ALETEO
POR: Dalia De León Adams
Es la segunda ocasión en que visualizo al inicio de una puesta en escena,
movimientos constantes unánimes por parte de todo el reparto estelar, sin esbozar
palabra alguna.
Aparentemente parecieran un tanto ilógicos o sin fundamento escénico; empero en
ésta ocasión se da inicio justamente con el traslado de cada uno de los actores
rumbo a distintos puntos del escenario, justamente parodiando los movimientos
que registra la tierra durante cualquier terremoto o temblor, al ajustarse las capas
subterráneas con el movimiento terráqueo que las troza y reacomoda.
Empero éste montaje escénico va mucho más allá de presentar un simple sismo,
abordando a la vez una parte mitológica, como según se puede entender en el
siguiente párrafo escrito a colación en la cartelera teatral:
-Aleteo es una obra teatral que busca establecer una narrativa posible para el
mito ancestral que asocia los movimientos de la tierra con el rugido del jaguar.
La pieza -al igual que los relatos que escalan hasta lo mitológico- pretende una
conversación sobre la causalidad de aquello que nos determina y que, en
ocasiones, la razón humana no basta para comprender.-
Sin embargo se tiene como referente de la obra, la Ciudad de México, entrando casi
a la década de los 20’s, en donde una científica en base a sus investigaciones, dará
parte a las autoridades gubernamentales de un posible terremoto que de suceder,
cobraría la vida de muchos habitantes de la urbe.
Temática que dentro de la historia de ficción a abordar, dará pie a diversas
reacciones por parte la autoridad responsable. Junto a dicho personaje aparecen, la
científica, una ingeniero y un asistente del mismo rublo laboral, y una periodista.
Todos ellos actuando con el apoyo de la música en viva en donde suena una batería
y una mezcladora de sonidos, que otorgan mayor efecto al drama a presentar.
Dentro de la dramaturgia, algunos puestos laborales se verán en juego, acorde con
las resoluciones que se lleven a cabo por parte de los personajes, persuadidos por
la resolución mayoritaria del público y, qué su autor, el inminente dramaturgo
David Gaitán en base a su texto hará participe en cuanto al rumbo que deberá
seguir la trama.
Pero ¿quién es David Gaitán? Si aún Usted no lo sabe, le diré que es un importante
escritor, director, profesor y humanista mexicano, que además funge como
director escénico en su propio espacio teatral.
La dirección del montaje se encuentra a cargo de Isabel Toledo, quien logra el
cometido de ésta peculiar puesta en escena, en donde la historia puede dar giros
significativos en el desenlace de la trama.
Por otro lado la escenografía propuesta en un mismo cuadro y tiempo escénico es
abundante y movible, lo cual hace más interesante la propuesta escenográfica y un
tanto más atractiva visualmente, para el espectador.
El elenco estelar esta compuesto por Zabbi Blanco, Estefanía Estrada, Carlos Matus,
Olivia Lagunas, Nara Pech, Adriana Reséndiz y Edwin Tovar; todos ellos actores
estables de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), compañía que la produce
conjuntamente con el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).
ALETEO se presenta en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque con
funciones de jueves a domingos que concluirán el 11 de julio del presente año en
curso 2023.
CANGREJO Y YO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
CANGREJO Y YO
-Parodia interestelar sobre seres medios vivos o muertos-
Así es como se anuncia ésta puesta en escena; obra unipersonal presentada por la
Compañía “Lo Tres Pies de Gato y Punto de Ebullición” escrita y dirigida por
Andrómeda Mejía, que se presentó el día de ayer sábado 17 de julio, en el 4º
Espacio Alternativo, como parte de una serie de Monólogos en el Centro Cultural
Helénico, programados conjuntamente en montar, junto con La Universidad
Autónoma Metropolitana (UAM) y la Sociedad General de Escritores
La trama esta escrita con un dejo surrealista, en donde todo es posible. Así una
joven en aras de perder la salud y tal vez su vida, de pronto se ve inmersa en un
mundo de experiencias extrasensoriales.
Tras de padecer cáncer, el personaje protagónico hace un recuento de
experiencias vividas en las cuales lo real se entremezcla con lo onírico o irreal , en
un mundo que va más allá de lo cotidiano, sumergiéndose en la reflexión casi
mágica que la llevará a enfrentar y vivir de otro modo su sobrevivencia.
Por supuesto qué dicho animalito de cuya frase popularmente reza “su gran
inmortalidad del cangrejo” llevará de la mano al personaje protagónico rumbo a un
viaje al universo sideral.
Así de manera no tan metafórica Cangrejo retoma vida, en éste montaje escénico
en el cual tal crustáceo, lleva consigo una consigna a seguir para la joven
intérprete, vibrar la vida de un modo diferente y positivo.
Todo ello forma parte del texto, solamente que matizado con un cierto humorismo
negro que arranca las carcajadas del espectador, quien goza de ésta parodia la cual
tiene como apoyo un trasfondo musical que logra avivar las escenas a representar.
Musicalización en vivo a cargo de Gregorio Villegas.
En un sólo tiempo y cuadro escénico colorido, cuyos objetos de tramoya aparecen
en él y que la actriz poco a poco va utilizándolos conjuntamente con el apoyo
multimedia, sugiriendo con ello diferentes tiempos, lugares y experiencias vividas,
en ésta dramaturgia peculiar.
-“Luego de una relación co-dependiente, Cangrejo ha sido echado de casa al
intentar una relación co-dependiente. Sin tener a donde ir, su única esperanza
es encontrar ese lugar en el cielo donde los de su especie se vuelven inmortales,
y sin más futuro que ser comido en un bufete mediocre de mariscos, su única
esperanza, es encontrar un lugar del que le hablaron
Al mismo tiempo aquella mujer que lo albergó por tanto tiempo echa un
vistazo atrás para descubrir qué fue lo que pasó durante su relación con
Cangrejo, en la que perdió su cabello, su salud y sus ilusiones. ¿Serán que
podrán reencontrarse y finalmente, mirarse de frente? Y si lo hacen ¿Podrán
perdonarse y seguir cada uno con sus vidas? (nota del boletín de prensa y de la
cartelera )
Obra cuya idea original surgiera de la actriz Georgina Arriola, cuyo rol protagónico
interpreta al actuar con gracia y soltura, mostrando de dicho modo, naturalidad y
dotes histriónicos.
Ella se presentó bajo la dirección artística de Andrómeda Mejía, quien es la
dramaturga de la obra CANGREJO Y YO, teniendo a cargo la escenografía,
iluminación y proyecciones de Edgar Mora, el diseño audiovisual de Belén
Valenzuela y el diseño de vestuario y utilería de Azucena Galicia.
Inicialmente ésta puesta en escena fue montada en la Ciudad de Celaya,
Guanajuato, presentándose por dos únicas ocasiones, para posteriormente ser
representada en nuestra ciudad, como parte del Proyecto surgido del “Programa
Creadores Escénicos 2020-2021 del Fondo de Cultura Nacional para la Cultura y
las Artes (FONCA).
También fue escenificada en el Teatro “La Capilla” y ya tienen en puerta
presentarse en El Teatro de la Paz, y en el foro del Teatro Víctor Hugo Rascón
Banda.
EL VELORIO DE MI MADRE
POR: Dalia De León Adams
LA OBRA QUE DIGNIFICA A LA COMUNIDAD GAY
El velorio de mi madre” es una obra escrita y protagonizada por Alan Blasco,
dirigida por Salomón Mondragón, en la música está JC Taylor.
Así es como se refiere la compañía difusora a ésta puesta en escena presentada en
formato de monólogo, que interpreta el mismo Alan Blasco, como suele suceder
generalmente con las dramaturgias que él mismo escribe y caracteriza, a las cuales
logra interpretar, matizándolas con un dejo de sensibilidad artística.
Alan Blasco comenzó a escribir a partir de tan sólo 10 años de edad en un taller
informal, aún cuando lo consideraba como sólo un juego. Posteriormente
alrededor de los 15 años fue cuando inició sus estudios actorales más en forma, en
Xalapa, Veracruz y asegura que tan sólo tras diez o veinte minutos de haber
ingresado, de inmediato supo que ya no habría marcha atrás.
Su espectáculo unipersonal además cuenta con un músico en vivo llamado JC
Taylor, quien toca principalmente la guitarra eléctrica en vivo. Él realzó sus
estudios en el instituto de la Sala Ollin Yoliztli y asegura que ha contado con
grandes mentores como lo son Juan Pablo Villa, Léica Machán, Guillermo Briseño,
Betsy Pecanins y el grupo Té Rock. Él utiliza varios instrumentos mediante los
cuales logra una mezcolanza musical a partir de una máquina a partir de la cual
ejecuta y producir música del género blupping.
A manera de sumario, se puede leer con respecto a la parte medular de la obra la
siguiente consideración textual, por parte de la compañía difusora la cual se
expresa de la siguiente manera:
-La compañía AB producciones aborda la historia de una actriz y cantante
trans que estando al borde del suicidio se entera de la muerte de su madre,
cuyo último deseo es ser enterrada en su pueblo de Veracruz, donde ella es
recordada aún como hombre.
TXT
-Si tuviera 50, 70 o 90 años nunca se está lista para perder una madre, el
desamparo se siente igual a cualquier edad, pero así me lo pregunten en 100
años, mi madre nunca habrá muerto para mi porque siempre habitará y vivirá
en mi recuerdo. (palabras del personaje protagónico Babilonia la Grande dentro
del texto).
EL VELORIO DE MI MADRE consiste en un montaje escénico que desnuda el alma
de su personaje, quien recuerda a su madre Doña Tere, con gran amor, admiración
y con la devoción de un hijo prodigo, quien vuelve a su pueblo cafetero llamado
Tlahuaca, ya en condición de una mujer glamorosa, exitosa y empoderada.
En su tierra se encontrará con sus familiares, vecinos, conocidos, e incluso
funcionarios públicos, así como por supuesto con sus fans, quienes acudirán al
duelo para dar el último adiós, a su madre.
EL VELORIO DE MI MADRE es un montaje escénico logrado en un solo acto y
cuadro escénico, dentro del cual Alan Blasco canta e interpreta a su personaje
desgarrándose de dolor e incluso mostrando otros sentimientos encontrados, que
surgen como un grito de su alma, en el duelo de su madre recién fallecida.
La puesta en escena busca ser una experiencia inmersiva, con música de
guitarra, donde el espectador pueda sentirse en un ambiente intimo y
disfrutar del café o de un buen trago.
EL VELORIO DE MI MADRE se presentará hasta el día 2 de julio en uno de los foros
de El Circulo Teatral bajo la dirección escénica de Salomón Mondragón, quien
opina respecto a la narrativa de éste drama que mediante la historia se representa
a UN PERSONAJE FASCINANTE QUE MERECE SER ESCUCHADO.
LA FIESTA
POR: Dalia De León Adams
LA FUESTA será nuevamente representada en escenario mexicano, y digo esto
pues en 1996, bajo la producción de Morris Gilbert ya había pisado escenario en
nuestro país, tras del éxito obtenido en la Unión Americana-
Cesar Rivero y “Mejor Teatro” presentarán la obra gay LA FIESTA, a partir del día
29 de junio, según se aseguró en una rueda de prensa efectuada para tal efecto, así
como para hablar de los pormenores y presentar al reparto que conformará la
obra y a sus directores escénicos.
Se comentó que LA FIESTA es una dramaturgia que fue escrita en los años 90’s por
el dramaturgo norteamericano David Dillon, la cual en breve tiempo será
representada en Marketeatro, contando con la dirección escénica del Señor
Gerardo González, en co-dirección asociada con Guillermo Navarro y por supuesto
producida por “Mejor Teatro”.
Solamente que como el mismo Morris Gilbert lo hizo saber, nos encontramos con la
sorpresa de que en ésta ocasión él no la producirá, decidiendo dar paso a nuevos
valores, como es el caso de Cesar Rivero, quien asumirá la producción de ésta
puesta en escena.
Pero no imagine que será un productor amateur, pues cuenta ya con la experiencia
que le ha brindado el laborar junto con Morris Gilbert, trabajando ambos
conjuntamente en el mismo rublo artístico, aunque cada uno se había estado
desempeñado en una distinto rublo dentro de la Compañía productora Mejor
Teatro.
Y empero a que las situaciones han ido cambiando en cuanto a cómo se ha ido
relacionado la comunidad Gay, su director escénico Gerardo Gonzáles decidió
apostar, dejando como referente de la obra, la época de los 90?s en la cual fuera
escrita y representada por primera ocasión.
Le comento que cuando se estrenó en la Ciudad de Chicago, de los Estados Unidos
de Norteamérica, se había programado para tan sólo ser representada durante
cinco semanas.
Sin embargo, tras de colocarse en el gusto de un público numeroso, el montaje fue
puesto en escena durante más de dos largos años, pasando a escenificarse en el
Teatro Douglas Firnamks, en Broadway.
Fue el momento en el cual también cruzó nuestra frontera, tras la decisión del
Señor Morris Gilbert, quien apostó por representarla en nuestro país, pese a que
en aquel entonces la temática Gay a abordar, aún no había sido tan bien asimilada
en nuestra sociedad aún mayoritariamente homofóbica.
Pero sorpresivamente también constituyó otro de los aciertos del tan importante
productor Morris Gilbert, pues lograría cubrir 400 representaciones, que suena
una cifra fácil, pero que en el medio teatral, es bastante numerosa.
Acerca de ésta nueva puesta en escena, la compañía difusora presentó la siguiente
información, la cual por cierto, también fue corroborada por los integrantes
creativos y artísticos de la ya próxima puesta en escena de LA FIESTA:
LA FIESTA cuenta con el trabajo de una decena de intérpretes alterando
funciones que, amén de su calidad, cuentan con un físico impresionante, tal y
como lo estipula el autor. Cabe apuntar que éstos 10 actores fueron
seleccionados de cerca de 250 aspirantes que se sometieron al largo proceso
de audiciones.-
Ellos son Luis Orozco, David Ortega, Miguel Salas, Lalo Arredondo, Rodrigo Cuevas,
John Germán, Alex Mont, Oscar Ugalde, Diego Tenorio, y Dan Cervantes. Jóvenes
atractivos los cuales empero debieron demostrar perseverancia, entereza,
fortaleza, buen físico, pero sobre todo, talento histriónico, tras de una pruebas de
convivencia y arduo trabajo actoral, que suplió al acostumbrado casting, según
aseguró su director escénico, Gerardo González.
Como su título lo anticipa, LA FIESTA sucede durante la reunión habitual que
organizara un grupo de amigos en la que para divertirse siempre tienen una
actividad distinta. En ésta ocasión todos aceptan participar en un juego de
mesa que incluye 25 cartas divididas en cuatro “singulares” grupos que
incluyen preguntas indiscretas que los obligarán a confesar sus más
recónditos secretos o los orillará a irse quintando prendas de vestir hasta
quedar enteramente desnudos.- (nota de la compañía difusora)
Todo apunta a que promete ser una comedia un tanto picante, en donde hay
atractivo visual e incluso desnudos artísticos; empero se dijo que el objetivo es
relajar y hacer reír al público, con una narrativa un tanto atrevida o irreverente,
para algunos.
Y como opinara la compañía teatral, se pretende que dicha producción logre el
siguiente cometido:
-LA FIESTA, la comedia gay de los 90’s llegará a divertir, conmover,
sorprender, enloquecer y por supuesto, escandalizar nuevamente a la Ciudad
de México en las próximas semanas.-
LA FISTA se presentará en Marketeatro a partir del próximo 29 de junio del año en
curso 2023.
LOS MONÓLOGOS DE LA VAGINA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
MONÓLOGOS DE LA VAGINA constituye una puesta en escena de las más vistas y
normadas por la prensa, en la actualidad, y como siempre Morris Gilbert y Mejor
Teatro en mira de constantes innovaciones y sorpresas es que el día de ayer 13 de
junio presentó una función para los medios e invitados de lo que constituye el
proyecto renovado de éste compendio de monólogos, el cual tendrá tan sólo 4
funciones con el elenco estelar especial y la promesa de ser ¡REFORZADA,
LUBRICADA Y AUMENTADA! Pero con TIEMPO LIMITADO
Y como Usted bien sabe MONÓLOGOS DE LA VAGINA ha logrado permanecer
durante mucho tiempo en cartelera teatral, por lo que en ocasiones nos hemos
preguntado ¿qué es lo que hace que una obra teatral resulte exitosa? o bien, llegue
a colocarse en el agrado del público en general. Al parecer no hay una respuesta
precisa, ni mucho meno un formulario.
Podríamos detectar que en ocasiones no basta con una buena dramaturgia o texto,
o de grandes actuaciones, ni quizás de excelentes escenografías o elementos
creativos que se pudieran ir sumando. Se debe más probablemente a una buena
producción, como lo ha ido demostrado el Señor Morris Gilbert, en la mayor parte
de sus montajes teatrales que logra mantener en cartelera comúnmente, durante
largos periodos.
Sin embargo, en el caso de ésta obra original de la escritora feminista
estadounidense Eve Ensier, quien dicho sea de paso escribiera su primera edición
en formato de libro físico en 1996, ha logrado expandir su éxito en el medio teatral
quedándose internacional, convirtiéndose en una obra icónica.
LOS MONÓLOGOS DE LA VAGINA además se ha convertido en el parte-aguas de
varios movimientos en contra de la violencia de género, que actualmente poco a
poco va cobrando más fuerza, como es el caso de VDAY.
Pero en concreto, el montaje escénico de ésta obra teatral en México, como es bien
sabido por muchos, ha estado durante varios años representada a cargo de el
afamado productor teatral Morris Gilbert, quien el día de ayer martes 13 de junio
del año en curso 2023 la presentó, pero en ésta ocasión con miras de convertirla en
4 funciones únicas y excepcionales, reforzada, lubricada y aumentada, a juicio
de él mismo.
Para tal efecto se presentaron en el escenario Susana Zabaleta, Sophie Alexander
Katz y Elisabetha Gruener, tres talentosas interpretes, quienes hicieron un gran
papel al caracterizar a diferentes mujeres que han sufrido de abuso sexual, o de
agresión física al ser mutiladas en sus genitales por sociedades retrógradas en
algunas partes de Asia y África, a mujeres rechazadas por sus parejas
sentimentales, o despreciadas por su condición de género, mancilladas, con filtros
psicológicos en contraposición a lo que debe ser la auto-aceptación y por supuesto,
a mujeres lésbicas.
Dentro de la narrativa incluso se da un breviario “por así llamarlo” acerca de la
vagina y de las distintas maneras de nominarla tanto en un argot popular, como en
diversas comunidades latinas.
Puesta en escena controversial que implícitamente invita al genero femenino a
verse, aceptarse, tocarse sin miedo y sentir placer, más allá de los cánones
establecidos por las distintas comunidades.
La puesta en escena de MONÓLGOS DE LA VAGINA con Mejor Teatro y Morris
Gilbert ha llegado a obtener la titánica suma de más de las 8 MIL representaciones,
albergándose en distintos foros de la República Mexicana y de la Ciudad de México,
siendo en ésta última ocasión, el Nuevo Teatro Libanés.
Le comentaré qué MONÓLOGOS DE LA VAGINA el año pasado ya habían excedido
los 25 años del día V y una década de Un billón de pie” según testimoniara la misma
empresa productora, la cual en aquel momento formara parte del proyecto VDAY.
Y para comprender el párrafo anterior, tal vez se debe tener en consideración qué
“VDAY” se postuló como una organización a nivel mundial e Pro del feminismo y el
respeto a la identidad.
En algunas páginas informativas se podía leer lo siguiente al respecto a dicha
organización:
-VDAY es un catalizador que promueve eventos creativos para aumentar el
conocimiento y recaudar fondos para revitalizar el espíritu de organizaciones
antiviolencia existentes. VDAY genera una atención más amplia sobre la lucha
para terminar la violencia contra mujeres y niñas, inclusive violaciones,
golpes, incesto, mutilación genital femenina y esclavitud sexual…
Es el movimiento que está creciendo a un ritmo rápido en todo el mundo y se
presenta en 90 países desde Europa, Asia, África al Caribe y todo Norte
América. (página ISSUU, en Google).
La compañía productora “Mejor Teatro” entonces se unió al proyecto, donando
para ello íntegramente todo el dinero recaudado en la función especial de LOS
MONÓLOGOS DE LA VAGINA que se llevó a cabo el “Día 14 de Febrero” a las 17:00
horas del año pasado, justo el Día del Amor y la Amistad.
La obra hoy en día sigue constituyendo todo un suceso y acierto de Mejor Teatro y
Morris Gilbert, la cual ha albergado a aproximadamente 150 actrices las cuales han
sido dirigidas por el Señor Jaime Matarredona durante el largo proceso de
representaciones.
De las últimas actrices que han estado participando en éste montaje escénico se
encuentran Andrea Legarreta, Yanett Arceo, Gloria Aura, Pilar Boliver, Susana
Moscatel, Diana Lein, Dalilah Polanco e Irasema Terrazas.
-MONÓLOGOS DE LA VAGINA es una obra con un alto contenido humano que
posee momentos profundamente emotivos. La trama recorre la sexualidad
femenina y su punto de partida fueron cerca de 200 entrevistas realizadas por
la autora norteamericana Eve Ensier, quien cuestionó a mujeres de diversas
nacionalidades . Ensier les hizo preguntas que abundaban en los temas más
íntimos de su vida. Las respuestas fueron una rica mezcla de edades, razas y
estratos sociales que dio las respuestas más inesperadas, divertidas y
punzantes. (nota en cartelera)
-LOS MONÓLOGOS DE LA VAGINA es una comedia que rompió tabúes e hizo
historia. Es una comedia sobre las mujeres y su sexualidad, los tabúes sociales,
la represión y la incultura sexual. La clave de su éxito es la intemporalidad.
(nota de una página WEB)
-LOS MONÓLOGOS DE LA VAGINA es una dramaturgia original de la
estadounidense Eve Ensier escrita en 1996 que ha dado vueltas al mundo,
descubriendo la mirada de mujeres violentadas a cuyas voces se han ido
sumando esfuerzos para ir logrando habitar un mundo mejor. (nota de
Internet)
Hoy en día la obra teatral MONÓLOGOS DE LA VAGINA en su versión especial, esta
programada en corta y renovada temporada de 4 funciones interpretada como a
priori he mencionado en los roles estelares por Elisabetha Gruener, Susana
Zabaleta y Sophie Alexander Katz, quienes se presentan en el Nuevo Teatro
Libanés de la Ciudad de México, bajo la producción “Mejor Teatro” y Morris Gilbert.
PROCESOS CREATIVOS EN EL CÓMIC Y EL FANZINE
POR: Dalia De León Adams
No hay duda de que dos grandes figuras de mujeres mexicanas son Idalia Candelas
y Ana Barreto. Dos personas que han desafiado sus limitantes femeninos en una
sociedad aún altamente machista en donde es difícil laborar o incursionar en
ciertos medios mayoritariamente integrado por los caballeros.
Es justo el caso de Ana Barreto e Idalia Candelas, quienes empero a todo han
abierto brecha en el medio del cómic y el fanzine. Debido a ello es que en el marco
de la exposición de “Relatos Gráficos”: Diálogos feministas que se llevó a cabo el
pasado 7 de junio del año en curso 2023, efectuándose un Conversatorio en la
Galería Manuel Felguérez de la Rectoría General de la UAM.
Pero comencemos por definir lo que se entiende por “fanzine”, por si aún Usted no
lo sabe:
-Revista de escasa tirada y distribución, hecha con pocos medios por
aficionados a temas como el cómic, la ciencia ficción, el cine, la música pop, etc.
Revista de escasa tirada y distribución, hecha con pocos medios por
aficionados a temas como el cómic, la ciencia ficción, el cine, la música pop, etc.
Los fanzines son publicaciones periodísticas o incluso no profesionales
producidas por seguidores de un fenómeno cultural particular, como puede ser
un género literario, musical o cualquier género artístico e incluso social.-
En ésta ocasión el Conversatorio se celebró con miras de indagar acerca de los
“Relatos Gráficos” desde el punto de vista de diálogos feministas, por lo cual fueron
invitadas a formar parte de éste Ana Barreto, Pionera del cómic en México, e Idalia
Candela quien es narradora visual y periodista gráfica, además d el Doctor Henri
Eric Hernández, jefe del Departamento de Artes Visuales de la Galería
Metropolitana, fungiendo como la presentadora en la mesa directiva, la
Coordinadora General de Difusión de la UAM, la Doctora Yissel Arce Padrón.
A colación, en el boletín de prensa se expresa la siguiente aseveración al respecto:
-¿Cómo establecer diálogos en la actualidad en torno a los feminismos? En ésta
exposición, a través de dos distintas propuestas visuales, la artista Idalia
Candela y Ana Barreto exploran algunas posibilidades que se anuncian por
fuera del canos academicista bajo el que suelen mirarse estos tópicos. Sin
embargo, sin dejar de interpretarlos, habilitan reflexiones heterogéneas sobre
las conexiones no siempre explícitas alrededor del arte, la política, lo político y
la insurgencias feministas. Las tensiones que se generan a partir de esos
cuestionamientos a los mandatos heteropatriarcales configuran acá las líneas
de un debate sobre el cual también se ha centrado el despliegue curatorial de
la muestra.
Mujeres de distintas generaciones , influencias creativas y zonas de acción,
Barreto y Candelas revisitan críticamente el discurso gráfico, uno que ha
tendido a ser habitado de forma protagónica por figuras masculinas.
Fue así como cada una de ellas hicieron mención de su propia experiencia tanto
laboral, como profesional, siendo Barretos a través del “cómic”, en tanto que
Candelas a partir del “fanzine”.
