera muy cálida y efusiva, obsequiándoles un tarrito de café de olla entre aplausos y, despidiéndose del mismo ,al finalizar la puesta en escena en la puerta del mismo foro.
UNA HISTORIA DE AMOR Y ESPERANZA Usted la podrá ver en compañía de toda su familia, en el Foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico, en días sábados y domingos a las 13:00 horas hasta el día 28 de agosto.