Ambas poseedoras de impresionantes curriculas vitae y de una experiencia laboral
que muestra su alto rendimiento, profesionalismo, valentía y amor a su labor, aún
cuando su camino arduo, fue difícil de andar.
¡FELICIDADES A AMBAS! por ser un ejemplo de la imagen femenina a seguir.
LA CASA DE ARIADNA
POR: Dalia De León Adams
-LA CASA DE ARIDNA. Universo hecho de tres puestas nacidas de la
intervención física y conceptual a la pieza transitable “Metro y Medio”, de Juan
Henríquez.
Así es como se expresa la compañía creativa bajo la producción de Evangelina
Sosa, acerca de ésta puesta en escena programada mediante el collage o
ensamblaje de tres piezas artísticas, las cuales, le comento son “Coincidencias”,
Rastros, y “La búsqueda”.
Pero, ¿qué se entiende por “Metro y Medio”? tal vez Usted aún se pregunte:
-En el punto más álgido de la pandemia por COVID_19 en México, nació la
instalación transitable Metro y Medio de Juan Carlos Henríquez, un laberinto
traslúcido que, tras ser recorrido , ofrecía a una persona la posibilidad de
encontrarse –de manera segura- con otra. Ese encuentro estaba mediado por
una membrana plástica que dejaba pasar la temperatura corporal; así que
quienes estaban, conocidos o no. Podían verse, tocarse y abrazarse.
(información para prensa mediante un boletín)
Pero volviendo al montaje escénico de LA CASA DE ARIADNA le diré que es un
espectáculo visual y auditivo que incluye danza, teatro y música a la vez. Ello bajo
la dirección escénica de Patricia Gutiérrez, Erica Méndez y Adriana Bautista
Jácome, quienes logran como resultado una exquisita puesta en escena, en base al
mito clásico griego de ARIDNA
-Ariadna es la hija del rey Minos y la apasionada Pasifae de Creta. Su padre
tenía en un laberinto al minotauro, a quien había que alimentar con gente .
Tras la muerte de su hijo Androgeo, Minos decidió atacar Atenas y además
lanzó una serie de maldiciones que provocaron que el territorio ateniense
sufriera.
El mito de Teseo y el hilo de Ariadna nos habla de una historia de amor que se
da entre seres fantásticos y hechos maravilloso. (nota en página WEB)
Por supuesto que el laberinto forma parte medular de ésta fábula, por lo cual es
escenificado dicho mítico lugar dentro de la obra en base a la colocación de
diversos muros plásticos muy transparentes, en varias de las partes que
conforman el escenario.
Con ello logran dar el efecto planeado para dicha apariencia laberíntica, aunada al
juego de luces mayormente tenues que aparece entre el humo o hielo seco
desplazado, que le brinda ese toque mítico griego a la obra.
La música y la coreografía logran junto con el vestuario, introducirnos al universo
de LA CASA DE ARIADNA, en donde actúa el destacado actor Roberto Sosa, junto
con otros talentosos artistas y bailarines, quienes son José Ortiz, Diego Martínez
Villa. Laura Ruiz Mondragón y Erika Méndez, fungiendo ésta última además, como
la directora escénica de la puesta en escena, junto con Patricia Gutiérrez y Adriana
Bautista Jácome.
LA CASA DE ARIADNA se presenta en El Centro de Exploración y Pensamiento
Crítico (CEX) de manera gratuita.
MR. BRIGHT
POR: Dalia De León Adams
Puesta en escena en un solo acto de un espectáculo unipersonal, en donde la
actuación se combina con el lenguaje multimedia fusionado en videos de apoyo
actoral para el personaje estelar, el cual se maneja en escena bajo un monólogo en
el que prácticamente el diálogo da evidencia a las supuestas respuestas de la
secretaria del muy nombrado MR. BRIGHT.
Y ¿quién es MR. BRIGHT? Le responderé que es casi un personaje “fantasmal” por
llamarlo de algún modo, que nos puede recordar al icónico personaje de Godot de
la obra del teatro del absurdo escrita por Samuel Becket en 1952, intitulada
Esperando a Godot (“En attendant Godot”, en francés), mediante el cual transcurre
la trama, pero el cual jamás aparece en el escenario.
Lo mismo sucede con MR. BRIGHT y sin embargo también en torno a él, transcurre
la tragicomedia, en donde la retórica figura de dicho personaje ausente, da cabida a
las situaciones a presentarse en la narrativa.
Un tanto irreverente, moderno, atrevido y manipulador es el personaje
protagónico de dicha mujer, interpretada maravillosamente por su dramaturga e
interprete, la actriz Mariana Hartasánchez quien en el texto, mediante el poder de
persuasión y argucia, trama una madeja de situaciones entre ficticias y reales para
lograr cometer un asesinato, con apariencia de formato cinematográfico.
Empero la trama se maneja bajo un estilo de humorismo negro que le diera
apariencia un tanto de comedia, sin embargo es un drama, en donde se pone en
evidencia la psiquis de un personaje perfilado con astucia e irreverencia para
armar todo lo que parece ser un juego escénico.
Al respecto de la sinopsis de la compañía difusora de ésta obra teatral, en boletín
de prensa se expone lo siguiente:
-La inquietante historia de este montaje ocurre en el México de 1953, año en el
que se le concedió a la mujer el derecho al voto. Una mujer, cuyo marido en
circunstancias sospechosas, va a la oficina de un encumbrado productor de
cine, MR. BRIGHT. Cuando llega al recinto, se topa con la noticia de que MR.
BRIGHT está de viaje. Por lo que no le será posible verlo. Ella engatusa
hábilmente a Tina, la asistente del productor para que le permita colarse en la
oficina de BRIGHT. Es ahí donde, frente a una cámara, herencia de su marido,
narra los desvaríos que decantó en papel. Lo que parece ser una visita
inofensiva se convierte en un crimen deliberado.-
MR. BRIGHT es presentado por la compañía “Sabandijas de Palacio” con el apoyo
de la secretaría de Cultura del Gobierno de México, El Instituto Nacional de Bellas
Artes y Literatura (INBAL) a través de la Coordinación Nacional de Teatro, en Co-
dirección con Frenado Flores, Mariana Hartasánchez e Ismael Gimate.
MR. BRIGHT se programó en breve temporada del 8 al 11 de junio del año en curso
2023, en el Teatro El Galeón, Abraham Oceransky, del Centro Cultural del Bosque
(CCB).
WILLMA
POR: Dalia De León Adams
La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, conjuntamente con el Instituto
Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) a través de la Coordinación Nacional
de Teatro (CNT) el día de ayer acaban de reestrenar la puesta en escena intitulada
WILMA.
WILMA consiste en un monólogo autobiográfico escrito, interpretado y dirigido
por la misma Itzhel Razo en donde mediante a la narrativa del personaje
protagónico, su abuela paterna tiene un lugar preponderante en el desarrollo de la
trama, difícil de comentar en cuanto a la trama a presentar.
Empero se puede decir que gira en torno a la breve historia acerca de su abuela
paterna, quien fuera según testimonia el personaje, fuera una mujer clasista y
racista, nacida en una región de la Unión Americana, quien contrajera nupcias con
un mexicano, teniendo por hijo al padre de la misma Itzhel Reza; mezcla de
realidad y un poco de ficción, que llevan a la actriz a presentar constantes sonidos
guturales , gritos y movimientos que simulan actos primitivos o chamánicos, en mi
opinión, pero que según expresara la misma dramaturga:
-“Expongo mi trabajo para intentar sanar heridas y que también sirva como
un espejo para que otros también puedan hacerlo, desde la identificación con
el personaje”.-
Y continuando con parte de la sinopsis de la obra, prontamente la familia cercana
de la autora, se alojarían en tierra maya en donde nacería, teniendo como madre a
una mujer oriunda del lugar; así es como ésta obra de manera muy ad-hoc se
matiza introduciendo algunos diálogos en lenguaje mayense a la usanza
peninsular, además de narrar algún pormenor de su nacimiento, como lo fuera un
defecto en los pies, que un chamán resolvería advirtiendo que ello, no cambiaría su
destino.
A partir de ese momento interpreta el fuerte huracán que azotaría la costa y qué
curiosamente llevaba el mismo nombre que su abuela, es decir WILMA, aludiendo
además a las diferencias existentes entre huracán, tifón, ciclón y torbellino.
Acerca del mismo fenómeno natural, se registra la siguiente información en una de
las páginas WEB:
-El huracán Wilma fue el vigésimo primer huracán de la temporada de
huracanes en el Atlántico de 2005.
Wilma fue el cuarto huracán de categoría 5 de la temporada que batió el
récord de las temporadas pasadas de 1960 y 1961.
Un huracán es un viento de fuerza extraordinaria que forma un torbellino y
gira en grandes círculos. El huracán suele originarse en las zonas tropicales…
destruyen pueblos enteros a su paso.-
Fotografía y videos son transmitidos tanto a través de una pantalla de aspecto telar
o plástica colocada en la parte central posterior del escenario, así como en el
cuerpo de la actriz protagónica.
Además cuelgan como parte de la escenografía largos listones o cuerdas que
apoyan a simular el huracán, y algunos objetos de utilería como lo son, una pecera
en donde se introduce la misma Itzhel Razo, un balde pequeño que contiene
colores en tonos vívidos que ella misma adhiere a su rostro y cuerpo.
Diseño escenográfico a cargo de Aurelio Palomino quien labora conjuntamente con
el juego de iluminación a cargo de Roberto Paredes y el audio de Rodrigo Castillo
Filomarino, bajo la producción ejecutiva de Andrea cruz Meléndez con la Compañía
“Porta Teatro”.
Finalmente le comentaré qué manera de resumen o sinopsis de éste peculiar
montaje escénico, la compañía difusora se expresó de la siguiente manera
mediante el boletín de prensa:
-WILMA es un monólogo autobiográfico dirigido y protagonizado por Itzhel
Razo, con una combinación de ficción, teatro, danza y cosmogonía maya. Este
espectáculo expresa de forma específica ese elitismo que existe dentro de la
sociedad yucateca, la discriminación, etnofobia y la rigidez entre lazos
familiares, definiendo un rumbo de vida aislado por el racismo y el clasismo
impuesto por la abuela.
Este montaje relata la catástrofe provocado por un huracán en Yucatán en
2005, devastando con todo a su paso y provocando grandes daños económicos.
WILMA una niña que creció como extranjera en su propia tierra. Aislada por el
racismo y clasismo impuesto por la abuela, quien le prohíbe aprender el maya
y juntarse con los maya hablantes, la protagonista se enfrentará a uno de los
peores huracanes de la historia e, incapaz de comunicarse con los demás,
intentará sobrevivir sin ayuda de otras personas.-
WILMA se presenta en el Teatro Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque
los fines de semana.
Regresa EL CONSULTORIO DE LA DOCTORA SPELLMAN
POR: Dalia De León Adams
No cabe duda de qué la actriz Teresa Selma se ha convertido en un ícono de la
actuación, especialmente en nuestro país. Su argucia para interpretar con gran
simpatía, desenvolvimiento e histrionismo actoral, es impresionante, además de
ser poseedora de una memoria privilegiada.
Teresa Ramos Aponte, conocida artísticamente como Teresa Selma, es una actriz
venezolana, nacionalizada mexicana, que incursiona tanto en teatro, como en cine,
y televisión, además de trabajar en doblajes de voz.
Cuenta ya con poco más de siete décadas de trayectoria artística. Teresa Selma
nació el 13 de agosto de 1930 en Puerto Piritu, Venezuela. Realizó sus estudios en
el Instituto Nacional de Bellas Artes, comenzando su carrera artística a partir de
1957.
En el medio cinematográfico ha actuado en rodajes como lo son “A la busca”, “Sólo
para ti”, “Llanto de una hija”, entre otras muchas más. En la televisión participó en
“Mujercitas”, María de todos los Ángeles”, “Ladrón de corazones”, “Las malcriadas”,
“La fruta amarga” y “La sustituta”. En realidad la lista de participaciones es
numerosa, sobre todo en el medio teatral.
A colación le comento qué por cuarta ocasión Teresa Selma ha interpretado el rol
estelar de la obra teatral EL CONSULTORIO DE LA DOCTORA SPELLMAN, en ésta
ocasión en el Circulo Teatral, en donde ya se había presentado, así como en El
Teatro de la Ciudad Esperanza Iris y en La Teatrería.
Hábil en la interpretación y talentosa Teresa Selma se muestra al asumir la
caracterización de LA DOCTORA SPELLMAN, personaje inteligente matizado con
gran profesionalismo, salido de la pluma de su talentoso dramaturgo, el Señor
Alberto Estrella, quien no precisa de ser presentado o referenciado, pues su
carrera artística como actor y director le han colocado en un lugar especial en el
medio actoral, apareciendo constantemente tanto en televisión, como en cine y,
por supuesto, en teatro, en donde además funge como profesor de su propio
instituto junto con el Seños Víctor Carpinteiro, con quien logró posesionar “El
Circulo Teatral”, como un lugar poli-cultural.
Pero volviendo a ésta simpática, novedosa y fresca puesta en escena de EL
CONSULTRIO DE LA DOCTORA SPELLMAN, le comento que es una dramaturgia
que precisa de cierto grado de investigación en el rublo psiquiátrico, que la ubica
como un texto perteneciente al género psicológico, que aborda diversos casos de
pacientes con problemas psicosomáticos.
La actriz Teresa Selma interpreta a todos los personajes, lográndolos matizar a
partir del cambio de la modulación de su voz, gesticulaciones, movimientos
corporales e incluso, cambio de discurso a partir de la narrativa que introduce
ocasionalmente argot, algunas frases en inglés y breve lenguaje con un contenido
altisonante.
Al finalizar la función que por cierto fue ovacionada con un caluroso y largo
aplauso durante el cual todo el público se puso de pie mostrando la admiración por
la actriz Teresa Selma y el éxito obtenido de éste montaje escénico, escrito como a-
priori he mencionado por el Señor Alberto Estrella, mismo quien hizo pasar al
escenario a tres mujeres reconocidas del medio artístico, quienes son la gran actriz
Patricia Spíndola, Daniela Castro y Rosa Gloria Chagoyán (Lola “La trailera”).
Puesta en escena en un solo acto y cuadro escenográfico que Usted no debería
perderse. El monólogo de EL CONSULTORIO DE LA DOCTORA SPELLMAN se
presenta en el Circulo Teatral, bajo la magnífica dirección escénica de Andrés Tena,
ofreciendo funciones los días miércoles a las 20:00 horas.
HOMENAJE A SALVADOR LÓPEZ LÓPEZ
POR: Dalia De León Adams
En el marco de los 102º Aniversario de “La Asociación Nacional de Charros”, del
70º Aniversario de la Fundación de Escaramuzas, se presentarán las charreadas
mediante las cuales se disputará “El Trofeo Nacional”.
Además se tuvo a bien celebrar a SAVADOR LÓPEZ LÓPEZ por su importante labor
como charro, director del Ballet Folklórico de México y, ex presidente de tan
importante asociación, quien asegurara ser el máximo promotor de nuestro país,
por dichos motivos.
Justo el evento se llevo a cabo el domingo 4 de junio 20223 en la sede de la
Charrería, es decir, “El Rancho del Charro” y cuya asociación, le comento, fue
fundada en el año 1921 en nuestra Ciudad de México, antes considerada el Distrito
Federal de la Nación.
Las actividades fueron planeadas para dar inicio el día 13 de mayo, cuyo cierre con
broche de oro es justamente el día de hoy, domingo 4 de junio, estando presentes
para tan importante ocasión algunos de los cadetes y directivos del Heroico
Colegio Militar.
La preparación del evento y de las actividades estuvieron planeadas por la Decana
y el Consejero Directivo de la Charrería, y bajo la tutoría del Señor Horacio Antonio
López Flores.
Le comentaré qué colación, con anticipación se llevó a cabo el 17 de mayo en el
Palacio de las Bellas Artes, una Rueda de Prensa para dar a conocer algunos
pormenores sobre dichos festejos; ocasión en la cual se realizó una presentación
especial del Ballet Folklórico de México.
Así fue como durante EL HOMENAJE A SALVADOR LÓPEZ LÓPEZ se presentó el
día de ayer, sábado 3 de junio, entre varios números más, la Feria de Escaramuzas
ejecutada en dos secciones, las cuales en total sumaron 30 (escaramuzas).
También formarían parte del evento las campeonas de “El Rancho El Herradero”,
además de 6 equipos de ex campeonas nacionales, así como competencia de
escaramuzas por parte de la Casa Coronelas, a quienes otorgaron algunas preseas.
Todas las concursantes portando hermosos y coloridos vestidos regionales y de
charras con los cuales realizaron algunas evoluciones muy arriesgadas de tipo
ecuestre, que hacían gala junto a los gallardos charros.
La presentación del “Ballet Teletón” bajo la dirección de Paola Albarrán de
Landeros, se consideró parte importante del evento. Finalmente estuvieron
presentes los Pialaderos por equipos denominado “Ing. Fernando Rodríguez
Guerrero”, competencias de charreadas (Tuxpan, Saltillo y Casa Nacional) y el
emocionante Jineteadero de Toros y Coleaderos por quipos denominado “Arq.
Javier Rojo Lugo” a quienes se le sumaron por supuesto, más charreadas a
presentar.
EN HORA BUENA A TODOS Y EN ESPECIAL ¡FELICIDADES AL SEÑOR SALVADOR
LÓPEZ LÓPEZ!
JAURÍA
POR: Dalia De León Adams
Mucho se ha cuestionado acerca de si el arte tiene alguna función social. La mayor
de las veces se piensa que se trata tan sólo un esparcimiento visual, sensorial o
emotivo. Pero dicha limitación que se le hiciese al arte, realmente hoy en día no
satisface a sus exigentes amantes o fans, por llamarlos de algún modo a todos
aquellos que aprecian dicha disciplina humana.
Muestra de que el arte también provoca, educa, conscientiza, muestra e incluso
debe de ser incluyente, es el caso entre otros de la compañía Teatral “La Te
Producciones”.
Así es como se ha ido encargando de obras de la magnitud de JAURÍA, la cual le
comentaré, fuera ovacionada en Madrid, España, durante el “XVI Premio Cultural
Contra la Violencia” en el año 2019 que programara el Ministerio de Igualdad, en
dicha ciudad europea.
En México se presentaría por primera ocasión con gran éxito, en el Teatro Lucerna,
del Centro Cultural Milán, lo cual hizo que la casa productora apostara por una
segunda puesta en escena, la cual dio inició el día de ayer, viernes 2 de junio del
año en curso 2023, en el Teatro Helénico.
Al finaliza el evento subieron al escenario todos los creativos del montaje escénico
de JAURÍA, así como los productores de Compañía Teatral “La Te” y los directores
escénicos e interpretes de otras obras teatrales, que ellos mismos se encuentran
produciendo actualmente.
Pero volviendo a la puesta en escena de JAURÍA, cuyo título por cierto es muy ad-
hoc con su contenido narrativo, le comentaré que la historia trata de un caso real
sucedido en la Ciudad de Pamplona, en donde una joven de 18 años de edad fue
abusada por varios jóvenes, a los cuales se les enjuició bajo el apelativo de “La
Manada”.
Por ello el título de la obra teatral resultó ser muy sui géneris. JAURÍA es una obra
casi documental con ciertos matices de ficción, en cuanto a la estructura del texto,
que detalla la mayor parte del conflicto generado ante la violación de dicha joven
madrileña, quien en un viaje sufriera incidente desdeñable.
La corte española por supuesto hizo su parte al indagar, entrevistar, cuestionar y
enjuiciar el caso, para obtener pruebas por ambas partes, representadas en el
juicio por abogados expertos.
El caso al parecer tras de darse a conocer mediante los noticieros, causarían la
indignación de gran parte de la gente, de tal modo que incluso al final del juicio,
con el fallo a favor de la chica, se llego a implementar cambios de leyes por
considerarse de índole machista u obsoletas.
JURÍA es una puesta en escena presentada es en un solo cuadro escénico, en donde
aparecen los actores rodeados de algunos objetos de utilería, que les sirve de
apoyo escénico en un espacio mayormente a medias luces y, cuyo juego o cambiose
iluminación en el escenario, resulta ser indispensable para las escenas a
representar.
Obra teatral escrita por el dramaturgo Jordi Casanovas, que tiene como referente la
Ciudad de Pamplona durante un festejo popular de “Los Sanfermines” acontecido
en el año 2016. Trama perteneciente al género de denuncia, además de ser
evidentemente documental, que la compañía difusora en el boletín expone a
colación con la siguiente información al respecto:
Para hablar de ésta propuesta escénica es importante hacer un recuento: el 7
de julio de 2016 un grupo de 5 hombres abusó sexualmente de una joven de 18
años. Los sujetos también grabaron toda la situación en video y luego se
marcharon tras robar el teléfono de la chica. El caso le dio la vuelta al mundo y
la conmoción no se hizo esperar, así como la re-victimización de la joven, la
violencia mediática y una serie de circunstancias que pusieron una vez más, en
evidencia, al entramado misógino que sostienen las estructuras sociales.
El juicio fue conocido popularmente como el caso de “La Manada”, debido al
nombre que los propios agresores se dieron en un grupo que compartía en
WhatsApp. (nota del boletín)
La obra teatral JAURÍA está dirigida por Angélica Rogel; bajo el diseño escénico y
de iluminación se encuentra Ingrid Sac; en el audio Lena Esquenazin; el vestuario
María Alemán Ceballos y en la coreografía Alan Uribe Villaruel.
El reparto estelar se encuentra formado por Ana Sofía Gatica, Eduardo Tanús,
Daniel bretón, Roberto Beck, Rodrigo Virago, Antonio Peña y David Calderón León,
éstos dos últimos alternando sus actuaciones. Todos ellos dando vida a dos
personajes diferentes que logran caracterizar con el cambio del vestuario, la
modulación de sus voces y, con movimientos corporales que se acoplan a la
interpretación de cada personaje por presentar.
JAURÍA de Jordi Casanovas. dramaturgia que impacta por saberse salida de hechos
reales; se presenta en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico, ofreciendo
funciones tan sólo planeadas hasta el próximo día 16 de julio del año en curso
2023, de viernes a domingos.
HABITOS OCULTOS
POR: Dalia De León Adams
HÁBITOS OCULTOS es la nueva puesta en escena tipo Cabaret que se presenta en el
Foro “Un Teatro”. Escrita por el dramaturgo Alejandro Figueroa, se presenta en
versión libre, bajo la dirección escénica de Oscar Olivier, teniendo como reparto
estelar a las actrices Gilda Valderrama y Beibi Benítez, junto con el actor Omar
Olivara.
Comedia chusca e irreverente, que tiene como temática a tratar la argucia de una
prostituta, quien en ciertas circunstancias se verá obligada a refugiarse en un
convento.
Plegada con frases de doble sentido y el uso de algunas palabras altisonantes, la
puesta en escena hace reír constantemente al público por la historieta en la cual se
pone de evidencia la ingenuidad de una Monja recluta, la astucia de una Dama de la
Noche y, el oportunismo de una de las figuras de gran reptación dentro del
convento.
-HABITOS OCULTOS aborda a historia de Deyanira, una prostituta que, tras
darle muerte a un hombre, acepta la ayuda de Sor Rita, una monja
profundamente devota y amante de Dios, y para ocultarse de la policía se
recluye temporalmente en el convento en que habita la Monja. De inmediato
conoce a la Madre Superiora, que es a la vista de las religiosas, la linterna que
las guía y procura en el camino para encontrar la paz absoluta e infinita.
Sin embargo, Deyanira, ya convertida en Sor Raymunda, rápidamente se da
cuenta de que no todo lo que brilla es oro, y que muchas veces sale más caro el
remedio que la enfermedad, pues el convento es todo menos el lugar de paz y
salvación que ella imaginaba.- (nota en cartelera)
El montaje escénico está programado para ser presentado en dos actos escénicos y
un cuadro escenográfico mediante el cual, gracias a diversos objetos de utilería, se
logra recrear el interior del convento, la oficina de la madre Superiora, la calle e
incluso un reclusorio.
El uso del vestuario en las escenas es trascendental, pues logra ambientar las
escenas a presentar. Por otro lado algunas canciones y música acorde con algunos
de los argumentos, se interpretan en el foro bajo un tono de teatro burlesque, sin
llegar a serlo propiamente, o no en sentido formal.
La trama contiene una narrativa en donde el lenguaje coloquial, logra
estructurarse en un sentido popular con doblez, que le otorga el carácter de
comedia a ésta puesta en escena en donde lo mundano está a flor de piel, e incluso
se llega hasta el extremo de desantificar lo religioso y lo divino.
HABITOS OCULTOS inició temporada el día de ayer jueves 1º de junio 2023 y se
tiene planeada la presentación de las funciones hasta el 22 de julio, solamente los
jueves.
MEDEALAND
POR: Dalia María Teresa De león Adams.
Puesta en escena icónica en donde MEDEA es transportada por la pluma de la
adaptadora del texto de Sara Stridsberg, con la dirección escénica de Esther André,
a la época contemporáneo.
Así la tragedia clásica de MEDEA, obra que como es bien sabido forma parte de la
tetralogía de la dedicada a la invasión griega, de pronto hurga en la modernidad,
dándole cierto giro interpretativo a la trama.
La obra es considera una de las joyas de la literatura universal. Escrita por
Eurípides MEDEA contó con su primera representación en el año 431 a.C. año,
momento por cierto le comento como dato curioso, en el cual se conmemoraba la
Olimpiada número 87 en Grecia.
MEDEA en ésta ocasión se presenta bajo la versión original de la dramaturga sueca
Sara Stridsberg, quien ubica éste drama en la cotidianidad actual, matizando la
reacción de MEDEA quien reacciona ante el despecho, de una manera irracional.
Por supuesto que el texto original de Eurípides sufre ciertas modificaciones que se
incluye en la nueva puesta en escena. Empero se respeta el formato básico de la
trama del texto clásico de MEDEA, es decir, la parte medular del drama es la
misma.
Con respecto al contenido de la dramaturgia, a manera de resumen o sinopsis es
que presenta el siguiente párrafo por escrito en una página WEB:
-Medea de Eurípides es una tragedia griega que relata el deseo de venganza y su
conclusión hacia su marido infiel. Jason ha abandonado a su esposa Medea, junto con
sus dos hijos. Él busca prosperar volviendo a casarse con Glauce, la hija de Creonte,
rey de Corinto; la ciudad griega donde se desarrolla la obra. (página WEB)
Ésta nueva versión de MEDEALAND incluye escenarios como un hospital, lapidas,
una tina en un baño, la estancia de una casa habitación, la sala de espera de una
clínica, el cuarto amatorio, entre otros cuadros más, que escenifican éste drama
controversial.
Se utiliza un lenguaje coloquial, en donde la frase de la promesa de NO dejarla
jamás, es repetitiva, en ésta tragedia desesperanzadora que aborda el desamor de
Jason, marido de MEDEA, como suele suceder en las relaciones de pareja, en las
cuales el amor e mantiene de manera efímera, sea el sexo que fuere.
La promesa será incumplida, tras el acuerdo de Jason por contraer matrimonio con
la hija de un hombre pudiente (Creonte) y adinerado de la localidad de Corinto;
situación que desencadenará sucesos totalmente funestos.
La tragedia de MEDEA, tiene un cierto paralelismo con el drama de una de las
leyendas mexicanas más emblemáticas, me refiero a la trama de “La Llorona”, en
donde la mujer cegada por la pasión, mata en venganza a sus hijos.
Aseveración que hago en el sentido en que ambas mujeres, tienen la peculiaridad
de amar a su pareja más allá de con su cuerpo y con su alma, al extremo de la
anulación de la razón, desatando por celos e impotencia ante la decisión tomada
por su hombre, una cadena de crímenes y desventuras.
Por otro lado, la diferencia entre la MEDEA de Eurípides, con respecto a la MEDEA
presentada en la versión de Sara Stridsberg es qué en la primera ( la de Eurípides)
se muestra como la víctima de las circunstancias y acorde al fallo premonitorio
dado por el Oráculo, en tanto que en la reciente versión de Stridsberg, es una mujer
totalmente empoderada, en aras de venganza.
Sin embargo la directora de ésta puesta en escena le da otro giro interpretativo al
drama de Eurípides:
-La maternidad es uno de los temas que Esther André aborda en MEDEALAND,
hecho que considera es sumamente violento y trae consigo cambios fisiológicos
y psicológicos, además es un mito del patriarcado el decir de que todas quieren
ser madre o deben serlo, así como el pensar que las mujeres que nos pueden
convertirse en madres se frustran, idea que por fortuna está cambiando
Hay que acabar con el patriarcado desde sus raíces. MEDEA no tiene nada
contra sus hijos, no los usa para vengarse del marido malvado que los
abandonó, no es una pequeña historia pasional ni esa nota roja n lo que han
querido convertir la grandeza de MEDEA, es una persona mucho más
inteligente, mucho más brillante, que no acepta la normalización de la
injusticia del mundo como la vivimos a diario muchos de nosotros, ella va
mucho más lejos, busca la justicia hasta sus últimas consecuencias.- (nota del
boletín de prensa)
Aseveración polémica por parte de Esther André, pero lo que es realmente cierto
es qué ella al dirigir el la obra juega con la temporalidad dándole un matiz de
paralelismo con el texto de Sara Stridsberg, logrando darle ese toque de
desventura a todo el tiempo escénico, presentando además un magnífico reparto
estelar conformado por Paula Watson, Clarissa Malheiros, Juan Carlos Remolina
Suárez, Elizabeth Pedroza, David Calderón León, Assira Abate y Tamara G. Cano.
La musicalización corre a cargo de Alfonso André, el diseño escenográfico y de
vestuario de Kristos Konstantellos, el video de Aldo Arriaga, la coreografía de
Mauricio Rico y el juego de iluminación de Patricia Gutiérrez.
No cabe duda qué la UNAN suele presentar obras teatrales de gran calidad, en
todos sus rublos. MEDEALAND se presenta en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz,
del Centro Cultural UNAM hasta el día 1º de julio 2023.
MATTEO RICCI
POR: Dalia De León Adams
Impactante puesta en escena que consta de casi tres horas de duración, mediante
la cual, diversos cuadros escenográficos (para ser precisos 14) muy bien planeados
con juegos constantes de objetos de utilería, maquillajes, máscaras, vestuarios y
presentaciones de piezas musicales a cargo de Philippe Amand que contienen
letras que ilustran la temática a tratar, se recrea éste vistoso y espléndido montaje
escénico.
Además cuenta con un programa multimedia que incluye constantes proyecciones
a través de distintas pantallas de diversas dimensiones, colocadas en varios de los
espacios del escenario.
Realmente el trabajo de todo el equipo creativo es impresionante y demuestra el
alto grado de profesionalismo en todos su rublos teatrales. La trama intercala dos
historia que tiene como temática central a los jesuitas.
Una de ellas con mayor escénico y temporal que tiene como género dramatúrgico
un corte biográfico, con una narrativa acerca de la retórica figura de quien fuera el
jesuita MATEO RICCI.
En tanto que la otra trama paralelamente a presentar, es acerca del duelo
acontecido a través de la masacre sucedida en nuestro tiempo, hacia la persona
varios sacerdotes jesuitas, en la Sierra Tarahumara.
Como complemento informativo del programa de mano se encuentra el siguiente
párrafo en cuestión:
-El Centro Nacional de las Artes(CENART) presenta a MATEO RICCI, una obra
dirigida por Jorge A. Vargas y Luis de Tavira en la que se cuenta la aventura de
un jesuita que se adentra en la China de la dinastía Ming y, a quien debemos
los fundamentos del estudio del idioma y cultura de dicho país…
-Las escenas de MATTEO RICCI misionero jesuita (1552-1619) recorren los
episodios de la aventura de un jesuita humanista al corazón de la China de los
Ming; la odisea marítima, los misioneros de oriente, los aprendizajes, la
superación del eurocentrismo, la universalidad de al ciencia, hasta alcanzar la
amistad de las culturas. (cita en programa de mano)
-Entendemos el mundo diferente, la experiencia del teatro nos oca diferente.
“No sólo eso, ahora sentimos que teníamos que hablar de la tragedia de los
asesinatos de los sacerdotes jesuitas en Cerocahui, Chihuahua, y reflexionar en
las lecciones que en la experiencia de Ricci nos dejó.
Acerca del jesuita RICCI se puede leer en Wikipedia de manera breve, lo siguiente:
MATTEO RICCI fue un misionero católico jesuita, matemático y cartógrafo
italiano, Es venerado en la Iglesia Católica, habiendo sido declarado Siervo de
Dios por el Papa Benedicto XVI, Su fiesta se celebra cada año el 11 de mayo.
El gran talento de los directores y dramaturgos Luis de Tavira y Jorge A. Vargas
como siempre se pone de manifiesto en ésta obra teatral en la cual actúan Esther
Orozco, Ricardo Leal, Rocío Leal, Héctor Holten, Alejandra Garduño, Andrés Weiss,
Patricia Yáñez, Adrián Aguirre, Valentín Manzini y David Martínez Zambrano, junto
con e músico en escena Jesús Cuevas.
MATTEO RICCI se presenta en El Teatro de las Artes, del Centro Nacional de las
Artes (CENART) de miércoles a domingos hasta el día 11 de junio del año en curso
2023.
(ESC)AFANDRA
POR: Dalia De León Adams
Espectáculo para toda la familia que presenta diversas disciplinas artísticas como
lo son la dramaturgia, la danza, música, canto y acrobacias. (ESC)AFANDRA Se
encuentra dirigido por ello por tres diversas direcciones escénicas, las cuales están
a cargo de Leonardo Beltrán y Patricia Marín, quienes logran un muy buen trabajo
multidisciplinar con los artistas que presentan.
La dramaturgia contiene un texto en donde se da cabida a una sirena, buzos
marinos, piratas, un capitán de barco, un coral, una medusa e incluso a un tiburón
con voz de tenor, quien interpreta nada menos que la partitura de “Ríe Payaso”
(que interpretara Caruso entre otros afamados tenores ). La partitura intitulada
Pagliacci (Payasos) es un drama en un prólogo y dos actos con música y libreto de
Ruggero Leoncavallo (Nápoles, 1857 – Montecatini Terme, 1919). Ópera que
sobresale en la puesta en escena.
Obra teatral presentada en formato teatral infantil, mediante la cual el espectador
goza además de varias piezas de música clásicas, aunadas a la danza clásica,
además de números acrobáticos muy aplaudidos por la audiencia y, por supuesto
de una amena historieta.
En ella se tiene como temática medular el no distinguir al ser humano por ninguna
aparente diferencia entre las especies marinas, pero que llevan como consigna para
el público el no hacer diferencias de ninguna especie entre humanos (racial, social,
económico, por incapacidad, fealdad, etcétera).
Así por ejemplo, el gallardo capitán del barco marino cae enamoradísimo de una
medusa, por la cual sufre, aún sabiendo que su amor es casi imposible, a
consideración de un amigo, quien forma parte de los marinos del barco que el
comanda.
El amor es otro de los elementos a tratar, aún cuando no tiene demasiado peso
escénico, pues el objetivo de éste montaje es tan sólo el divertimento infantil, por
lo cual incluso se les invita a los chiquitines a subir al escenario a bailar con los
artistas.
(ESC)AFANDRA resulta ser una hermosa puesta en escena en donde el arte está a
flor de piel, la cual desgraciadamente ya se encuentra en sus últimas
presentaciones.
Tiene como elenco estelar a los artistas Sergio Vázquez, Tlahui Meza, Patricia
Marín, Yuridia Ortega y Leonardo Beltrán, interpretando la mayor parte de ellos a
diversos personajes de manera muy versátil.
En cartelera se puede leer al respecto a la temática a tratar con respecto a ésta
obra teatral infantil, y que se ofrece a manera de Sinopsis para el público, el
siguiente párrafo:
Espectáculo que reúne teatro, ballet, ópera, danza y circo para contar la
travesía submarina de un pequeño niño y sus amigos la sirena, el coral, la
ballena y el pirata, quienes le ayudarán a ver que la luz del interior alumbra
hasta la oscuridad de las profundidades oceánicas y a entender que el
verdadero tesoro radica en el respeto a la diversidad.
(ESC)AFANDRA se presenta los días domingos en doble horario de las 11:00 y
13:00 horas en el Teatro XOLA, Julio Prieto.
GANADORES DEL
XV Concurso Nacional e Internacional de Dramaturgia
POR: Dalia De León Adams
Como cada año la Agrupación de Periodistas Teatrales (APT) tiene a bien celebrar
anualmente un concurso otorgando preseas en todos los rublos, para galardonar a
los más reconocidos creadores del medio actoral teatral.
En ésta ocasión los seleccionados como Ganadores del XV Concurso Nacional e
Internacional de Dramaturgia del premio “Víctor Hugo Rascón Banda” como
Primero y Segundo lugar correspondiente al presenta año 2023, según informó la
misma Agrupación de Periodistas Teatrales (APT) son:
Primer Lugar la obra ¡ Conquista!, Seudónimo Xólotl, cuyo autor es José Miguel
Sabido Ruisánchez
Segundo Lugar: La obra titulada “Sólo en el desierto”, Pseudónimo: Barlovento, del
autor Vicente Ferrer.
Para tal efecto el Jurado estuvo conformado por grandes conocedores del Arte
Escénico, estando en calidad de Presidente del jurado el Sr. Humberto
Morales, Vicepresidente APT; también el Señor Arturo
Amaro, (Director Teatral y Dramaturgo); finalmente por el también Director
Teatral y Dramaturgo, el Señor Donnovan Santos.
Le comentaré qué las bases por las cuales estuvo sustentado el evento de selección,
fueron como ya es bien sabido, y que fuera confirmado por el Director General de
La Asociación de Periodistas Teatrales, el Licenciado Benjamín Bernal han sido
como indicó de manera textual:
Premio: estatuilla o diploma que se les entregará en nuestra siguiente
premiación, sea presencial o virtual.
Se le apoyará con el teatro, tienen seis meses contados a partir de esta
publicación de ganadores, para llevarla a escena.
No incluye impuestos, trámite ante la Alcaldía, producción, escenografía,
vestuario, ni elenco.
El tema, género, tratamiento y la extensión de la obra son libres.
El teatro será determinado por convenios de colaboración entre cada teatro y
la APT.
La obra participante podrá haber sido llevada a escena.
Será admitida toda obra enviada en español, de cualquier país.
Cualquier tema o duda adicional será resuelta por el comité organizador.
Una vez más felicitamos a los ganadores.-
¡FELICIDADES A LOS GANADORES 2023!
EL AHOGADO MÁS HERMOSO DE ESTE MUNDO.
POR : Dalia María Teresa De León Adams.
En el Foro Shakespeare el día de ayer dio inicio la puesta en escena denominada EL
AHOGADO MÁS HERMOSO DE ÉSTE MUNDO, inspirada en una de las obras del
controversial escritor Gabriel García Márquez
Cuento original del afamado escritor colombiano Gabriel García Márquez nacido en
Aracataca, Magdalena en 1927-2014, reconocido internacionalmente por ser
poseedor del Premio Nobel de literatura. Su cuento EL AHOGADO MÁS HERMOSO
DE ÉSTE MUNDO fue escrito en 1968, y se estrenó en la Sala Novo apenas la
semana pasada.
Mediante el arte escénico algunas situaciones cotidianas regionales y el papel de la
mujer en éstas zonas son expresadas a través de la narrativa del cuento
costumbrista de Márquez con gran maestría.
Empero el texto en ésta reciente puesta en escena contiene nuevos elementos
integrados en la adaptación de la joven compañía teatral.
La historia narra que tres niños residentes de un pueblo costero constituido por
apenas una veintena de casas de madera, un día como cualquier otro, tras de estar
jugado encuentran en la playa a un hombre muerto cubierto de coraza de rémora y
lodo.
La trama es una exquisitez, en el sentido que a partir de la descripción de algunos
elementos étnico-culturales nos adentra en el mundo de un pequeño pueblo
costero en donde las costumbres son ventiladas con la fragancia que guardan las
pequeñas provincias sudamericanas.
Ello hace de ésta puesta en escena una obra perteneciente al género costumbrista
en donde no podía faltar el atavío de algún traje regional y la modulación de la voz
al estilo costeño por parte de los actores, para otorgarle a éste montaje escénico,
un toque de credibilidad.
Desde el inicio hasta el final de la obra, los actores fueron haciendo partícipe a los
espectadores mediante algunas preguntas y otros recursos escénicos, en donde a
todos nos fueron obsequiados unos bellos crisantemos y frasquitos para producir
burbujitas en el escenario, causando un efecto agradable e intimo con los
pequeñitos junto con el público adulto, brindando dulces a la salida de la función.
Montaje escénico en el cual se presentan los actores Alonso Caballero, Miranda
Labardini y Fernando Reyes, bajo la dirección y adaptación del texto por parte de
Carlo Montes de Oca.
EL MUERTO MÁS HERMOSO DE ÉSTE MUNDO cuya consigna a manera de
cuestionamiento es: -“Puede un muerto inspirar y cambian a una sociedad
entera? Se presenta en el Foro Shakespeare a cargo de Ataraxia Producciones y la
Compañía Zapato Roto, con funciones los días domingos a las 13:00 horas, hasta el
25 de junio.
LAVAR , PEINAR Y ENTERRAR
POR: Dalia De León Adams
“LAVAR, MARCAR Y ENTERRAR Historias de una peluquería en serie” constituye
uno de los libros escritos por el español Juanma Pina la cual justo el día de ayer
sábado 27 de mayo, fue representada en el Foro La Gruta del Centro Cultural
Helénico, bajo la dirección escénica de Pilar Boliver.
Obra presentada en México por tercera ocasión en formato teatral, siendo la
primera ofrecida justo dentro de una estética de nuestra ciudad; la segunda en un
teatro de la UNAM, y por tercera ocasión ayer en el Foro La Gruta.
Empero cada una ha sido tanto producida, como dirigida e interpretada por
diferentes creativos del arte escénico, siendo en ésta última ocasión protagonizada
por la actriz Angélica Bauter, junto con los actores Ignacio Saucedo, Shily, Aldo
Guerra y Juan Carlos Martin del Campo. Todos ellos mostrando ser poseedores de
grandes técnicas y métodos interpretativos al representar a sus respectivos
personajes.
Dirigida espléndidamente por la actriz y directora escénica Pilar Boliver, quien
tuvo a bien invitar como madrinas del estreno o apertura de funciones, a las
actrices Anahí Allué, Dalila Polanco y Rossana Nájera; las tres reconocidas actrices,
quienes tras de la función expusieron un breve comentario con respecto al evento
y la amistad que les une a la directora escénica.
Acerca de éste montaje , a colación se puede leer en una página WEB la siguiente
acepción:
-LAVAR, MARCAR Y ENTERRAR nos descubre que la venganza se sirve al calor
de un secador de mano y no hay mejor defensa que un buen tinte. LAVAR,
MARCAR Y ENTERRAR nos enseña que es fácil enterrar el pasado pero muy
complicado que éste permanezca inmóvil y en silencio en los sótanos de una
peluquería.-
El título de ésta puesta en escena hoy en día aparece en cartelera teatral como
LAVAR, PEINAR Y ENTERRAR que finalmente da más sentido a ésta dramaturgia,
acorde con su contenido narrativo.
La obra tiene como referente por supuesto, una estética o peluquería de la época
contemporánea, por lo cual el diseño escenográfico va acorde con dicha propuesta,
simulando el local perfectamente.
Amanera de Sinopsis se lee acorde con el texto original:
-En un local del barrio madrileño de Malasaña, cuatro personajes se ven
forzados a compartir ochenta metros cuadrados durante una noche de armas
sin seguro y peligrosos recuerdos. Lucas y Verónica, dos frustrados aspirantes
a policía nacional, conviven durante horas con Gabriela y Fernando, ella la
orgullosa dueña de la peluquería Cortacabeza y él su mejor pero más
neurótico empleado. LAVAR, MARCAR Y NTERRAR es una comedia de balas,
calaveras y pelucas…-
Y muy semejante en cuanto a la manera de resumir la dramaturgia de Jaunma Pina,
se presenta a manera de Sinopsis en cartelera teatral de ésta reciente puesta en
escena, que por cierto, está contemplada en ser presentada del 27 de mayo al 30 de
julio 2023:
SInopsis:
-Gabi, una estilista, dueña del salón de belleza “D’Gaby” y su ayudante
Fernando, vivirán una enloquecida noche cuando a punto de cerrar el salón
son presas de un atípico secuestro por parte de Lucas y Víctor, una “pareja” de
maleantes a quienes sus truculentas intenciones de atraco los llevarán a
toparse con los espeluznantes secretos que Gabi guarda en el sótano de su
salón.
Antiguos sucesos literalmente descabellados y delirantes irán saliendo a la luz,
obligando a Gaby a desenterrar su pasado para entender su presente y darle
rienda suelta a su futuro. –
Mientras en una página WEB se lee:
-LAVAR MARCAR Y ENTERRAR nos enseña que es muy fácil enterrar el pasado
pero muy complicado que este permanezca inmóvil y en silencio en los sótanos
de una peluquería.
Y sí, justo esta es la trama a manera de Sinopsis que contiene el texto de la obra de
Jaunma Pina, quien escribiendo una temática que bien pudiera haber tenido tintes
de terror, le da un giro total a su texto, logrando matizarla a manera totalmente de
comedia, en donde los elementos cruentos de la dramaturgia se transforman en el
humorismo negro que hace constantemente reír a carcajadas al público presente.
Ello logrado por el autor al caracterizar a sus personajes bajo un sentido chuzco,
que lejos de despertar emociones desagradables, acordes a un secuestro y los
aparentes crímenes seriales, les logra otorgar cierta ingenuidad y simpatía, que
aunados a la gran creatividad del escritor terminan unánimemente por ofrecer
una comedia bien estructurada y relajante, pese a la temática a tratar.
LAVAR, PEINAR Y ENTERRAR se presenta en el Foro La Gruta del Centro Cultural
Helénico los días sábados y domingos a las 18:00 horas hasta el día 30 de julio del
año en curso 2023.
¿DUERMEN LOS PECES?
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Drama que gira en torno a la temática de la muerte. Gran incógnita que no sabemos
responder con acierto, pese a estar siempre presente desde el momento en que somos
gestados por nuestros padres y sin embargo, no dejan de existir las constantes preguntas
con respecto al tema.
¿DUERMEN LOS PECES? fue la dramaturgia nominada en el año 2007por la ACPT como el
mejor teatro para jóvenes, además de en 2016 ser acreedora a la beca que otorga el
programa “Creadores Escénicos” por parte del FONCA y ha sido presentada en otros foros
con distintas compañías teatrales.
Es la dramaturgia del escritor alemán Jens Raschke (1970) , dirigida por Karina Huerta,
quien lleva de la mano a la actriz interprete Meztli Robles e invita a la reflexión sobre la
muerte y algunos pormenores en el momento fúnebre.
Así mediante la narrativa del texto van de pronto surgiendo múltiples preguntas ante la
inminente enfrentamiento de la perdida de un ser querido que está por acontecer. El dolor
de la perdida que causa a toda una familia y allegados es detallado por el dramaturgo Jens
Raschke.
Dentro de la trama de ¿DUERMEN LOS PECES? Cuyo título es una de las tantas preguntas
que una pequeña le hiciera a su padre, quien no sabe qué responder. Preguntas como
¿DUERMEN LOS PECES? ¿A las lagartijas les da gripe? ¿Por qué el sol esta tan caliente?
¿Qué nos pasa cuando estamos muertos? ¿Estar muerto es como estar dormido? ¿Por qué a
mi tío le crecen pelos en las orejas en vez de en la cabeza?
¿DUERMEN LOS PECES? Nos introduce paso a paso a la experiencia vivida por una pequeña
llamada Jette, de tan solo diez años, quien tras cuatro días de haberlos cumplido, pierde a
su hermanito Emilio víctima de cáncer. Los sucesos a-priori y a-posteriori del deceso, son
contados a detalle por la pequeña, así como algunos momentos vividos entre sus pequeños
amigos y familiares.
La obra teatral es un monólogo ejecutado por la actriz Meztli Robles quien gracias a la
modulación de su voz y a los movimientos corporales parecidos a los de una infante, logra
introducir al público en el triste mundo de Jette y su hermanito Emi (Emilio).
Contando con juego de luces coloridas que de pronto se tornan a media luz y con tan solo
con una banca (y algunos objetos de utilería) que sirve de féretro también al ser movida
por la misma interprete en escena, la actriz nos hace imaginar los distintos lugares en los
cuales recrea sus narraciones, como son su escuela, su casa, la habitación de Emilio, un
puente sobre un río o bien, el cementerio.
Bajo la dirección artística de Karina Huerta, la puesta en escena es ejecutada en un solo
acto y un solo cuadro escenográfico. En cuanto a el tratamiento de sus diálogos, la obra
teatral se maneja bajo tintes de humorismo negro y, pese a lo cruento de la trama, es
presentada como una obra teatral propia para infantes.
¿DUERMEN LOS PECES? con su temática en torno a la muerte, le tocará el corazón con una
historia de la vida real, que le hará sentir lo maravilloso que es, estar vivo. Se presenta en el
Teatro Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque tan sólo hoy viernes 26 y mañana
sábado 27 de mayo 2023 en doble horario.
RETORNO SOFÍA ROSARIO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
RETORNO SOFÍA ROSARIO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Obra experimental perteneciente al género documental de José Alberto Gallardo
escrita y dirigida en base a constantes prospecciones y retrospecciones
temporales. Los personajes mediante dicho ritmo escénico van hilando el tiempo
existiendo aún ya fallidos, entre otros aún estando vivos.
Entre un teje y desteje de la memoria, los personajes que viven en el exilio,
siempre llevan en el alma grabado un pedacito de su añorada tierra en el recuerdo
del pasado que les lleva a cuestionarse incesantemente el ¿quiénes han sido? y,
¿quienes continúan siendo?
Súbitamente en base a prospecciones y retrospecciones temporales en el
RETORNO SOFÍA ROSARIO los personajes protagónicos se ubican através de la
narrativa, en distintas fechas, retrocediendo en el tiempo y volviendo al presente,
un presente engendrado en la ausencia.
Referencias y cuestionamientos que plantean los personajes de sus experiencias,
efectuadas ya posmortum, para intentar dar solución a dudas sin resolver al
conservar comunicación entre las líneas de una carta escrita o recibida, al visitarse
o bien, simplemente mediante una llamada telefónica hecha en el exilio.
Como tal vez Usted podrá notar, RETORNO SOFÍA ROSARIO es una obra difícil de
citar o resumir, interpretada por dos grandes actrices que emigraron de sus países
de origen, como lo son Rosa María Bianchi y Dobrina Cristeva.
Ellas con gran maestría logan dar vida a diferentes personajes, cambiándose para
ello en el escenario con diversas prendas de vestir y accesorios, a la vez que se
apoyan en la entonación y modulación de sus voces, y constantes cambios y
movimientos corporales qué aunadas a sus expresiones faciales, nos hacen notar
su versatilidad interpretativa.
Además de utilizar como recurso escénico el apoyo multimedia cuyo diseño es
propuesto por Miriam Romero que permiten visualizar escenas no detalladas en la
narrativa.
Por otro lado mediante diversos diálogos, se logra hacer posible el recurso mágico
del teatro, en donde la imaginación nos puede llevar de mano del histrionismo
actoral de éstas dos grandes actrices, a vivir infinidad de experiencia expresadas
con maestría y la magia que infiere el dramaturgo a su texto.
Generalmente el autor intitula su obra utilizando una frase que de manera
resumida aluda a la parte medular de la temática a tratar. En el caso de RETORNO
SOFÍA ROSARIO constituye simbólicamente el origen de ambas actrices exiliadas
en nuestro país; es decir, en el boletín de prensa se puede leer de manera textual la
siguiente consideración al respecto, que deja más en claro dicha idea.
-En cuanto al título, el creador artístico del Sistema Nacional de Arte explica
que además de la palabra RETORNO que tiene que ver con regreso, SOFÍA es el
nombre de la ciudad de Bulgaria en donde nació Dobrina y ROSARIO la ciudad
de Argentina de donde Rosa María es originaria, los cuales curiosamente son
nombres de mujer, por lo que parece que hace referencia a personas.
En cuanto al significado que el autor desea otorgar al uso de la palabra RETORNO
es en cuanto al deseo del reencuentro con los seres amados ya finados dentro de la
dramaturgia, por parte de los personajes.
Como a priori menciono, el escritor de RETORNO SOFÍA ROSARIO es el mexicano
José Alberto Gallardo, quien además funge como director artístico de ésta obra
teatral. Le diré qué José Alberto Gallardo es egresado de la UNAM. Ha dirigido ya
24 puestas en escena, siendo 16 de su propia autoría, pero en total tiene escritas
34 dramaturgias.
En cuanto a las actrices, Rosa María Bianchi quien naciera en Buenos Aires en el
año de 1948, se nacionalizó mexicana, y como Usted sabe, ha actuando tanto en el
teatro, como en la televisión, y por supuesto en el cine. Entre los reconocimientos
recibidos, además del homenaje a su trayectoria artística en el Teatro “El Milagro”
por parte del Señor David Olguín, ha sido galardonada con el Premio Ariel por su
actuación en el largometraje de “Nicotina.” Entre otras ovaciones.
Finalmente la actriz Dobrina Liubomirova Stoylova Anguelova, más conocida en el
medio artístico como Dobrina Cristeva (1968 Sofía Bulgaria), también ha
incursionado en los tres medios artísticos y actualmente produce.
RETORNO SOFÍA ROSARIO no podía contar con mejor elenco estelar, dado a que
además de ser dos grandes actrices, han vivido en carne propia el exilio que la
situación política represiva de sus países les obligó a partir, dejando su hogar para
cobijándose en nuestro México.
Y justamente esa es la temática medular que abordan de los personajes de éste
melodrama, los cuales enfrentan circunstancias similares que probablemente ha
abierto una gran herida en el alma de ambas actrices, bajo la pluma de José Alberto
Gallardo, que nos ha dejado pensando en que quizás, su texto en cierto modo se
recrece en base a algunas vivencias reales de sus dos intérpretes.
La obra teatral RETORNO SOFÍA ROSARIO se presenta en el Teatro Santa
Catarina.
ESCENARIOS DE MI VIDA
POR: Dalia De León Adams
ESCENARIOS DE MI VIDA es el libro que el día de ayer martes 23 de mayo fue
presentado a familiares amigos y la prensa para dar a conocer algunos de los
pormenores que conforman ésta obra literaria interesante, escrita por el productor
teatral y maestro Armando Cuspinera Ocampo.
La cita tuvo lugar en el Foo del Circulo Teatral, en donde estuvieron presentes
como parte de los presentadores, la actriz Ana Silvetti y el Señor Carlos Álvarez; éste
último también formó parte del gremio artístico al igual que el autor del libro.
Ambos por supuesto expusieron una breve semblanza y lectura de algunos
capítulos del libro a presentar. Armando Cuspinera, explicaría por su parte los
motivos que le llevaron durante veinte años a ir escribiendo su libro el cual
llamaria ESCENARIOS DE MI VIDA, pues considera que toda persona representa
un show a seguir en el espectáculo que es la vida, vistiendo y comportándose
acorde con los cánones que le corresponden vivir.
Pero ¿quién es Armando Cuspinera? A quien el mismo responde:
-Fui Director de Producción de los Canales 11 y 13 de Televisión. Hoy
pertenezco a la tercera edad y participo activamente en las causas vecinales.-
Su padre fue el propietario del afamado Teatro Lírico, en el cual grandes figuras del
medio artístico incursionaron a partir de medidos del siglo pasado, en donde desde
niño comenzaría su labor como persona de teatro Armando Cuspinera,
enamorándose por su belleza, hipotéticamente, de una gran vedette del momento,
de cuyos recuerdos el día de ayer hizo mención de una manera breve y muy
familiar, pues se encontraban con grandes amigos, quienes han sido figuras del
medio teatral y cinematográfico, y con quienes compartió algunos momentos
importantes en su vida.
Así salieron a colación interesantes anécdotas, sobre Palillo, el Panzón Soto, María
Rivas, Luis de Llano, Pedro Infante, Jorge Negrete, Agustín Lara, Julio Castillo,
Manolo Fábregas, algunos otros comediantes y vedettes del momento,
secularmente hablando, que fueron mencionados de manera somera, por quien se
convertiría en un importante productor.
Las preguntas no se hicieron esperar, a las cuales respondió con ánimo y la
sencillez que caracteriza a los grandes. Posteriormente se ofreció un espléndido
brindis para compartir y celebrar el evento.
A manera de prólogo se puede leer en la portada posterior al libro recién publicado
lo siguiente:
El recorrido por ocho décadas de la vida del autor, desde los años 40’s del
pasado siglo XX, hasta los años 20 del nuevo siglo XXI.
Descubra las entretelas del viaje que lo condujo a llegar a ser pionero de tres
cadenas de televisión: Canal 11 del Politécnico, Canal 8 (hoy Televisa San
Ángel) y canal 13 (hoy Televisión Azteca).
Desvele el misterio de todo lo que en su momento implicó construir un teatro,
fundar PROTEA, la Asociación Nacional de Productores de Teatro A.C. al lado
de diez amigos: Manolo Fábregas, Giacomo Barabino, Alejandro Gertz Manero,
Salvador Varela, Lew Riley, Luis G. Basurto, Jorge Landeta, Rafael López
Miarnau, Luis de Llano Palmer y Robert Lerner, para luego ser testigo de su
ruina y desaparición, dejando al descubierto a personajes icónicos que
recuperan su condición de simples mortales.
Una vida detrás de los escenarios teatrales y de las cámaras de televisión, que
gira entre brillantes personalidades, el lujo de la mentira, la traición y la
sordidez.
ARMANDO CUSPINERA OCAMPO ícono del medio artístico y la comunicación. ¡En hora
buena por sus grandes logros, maestro!
¡SI NOSVAMOS A IR JUNTOS… QUE SEA A LA CHINGADA!
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Por primera ocasión escribo sobre una puesta en escena sin realmente haber
tenido la oportunidad de verla. Emperro creo bien vale la pena esforzarme para
hablar de algunos elementos que la conforman, debido a haber tenido la
oportunidad de contactar con el equipo creativo, y más específicamente con su
dramaturgo y director escénico, el Señor Guillermo Navarro.
Él, tras de varios años viviendo en Francia, pudo contactar e intercambiar tanto
ideas como iniciativas de trabajo. Le comento qué justamente con la obra teatral
¡SI NOS VAMOS A IR JUNTOS… QUE SEA A LA CHINGADA! Es que abrirán el”9º
Coloquio de Teatro Local a lo Global” en la provincia de Biarritz, Francia.
PUCEART en el presente año extendió su invitación para que sea posible la
representación de éste montaje escénico, en el marco de “La Novena Edición del
Festival de América Latina y el Caribe” que se efectuará del 26 de mayo al 11 de
junio del año en curso, en Francia, en el cual se incluirán 300 eventos tanto
culturales, como políticos, que darán representación a cada uno de los países
participantes.
La obra teatral ¡SI NOS VAMOS A IR JUNTOS… QUE SEA A LA CHINGADA! Cuyo
título traducido al francés es ¡SI NOUS DEVONS PARTIR ENSAMBLE… QUE CE SOIT
AU DIABLE! Se realizó bajo la producción de “La Compañía eMe de México “ y
Yazmín Jáuregui, para ser escenificada el día 1º de junio a las 20:00 horas en la
calle Fernand Cazéres 33200 en Biarritz, Francia, éste año.
Le comento qué es la segunda ocasión en que son invitados para participar con el
mismo montaje escénico del Festival Latinoamericano, el cual por cierto. Montaje
escénico que dicho sea de paso también se ha presentado en diferentes foros de la
Ciudad de México durante el lapso de cinco años.
Obra preformativa tipo Cabaret a juicio de su autor Guillermo Navarro, en donde
los personajes protagónicos consumirán mezcla, al igual que el público francés al
cual le obsequiarán inicialmente un caballito de dicha bebida tradicional mexicana,
ambientando con ello la ocasión.
-El término cabaré (también, cabaret) es una palabra de origen francés
cuyo significado original era «taberna», pero que pasó a utilizarse
internacionalmente para denominar salas de espectáculos, generalmente
nocturnos, así como un género teatral propiamente dicho, que suele
combinar teatro, música, danza y canción.- (página WEB).
El colorido, la cultura, la idiosincrasia y un poco de historia secular mexicana y
circunvecina, servirán de marco narrativo a los diálogos elocuentes entre los tres
personajes a representar, y que son Frida Kahlo, Un bolchevique y la Muerte, hecho
que no le da carácter de novela histórica, pero que contiene algunos tintes
biográficos.
Éstos interpretados por Yazmín Jáuregui, en el rol de Frida Kahlo y Alan Vak
caracterizando de manera versátil tanto al bolchevique como a la Muerte, además
de ser el traductor directo en escena, del idioma español (hablado por el personaje
de Frida), al francés.
La Compañía eMe de México presenta dentro de su programa la siguiente Sinopsis
sobre el contenido temático de la obra teatral:
-¡SI NOS VAMOS A IR JUNTOS… QU SEA A LA CHINGADA! Es un
espectáculo preformativo, que juega con simulacros en el tiempo, para
recordarnos que no mucho ha cambiado en los últimos 100 años respecto
al cuerpo y a el género, desde eso que Michel Foucault llamó bio-política,
ponemos en escena la codependencia emocional de una mujer que la han
postulado como feminista sin serlo, un personaje que de manera casi
temperamental habla y se mueve en el mundo político en la década de los
30’s Frida Kahlo, “un amor” destructivo, un amor secuestrado y
complacido por el desamor de un hombre que no termino de decirle, que
para él, ella no importaba.
Quizás podamos divagar sobre esa relación y eso que ellos procrearon, y
que en l imaginario colectivo mexicano mucha gente llama amor, una
relación y una vida fridezca plena de dolores físicos y emocionales, de
sufrimientos y vejaciones, pero también de excesos y transgresiones,
sociales, morales y de género que, para la época, la ponía en la
vanguardia revolucionaria por accidente.
Una casa hecha cantina, un estudio hecho pabellón de recuperación, un
auto retrato, que de la impresión de no querer desaparecer, porque con
cada golpe de corazón ella se desvanecía cada vez más.
En la cantina la vida no vale, por un amor se desvela uno y vive
apasionado… un cuadro surrealista con personajes, que se mueren y
conviven con Frida, el cristo sádico, que toca el piano y baila en bata de
vacaciones, un cristo eyectado del paraíso, para ser un borracho terrenal
y bohemio. La muerte que día y noche la acompañó de la izquierdo y
levemente rozaba su hombro y bailaron juntas en la plancha de
operaciones. Platicamos, someramente sobre la genealogía del mexicano,
del amor romántico y doloroso de nuestro pueblo, de nuestra cultura
machista y patriarcal, donde el género se expande cada día más y
seguimos atorados en las palabras tolerancia, modernidad y cambio.
Jugamos con lo aleatorio del juicio ya que la actriz bebe mezcal de
principio a fin en escena. Esto no es más que una borrachera seca, que
nos deja siempre esta resaca de este México rojo y de violencia contra las
personas.
Mise en scéne de Guillermo Navarro, avec l’actuation de Yazmin Jauregui et Alan
Vak, avec la production du théatrê La eMe du Mexique et Jazmin Jauregui, pour sa
présenter le Juidi Prémier au juin 2023, aux 20:00 heures, Rue Fernand Cazérees
33200, Théatrê “La Pergola”, Bordeaux.
SATURNINA Y LA MUERTE
POR: Dalia De León Adams
Musical perteneciente al género teatral del Realismo Mágico, dentro del cual,
gracias a la pluma de su autora María Escalante, los vivos conviven con los muertos
al extremo de llegar a desatarse una “epidemia de almas”.
-El realismo mágico es un movimiento literario y pictórico que surge a
principio del siglo XX, como parte de las vanguardias y se define por su
preocupación estilística y el interés de mostrar lo irreal o extraño como algo
cotidiano y común.
No es una expresión literaria mágica, su finalidad no es suscitar emociones
sino, más bien, expresarlas, y es, sobre todas las cosas, una actitud frente a la
realidad. -(página WEB).
La obra teatral SATURNINA Y LA MUERTE es una bella puesta en escena creativa,
llena de colorido, música en vivo, cantos a colación de la narrativa, e incluso bailes
ocasionales.
Teniendo como narradora al personaje de La Muerte o “La Catrina” poco a poco en
escena éste personaje va contando la historia de SATURNINA, texto por cierto muy
bien estructurada de su escritora:
SATURNINA
Tiene el don de ayudar con sus lágrimas sinceras a que los difuntos encuentren
el camino del cielo, hasta que un día para desconcierto de la muerte, ella deja
de llorar .
El anterior párrafo es la Sinopsis que ofrece la producción en el programa de mano
antes de cada función, en donde se puede continuar leyendo la siguiente
aseveración con respecto al contenido temático:
-SATURNINA Y LA MUERTE nos devuelve un México costumbrista, íntimo y
espectacular, basada en el antiguo oficio de las plañideras, que se rentaban
para llorar en los velorios; ésta historia de amor, de milagros y exvotos, nos
deja una sonrisa en el rostro y una historia, que contar y cantar.-
Y justamente es también en el género costumbrista en que se estila ésta
dramaturgia original de Mara Escalante, quien además de dirigirla, interpreta y
canta al representar el rol estelar de SATURNINA.
-Costumbrismo: Tendencia o género literario que se caracteriza por el retrato
e interpretación de las costumbres y tipos del País-. (p. WEB)
Es una puesta en escena en un solo acto y un cuadro escenográfico en donde
aparece el grupo musical en vivo, quienes aparecen en algunas escenas como parte
de los dolientes del pueblo.
Músicos entre los que se encuentran guitarristas, percusionistas, violinista; otros
músicos tocan un instrumento de aliento (clarinete), un pandero saxofón con dos
coristas corales y la misma Mara Escalante como interprete de cada una de las
piezas musicales a presentar.
Ellos son Nissiel Ceballos, Rudyck Vidal, Sol Urbina, Leonardo Villegas, Edwin
Barreno, Luis Mendoza, Armando Misael, Gustavo Lechuga, Melisa Fernández y
Adrián Sánchez.
El actor Hamlet Ramírez intercalando presentaciones con su homólogo Rodrigo
Pérez Estrada, caracteriza al marido o pareja sentimental de SATURNINA llamado
Domingo Lunes dentro la narración, de cuyos nombres La Muerte alude dando una
breve explicación al respecto, así como narrando de los pormenores de la trama.
El personaje de la muerte es representado por la actriz Brenda Anakaren, quien
lleva un atuendo hermoso y colorido que hace juego con su maquillaje y adorno
floral que porta en la cabeza con majestuosidad.
La creatividad de Mara Escalante se pone de manifiesto con todo su entusiasta
equipo tanto creativo, como de producción, en el que se encuentran Rafael
Campos, Charly Vázquez, Alma García Fernando Licea, Enrique Mora Bruno Rubio,
Amanda Villavicencio, Enrique Chi, Luis Reyes, Mariem Chávez, Fernando Boullosa,
María Emilia Martínez, Sara Alcántara, Taniushka Estrada, Adrián Ortega, Josefina
Castillo y Javier Cabrera.
SATURNINA Y LA MUERTE se presenta en la Sala B de la “La Teatrería” con doble
función los días sábados y domingos.
REBELIÓN
POR: Dalia De León Adams
REBELIÓN es algo más que una pobra teatral. Es una puesta en escena que
contiene además otros elementos artísticos como lo es inicialmente la danza
contemporánea, o el contenido filosófico en la reflexión del personaje protagónico
de éste monólogo.
Roberto Mosqueda es el talentosa dramaturgo, director y actor de ésta puesta en
escena unipersonal, en donde se desempeña caracterizando a diversos personajes
que interpreta, con el talento histriónico que le caracteriza.
Ello teniendo tan sólo de apoyo escenográfico cuatro barriles decorados ubicados
en el escenario, los cuales él mismo va movilizando para dar ilación a cada escena
y, de donde poco a poco va sacando, según sea necesario presentar diversos
objetos de utilería, para darle vida a un conflicto en donde la REBELIÓN es el juego
a seguir.
Saltos atléticos, a veces combinados con diversos movimiento corporales y la
modulación de su voz, aunada al juego de “Voz in Off”, maquillaje alrededor de los
párpados y la vestimenta sombría que se suman a la iluminación a media luz, dan
el efecto de infortunio que lleva implícita éste drama de ficción, que sin embargo
enmarca perfectamente las desaventuras de cualquier REBELIÓN llevada a cabo
en éste mundo, en donde la agresividad, el dolor el deterioro y la injusticia reinan.
Teniendo como arquetipo el uso de nombres significativos para Roberto
Mosqueda, ellos los utilizará para dar nombre a sus dos personajes protagónicos,
siendo el de “Badi” uno de éstos; palabra de origen otomí, que según el mismo
explicó, que se traduce como el hechicero o sabio. (Palabra que también significa
maravilloso o fantástico en árabe antiguo). EL segundo personaje protagónico lleva
el nombre de un pueblo antiguo.
La musicalización, también aclaró Roberto Mosqueda tiempo atrás en otras de las
representaciones llevada a cabo en el Teatro “La Capilla” (entre otras más en
canchas deportivas, escuelas, etcétera), fue compuesta para que cada personaje e
identificarlo dentro del contexto de la representación teatral, acorde con perfil con
el cual es caracterizados cada uno.
En cuanto al título REBELIÓN termina siendo muy suigéneris a la temática a tratar,
en donde la injusticia, violencia, la maldad, el sometimiento, el poderío, la
imposición y la sumisión, son los ingredientes esenciales de los conflictos masivos
recalcitrantes que presenta la trama.
A manera de Sinopsis de la obra, se puede leer en la cartelera teatral la siguiente
acepción al respecto de ésta obra de ficción:
-Una civilización, gobernada por El Régimen, es azotada cíclicamente por la
crisis de desaparición de mujeres y el descontrol del virus de la “sombra
marrón” .
Badi -el viejo- y sabio guía de una revolución social que busca librarse del cruel
gobierno, ha sido asesinado y el caos domina a su grupo de disidentes. Antes de
salir a destruirlo todo, uno de ellos –el Sin Nombre, un ex sicario mutante-
debelará a sus compañeros la verdadera historia de su líder y cómo sus vidas
se cruzaron en un trágico destino.
Sus revelaciones podrían ser la luz que guíe la REBELIÓN.-
La Compañía Roberto Mosqueda, arte escénico & AOPARescena presenta los días
sábados y domingo a las 20:00 horas el montaje escénico de REBELIÓN que
concluirá el día 11 de junio del año en curso 2023, el 4º Espacio Alternativo del
Centro Cultural Helénico.
2º FESTIVAL PRIETO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
-Voz coral en (de)construcción que busca erradicar el racismo sistémico y
promover la empatía, el gozo y la representación digna…
Poder Prieto. @poderprieto_mx. #PoderPrieto: voz coral en (de)construcción
que busca erradicar el racismo sistémico y promover la empatía..
Poder Prieto es una iniciativa para visibilizar la discriminación que las
personas de tez oscura padecen en la industria cinematográfica… (página
WEB).
Son las premisas a partir de las cuales se inició el movimiento PODER NEGRO que
busca conciliar a la población en general, sin distinciones raciales ni clasistas.
Movimiento que surgiría a mediados del año 2021 y que se ha ido poco a poco
fortaleciendo con proyectos mayormente de iniciativa artística generalmente en la
Ciudad de México.
-Con el propósito de cambiar narrativas y diálogos sobre el racimo y la
discriminación en los medios masivos de comunicación, la industria de
entretenimiento y la cultura, pero también en la sociedad mexicana en
general, se anunció la segunda edición del Festival Prieto la cual se realizará
del jueves 25 al domingo 28 de mayo en diversas sedes de la Ciudad de México.-
Sitios que en específico son El Faro de Oriente, La Utopía Meyehualco, El Complejo
Cultural Los Pinos y La Cineteca Nacional, siendo éste último en donde se rodará el
largometraje “Mamá” de Xun Sero.
Como parte de los eventos se tiene contemplado la presentación de talleres, un
conversatorio por parte del actor Tenoch Huerta, la presentación de Black Panther,
conferencias, obras teatrales, conciertos en donde aparecerá Santos Woge, Kill
Beat, Jere Caelum, Elyfer y Audry Funk, además de diversas actividades entre las
cuales se encuentra el programa cultural comunitario denominado “Semillero
Creativo” en el cual participan tanto jóvenes como niños, la presentación de un
libro cuya autora es la periodista Viry Ríos y, la presentación de Poesía en el Teatro
Hecelchakán en el Estado de Campeche.
Todo ello bajo el patrocinio de La Secretaría de Cultura federal, La Secretaría de
Cultura de la Ciudad de México, la Alcaldía Iztapalapa y la UNESCO, organismos
institucionales quienes unen esfuerzos para hacer de nuestra población, UN
ESPACIO SIN DIFERENCIAS.
LA NEGOCIACIÓN
POR: Dalia De León Adams
Escrita en 2012 por el dramaturgo Flavio González Mello, quien la denomina “una
comedia negra sobre divorcios conflictivos” la escribió con el apoyo del Sistema de
Apoyos a la Creación y a Proyectos Culturales (FONCA).
En realidad se trata de un drama que presenta como parte medular de la trama el
secuestro de un joven, vástago de una pareja de divorciados quienes tras el paso de
algunos años, aún continúan en constante conflicto.
LA NEGOCIACIÓN cuyo título es muy ad-hoc a la propuesta escénica de su autor, es
una puesta en escena presentada en dos tiempos escénicos de 160 minutos
aproximados.
Tiempo que transcurre dentro de una escenografía y juego de luces propuesto por
Jorge Kuri Neumann, en donde aparecen algunos muebles que simulan parte del
departamento de la expareja; ello a manera de un solo cuadro escénico, en donde
surge la narrativa a tratar, tras el corte de luz momentánea, que va marcando el
cambio de cada escena.
LA NEGOIACIÓN le comento, forma parte del Festival de Arte y Ciencia “El Aleph”
que presentó la Compañía “Erizo Teatro” el día de ayer jueves 18 de mayo del año
en curso 2023, bajo la producción de la Universidad Autónoma de México (UNAM).
Dramaturgia que a-priori fuera galardonada (en el año 2019) recibiendo el premio
“Víctor Hugo Rascón Banda” bajo las siguientes premisas a tratar:
-Por generar situaciones perturbadoras creando un interés constante,
progresivo, del inicio al desenlace; partiendo de la historia marco del secuestro
de un familiar.- (nota del boletín de prensa).
El desasosiego frustración y angustia que sufren las personas por un ser muy
querido el desaparecido, se pincela ante la incertidumbre de no saber el cómo
actuar. Aunado a ello surge la manipulación al extremo del chantaje físico,
emocional y económico detallado en el texto, con uso de palabras altisonantes en
las situaciones más cruentas a tratar en el texto.
Las constantes llamadas telefónicas merman con su infortuitas espera. Éstas poco
a poco se van pincelando en la atmósfera de la narrativa, en donde retoman vida
los personajes de una pareja y un ingeniero que contactan, en calidad de
negociador y mediador del secuestro.
Sumas millonarias hacen que los padres del chico secuestrado se reúnan para
intentar reunir tan exorbitante suma; lapso durante el cual surgirán una serie de
inconvenientes que darán pauta a constantes discusiones, e incluso traiciones por
ambos lados de la pareja.
Empero la trama tiene momentos chuscos e incluso de reflexión que dirigen hacia
diversas disyuntivas en la resolución de la problemática planteada, es decir, se
escenifican actitudes que el mismo escritor deja ver como posibles sueños o parte
de la imaginación de los personajes involucrados, que detonan diferentes posibles
finales.
Por su parte la compañía Difusora expresa a manera de sinopsis el siguiente
párrafo textual:
-Tres años sin hablarse, una pareja divorciada tendrá que hacer LA
NEGOCIACIÓN más grande de su vida en la obra de Flavio González Mello, una
comedia negra en la cual el hijo del matrimonio es secuestrado por lo que
deberán ponerse de acuerdo sobre cuánto y cómo pagarán, para ello contratan
a un negociador que primero deberá fungir como mediador entre ellos.-
Los actores protagónicos en la puesta en escena son Mariana Gajá, Moisés
Arizmendi y Enoc Leaño, tres grandes actores a los que hemos tenido oportunidad
de ver en diversos foros teatrales de la Ciudad de México, pero quienes por primer
ocasión coinciden juntos en un escenario.
LA NEGOCIACIÓN se presenta en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, en el Centro
Cultural UNAM con funciones de jueves a domingos que se presentarán hasta el día
1º de julio.
TANIA LIBERTAD Y EVA AYLLÓN EN CONCIERTO
POR: Dalia De León Adams
En conferencia de prensa el día de ayer martes 16 de mayo 2023 se presentó en el
Foyer del Teatro de la Ciudad de México “Esperanza Iris” la icónica cantante
peruana TANIA LIBERTAD para dar a conocer los pormenores acerca de su nuevo
concierto en el que cantará a viva voz con su homóloga y paisana, la Señora EVA
AYLLÓN.
Explicó que las dos interpretarán juntas el mismo repertorio de canciones en las
que se incluyen tanto los éxitos de grandes interpretes mexicanos, como de
peruanos, por lo cual decidieron denominar a su próximo evento “TRAVESÍA de
Perú hacia México”.
En dicha ocasión no interpretará por separado cada una de ellas, un compendio de
canciones seleccionadas, como usualmente se hace cuando dos personalidades de
la música concuerdan en un mismo escenario a la vez, sino que la idea es
armonizar a la vez con sus dos distintos coloridos de voz, que al unísono logran
una armoniosa interpretación.
Así es como se ha considera interpretar las melodías de autores como José Alfredo
Jiménez (1923-1973), Juan Gabriel (1950-2016), Armando Manzanero (1935-
2020), o la peruana Chabuca Granda (1920-1983), por mencionar a algunos, pues
aún no se da a conocer los números que conformarán el concierto TRAVESÍA de
Perú a México”.
-Tania Libertad de Souza Zúñiga (Zaña, Perú; 24 de octubre de 1952), conocida
como Tania Libertad, es una cantante peruana nacionalizada mexicana…
La cantante soprano es integrante de la World Music y ganadora del Grammy
Latino a la Excelencia Musical-. (en página WEB)
Ha interpretado a dúo con grandes cantautores como Armando Manzanero, Miguel
Bosé, Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Mario Benedetti, Juan Gonzalo Rose,
Cesária Évora, Susana Baca, Mercedes Sosa y Pablo Milanés.
En cuanto a la cantante Eva Ayllón, es una cantante y compositora peruana.
Interpreta géneros afro-peruanos y valses criollos:
-Nació María Angélica Ayllón en 1956 en Lima Perú, adoptando el nombre
artístico de Eva, en honor a su abuela, su gran impulsora. Desde niña su voz
conquistó a todo aquel que la escuchaba. Desde sus inicios se hizo muy
conocida en el ámbito de la música popular peruana, diez años después, ya
había realizado gira por Estados Unidos… (en página WEB).
Por otro lado en el boletín de prensa se puede leer la siguiente aseveración a
colación del evento:
-TANIA LIBERTAD intérprete peruano-mexicana ofrecerá (en éste concierto) el
carácter universal de su canto demostrando que su audacia, talento y
capacidad para reinventarse han logrado consagrar su permanencia en la
escena musical. En ésta ocasión su voz se une con la de Eva Ayllón, la máxima
representante de la música afro-peruana cuya versatilidad la ha llevado a
interpretar diferentes géneros musicales en escenarios internacionales.
Ambas cantantes se conocieron a principios de los años setenta cuando Tania
era la conductora del programa televisivo “Danzas y canciones del Perú” y
presentó a Eva en su debut como la primera voz del grupo musical peruano
“Los Kipus”. Ambas fueron parte del homenaje póstumo de Mercedes Sosa en el
Lincoln Center de Nueva York en 2010, también han sido galardonadas on el
Grammy Latino de Excelencia y a la Trayectoria.
Fue hasta 2017 cuando sus voces se unieron en un mismo espectáculo
impregnado con el sentimiento y calidad de dos grandes de la música peruana
que se vuelven a reunir en el emblemático recinto de Donceles en la Ciudad de
México en un concierto que estará lleno de memorias, sueños y vivencias.
TANIA LIBERTAD Y EVA AYLLÓN EN CONCIERTO tendrá lugar en el Teatro de la
Ciudad de México “Esperanza Iris” con dos únicas funciones los días sábado 27 (a
las 19:00 horas) y el domingo 28 (a las 18:00 horas) de mayo del año en curso
2023 a las 18:00 horas.
MADRE SÓLO HAY UNA, y como yo ninguna
POR: Dalia De León Adams
Espectáculo unipersonal logrado espléndidamente por la primera actriz Susana
Alexander quien lo dirige y lo interpreta, en donde el móvil es festejar a la Madre
en éste mes de mayo.
En realidad no es realmente una puesta en escena en forma, sino la lectura
dramatizada de diversos poemas seleccionados por la misma actriz interprete
Susana Alexander, quien al ir los leyendo, les otorga la entonación adecuada a cada
uno de ellos, lográndolo tanto con la modulación de su voz, como con algunos
movimientos corporales cuando es preciso, para darle vida con ello a las madres e
hijos.
Esto acorde con quien haya escrito el poema seleccionado, pues a veces representa
la voz de una madre amorosa, en tanto que en otros el canto o llanto de un hijo por
su madre fallida.
Así diversos tipos de madres, o más bien diferentes maneras de expresar el amor
tanto maternal como filial sale a colación, con algunas explicaciones breves por
parte de la actriz.
Y no podía faltar la mención de sus dos queridos hijos, quienes según explica,
radican en el extranjero. Ellos son Tatiana y Julián Zugazagoitia.
-Susana Alexander, nombre artístico de Suzanne Ellen Rose Alexander-Katz y
Kaufmann, es una directora, traductora, creadora y primera actriz mexicana
de teatro, cine y televisión. Nació el día de julio de 1943 en la Ciudad de México .
Sus padres fueron Brigitte Alexander y Alfredo Alexander-Katz .- (página WEB).
Drama, emotividad, entonación y una dosis de simpatía, son los elementos que la
actriz Susana Alexander infiere a éste compendio de poemas, aunados a la
presentación del audio en el cual se presenta una única canción, vocalizada por
Macaria, según hizo saber, y musicalizada a la guitarra por el argentino Caito.
Al respecto de éste guitarrista, se puede leer en una página WEB: -Carlos Díaz, fue
un músico y trovador de la Nueva Canción latinoamericana. Nacido en
Argentina y nacionalizado mexicano.
Poseedor de una sólida formación musical, su actividad profesional comenzó a
una edad muy temprana, Nació en Mar de la Plata, Argentina en 1945 y falleció
en la Ciudad de México en el 2004.
Emotividad y remembranzas de pasado se hicieron sentir en el escenario en donde
su público seguidor, tanto al inicio como al final de la presentación, le otorgaron
fuertes y calurosos aplausos de reconocimiento.
Público al que la actriz corresponde dedicando varios minutos tras de la
presentación del espectáculo, de un acercamiento con los espectadores,
permitiendo que le pregunten o que simplemente opinen acerca de los poemas
leídos y dramatizados por ella.
-Susana Alexander hace suspirar a sus espectadores, quienes permanecen
atentos a cada una de las palabras y gesticulaciones de la actriz, pero también
les arranca fuertes carcajadas con sus ocurrencias y comentarios.- (nota
textual de la cartelera teatral).
MADRE SÓLO HAY UNA y como yo ninguna tiene tan sólo dos funciones, los días
lunes 15 y martes 16 de mayo 2023 a las 20:00 horas en el Teatro XOLA Julio
Prieto; evento presentado a manera de reconocimiento a todas las madres, con un
mensaje sublime implícito hacia ellas.
LOS DÍAS DE CARLITOS
POR: Dalia María Teresa De León Adams
El día de ayer 14 de mayo de 2023 el Teatro Lucerna se vistió de gala con la
debelación de la placa conmemorativa de la obra LOS DÍAS DE CARLITOS cuyo
dramaturgo, actor y director, como Usted sabe, es el señor Adrián Vázquez.
En el foro estuvieron presentes tanto fans, como amigos y familiares del artista, la
prensa y por supuesto, los padrinos del evento es decir la actriz de teatro cine y
televisión Arcelia Ramirez, el dramaturgo, guionista y director de teatro Luis
Ayhllon y el director, escritor y productor mexicano Abe Rosenberg, quienes
dedicaron breves palabras en las que dejaron ver tanto su alta estima, como
admiración por el galardonado Adrián Vázquez.
Puesta en escena muy significativa para el Señor Adrián Vázquez, pues con ella
consolida 18 años de representaciones y cierre de la misma de éste monólogo, con
el cual y entre varios más, ha ido ganando el reconocimiento de su público
seguidor.
Pero ¿quién es Adrián Vázquez? Por si aún Usted no lo sabía, ha consolidado su
carrera artística en el medio teatral escribiendo, dirigiendo e interpretando sus
propias obras.
En una página WEB se puede leer las siguientes citas textuales con respeto a su
brillante carrera:
-Durante su carrera dirigió más de una decena de proyectos teatrales,
incluyendo su puesta en escena más importante, Wenses y Lala; obra que se
presentó por más de cuatro años y recibió premios por dirección,
interpretación y dramaturgia mexicana…
Adrián Vázquez. @vazquezadrian75. Actor y director de Teatro. Papá de
Vannya y Ekaterina…
Adrián Vázquez es un actor, director y guionista tijuanense, fundador de la
compañía de teatro Los Tristes Tigres Compañía…
Adrian Vázquez. Actor: Elysium. Graduated from the Universidad Veracruzana
with a Theater Bachelor Degree in Direction, Acting, and Dramaturgy.-
Con respecto a la dramaturgia de LOS DÍAS DE CARLITOS le diré que es una obra
un tanto autobiográfica que tiene como apoyo aportes de ficción, que muestra los
días de infancia de un menor.
Graciosa, fresca, entretenida y con un toque de ingenuidad, eso y más es lo que
caracteriza a la puesta en escena LOS DÍAS DE CARLITOS del dramaturgo Adrián
Vázquez, quien caracteriza además estupendamente a su personaje protagónico de
Carlitos, dando vida a la vez a otros personajes tanto femeninos como masculinos,
con gran talento histriónico y la simpatía que le caracteriza.
Bajo la autoría y dirección del mismo Adrián Vázquez, el montaje escénico resulta
ser todo un deleite, si Usted desea reír durante todo el tiempo que es escenificada
esta obra, en donde Carlitos cuenta su peculiar nacimiento y algunos de los días
vividos durante parte de su infancia y adolescencia tanto en su hogar, como en la
escuela.
Carlitos es un chico tímido quien comparte su niñez con su hermano mayor
Antonio con quien constantemente pelea a golpes y, por quien es castigado
violenta por su madre. Ella es una mujer aparentemente dulce, quien tras la
desesperación termina propinándoles una golpiza a sus dos pequeños.
En cuanto a la narrativa ésta se basa en una serie de episodios o sucesos breves,
que el mismo actor va contando de manera chuscas y suspicaz, arrancando con ello
las carcajadas del público asistente, cuando caracteriza el rol protagónico de
Carlitos, el personaje que va deshilando las historietas y quien describe los
diversos sucesos a interpretar.
Y así se expresaría al respecto la compañía difusora de la Señorita Sandra Narváez
en el boletín de prensa:
-“LOS DÍAS DE CARLITOS es una puesta en escena que muestra el talento y la
vivacidad de un gran intérprete como lo es Adrián Vázquez, dando vida a once
personajes decisivamente contrastados que cobran vida a través del
virtuosismo interpretativo del actor quien despliega una rica gama de matices
al dar forma y vida a sus diversos personajes en la experiencia cotidiana.”-
Adrián Vázquez ha llevado su espectáculo unipersonal de LOS DÍAS DE CARLITOS
a Festivales como lo son “Teatro a una sola voz”, al “Festival del Día del Teatro”, al
Festival de Otras Latitudes”, a la “Muestra Nacional de Teatro”, a la “Muestra
nacional de la Joven Dramaturgia” y al “Encuentro de Monólogos del Sureste”.
Le diré como información complementaria qué Adrián Vázquez además ha
incursionado en el medio cinematográfico, en donde a participado en películas
como lo son “Atrapen al gringo” (en el año 2012), “Todo mal” (en 2018), “Pura
Sangre” (en 2016), “Placa de acero” (en 2019), “Polvo” (en 2019) y “Cosas
imposibles (en 2021).
En cuanto a su formación académica, en una página WEB se encuentra lo siguiente
con respecto a la biografía de Adrián Vázquez:
Egresado de la Universidad Veracruzana con Licenciatura en Teatro en
Dirección, Actuación y Dramaturgia, Adrián Vázquez también realizó más de
20 programas de certificación y talleres relacionados con el Arte Escénico y la
Actuación. Durante su carrera dirigió más de una decena de proyectos
teatrales, incluyendo su puesta en escena más importante, Wenses y Lala; obra
que se presentó por más de cuatro años y recibió premios por dirección,
interpretación y dramaturgia mexicana. Como actor, apareció en reconocidas
series como Crónicas de Castas, Sincronia y Falco, en la gran pantalla en
Atrapen al Gringo (2012) con Mel Gibson, Elisyum (2013) con Matt Damon,
Pura Sangre (2016), Todo mal (2018) y Placa de Acero (2019). También
trabajó en la ópera prima de José María Yazpik, Polvo (2019), actuando como
Toto, papel que le valió una nominación a la Mejor coactuación masculina en
los Ariel 2020.
La actriz Arcelia Ramirez expresó su tristeza ante el hecho de que Adrián Vázquez
decidiera no interpretar nunca más ésta exitosa obra teatral. Pero finalmente dio la
sorpresa de que éste monólogo seguirá representándose por parte de un joven
actor. ¡Espere Usted el momento preciso para constatar su nombre!
¡FELICIDADES ADRIÁN VÁZQUEZ!
EL COYUL
POR: Dalia De León Adams
La Secretaría de Cultura Federal y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura
(INBAL) conjuntamente con la compañía teatral “Pelo de Gato” recientemente
comenzaron la temporada de representaciones de la puesta en escena intitulada
EL COYUL en el Teatro Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque (CCB).
Obra teatral perteneciente al género costumbrista, en el sentido en que recrea la
manera de vivir de una población, su idiosincrasia y modos vivendus con respecto
a un grupo étnico minoritario, es decir, de poblado de El COYUL.
-EL COYUL una comunidad rural ubicada entre el Istmo y la costa del Estado de
Oaxaca, marginada y sumergida en el olvido, será testigo de las historias de
hombres y mujeres que, en una protesta por la vida, atizan el comal y trabajan
la tierra.- (cita del boletín de prensa).
Además de hacer alarde de su cultura ancestral, la dramaturgia es un canto de
desesperanza por sus desaparecidos y muertos de varios de sus pobladores,
quienes en aras de superación, se asegura, han sido secuestrados y asesinados
fuera de la entidad.
Elementos que la introducen al texto dentro del género de denuncia por la
inseguridad y vulnerabilidad de un pueblo casi olvidado por el resto del país; sin
embargo también se muestran signos de patriotismo e incluso cánticos y bailes de
manera muy breve, que por supuesto no conforman el soporte del texto ni de la
narrativa a presentar.
Se muestra también elementos simbólicos como el de la hamaca, objeto que por no
podía faltar como parte de la utilería de éste montaje teatral, la cual suspende en
la parte central del escenario, y que sirve de apoyo en la interpretación del
personaje de la única actriz Esmeralda Aragón, quien además dirige el monólogo,
junto con Gustavo Martínez
Objeto por cierto de vital importante dentro de la cultural coyul, que cada casita o
vivienda adquiere tanto para descansar, como para dormir, o incluso conversar
con los aledaños.
-Se trata de una obra comunitaria que relata las vivencias de su autora en su
pueblo natal. La dramaturgia toca su historia, recorridos, usos y costumbres
que dotan de identidad y cultura su lugar de origen.
Esta pieza es un constante amanecer en un pueblito chontal de Oaxaca, la
puesta en escena se pinta de día, de noche, de fuego y añoranzas. Es una
hamaca colgada, blanca como la Luna que aparece sonriendo en las noches
estrelladas para recordarnos como levitan las paisanas entre un árbol de
almendra y una palmera. También juegan en escena una silla blanca y una
actriz coyuleña.
En entrevista, el director Gustavo Martínez compartió: “Nuestra propuesta es
lograr que la actriz lleve al público a un viaje a su comunidad. Que puedan
olerla comida, vivir un domingo de béisbol y misa en el pueblo, un miércoles de
tianguis, sentir el calor: hacer que se hospeden en la comunidad durante una
semana. Entre narraciones, risas y llanto, también es una protesta por la vida,
por la tierra y las comunidades.-
EL COYUL se presenta en el Teatro Villaurrutia a las 20:00 horas los días jueves y
viernes hasta el 4 de junio del año en curso 2023.
MIZOGUCHI y el tiempo de la Belleza
POR: Dalia De León Adams
El Grupo de Teatro Independiente “La Gota”, In Praeséntia y Plataforma de
Creación Escénica se encuentran presentando en el Teatro La Capilla, la puesta en
escena de “MIZOGUCHI Y el Tiempo de la Belleza.”
Obra perteneciente al género experimental o surrealista, en el sentido en que
dentro de la trama se juega con la temporalidad y, se da vida a los personajes
muertos, quienes dentro de la narrativa de la dramaturgia, se mezclan y conversan
con los seres encarnados, dialogando con ellos en distintos momentos escénicos.
Puesta en escena en un solo acto y cuadro escenográfico en donde el público puede
estar presente sobre el escenario, y en donde el juego de la iluminación, la música,
el vestuario y el maquillaje son fundamentales, además de algunos objetos de
utilería.
El montaje escénico se recrea en la zona Oriental de Mundo, en donde suceden las
Guerras de Hiroshima y Nagasaki que conmovieron al mundo por la crueldad de su
destrucción masiva en la década de los 50’s, del siglo pasado.
-MIGOZUCHI y el tiempo de la Belleza es un rompecabezas que integra música,
iluminación, escenografía, maquillaje, vestuario, técnicas de actuación,
incluyendo la construcción de personajes desde una expresividad extra
cotidiana, para explorar los temas que aparecen recurrentemente en la obra
de” Mishima: la belleza, el erotismo, la muerte, el honor”.-(boletín de prensa).
Elementos imprescindibles en la estructura de éste drama peculiar, en donde la
muerte asecha en todas sus aristas y el desconsuelo del abandono y la fealdad
permean las situaciones, detonado en el referente de éste drama.
Dos de las actrices caracterizan a sus personajes con gran versatilidad, pues
precisan de ello al personalizar a diferentes individuos de ésta historia compleja a
narrar, en donde la temática gira en torno a la guerra, la destrucción del amor filial
y carnal, el desconsuelo y las heridas profundas del alma, difíciles de cauterizar. En
cuanto al actor Horacio Trujillo, él realiza espléndidamente el personaje
protagónico de MIZOGUCHI.
Por su parte las compañías teatrales involucradas sostienen:
-El proyecto está concebido como un evento exclusivo, con un número limitado
de espectadores para garantizar la calidad de la experiencia escénica
La acción comienza en 1970 cuando nuestro protagonista regresa para estar
presente en el funeral de su madre. Han pasado veinte años desde que prendió
fuego y destruyó Kinkaku (El Templo Dorado).
El delirio polifónico comienza cuando la madre lo interpela desde un umbral
que divide la vida y la muerte, lo cual es suficiente para transportarlo al
pasado y recordar lo sucedido en los últimos veinte años
Nihilismo, intento de suicidio, despecho, rencor, amargura y profundo odio, son los
elementos que caracterizan al personaje protagónico de MIZOGUCHI convirtiendo
su vida en constantes reclamos que le llevarán a forjar un corazón destructivo.
MIZOGUCHI y el templo de la Belleza se encuentran bajo la autoría y dirección
de Carlos Virgen, con un reparto estelar en el que se encuentran los actores
Horacio Trujillo, Mariana Arocena y Mariana Amero. El juego de iluminación se
encuentra a cargo de Leticia Olvera; en el maquillaje y vestuario Carlos Guízar , y
finalmente en la música original José de la Parra.
MIZOGUCHI y el Templo de la Belleza se presentará solamente con dos
funciones más en el Teatro La Capilla los viernes 19 y 26 de mayo del año en curso
2023 a las 20:00 horas
RIVERDANCE
POR Dalia De León Adams
Tras de 17 años que ha estado presentándose en el Auditorio Nacional de nuestra
Ciudad de México, el hermoso y estético espectáculo de primera calidad
internacional RIVERDANCE, se concertó la conferencia de prensa el día de ayer 11
de mayo 2023 en La Universidad ORT México para dar a conocer algunos de los
pormenores del evento.
RIVER DANCE (Danza en Río) se presenta bajo el patrocinio de la compañía Strauss
Producción y Diixa Med Digitam como un espectáculo que incluye danza, música y
grandes números coreográficos.
Inicialmente las giras ofrecidas incluían a solamente artistas calificados oriundos
de Irlanda, de quienes surgió la idea original y creativa de montar una puesta en
escena en la cual se acompañada de música en vivo de origen celta.
Empero ahora se han incluido a bailarines de diferentes latitudes
internacionalmente, incluyéndose a artistas mexicanos pequeños números
dancísticos representativos de cada país ha visitar.
La mesa directiva durante la Rueda de Presa estuvo conformada por los
importantes productores Jaime Salinas y Mark Tacher (éste también actor
reconocido en nuestro país), además del bailarín protagónico Ami Mae Dolan
quien estando presente en vía streaming fue traducido al español, además de
encontrarse figuras Fitzpatrik de la Compañía RIVERDANCE.
El show de RIVERDANCE le comentó, está festejando su 25º Aniversario y
finiquitará está gira internacional justamente en nuestro país. Con respecto a la
compañía le presento párrafos textuales en el Boletín de Presa que expresan al
respecto la siguiente información:
RIVERDANCE fu presentado por primera vez durante el intervalo de 7 minutos
en el Festival de la canción de Eurovisión de 1994 en el Teatro Point de Dublín
el 30 de abril de 1994. La actuación recibió una ovación de pié por parte de
3,000 personas que acudieron al teatro
Debido al rotundo éxito, RIVERDANCE fue invitado a participar en el
prestigioso Royal Variety Performance en el Teatro Dominion, de Londres ante
el Príncipe Carlos, el 28 de noviembre de 1994.
RIVERDANCE se presentará los días 19 y 20 de junio del año en curso 2023, en El
Auditorio Nacional de la Ciudad de México y, tendrá algunas funciones más en dos
regiones de la República.
NIÑO PERDIDO
POR: Dalia De León Adams
Comedia con tintes de humorismo negro que tiene como temática medular el
rescatar al NIÑO PERDIDO que todos llevamos dentro, y que aflora en los
momentos más confusos y emotivos de nuestra existencia con gran fuerza,
sorprendiendo en las decisiones de vida futura a tomar.
Su autor Quecho Muñoz indaga en la psiquis de sus personajes, plenos de ficción y
fantasía, quienes rescatan los sueños perdidos de la infancia coartados ante una
sociedad y mentalidad familiar fallida, forjada en la etapa primaria de la vida,
reprimiendo en muchas ocasiones la plenitud de los deseos entrañables de cada
persona.
NIÑO PERDIDO es una obra teatral que hace reír, pero que también hace
reflexionar al público asistente en cuanto al dejar fluir en cada persona, a ese ser
encerrado en su cuerpo, que de pronto sumerge de la rutina y la inseguridad de
cada ser, volcando los sueños perdidos, en una posible realidad latente.
Puesta en escena en dos actos ,que presenta una escenografía movible en donde un
muro de pronto es una estación de metro, en otros, una oficina, o una avenida que
transitar.
La solidaridad de una Hada irreverente, moderna, malhablada, pero solidaria y
coherente con su deber de protectora y hacedora de sueños, es esencial en esta
trama peculiar.
El amor tanto filial como el de una naciente pareja, no podía faltar en esta especie
de melodrama, con formato de comedia. Realidad y fantasía son los ingredientes
que sazonan la dramaturgia de Quecho Muñoz, dirigida por Donald Bertrand.
El elenco estelar se encuentra integrado por Lolita Cortés, Gerardo González, el
mismo Quecho González, Crisanta Gómez y José Daniel Figueroa, sobresaliendo el
personaje de la Hada, personaje protagonizado por Lolita Cortés y de Manuel
Andrés, interpretado por Quecho, aún cuando todos actúan de manera entusiasta
al caracterizar sus personajes.
Finalmente en la cartelera se puede leer de manera textual la siguiente Sinopsis sobra
la obra:
-Manuel Andrés colapsa emocionalmente después de un día terrible en el que
se tiene que enfrentar con todos sus miedos y frustraciones y planea
suicidarse. Una mujer lo detiene. Se presenta ante él como su “hada madrina”.
Manuel Andrés le cuenta los acontecimientos que llevaron a su intento de
suicidio.
La supuesta hada madrina le dice que al día siguiente le será otorgado un don.
En el segundo acto, “el don” otorgado le hace ver a Manuel Andrés la vida
desde otra perspectiva, desde la perspectiva de un niño, él mismo vuelto niño,
su niño interior y el del resto de los personajes.-
NIÑO PERDIDO se presenta en el teatro XOLA Julio Prieto, los días miércoles a las
20:30 horas.
COSTO DE VIDA
POR: Dalia De León Adams
Humberto Bustos, Helena del Río, Sandra Jiménez Loza y Arly Velázquez Peñaloza
son los actores que protagonizan ésta obra teatral, un tanto singular y emotiva que
tiene como parte medular el representar dos historias paralelas, en donde dos de
los protagonistas son incapacitados físicamente tanto como personajes, como en la
vida real.
Texto qué empero, es una lección de vida al mostrar qué más allá de ser vistos con
capacidades diferentes, tanto Arly Velázquez Peñaloza como Sandra Jiménez Loza
son un ejemplo de vida, además de mostrarse tan diestros en el escenario para
actuar, como sus compañeros (los actores Humberto Bustos y Helena del Río)
además de conservar en la objetividad de sus realidades, el entusiasmo de tener
logros y decisiones personales de vida.
Por su parte la compañía difusora presenta al respecto de la dramaturgia la
siguiente observación:
-La obra demuestra que la supervivencia básica es costosa, un privilegio de
unos cuantos, de aquellos que tienen acceso al poder en la voraz sociedad
capitalina. Se trata de una pieza profundamente asertiva y actual sobre
personas que precisan de otras personas para sobrevivir, algunas debido a
una discapacidad física, otras por su inhabilidad para relacionarse. Es
también una reflexión agridulce sobre aquellos que rechazan drásticamente
cualquier intento de ayuda, incluso si sus vidas dependen de ello.-
Perteneciente al género del drama la puesta en escena de COSTO DE VIDA (la cual
por cierto fue la ganadora del Premio Pulitzer 2018) muestra dos historias que
tendrán un paralelismo, para unir al final caminos de vida.
Marca la necesidad que todos tenemos unos, de los otros, aún con distintos matices
o situaciones presentadas en el deambular de la vida, que nos hacen unirnos ,o
alejarnos en otros momentos por circunstancias y decisiones ya sean asertivas o
erróneas, que repercutirán en nuestras relaciones con los demás, tarde o
temprano.
Aunado a ello muestra el mundo en el que están sumergidas las personas con
ciertas incapacidades físicas que ahondan aparentemente su dependencia aún
mayor, en cuanto a poder realizar sus diarias rutinas de vida.
Pero ser en ese sentido un tanto diferente a la mayoría, no impide que también
puedan brindar ellos ayuda a los demás, sea, psicológica, emocional o, incluso
económica, como se logra ver en la narrativa de ésta historias.
La obra tiene implícita como consigna a seguir, el invitar al espectador a la
reflexión y a conscientización de abrir las mentes a la ayuda mutua, en todos sus
rublos existenciales.
Dentro del equipo creativo se encuentra Adrián Martínez Fausto en el diseño
escenográfico, quien hace gala de su talento incluyendo diversos cuadros que se
van mostrando en distintos tiempos escénicos, colocados con por medio de un
equipo de utilería movible.
Bajo la Producción Ejecutiva de adrián Martínez y la dirección artística de Samuel
Sosa muy bien lograda, es que el montaje escénico COSTO DE VIDA tendrá
funciones de lunes a miércoles a las 20:00 en el Teatro Principal del Centro
Cultural Helénico hasta el día 28 de junio del año en curso 2023.
CORRUPTOCRACIA
POR: Dalia De León Adams
CORRUPTOCRACIA es la obra teatral que fuera galardonada con El Premio
Nacional de Dramaturgia Emilio Carballido en el año 2016, que inició sus
representaciones tras de la pandemia mundial del Corona Virus, y que el día de
ayer miércoles 3 de mayo reinició su temporada en la Sala Novo del Centro
Cultural La Capilla.
Contiene el texto original del dramaturgo Felipe Villarreal y tiene como actores
protagónicos a la actriz Karla Caridad Gómez y al actor Emmanuel Pichardo,
quienes actúan bajo la dirección escénica de Alberto Ontiveros.
Dramaturgia con tintes de denuncia hacia la prepotencia, abuso y corrupción
existente en el sector político, que presentan de manera caricaturizada,
introduciendo personajes totalmente ficticios, pero que bien pueden mostrar el
perfil de la ente en el poder, más allá de un partido en particular, como se comenta
a voces en la sociedad y que evidencia con humorismo negro ésta puesta en escena.
-CORRUPTOCRACIA es un espectáculo de arte contemporáneo en escena que
combina instalación, arte objeto y ready made. En tono de comedia la obra
narra el tortuoso camino que recorrerá la comisaría del ejido Los Pajaritos,
tras solicitar, sin éxito, un permiso del Gobierno del Estado para extraer agua
del subsuelo y poner fin a la sequía que arrasa la región.- (nota del boletín de
prensa).
En el montaje escénico, los objetos retoman una parte esencial en el desarrollo de
la trama y en la narrativa de manera simbólica, en cuanto al poderío e influencia de
cada uno de los personajes que los actores Emmanuel Pichardo y Karla Caridad
Gómez interpretan de manera muy versátil.
Con su talento histriónico y con dotes de comediante, ambos actúan representando
a los personajes que sugiere el texto de Felipe Villareal, con modulaciones de sus
voces y manipulando a la vez, a las figuras de diversos dinosaurios que presentan,
aunados a una escenografía basada en un espectáculo multimedia muy colorido,
acorde con el juego de la iluminación y al audio.
Espectáculo actoral y visual bajo la creatividad del Grupo Regiomontano
denominado Gorguz Teatro, que comprende la segunda parte del Proyecto Trilogía
Monterrey, que da continuidad a la puesta en escena de El Ejército Iluminado
(2018) que fuera escrita por David Toscana, bajo la dirección del mismo director
de éste montaje escénico, el Señor Alberto Ontiveros.
CORRUPTOCRACIA Obra teatral contemporánea que se presenta en la Sala Novo
los días miércoles a las 20:00 horas hasta el 31 de mayo del presente año 2023.
FOLIA
POR: Dalia De León Adams
Danza-Teatro sobre lo impermanente del ser, una danza a la vida y muerte.
Así se expresa la compañía creativa de la próxima puesta en escena intitulada
FOLÍA que está por estrenarse con el patrocinio del Sistema de Apoyos a la
Creación y Proyectos Culturales (SACPC) en el Foro “Un Teatro”.
Realizando Ideas A.C., desde su fundación en 2006, ha estado dirigida por la
bailarina y coreógrafa Jessica Sandoval. Mediante sus producciones, se ha
posicionado como una asociación que busca crear nuevos canales de
comunicación entre artistas y espectadores. En 2011 abrió su Centro Cultural y
cede de trabajo en la Ciudad de México: X Espacio de Arte para. Posteriormente
en 213 fundó “Un Teatro”, actual sede de la organización y espacio para las
funciones y talleres que produce y apoya. (nota de la Difusora)
El equipo creativo denominado “Realizando Ideas” el cual cuenta con jóvenes y
entusiastas artistas que brindan un espectáculo tanto dancístico como teatral, de
calidad tanto filosófica como poética y musical.
El montajes escénico tiene como base algunas partituras de “Las Cuatro
Estaciones” de Antonio Vivaldi, que surge como un canto a la vida en el escenario,
al introducir la danza-teatro, incluyendo un Réquiem mortuorio de Joseph Hydn,
en contraposición a la muerte, al aludirla como continuación irremediable de la
vida.
-Franz Joseph Hydn (Rohrau, Austria, 1732 - Viena, 1809) Compositor
austriaco. Con Mozart y Beethoven, Haydn es el tercer gran representante del
clasicismo vienés.-
-Antonio Vivaldi (Venecia, Italia 1678.1741) fue un compositor, violinista,
empresario, profesor y sacerdote católico veneciano del Barroco. Era apodado
IL PRETE ROSSO por ser sacerdote y pelirrojo.-
En la dirección coreográfica y diseño escénico de Jessica Sandoval denominado
FOLÍA colabora el grupo artístico “Creadoras-es escénicas-cos” formado por Ana
Paula Oropeza, Tathanna Massad, Michel Temolzi y Daniel Lugo, con una
dramaturgia en donde todos ellos expresan a-priori sus ideas, para finalmente
construir el texto a tratar en la representación teatral, que tiene como diseñador
de vestuario a Carlo Demichils.
Sinopsis:
FOLÍA (De lo impermanente .01)
Un cierto tiempo y espacio escandaloso, porque resulta de ir y venir, de
encontrarse y perderse, de volar y caer, enloquecer, lograr suspenderse por un
instante, ser y entonces desaparecer, tranquilamente y sin esfuerzo.
FOLÍA presenta funciones en el Centro Cultural UN TEATRO los día jueves 4 y 11
de mayo, los viernes 5 y 12 de mayo y los sábados 6 y 13 de mayo 2023.
Nota: HE SOÑADO HORMIGAS NEGRAS (De lo improvisto .02) Posteriormente se
presentará con la misma compañía y en el mismo foro, como parte consecutiva.
COORDENADAS FINALES
POR: Dalia De León Adams
-COORDENADAS FINALES es una dramaturgia contemporánea que investiga y
explora la escena desde el teatro , la danza y la música. A través de los
símbolos, escudriña el universo de nuestras vivencias, duelos, recuerdos y
sueños. De acuerdo al autor “el teatro nos da la posibilidad de proyectarnos en
un punto de fuga para reinventar en él y buscar curar heridas: esperanza.”-
Así se expresa la compañía teatral de la Residencia Artística “023-2024 del Comité
Teatral del estado de México en el Centro Cultural La Capilla, en donde se ha
estado representando la puesta en escena de COORDENADAS FINALES en la “Sala
Novo”.
Dramaturgia escrita y dirigida por Aldebarán Casasola Tello, quien desde la
perspectiva misógina de victimas asesinadas, violadas o desaparecidas, construye
un texto con datos fehacientes en donde los sucesos reaparecen en
COORDENADAS distintas en nuestro país.
Es una obra de denuncia, un canto de duelo, representación de sucesos repetitivos,
violación del derecho humano a la vida y a la integridad tanto física, como
psicológica, vista desde el punto de vista de su autor Aldebarán Casasola Tello.
En ella actúan Layla Casasola, Dalia Barrón, Michel Ayala y Aldebarán Casasola, en
una escenografía en la cual cada cruz de madera que van colgando las actrices, es
simbólicamente una victima más del abuso personal o de grupos organizados.
Pequeño letreros también son poco a poco colgados con la dirección anotada de
algunas de las regiones, en donde el duelo ha teñido de rojo con su furia, a mujeres
o familias victimizadas ante una conducta infrahumana.
Una tina de madera, una silla y una guitarra, forman parte también de la utilería en
la cual se apoya éste montaje escénico, en donde el juego de la iluminación
adquiere un aspecto muy imperante dentro la representación de los dramas a
contar.
En cartelera teatral se puede leer al respecto de la obra:
-Desde territorios ajenos nos cuestionamos: ¿existe la esperanza? La pregunta
detona su búsqueda ante la violencia cometida a mujeres que habitaron
nuestra entidad y con las que tuvimos alguna relación.
La anécdota fragmentada y desconstruída expone nuestras verdaderas
historias.-
COORDENADAS FINALES se presentará en la Sala Novo del Centro Cultural La
Capilla, hasta el día 12 de mayo 2023 los días viernes a las 20:00 horas.
PERSONA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Hermoso espectáculo visual y artístico, interdisciplinario, en donde la coreografía
va más allá de movimientos rítmicos musicalizados. El montaje escénico de
PERSONA propuesto por Gutemberg es más que eso, es además de danza rítmica(o
contemporánea) drama, pasión, música y por supuesto, arte.
Puesta en escena dirigida por el bailarín, actor, profesor y director brasileño,
Gutemberg Brito Patatiba (Porto Seguro, Bahía 1972) en el que presenta a un trío
de cuerdas (viola, violín y chelo) y dos cantantes operísticos (una soprano y un
contra-tenor, además de un percusionista y de por supuesto, tres bailarines en
escena
Es una puesta en escena inspirada en el rodaje fílmico que escribiera y dirigiera el
mundialmente afamado director Ingmar Bergman, intitulado PERSONA, que se
estrenara en Suecia corriendo el año de 1966, teniendo como actrices estelares a
Bibi Andersson (interprete del personaje protagónico de Volger) y Liv Ulimann (en
el rol de la enfermera, Alma).
Película icónica que causara furor en su momento, cuyo texto se reduce en una
sola frase de la siguientes palabras:
-Debido a un desequilibrio emocional, una actriz pierde la voz. Después, se
muda a una aislada casa en la playa junto a su enfermera.- (página WEB)
Por su parte la compañía “Corazón” , el grupo creativo de ésta obra teatral también
intitulada PERSONA, expone en el boletín de prensa la siguiente consideración al
respecto:
-Para transitar por su silencio voluntario, Volger se retira a una casa de playa
en compañía de Alma, su enfermera personal. A partir de la convivencia diaria
donde la comunicación verbal es unilateral, las relaciones emocionales entre
las dos mujeres fluctúan entre la asistencia altruista, la hostilidad y la tensión
sexual.-
PERSONA es una obra en donde la pasión se mezcla con dejos de tristeza, dolor y
deseo entre tres personajes unidos ante el deseo carnal, escenificada de manera
estética, que une varias disciplinas del arte escénico.
-La propuesta de Gutemberg Brito plantea explorar, en el contexto de ese
retiro voluntario, la reacción de Elizabet a la llegada de una carta donde le
informan que su esposo ha muerto, la consecuente desestabilización que sufre
y el mecanismo de evasión por medio del sueño donde encuentra refugio. Una
textura onírica recorre el montaje en el que se desdibujan las fronteras entre
la amistad y el deseo.- (cita del boletín de prensa)
El personaje protagónico de Elizabet Volger es interpretado por Adriana Butoi;
como Alma actúa Pilar Couto, y en el rol del hijo Natael Ríos. Todos ellos buenos
actores y bailarines.
En el equipo de musical las composiciones están a cargo de Miguel Francisco
Fernández, quien además es el percusionista. La cantante soprano es Atziry Rivera,
el contra-tener es Salvador Márquez Garay, quien además toca la flauta de pico. El
violinista es Fabián Flores Muñoz, la viola está a cargo de Samuel Morgan y el
violonchelo es ejecutado por Luis Ángel.
La escenografía es de Heidi Lamadrid, el diseño de iluminación de Paulina Montiel,
el vestuario de Anabel Ortega, en el maquillaje y peinado Marie Muguiro Ruiz, la
fotografía de Gabriel Morales, el audio está a cargo de Daniel Hidalgo y, la
producción ejecutiva y la dirección general es de Gutemberg Brito Patatiba.
PERSONA se presenta en el Teatro Salvador Novo, del Centro Nacional de Artes
(CENART) hasta el día 14 de mayo, en colaboración con las Embajadas de Suecia y
Brasil.
FUROR
POR: Dalia De León Adams
Dramaturgia original del escritor y cineasta alemán Lutz Húbner (Heilbronn,
Alemania 1964) creada junto con su homóloga Sarah Nemetz (1964 Alemania) que
se presenta hoy en día en el Teatro Julio Castillo, bajo la traducción al español de
Stefanie Weiss (Interprete también de la obra) bajo la producción del Instituto
Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL)
FUROR tiene como artistas estelares como a-priori acabo de mencionar, al actor
Stefanie Weiss, junto con Rodrigo Virago y Juan Carlos Vives de manera alternante,
presentándose con la actriz Cecilia Sordo Morán. Todos ellos poseen grandes
tablas escénicas, como se hace gala en éste montaje debido al gran talento
histriónico que les caracteriza
Perteneciente al género del drama, la obra teatral FUROR logra atrapar al
espectador desde su inicio mediante una narrativa que cuenta con una temática
muy cruenta, la cual mantiene en constante tensión al espectador, al imaginar el
posible desenlace que puede desencadenarse en una tragedia aún mayor, como se
sugiere con los diálogos cargados de gran emotividad y furia.
Bajo la batuta escénica del maestro Luis de Tavira, quien como Usted sabe es una
de las grandes promesas de la dirección artística teatral en nuestro país, y aunado
al trabajo histriónico de los talentosos actores en escena y el texto muy bien
estructurado por sus autores alemanes, la puesta en escena constituye toda una
promesa escénica.
-Luis Fernando de Tavira Noriega es un dramaturgo, director de teatro,
ensayista y pedagogo mexicano - (página WEW). Párrafo que no incluye sus
dotes también como actor.
A manera de sinopsis, se presenta en cartelera la siguiente aseveración, con
respecto a la trama de la obra teatral intitulada FUROR:
-Heiko Braubach, funcionario del gobierno y en campaña como candidato a
alcalde, en un accidente de tráfico ha atropellado a Enno, hijo de Nele Siebold,
enfermera geriátrica. La investigación ministerial ha determinado que el
joven cruzó la calle intempestivamente mientras huía, por lo cual ha declarado
inocente al candidato.
Una obra en la que los fenómenos sociales agudos como la burguesía enojada o
la clase media/baja no se siente representada por los gobiernos…-
Obra teatral enmarcada en cuadro escenográfico que cuenta con la presentación de
un humilde departamento deteriorado, en donde los actores actúan tan sólo un
tiempo escénico, durante el cual se desarrolla el drama que permea una aparente
injusticia, el dolor de una madre con un joven hijo incapacitado por un reciente
accidente, un pariente renegado social, falto de escrúpulos la cuestionable ayuda
brindada por parte de un político que bien puede volcarse en contra suya, son los
elementos textuales que conforman éste drama
FUROR se presenta en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque (CCB)
bajo la producción del INBAL de jueves a domingos hasta el día 14 de mayo.
ALESSA MARTEL
POR: Dalia De León Adams
Con solamente tres funciones en puerta (23, 24 y 25 de abril 2023) la obra teatral
ALESSA MARTELL se está presentando bajo el patrocinio del INBAL, en el Teatro
Orientación “Lusa josefina Hernández” con la participación de la compañía teatral
“Los de a Pie”.
Es una puesta en escena original del dramaturgo y director Rodrigo Solo, qué hace
reflexionar al público con respecto a entre un encuentro más allá de lo laboral, en
el terreno sentimental, que suele en ocasiones suceder en la vida real.
El elenco estelar esta formado por Isabella Terramoccia y su mismo escritor, el
también actor, Rodrigo Solo. Con respecto a la escenografía, tan solo cuenta con
varias sillas de metal, una pequeña mesa y una escalera también metálica; objetos
de utilería que enmarcan el espacio en que habita dentro de la trama, un hombre
de edad madura, muy destacado en el medio artístico.
A manera de sinopsis una joven acude como parte de los requisitos para su
formación como posible actriz y bailarina, con el encumbrado profesor, pidiéndole
una entrevista.
Tras una plática que se alarga y tomando una bebida refrescante, los dos, tras de
interpretar a manera de ensayo, de improviso algunos pasajes de su propia vida,
ponen en evidencia secretos antes fielmente guardados.
En el boletín de prensa se encuentra las siguientes citas textuales con respecto a la
producción de éste montaje escénico:
-Más allá de ser una puesta en escena, ALESSA MARTELL es una experiencia
que transforma el encuentro entre dos generaciones ávidas por comprender el
tiempo y su sentido de pertenencia. Este montaje es sencillo y profundo al
mismo tiempo, la iluminación (a cargo de Luis Fernando Torresvery) juega un
papel primordial para resaltar los cambios de la trama, con un lenguaje
coloquial dentro de la cotidianidad de la vida de los personajes.
En entrevista, la actriz Isabella Terramoccia compartió su opinión acerca del
texto de ésta puesta en escena ALESSA MARTELL es una experiencia que
convierte una simple” tarea” en un viaje de introspección y sanación de dos
personajes muy distintos entre sí. Alessa es una chica con grandes sueños y un
pasado cargado de emociones fuertes que al interpretarse hace que o se vuelva
empático con ella. Alessa logra transformar al público el reflejo de una amiga,
una compañera, una hija, una alumna.. la distante alumna.
Y justamente el personaje de Alessa es todo eso a la vez en ese encuentro un tanto
inesperado, en el que mediante el diálogo las heridas del pasado se abren para
intentar ser cauterizadas, ante la representación actoral improvisada.
El amor, la frustración, la incomprensión paternal, el deseo prohibido oprimido, la
violación y, las decisiones que marcan un estilo de vida, son los ingredientes que
sazonan ésta dramaturgia emotiva.
-Por su parte el creador de este montaje, Rodrigo Solo mencionó: “En lo más
próximo a la objetividad, solo puedo decir que es un trabajo que convoca al
escenario a dos generaciones que celebran una especie de ritual de
acercamiento para entender sus realidades. La joven entusiasta y sometida al
rigor familiar, El maestro que insiste y resiste pese a la exclusión que vive.-
ALESSA MARTELL se presentará hoy martes 25 y mañana miércoles 26 n el Teatro
Orientación “Luisa Josefina Hernández” a las 20:00 horas bajo la producción del
Instituto Nacional de bellas Artes y Literatura (INBAL) y La Secretaría de Cultura.
UGO, PAKO & JOSELUIZ
POR: Dalia De León Adams
Divertida comedia de enredos que se acaba de estrenar en el Nuevo Teatro Libanés
bajo la Producción de Morris Gilbert y La empresa “Mejor Teatro” en asociación
con los también productores Juan M. Caballé y Tomás Rottemberg.
Le comento qué es una obra teatral que originalmente se titula “Tom, Dick &
Harry”, escrita por los dramaturgos argentinos Ray y Michael Cooney. Ha sido un
montaje escénico muy taquillero en la ciudad de Buenos Aires, que fue traído a
México por medio del exitoso empresario Morris Gilbert.
Y seguramente ya Usted sabe qué: Morris Gilbert Raisman (Ciudad de México, 12
de septiembre de 1953) es un productor teatral mexicano, con 45 años de
trayectoria, a lo largo de los cuales ha llevado a escena 120 puestas en escena
de los más diversos géneros. (página WEB).
Los personajes protagónicos en UGO, PAKO & JOSELUIZ son interpretados por los
actores Héctor Gomís y Ana Layevska junto con Rubén Branco, y actores
alternantes como Aarón Balderi/ Alfredo Veldáñez, Paula Román/ Alicia Comas,
Pilar Boliver/ Anabel Ferreira/ Sophie Alexander-Kate, Pepe Navarrete/ Enrique
Chi, y Carla Medina, alternando ésta última con Ana Layevska en el rol estelar.
A manera de resumen o sinopsis de la trama UGO PAKO & JOSELUIZ la cual se
encuentra dirigida por Nicolás Cabré, bajo la adaptación escénica de Alfonso
Cárcamo, pudimos leer en el programa de mano la siguiente aseveración al
respecto:
-El espectáculo narra la divertida historia de tres hermanos, Ugo y su esposa
están a punto de adoptar un bebé. Sus hermanos están ansiosos por ayudar a
causar una buena impresión a la mujer de la agencia que ha llegado para
verificar el hogar y el estilo de vida de los futuros padres.
En la trama, con pinceladas de absurdo y otros tantos de humor negro, hay
tres hermanos, que quedarán atrapados en una maraña de malos entendidos y
tropiezos, uno tras otro.-
Y sí, realmente es una comedia de enredos con algunos tintes del género del teatro
del absurdo, la cual hace reír a carcajadas a la audiencia por su constante
contenido de humorismo negro, que contienen algunos de sus diálogos bien
estructurados por sus autores, Ray y Michael Cooney.
La obra tiene como referente una localidad de la actualidad en donde se ubica una
pequeña familia muy peculiar y aparentemente disfuncional, en donde tres
hermanos más allá de lo racional, consolidan sus lazos de hermandad y
solidaridad, llegando empero a situaciones hostiles y cruentas descritas dentro de
la narrativa de manera totalmente chuscas.
Puesta en escena en dos actos y un cuadro escenográfico diseñado a cargo de Lula
Rojo y en México adaptada por Emilio Zurita. Escenografía en donde se muestra la
estancia de una casa habitacional, en donde vive una pareja junto con un inquilino
familiar.
Contando con un final inusitado, ésta divertida comedia cerró con el aplauso
caluroso de su público. La obra teatral UGO PAKO & JOSELUIZ la podrá Usted ver
en el Nuevo Teatro Libanés de la Ciudad de México.
LAS ARAÑAS CUMPLEN AÑOS
POR: Dalia De León Adams
Obra teatral didáctica presentada en formato infantil, que mediante el recurso de
la narrativa de un cuento, introduce al público al conocimiento de determinadas
características de los arácnidos, además de contar una bonita y fresca historieta.
Las arañas son un conjunto de animales artrópodos muy abundante en todo el
mundo y del que se conocen aproximadamente unas 45.000 especies
diferentes. Son el orden más numeroso de la clase Arachnida y están
lejanamente emparentadas con otros grupos de artrópodos, como los insectos.
LAS ARAÑAS CUMPLEN AÑOS está escrita por la dramaturga Camila Villegas, Bajo
la dirección escénica de Yafté Arias, y cuenta con el reparto estelar de Michelle
Montiel Morán y Miroslava Figueroa.
Dos actrices quienes interpretan a diversos personajes a la vez a través de la
modulación de sus voces y movimientos corporales, a los que añaden además el
apoyo de diversas vestimentas que se ponen y quitan en el escenario, por su fácil
empleo.
A manera de breviario sobre la trama, en cartelera se publica lo siguiente:
-Tomás es un niño de 4 años que, debido a circunstancias desconocidas para él,
se ve obligado a abandonar su hogar junto con su madre. Este viaje, además de
alejarlo de su padre y de todo lo que hasta entonces conoce, lo forzará a crecer
para salvar dos de las cosas más importantes para un niño de su edad: la voz
de su madre y su fiesta de cumpleaños.
Para logar su objetivo Tomás contará con la ayuda de su abuela Estrella y sus
dos arañas, Patona y Peluda, amigas y protectoras. Ellas le ayudarán a
comprender que a pesar del dolor y la ausencia que provocan las perdidas,
siempre se puede seguir adelante porque los recuerdos son ése lugar que nadie
nos puede quitar.-
Obra infantil que lleva implícito un mensaje de amor y empatía hacia otros seres,
que en éste caso son los arácnidos (nombre científico araneae) a los cuales
desmitifica el miedo que causan por su forma exterior repulsiva para la
apreciación de algunas personas; sin embargo, en mayoría suelen ser inofensivos.
Empero, algunos de ellos tienen glándulas venenosas en los quelíceros, con las que
paralizan a sus víctimas, como las tarántulas o las viudas negras, entre otras como
la araña violín de apariencia frágil.
En la obra aparece también el personaje de la abuela, una mujer dulce y
comprensiva, que ayudará a su nieto a cumplir sus dos deseos más anhelados. La
puesta en escena es acompañada en ciertos momentos con música que ameniza al
cuento.
LAS ARAÑAS CUMPLEN AÑOS, es un montaje escénico qué en realidad, está
cumpliendo los diez años de mantenerse en cartelera en diversos foros, pues ha
logrado mantenerse al gusto del público de 5 años en adelante.
LAS ARAÑAS CUMPLEN AÑOS se presenta en el Teatro “El Granero, Xavier Rojas”
los días sábados y domingos a las 12:30 horas, en el Centro Cultural del Bosque
(CCB) bajo el patrocinio del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).
El servicio de salud pública en México, como en Dinamarca
Por: José Pedro S. Oliva 22 de abril de 2023
Todos a la espera de la oferta hecha al inicio de la presente administración, en el sentido de que se tendría un servicio médico como el de Dinamarca. Los escépticos han dudado de ello; sin embargo, las estadísticas los desmienten pero el director del IMSS tiene su concepto y los asegurados la padecemos. Basta acudir a la clínica para ver las enormes filas que se forman en cada una de las ventanillas de trámites, farmacias, consultorios, laboratorios; en fin en cualquier lugar por donde usted necesite algo encontrará personas desesperadas con deseo de recibir atención y servicio.
Es evidente que la gente desconoce que los servicios de salud en Dinamarca, están diseñados para una población que no alcanza los 6 millones, mientras que en el país se rebasa con mucho tal cantidad y los beneficiarios de estos servicios son más de 10 veces tal número; con lo cual es imposible pedir que agilicen las cosas y que dispongan de inventarios de medicinas acordes a las necesidades de una población tan numerosa, enferma, mal diagnosticada y peor atendida que además no parece entender que la causa de muchos de sus males derivan de las circunstancias en que se encuentra inmerso el país al no contar con infraestructura adecuada para que su integridad física, emocional y social evite que se le presenten cuadros de ansiedad y enfermedades que el mismo círculo vicioso en que estamos inmersos ocasiona.
En las clínicas las personas que desean atención, tienen que programar sus enfermedades con antelación de un mes en el mejor de los casos o si un malestar ocurre súbitamente, acudir desde temprano; para el turno con al menos cuatro horas antes de que inicien las consultas si es que pretende alcanzar una de las pocas fichas disponibles por consultorio; por supuesto que por doquier aparece el letrero que todos los trámites son gratuitos; sin embargo usted debe de llevar un acopio de documentos digitalizados o no que nunca se toman la molestia de incorporar a su base de datos con lo que los olvidadizos de tal disposición tienen que formarse varias veces ya que al ir por copias se pierde el lugar.
Como ya es sabido, esta permanencia involuntaria de tantas horas en recintos plagados de gente con diversas enfermedades pone en riesgo de contagio a quien se ve en la necesidad de acudir y soportar tantas horas de encierro; los alimentos accesibles en los alrededores son predominantemente chatarra, lo que aumenta el problema de diabetes que tanto aqueja a la población y que es la que regularmente tiene que recurrir a recibir la atención médica para intentar conseguir medicamentos y que tienen que pasar por el trámite burocrático que podrían obviar, tal y como mal ejemplo consignó el trámite más inútil ganador hace un par de sexenios, en detrimento de mi propuesta de que es la expedición de licencia ya que con la portación del IFE en aquel tiempo sería suficiente dadas las condiciones en que se expide licencia a quien la paga.
BIG FLAMINGO
POR: Dalia De León Adams
BIG FLAMINGO es la reciente puesta en escena con la cual comienza la Trilogía
ganadora de Nuevas Obras, o textos, en el Teatro Shakespeare, denominado “Ciclo
de “Historias de un Motel, para dramaturgias de paso.”
Escrita por Napoleón Alfaro, bajo la dirección escénica de Faviola Llamas, la obra
teatral cuenta con las actuaciones estelares de Lorena de la Parra, Enrique
Suarezolmos y Alejandra Zapata.
-Los hermanos Ali y Avril han solicitado los servicios de la médium Scarlet para
invocar a su recién fallecido padre en una habitación del hotel “BIG
FLAMINGO” , y de ésta forma resolver asuntos familiares aún pendientes. (cita
en cartelera teatral)
El montaje escénico se encuentra a cargo de Sandra Garibaldi, quien presenta una
recámara, junto a un visible baño. En el cuarto pequeño se aloja un viejo televisor y
varias lámparas en las paredes que ayudarán a los efectos, que la trama precisa
otorgar, bajo el diseño de iluminación a cargo de Gustavo Beltrán.
Dos jóvenes hermanos entran junto con una supuesta médium, quien resulta ser
toda una charlatana quien tan sólo es estudiante de actuación, lo cual le llevará
tentativamente a fingir la posesión del espíritu del padre de los chicos, a quien
intentarán invocar para conocer algunos secretos familiares aunados a la
desaparición de Alix, la hermana mayor; sin embargo cosas imprevistas para la
médium llamada Scarlet, están por suceder.
La trama surge en torno al tema del chantaje emocional, la hermandad, el abuso
sexual intrafamiliar y la complicidad callada, ante el prejuicio del ¿qué dirá la
sociedad? más allá de la justicia, equidad y la razón.
Uso de drogas, excesos, oportunismo y sucesos sobrenaturales, también sazonan
éste drama que ocasionalmente lleva momentos que al público le resultan chuscos,
arrancándoles sonrisos o carcajadas, empero a la temática cruenta implícita.
BIG FLAMINGO montaje exhibido en un cuadro y un tiempo escénico de
aproximadamente 60 minutos que se presenta en uno de los foros alternos del
Teatro Shakespeare con funciones de viernes a domingos hasta el 30 de abril 2023.
Nota Alterna: Si donas el día domingo 23 de abril 2023 un libro en buenas
condiciones en el Teatro “Xola, Julio Prieto” para ser entregado al Voluntariado del
IMMSS para las ludotecas de hospitales, se dará a cambio el 50% de descuento en
las obras “Niños Perdidos” y “12 Princesas en Pugna”.
UN TORNILLO ATRAVIESA MI CABEZA
POR: Dalia De León Adams
Obra teatral escrita, interpretada y dirigida por José Antonio Becerril, que se
presenta actualmente en el Teatro “La Capilla” con clasificación para adolescentes
y adultos.
Contiene una trama peculiar, basada un tanto en la obra icónica de Mary Shelley
intitulada “FRANKESTEIN o el moderno Prometeo”. (Ello tan sólo en el intento de
introducir un monstruo dentro del texto, que José Antonio Becerril también
denomina Frankenstein).
Recordemos que la obra tan reconocida mundialmente de Shelley se reduce a la
siguiente consideración:
-La vida de Víctor Frankenstein está marcada por su obsesión por dar vida a la
materia inerte. Los estudios de filosofía natural lo llevan a concebir a la
criatura que se convertirá en su mayor logro y tragedia. (Cita en página WEB)-
La trama al parecer, según argumentos de éste joven autor, introduce de alguna
manera reflexiones o experiencias autobiográficos, en la medida en qué por
ejemplo, el creativo recurre a la ayuda de un antiguo profesor de arte dramático,
para que le ayude a consolidar lo que desea sea su primer obra teatral.
Empero la narrativa no consolida un resultado final; es decir qué tras de
aproximadamente 60 minutos en los cuales el actor sube y baja en los dos niveles
del escenario, lee de pronto parte del texto, en tanto que de memoria emplea el
resto del monólogo que conforma la narrativa de la dramaturgia, tras lo cual pide
al público que anote en el papel que le fuera entregado con una pluma al inicio de
la obra, un posible final con el cual cerrar el montaje.
El público por supuesto coopera entre pequeñas risas, escribiendo lo que a su
gusto u ocurrencias, podría ser parte del desenlace de la trama. Propuestas que por
supuesto el actor lee ante sus espectadores, incluye de inmediato unánimemente
todas éstas anotaciones, creado así el final de su obra teatral.
Y sin tomar en cuenta la falta ortográfica recurrente de su sinopsis (la cual tal vez
sea de forma intencional por parte del autor) que forma parte de agregado en la
cartelera teatral, a manera de información medular de ésta puesta en escena, como
podrá Usted mismo leer de manera textual a continuación, se advierte qué pese a
la falta de tablas en escena por falta de experiencia, José Antonio Becerril es un
joven entusiasta que pese a todo, ha logrado consolidar su sueño de escribir,
actuar y dirigir su propia dramaturgia.
-Ésta ovra es mi intento por crear un monstruo, licuado de ideas que me
vinieron en una tormenta, necropsia a un chiste mal contado, tal vez sea la
peor ovra del año pero responde a una pregunta que me es importante ¿Cuál
es el dilema ético del creador frente a la * ovra? En ésta puesta en escena, un
actor prepara el ensayo de la obra Frankenstein o el moderno Prometeo” de
Mary Shelley, y en su búsqueda el acto creativo se le presentará como un espejo
de sí mismo. Adentrándonos a la mente del doctor Frankenstein, la brecha
entre proceso de creación y resultado se diluye dejando esta ovra que nunca
estará terminada y el acto alquímico de trabajar con nuestra memoria,
frustraciones, y deseos se manifiestan como aquel monstruo resultante de
nuestra búsqueda por entender el mundo.-
****Se respetan las faltas de ortografía del actor.
DANO Y LOS INFIERNO’S GAME. Un desafío para poner a prueba la amistad.
POR: Dalia De León Adams
Obra infantil escrita por Hasam Díaz Hierro, bajo la dirección escénica de Oswaldo
Valdovino que cuenta con la presentación en el escenario de diversos muñecos
guiñol, manipulados por los actores Abraham Lindoro, Diana Bastida, Iraís Ríos y
Carlos huerta Téllez, quienes se encuentran adosados en tonos negros, como es la
usanza de los titiriteros para con ello, dar el toque protagónico a sus muñecos.
Títeres creados bajo el diseño constructor de su mismo director artístico, es decir,
el Señor Oswaldo Valdovino, quien les otorga un toque de modernidad a sus
variados diseños coloridos, para con ellos dar vida a los personajes de ésta puesta
en escena divertida, cuya temática gira en torno al mundo tecnológico de los
videojuegos en la cual, se encuentran inmersos tanto jóvenes como niños en la
actualidad .
Me gustaría sentir que yo puedo rescatarme a mí misma
El mundo de los video juegos se hace presente en DANO Y LOS INFIERNOS’
GAME, un proyecto donde los adultos recordarán los disparates y ocurrencias
que sucedían en la secundaria; la obra de Hasam Díaz Hierro indaga en las
complejidades de la vida adolescente contada a partir de la singularidad que
otorga el manejo de títeres…
Esta no es una historia de amor, es una historia de amistad entre cuatro
adolescentes que enfrentan las vicisitudes de la vida en la secundaria. Yuri,
Dano, Jos y Zavala un día se ven envueltos por la virtualidad del mundo que
habita en los videojuegos, es así como, a través de diversas misiones,
descubren que a pesar de lo difícil que puede ser la realidad, la amistad es un
trampolín para salir a flote y construir un universo alterno.
Así es como se expresa la compañía creativa de ésta obra de ficción o cuento, que
lleva implícito un mensaje de solidaridad y fortaleza en la amistad. Dramaturgia
puesta en escena en un solo tiempo, con un cuadro escénico en donde los mismo
actores además de manipular a los títeres, introducen y retiran objetos
geométricos coloridos, con los cuales se logra perfectamente el efecto deseado de
entrar y ser presa los estudiantes, dentro de un videojuego.
Obra sugerida para un público infantil, pero que también resulta divertida para la
audiencia adulta por sus dejos de creatividad y contemporalidad, aunados a un
lenguaje coloquial y una trama muy bien estructurada.
“DANO Y LOS INFIERNOS’ GAME. Un desafío para poner a prueba la amistad” se
presenta en el Teatro La Gruta, del Centro Cultural Helénico los días sábados y
domingos a las 13:00 horas.
PEER GYNT “Hombre sé tú mismo”.
POR: Dalia De León Adams
Con tan sólo dos funciones, la obra teatral PEER GYNT presentada los días 9 y 16
de abril del año en curso 2023 tocaron, escenario mexicano a través de la
Compañía llamada “Marionetitlán” quienes con ésta puesta en escena mostraron su
gran creatividad al ofrecer un montaje recreado por títeres, imágenes multimedia e
incluso un muñeco de tamaño humano, que apareció dándole vida al afamado
escritor Henrrik Ibsen.
-“Henrik Johan Ibsen /ˈhɛnɾɪk ˈjoːhɑn ˈɪpsən/ fue un dramaturgo y poeta
noruego. Es considerado el más importante dramaturgo noruego y uno de los
autores que más han influido en la dramaturgia moderna, padre del drama
realista moderno”. (nota WEB).
Su obra intitulada PEER GNT fue escrita un 14 de noviembre de 1867, bajo el
formato de drama, e interpretado por primera ocasión en la ciudad de Oslo en su
país natal.
En ésta ocasión PEER GYNT se presentó en el Teatro “La Capilla” contando con
diversos cuadros escenográficos e imágenes de video, que permitieron durante los
dos tiempos escénicos de casi dos horas de duración, que el público disfrutara de
ésta icónica obra de Ibsen.
-La historia de Peer Gynt trata de un muchacho de campo noruego que tiene
grandes sueños y una gran imaginación. Peer Gynt vive a medio camino entre
el realismo y el romanticismo, en una frontera nebulosa donde los límites de la
realidad y la fantasía se han difuminado…
Peer Gynt es un aldeano adolescente, atrevido y avaricioso que fantasea con
ser rico e influyente y que tiene debilidades artísticas. Su madre intentará
frustrar sus malas intenciones.-
Peer Gynt es un aldeano, adolescente y atrevido, que fantasea con ser rico e
influyente y que tiene sus debilidades artísticas. Su madre, Aase, está
disgustada ...
Con la magia colorida de los muñecos guiñol, la obra de Henrik Ibsen logra los
diversos cuadros propuestos en el texto de la obra PEER GYNT empero al
sintetizarla, pues resultó qué la primera ocasión en que se presentó en un teatro
noruego oriundo del autor, duró seis largas horas.
La Compañía a cargo de la reciente puesta en escena de PEER GYNT en el Teatro
“La Capilla” en nuestra Ciudad de México, como a-priori he mencionado, es
“Marionetitlán”.
Grupo teatral que comentaría con respecto a su labor como creadores escénicos la
siguiente consideración al respecto:
-Somos una compañía de teatro con marionetas. Nos especializamos en
marionetas de madera, aunque también utilizamos otro tipo de títeres como
complemento.
Trabajamos desde el 2015 con la misión de fortalecer la técnica de las
marionetas en teatro para jóvenes y adultos, tradición que se ha ido perdiendo
en el país.
Lo mejor de trabajar con marionetas en teatro, es su naturalismo; la sensación
que dan al espectador de ser autónomas.
Y efectivamente con el montaje escénico de PEER GYNT lograron su objetivo -el
hacer que el público asistente sienta que los muñecos cobrar vida propia-.
Habrá funciones los jueves el 18 y 25 de Mayo ahí mismo en La Capilla
MALAS PALABRAS
POR: Dalia De León Adams
Reciente puesta teatral infantil que es presentada por las compañías teatrales
Proyecto Perla, Teatro para llevar y Núbila Teatro, quienes se han dedicado
durante años, a difundir textos para niños en diversos escenarios teatrales, en
diferentes lugares.
-En la obra de teatro MALAS PALABRAS (Perla Szuchmancher, Argentina 1946-
México 2010) Flor, su protagonista adulta va desenredando frente al público la
madeja de u historia. A partir de un relato narrado en primera persona y
animando objetos cotidianos, Flor nos transporta al mundo de su infancia
dándole vida a los personajes, los juegos, los conflictos, las ilusiones y los
sueños que lo habitan.
MALAS PALABRAS aborda el tema de la adopción y del miedo a afrontar su
revelación. Y lo hace de forma sensible pero sin solemnidad, transitando por la
risa, la tristeza, el miedo, la bronca y la alegría. Recuperar el valor de la
palabra, dando lugar a las preguntas, aunque no hallen respuestas.-
Así se expresa la casa difusora de ésta obra para mencionar algunos de los
elementos con los que cuenta la dramaturgia MALAS PALABRAS cuyo título
encierra la parte medular de la consigna que propone éste texto, en donde el
personaje protagónico se presenta en un Yo narrador, omnisciente, en primera
persona.
Tras el deceso de su autora la dramaturga argentina Perla Szuchmancher (1946-
2020) su creatividad en cuanto a narrar con un texto, que lleva implícito la
consigna de amor por aquellas personas que guían nuestra existencia, se evidencia
bajo una narrativa sencilla que pone de manifiesto algunos de los sentimientos de
aquellas personas quienes tras el abandono o perdida de sus progenitores, han
encontrado el abrigo de una familia adoptada.
En escena, el personaje protagónico de Flor está caracterizado por la actriz Laura
Bouzas, quien da vida dentro de la historia a tratar, a una mujer quien habla desde
el corazón, sobre su experiencia personal, al enterarse de ser una hija en adopción.
Ello se logra mediante prospecciones y retrospecciones temporales que hacen
posible el presentar mediante el discurso de un monólogo, a distintos personajes
como lo son los padres adoptivos, y el pequeño “Pelos”, amigo único de Flor.
La actriz Laura Bouzas realiza la modulación de la voz y utiliza algunos objetos
para recrear diversos cuadros escenográficos, con los que cuenta éste montaje
escénico, en donde aparecen un pequeño escritorio, una silla, un tapete, una
papeleta de basura y algunos objetos de tramoya que sirven de apoyo al texto a
tratar.
Puesta en escena que ha sido publicado por la Editorial Fondo Nacional para la
Cultura y las Artes, y en la revista Paso de Gato (Cuadernos de Teatro para Joven
Público).
Dramaturgia infantil MALAS PALABRAS es una puesta en un acto escénico y un
cuadro escenográfico, que se presenta en el Teatro “El Galeón” por tan sólo éste fin
de semana (sábado 15 y domingo 16 de abril 2023) en turno matutino
VOLVER A LA ESCUELA
POR: Dalia De León Adams
VOLVER A LA ESCUELA significa volver al pasado. Recapitular recuerdos que han
quedado grabados en la memoria y en el inconsciente, haciéndolos presentes para
con el tiempo revivirlos.
La escuela, ese lugar en donde aprendimos a leer y escribir. En donde poco a poco
surgieron formulas matemáticas cada vez más complejas, en donde cantábamos
cada lunes el himno nacional y saludábamos a la bandera.
Materias, disciplinas, tareas trabajos de equipos, gimnasia, historia, geografía,
cantos, juegos compartidos, compañerismos, amigos, disciplinas, reglas, cantos,
días festivos y los adorados recreos.
Pero eso no era todo, también es avivar secuelas del pasado en el cual se vivían día
a día abusos,bullying, castigos, ofensas, sobrenombres, apodos, burlas,
exclusiones, prepotencia por parte de profesores o directivos, regaños, y hasta
golpes o idas frecuentes a la dirección que incluían citas con los padres de familia.
Castigos vividos en carne propia o surgidos en el dolor y miedo de ver sometidos a
otros, es justamente la trama que aborda ésta puesta en escena, producto de la
Compañía “Delirio Teatro”:
-Una reflexión crítica sobre el papel de la educación básica en la formación de
nuestra identidad como ciudadanos- (cita textual del boletín de prensa)
Una obra de denuncia que va más allá de una pretendida formación, en donde
también se aprende a “temer”. Con respecto al objetivo de ésta puesta en escena,
podemos continuar leyendo:
-VOLVER A LA ESCUELA es a un tiempo una preocupación política, social y
pedagógica, que intenta dar una mirada al periodo formativo que corresponde
a la educación básica y su repercusión en la identidad nacional ¿Podemos
mirarnos al espejo de nuestra infancia?
Montaje escénico creado en el marco del programa “México en Escena”. Grupos
Artísticos del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (SACPC) de la
Secretaría de Cultura del Gobierno de México.
El elenco está formado por Fernando Morales, Elfye Bautista, Martín Becerra,
Darinka Olmedo, Hugo Corripio y Javier Oliván, quienes son parte del equipo
actoral y creativo junto con su productora ejecutiva y encargada del vestuario Ana
Luisa Alfaro, el músico Salvador González de la Vega y el iluminador, Gustavo
López.
Grupo teatral que con respecto a su trabajo escénico, reflexiona de la siguiente
manera:
-Trabajamos sobre aquellas experiencias que nos han formado como los
ciudadanos que ahora somos, referidas a los valores que la enseñanza-
aprendizaje dejó en nosotros, la historia y el civismo, la lengua y las
matemáticas, los exámenes, la memoria, la autoridad.
Incorporamos así las experiencias que nos forjaron emotiva y moralmente en
relación a las prácticas escolares y la convivencia con docentes y compañeros.
VOLVER A LA ESCUELA se presenta en el Teatro “El Milagro” tan sólo éste fin de
semana, es decir del jueves 13 al domingo 16 de abril de año en curso 2023.
CONVERSATORIO CON EL MAESTRO MIGUEL SABIDO
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
No cabe duda de que uno de los grandes íconos del teatro contemporáneo
mexicano es el maestro Miguel Sabido, quien recientemente se presentó en El
Círculo Teatral para amenizar con su plática un poco sobre el llamado Teatro
Subsidiado y No Subsidiado.
Innovador y creador del “La Compañía de Teatro Campesino” el maestro Sabido,
con la sencillez que caracteriza a los grandes, aseguró que tan sólo se presentó
para dar una charla, pero en verdad constituyó una cátedra.
Habló sobre su propia trayectoria y en especial sobre el Teatro que fuera del
Seguro Social; es decir, del Teatro “Xola” y la manera en que se conformaban en la
segunda mitad del siglo pasado, los escenarios.
De tal modo que además yendo al tema, mencionó de manera adjunta con
terminología técnica sobre cada uno de los lugares que fue estructurado
secularmente el teatro y en especial El Teatro Xola.
Comentó como ha sido devastado actualmente, y dio pormenores de algunos de los
característicos componentes del inicial recinto, e incluso de cada uno de los
espacios por su respectivo nombre, para lo cual mostró algunas láminas
ilustrativas de la temática a abordar.
Ahora dicho lugar es el “Teatro Julio Prieto” aunque los amantes del teatro lo
siguen nominando como XOLA e incluso en carteleras aparece con ambos
apelativos.
Así fue que el maestro Miguel Sabido en su CONVERSATORIO mencionó
interesantes pormenores seculares con respecto además de la zona un tanto
inhóspita y alejada, para muchos creativos escénicos y espectadores.
Y no podía faltar de mencionar el MAESTRO MIGUEL SABIDO a otras
personalidades del círculo escénico, como lo fueran Héctor Mendoza, Xavier
Villaurrutia e incluso dramaturgos importantes de antaño como al
internacionalmente reconocido dramaturgo e innovador teatral Juan Ruiz de
Alarcón, de quien mencionara qué aún nacido en México, ha sido considerado por
muchos como un valuarte del Teatro Español.
Pero, ¿quién es el maestro Sabido? Le recordaré en base a publicaciones que se
encuentran en algunas páginas WEB :
-EL MAESTRO MIGUEL SABIDO José Miguel Sabido Ruisánchez (Ciudad de
México, 20 de noviembre de 1937), citado como Miguel Sabido, es un
dramaturgo y poeta mexicano…
Nació en la Ciudad de México, el 20 de noviembre de 1937. Dramaturgo y
poeta. Estudió Literatura Dramática en la ffyl de la UNAM. Ha sido director de
teatro ...
Este año celebraron la vida y trayectoria de José Miguel Sabido, dramaturgo
quien es considerado el "padre del entretenimiento educativo"…
Dramaturgo, escritor, director y productor de teatro, cine y televisión, crítico y
teórico de la comunicación…
Actualmente, el maestro Sabido trabaja en un sitio web que albergará su
metodología de entretenimiento educativo así como su experiencia.-
MIGUEL SABIDO ¡Orgullo del Teatro Nacional!
ALBERTO ESTRELLA ¡más vigente que nunca!
POR: Dalia De León Adams
En entrevista con el afamado actor mexicano Alberto Estrella conocimos algunos
de los pormenores sobre su exitosa labor como actor, director, profesor y
productor, además de los motivos que le hicieron incursionar en dicha profesión.
Cuenta con su propio Teatro e Instituto de Artes Escénicas “El Círculo Teatral”.
Para ALBERTO ESTRELLA un artista, es artista en cualquier escenario, ya sea que
trabaje en teatro, en el cine, o en la televisión, o incluso en una carpa.
Con respecto a su trayectoria y vida, pudimos leer en algunas páginas WEB al
respecto de manera sintetizada la siguiente aseveración:
-Alberto Rodríguez Estrella es un actor mexicano de televisión, teatro y cine.
Cuenta con un foro cultural de Teatro llamado "El Círculo Teatral"…
Nominaciones: Premio TVyNovelas al Mejor Villano , Premio Ariel a la Mejor Co-
actuación Masculina , Premio Ariel al Mejor Actor (el Premio Ariel a la Mejor
Co-actuación Masculina es un premio otorgado anualmente por la Academia
Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC). Además de haber
recibido por parte del APT otra presea por ser “El actor Revelación”.
Hijo de Felipe Rodríguez Pérez, quien tras de conocer la inquietud de hijo Alberto
por incursionar en el medio artístico, lo inscribiría a su cortos 14 años de edad, en
un Teatro de Aficionados, el entonces Teatro INCUBER.
Su primera participación como profesional fue en “Picnic en Campaña” al lado de la
actriz Irma Lozano, bajo la dirección de Fernando Arrabal. Su segunda
participación sería en “Cosas de Muchachos” de Guidebaldo López, quien le
sugeriría que continuara con sus estudios al descubrir que poseía un gran talento
como actor.
Tiempo más tarde sería Discípulo del maestro Héctor Mendoza, de quien
aprendería algunos métodos y técnicas de la actuación; sin embargo ALBERTO
ESTRELLA reconoce la influencia que ejercería en su formación actoral el maestro
Raúl Cermeño y la maestra Mercedes de la Cruz, quienes dicho sea de paso, serían
parte del profesorado en su Instituto “El Círculo Teatral” durante largos años. El
espacio tanto escénico como educacional que nació ante su inquietud por enseñar
técnicas y metodología en base a una sistematización escolar.
Para ALBERTO ESTRELLA los personajes por los que apuesta deben ser complejos,
que le despierten un esfuerzo creativo, no repetitivo, en otras palabras que sean un
reto.
Para lograr encontrarlos (como se dice en la jerga artística )o bien caracterizarlos,
ya sea en el medio cinematográfico, teatral o televisivo, la madurez que le ha
otorgado su carrera, le ha permitido utilizar su propio método basado en gran
parte en la intuición.
Debe rastrearlo desde su parte interna, como fue al interpretar a un hombre de
labio leporino al cual debía saber cómo se expresaba y qué se sentía ante dicha
circunstancia física, o en “El charco inútil” en donde interpretaba a un hombre que
cojeaba.
Sin embargo en otros personajes inicialmente comienza su búsqueda de manera
externa, como sucediera en “El Mariachi” en donde nos sintió al personaje hasta
que portó el traje. Todo ello dependiendo de la propuesta escénica lograda
conjuntamente con el director en turno.
Advirtió qué todos sus personajes han dejado una huella importante al actor, sin
embargo, reconoce que algunos le dejaron mayor satisfacción, en la medida en que
le han permitido expresarse, como en el caso de la producción de “Napoleón”, en
tanto que otros, han constituido un verdadero reto, como en el caso de
“Exxxorsism”.
Lo cierto es qué cuando se tiene madera de actor, ¡se tiene madera de actor! y
ALBERTO ESTRELLA ha demostrado poseerla.
BUSCO AL HOMBRE DE MI VIDA. Marido ya tuve.
POR: Dalia De León Adams
-Hablar de BUSCO AL HOMBRE DE MI VIDA. Marido ya tuve. Es volver a llevar a
los escenarios no solamente lo que viven las mujeres en una sociedad
machista, sino llegar a la conclusión de que no necesitamos estar en pareja
para ser felices.
Solos somos suficientes y el amor de nuestra vida somos nosotros mismos.
(Antonio Escobar).
Y justamente es la temática que aborda a manera de comedia ésta divertida puesta
en escena, original de Daniela Di Segni, la cual es presentada bajo la adaptación del
texto por parte de Andrés Tulipano actualmente en el foro del Teatro Xola Julio
Castillo.
¿Dónde están, dónde se esconden los hombres? Es la pregunta que se hacen a
coro muchas mujeres sumergidas en los vaivenes de una posmodernidad llena
de desencantos y frustraciones. Daniela Di Segni se propuso investigarlo y
relata con mucho humor…
Relata con mucho humor los desencuentros entre sexos. Di Segni describe los
avatares de hombres desconcertados frente a mujeres… (notas en página WEB).
“BUSCO AL HOMBRE DE MI VIDA. Marido ya tuve” es un montaje escénico que
cuenta con la presencia de cinco actrices muy reconocidas en el medio actoral
comercial, como lo son, Olivia Collins, quien representa el rol estelar de Teresa,
compartiendo créditos al alternar funciones con la actriz Ivonne Montero.
La artista Anna Ciocchetti por su parte, caracteriza al personaje de Garda;
finalmente Issabela Camil interpreta junto con Lourdes Mungia (también de modo
alternante) al personaje de Daniela, dentro de ésta trama en donde todos los
personajes femeninos expresan sus frustraciones ante decadentes relaciones
amorosas y sexuales personales.
El varón es el foco de atención, y la manera de conseguir uno, su frustración. Es
una dramaturgia que bien puede también ubicarse como novela psicológica en el
sentido en que aborda la psiquis de sus tres personajes femeninos, ¿cómo
piensan?, ¿qué pretenden? y ¿qué desean en una relación?.
Empero, la obra esta escrita solamente bajo una perspectiva femenina; es decir,
desde el punto de vista de mujeres actuales enfrentando las relaciones de pareja,
cada vez menos frecuentes y comprometidas.
Contando con cerca de 110 minutos, la puesta en escena en dos tiempos, incluye un
dúo o dos cantantes que van amenizando tras de diversos cuadros escénicos, ésta
comedia bajo un toque irreverente y divertido, en donde aparece una escenografía
que comprenden algunos muebles como sillones y mesitas decorando de manera
modernista la estancia; una de éstas con uso de escritorio en donde se encuentra
una computadora, son los objetos de tramoya.
Aparecen cantantes otorgando un toque agradable a la obra, quienes también se
presentan alternando las funciones. Ellos son Claudia Vázquez, Roberto Blazquez,
Massiel Sangunetti, Liza Muriel y Lorelli Mancilla interpretando canciones que se
han colocado en el agrado del publico, y cuya letras son acorde con los diálogos
que estructura la trama de ésta amena obra teatral.
“BUSCO AL HOMBRE DE MI VIDA. Marido ya tuve” es una puesta en escena muy
bien dirigida por Antonio Escobar que resulta de gran interés para ambos sexos,
empero a estar escrita bajo una perspectiva femenina, en el sentido de que algunas
o muchas mujeres, pueden verse reflejadas por cualquiera de los personajes
protagónicos, en tanto que los hombres podrían entender o por lo menos saber del
cómo son visualizados bajo una perspectiva femenina.
-Tres mujeres intentan rehacer su vida después de atravesar una separación
amorosa.
Una obra con alto contenido humano que revindica la sexualidad femenina con
enorme sensibilidad y gran sentido del humor. – (Nota en cartelera teatral).
BUSCO AL HOMBRE DE MI VIDA. Marido ya tuve. Se presenta en el teatro Xola Julio
Prieto con funciones los sábados y los domingos en doble horario.
NOSTALGIA DE LA MUERTE
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Bajo la dirección artística y la actuación estelar de la maestra Mart Verduzco, la
obra teatral NOSTALGIA DE LA MUERTE se presenta en el Teatro Héctor Mendoza
hasta el día 26 de abril.
Puesta en escena con la cual se ha dado apertura al Ciclo “Los Contemporáneas” a
manera de homenaje a dicha generación de poetas, iniciando con el además de
poeta, dramaturgo, Xavier Villaurrutia.
Constituye un montaje escénico en donde se dramatiza y actúan algunos de los
poemas más icónicos que comprenden parte de la obra literaria de cada uno de los
poetas pertenecientes a lo que fuera dicho grupo de jóvenes innovadores.
La obra teatral NOSTALGIA DE LA MUERTE tiene como personajes protagónicos a
varios de los actores estables de La Compañía Nacional de Teatro (CNT) quienes
aparecen en co-producción con El Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura
(INBAL).
El elenco está formado por Erando González, Gastón Melo, Roldán Ramírez,
Rodrigo Vázquez, y Marta Verduzco. Todos ellos como está por demás decirlos,
grandes actores reconocidos.
Puesta en escena en un solo acto en donde aparece tan sólo una cama o diván y
algunas sillas; mobiliario que es movido en distintos momentos escénicos, a
manera objetos de tramoya, por los mismos actores que aparecen en escena.
Hielo seco a manera de bruma da el toque nostálgico y nocturno que la poesía a
recitar precisa, además de contarse con el apoyo multimedia de videos y un telón
extra colocado en la parte posterior, tras el cual desaparecen momentáneamente
los personaje.
Escenas en donde entre varias cosas más aparece la fotografía en “Close up” del
poeta Xavier Villaurrutia, junto con el juego de iluminación a media luz a cargo de
Kay Pérez y el vestuario a usanza secular de Indira Aragón.
Su directora y actriz, Marta Verduzco: comentaría qué:
-El objetivo de ésta obra es acercar a las nuevas generaciones a los textos de
“Los Contemporáneos”, de poetas como Xavier Villaurrutia, Bernardo Ortiz de
Montellano, Jaime Torres Bodet, Carlos Pellicer, Alfonso Reyes, que no
perteneció al grupo, pero fue su maestro, los ayudó, los defendió , además de
dignificar a la comunidad homosexual, el cual en aquella época, y aún ahora,
ha sido muy atacado.- (párrafo textual de la cartelera teatral).
NOSTALGIA DE LA MUERTE tendrá dos funciones más en días martes, en el Teatro
Héctor Mendoza ubicado dentro de la sede de la Compañía Nacional de Teatro
(CNT).
-La tierra hecha impalpable silencioso silencio, la soledad opaca y la sombra
ceniza caerán sobre mis ojos y afrentarán mi frente. Al fin llegó la noche con
sus largos silencios, con las húmedas sombras que todo lo amortiguan. El más
ligero ruido crece de pronto y, luego, muere sin agonía.- (Poema NOSTALGIA DE
LA NOCHE).
12 PRINCESAS EN PUGNA
POR: Dalia De León Adams
Una de las obras teatrales comerciales que ha logrado colocarse en el gusto del
público, es sin duda el montaje escénico dirigido y escrito por el mismo Quecho
Muñoz 12 PRINCESAS EN PUGNA.
Y si Usted aún se pregunta el por qué del éxito obtenido, le podría comentar qué
entre algunas cosas contiene un texto muy creativo y divertido en base a doce de
los cuentos presentados bajo el formato de largometraje, por la afamada casa
fílmica de Disney.
Cuentos que hicieron y continúan haciendo soñar, a millones de niños en el mundo
que los ha convertido en unos verdaderos clásicos de cuentos infantiles. Por
supuesto qué me refiero a La Cenicienta, Blancanieves y los siete enanitos, La Bella
Durmiente del Bosque y Peter Pan.
A los cuales continuaron tiempo más tarde las películas de La Bella y la Bestia, La
sirenita, Mulán, Tarzán, Pocahontas, Aladino y La princesa y el sapo. Obras de la
literatura que Disney utilizó en su repertorio, con ciertos arreglos.
Y justamente en base a éstos cuentos infantiles es que el escritor Quecho Muñoz
basara su dramaturgia de 12 PRINCESAS EN PUGNA rescatando los personajes
femeninos protagónicos de dichos cuentos, para darles un formato más real.
Con ello me refiero a que el texto está conformado por una especie de mezcolanza
en donde las situaciones icónicas de cada uno de éstos cuentos, son utilizados para
transformar a las princesas de dichos cuentos mágicos y encantados de la casa
Disney, en doce mujeres con características más reales.
De tal modo que el autor de ésta obra teatral las transforma en mujeres que se
relacionan durante una cena en el Palacio de La Cenicienta, poniéndose entre ellas
en constante evidencia, criticándose unas a otras.
-Todo se desarrolla en el castillo de Ceni, cuando ella realiza una misteriosa
reunión para compartirles a sus amigas un secreto que la acongoja. Así,
iremos descubriendo que todas las invitadas no son lo que aparentan y que,
quizá, todos fuimos engañados con el “Felices para Siempre”. (párrafo de la
cartelera teatral).
Por lógica es qué el público que ha llegado a ver las películas en su totalidad o en
su gran mayoría, disfruta mucho más de la narrativa y diálogos de la obra teatral,
pues de inmediato capta el sentido que le infiere su escritor Quecho Muñoz
Así el doble mensaje y significado que llevan inmersos cada uno de los diálogos es
lo que en consecuencia arranca las carcajadas del espectador. Esto lo logra su
creativo utilizando además frases con doble sentido, como es característica del
mexicano, e incluso con el uso de palabras altisonantes en la narrativa.
Aunado a la escenografía presentada en un cuadro que simula a manera de cómics
el Palacio de La Cenicienta, el vestuario que porta el reparto estelar de las 12
PRINCESAS EN PUGNA y que adosan acorde a cada uno de los cuento, junto con el
maquillajes y el uso de pelucas, todo ello logra darles el perfil deseado, a las
actrices que aparecen en los dos tiempos escénicos.
Ellas son Leslie Martínez, Susy Lu Peña, Paulina de la Barrera, Mirsha Solorio,
Paloma Jiménez, Mary Francis Reyes, Paola Contreras, Jimena Cornejo, Denisha,
Melissa Hallivis, Gloria Toba, Naydelin Navarrete, y Nastassia Villasana.
Elenco estelar que se presenta junto con Job García y Juan Vidal y la ocasional
presencia de actrices invitadas, entre las cuales se encuentran Lola Cortés y
Carmen Sarahí.
Y como bien hace cuestionarnos Quecho Muñoz, ¿Las princesas tienen una vida
prometedora? Y fueron muy felices para siempre… ¿Es una realidad dentro del
mundo de la realeza? ¿Los príncipes encantados no dejaron en qué soñar… a sus
princesas? Tal vez la respuesta podría encontrarse en 12 PRINCESAS EN PUGNA, y
lo cierto es que dichos cuentos continúan cautivando al público infantil e incluso a
muchos adultos.
Se presenta la obra 12 PRINCESAS EN PUGNA en el Teatro antes Xola, “Julio Prieto”
los días jueves a las 20:30 horas.
LA LUZ DEL OTRO
POR: Dalia De León Adams
En pocas ocasiones una obra teatral aborda la temática del posible futuro de
nuestro planeta tierra tan desvastado y en vías de desaparecer ante la
imposibilidad o negación de la sobrevivencia de cualquier especie viva gestada en
ella.
Tema qué de manera medular es expuesto dentro de la narrativa de ésta puesta en
escena intitulada LA LUZ DEL OTRO, escrita por el dramaturgo Sergio López
Vigueras que esta presentada a cargo del grupo creativo “Colectivo
TeatroSinParedes” .
El texto presenta a dos personajes quienes con el paso de varias décadas se
encuentran solos en éste mundo. Ambos narran su experiencia como ya únicos
sobrevivientes y se cuestionan el ¿qué hacer? ¿Cómo actuar? ¿Matar al otro único
ser sobreviviente? ¿aliarse? ¿Comenzar un ciclo de vida?
Esos son algunos de los cuestionamientos que cada uno de los personajes se
plantean por su lado, antes de entablar un diálogo en donde la franqueza
solamente tiene cabida. Por un lado la posibilidad de poblar es nula ante la falta de
fecundidad de la mujer, entonces, ¿qué hacer? es parte del cuestionamiento.
Los actores en escena son Diana Sedano y Bernardo Gamboa, dos buenos actores
quienes aparecen dentro de un escenario vacío en donde ocasionalmente aparecen
dos sillas y una mesita; empero a ello, el respaldo escenográfico con mayor peso
escénico es la presencia de las imágenes multimedia que aparecen en la parte
posterior del escenario, apoyadas por una “Voz in Off”.
Ambos utilizan un vestuario que se pueden ir retirando pieza por pieza, en tanto
qué el otro vestuario a presentar es un tanto extraño, en tono blanco que sugiere el
ropaje de una futura época por llegar.
La dirección se encuentra a cargo de David Psalmon quien con pocos elementos
logra introducir al espectador al futuro desbastador de la humanidad, en el cual se
sustenta la idea de un posible renacer, o bien, el final absoluto de la especie
humana.
-Año 2123 la humanidad ha atravesado guerras y pestes que han exterminado
a la población casi por completo. Acechados por la peste azul, Bernardo y
Diana creen, cada quien, ser los últimos habitantes del Circuito 13, hasta que
se dan cuenta de que no están solos. Diana ayudara a Bernardo a recuperarse.
Cada uno se convierte en la última esperaza del otro, pero también en el
depositario de sus sueños y temores.-
Párrafo textual con el que se puede Usted enterar en la cartelera teatral, de la
sinopsis del montaje escénico de LA LUZ DEL OTRO que se presenta en el Teatro
Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque (CCB) cada fin de semana de
jueves a viernes
HASTA LUEGO
POR: Dalia De León Adams
Con la Compañía “Los Endebles” la obra original del dramaturgo Antoine Jaccoud
(acaba de iniciar temporada en el Teatro “La Capilla” bajo la dirección escénica de
Daniel Bretón.
Antoine Jaccoud es un escritor nacido en Lausana quien tiene entre sus obras los
libros Adieu aux bêtes, Der gefrorene Zulu im Diemtigtal: und Andere Geschichten,
Country.
HASTA LUEGO es un texto presentado en formato de monólogo en el cual actúa el
maestro Boris Shoemann con la gran sensibilidad histriónica y un tanto poética,
que precisa ésta obra teatral.
Pero y ¿quién es Boris Shoemann? Si aún Usted se lo pregunta le diré qué es:
-Director, actor, traductor, editor y docente teatral nacido en Francia en 1964.
Reside y desarrolla sus actividades profesionales en México desde 1989.
(página WEB).-
Ya nacionalizado mexicano su amor al medio teatral le ha llevado a colaborar en
distintos rublos del medio escénico, además de ser el Directivo del Centro Cultural
“La Capilla”.
Y ayer, día martes 3 de abril mostró sus dotes de actor, guiado por el también
talentoso director artístico Daniel Bretón presentaron éste montaje escénico
sugerida bajo una escenografía casi vacía, que tiene como apoyo una silla y una
pantalla multimedia colocada al fondo del escenario, de donde aparecen algunas
proyecciones.
También cuentan con musicalización apropiada a las escenas a representar y con
hielo seco que logra el efecto de un mundo en el caos total. Así fue como Daniel
Bretón logró dramatizar la puesta en escena intitulada HASTA LUEGO.
Título que advierte la esperanza de un padre por volver a ver y encontrarse con
sus dos vástagos. El texto alude al hijo mayor y el hijo menor sin asignarles
realmente un nombre de pila, lo cual hace que ésta obra del género de ficción,
pueda de alguna manera tener conexión sentimental, con otros muchos padres de
familia que despiden a sus descendiente sin saber si algún día volverán a verlos.
Pero en éste caso, la narrativa va más allá de un despido qué el afán por el
reencuentro no pueda resolver. Me refiero a que la partida llevará a esos dos
familiares cercanos junto con otros tantos jóvenes más, a poblar un planeta
exterior; es decir al planeta Marte.
Conjeturas, ideas e imaginación hacen del monólogo un deleite en donde el padre
imagina a los jóvenes tal vez cosechando brócolis, introduciendo conejos o
mariposas quizás, entre otros cosas más al planeta que será recientemente
habitado, tras de dejar el planeta Tierra en condiciones deplorables tras una gran
pandemia, que el personaje protagónico llama despectivamente “una verdadero
basurero”.
-En un salto un hombre despide a sus dos hijos, que están a punto de partir
rumbo a Marte, para colonizarlo. Un salto a un futuro no tan lejano. Ciencia
ficción apocalíptica y con humor en medio de unos tiempos pandémicos. Un
texto de despedida, triste, divertido y esperanzador a pesar de las tinieblas que
nos rodean.- (cartelera teatral).
HASTA LUEGO es un texto traducido al español que inicialmente fue presentado
por el maestro Boris Shoemann en el año 2018 a manera de lectura dramatizada
en el Festival Dramafest, para posteriormente ser expuesta en vía streaming y
finalmente presentada en formato presencial en el Teatro “La Capilla” con
funciones los días lunes a las 20:30 horas..
KAHLO Viva la vida.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
En el Foro 4 Espacio Alternativo contando con servicio de Tetro bar, se presenta
actualmente la obra “KAHLO Viva la vida” con un espléndido monólogo original de
Humberto Robles. Se cuenta con la actuación estelar de Ana Karina Guevara quien
da vida al personaje de la pintora fallida Frida Kahlo, bajo la dirección escénica de
Pilar Boliver.
Es un Teatro Cabaret, donde recobra vida la mundialmente afamada pintora.
Temática que tal vez parezca muy trillada. Sin embargo resulta ser una puesta en
escena peculiarmente interesante, en cuanto a montaje escénico el cual perfila
perfectamente la personalidad y la vida de Frida Khalo.
El monólogo es una obra bibliográfica que trastoca la personalidad, vida amorosa y
social de Kahlo, así como la enfermedad que padeciera por tanto tiempo. Ello de
manera colorida, contando un vestuario y maquillaje que inmediatamente nos
lleva a la mente a tan peculiar personaje mexicano de la primera mitad del siglo XX.
Con frases acorde a su personalidad, palabras altisonantes y un dialogo que
permite perfilar la personalidad fuerte, extravagante y sincera del personaje
considerado mundialmente como uno de los baluartes del arte pictórico mexicano.
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón nacida en el Distrito Federal en 1907 y
cuya muerte ocurriese en 1954 fue, como es de todos bien sabido, una artista
plástica mexicana, perteneciente al género naif, surrealista y modernista por su
técnica.
Su vida estuvo marcada por la enfermedad que contrajo desde muy joven y que
fuese la poliomielitis. Además, posteriormente sufrió de un grave accidente que la
mantuvo postrada en cama durante el resto de su vida. Esposa del pintor y
muralista Diego Rivera, de quien se asegura fuera amante del político ruso Trotsky
y, de la cantante Chabela Vargas.
Todo ello es escenificado, con el osco temperamento que demostró la artista
adquirir en el ocaso de su vida, tras de las constantes infidelidades por parte de su
marido, así como de la frustración de no haber podido ser madre y de su delicada y
vulnerable salud física.
La Coordinación de Difusión y prensa del Centro Cultural Helénico, a través de la
Señorita Gaddi Miranda, presentaron al respecto a ésta obra cabaret “KAHLO Viva
la vida” siguiente aseveración:
-“KAHLO Viva la vida” es un espectáculo unipersonal donde vemos a la pintora Frida
Kahlo evocar diferentes momentos de su vida, haciendo un auto-retrato hablado, nos
revela sus grandes pasiones, sus amores, sus dolores a través de un ir y venir en su
propia biografía, ella nos sumerge en su tortuoso destino del que se burla y al que
logra sublimar haciéndolo arte.
Escoge la noche del Día de Muertos para compartirnos su intimidad con la música que
más le gustaba y por supuesto con su humor negro característico Kahlo festeja con la
muerte y con el propio espectador, a quien hace su mayor cómplice de su fascinante y
controvertida vida…
En éste montaje, la actriz Ana Karina Guevara logra un acercamiento con el público, a
quien hace reír y pasar un muy agradable tiempo escénico de casi 60 minutos, en donde se
engalanan las escenas con algunos objetos artesanales mexicanos, de los cuales solía gozar
y hacer uso Frida, en cualquier lugar que pisase.
Finalmente le comentaré qué “KAHLA Viva la vida” es la obra teatral con la cual se reinicia
a apertura del Foro 4 Espacio Alternativo. Puesta en escena que se presenta únicamente
en días sábados, en horario de las 21:00 horas. Esto porsupuesto dentro del Centro
Cultural Helénico en corta temporada. ¡FELICIDADES A TODOS!
SEGISMUNDA
POR: Dalia De León Adams
Bajo la dramaturgia y la dirección de Claudio Tobo, la puesta en escena
SEGISMUNDO se presenta en breve temporada en el teatro “El Granero, Xavier
Rojas del Centro Cultural del Bosque (CCB).
Ya con anterioridad había sido representada y tras su éxito volvió a cargo de la
Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura
(INBAL) a partir del pasado día 25 de marzo del año en curso 2023.
Texto perteneciente al género dramático por su tratamiento escénico; escrito el
cual, a consideración de su escritor Claudio Tobo, pertenece al género documental.
Ello tal vez porque toca las heridas qué de manera real, generalmente padecen las
personas transgénero.
En ésta obra teatral se muestra las vicisitudes que enfrenta una persona quien no
se reconoce en su propio cuerpo. La actuación se encuentra a cargo del actor
español Oscar Piñedo quien se introduce bajo la piel del personaje con gran
emotividad y maestría.
Hecho que muestra su gran disciplina actoral, aunadas a las actitudes artísticas que
posee Óscar Piñero quien tanto actúa, como baila, canta, e incluso recita de manera
esplendida.
En un momento escénico del montaje de SEGISMUNDA, además de hacerse un
cierto paralelismo entre la obra del dramaturgo español Calderón de la Barca “La
vida es sueño”, se recita unos párrafos de tan afamado texto.
Con respecto a tan reconocida obra, se encuentra de manera textual la siguiente
consideración:
-“La vida es sueño” es una obra de teatro de Pedro Calderón de la Barca
estrenada en 1635 y perteneciente al movimiento literario del barroco. El tema
central es la libertad del ser humano para configurar su vida, sin dejarse
llevar por un supuesto.- (página WEB).
Y justamente esa libertad del ser humano para configurar su vida es la parte
medular de la cual parte la dramaturgia SEGISMUNDO. Idea que su autor Claudio
Tobo intenta plasmar, como “un derecho” que todo ser humano debería por natura
tener, sin ser cuestionado al respecto.
A manera de Sinopsis podríamos decir que la trama de SEGISMUNDA presenta a un
hombre quien narra su historia dentro del seno familiar, en donde padece por un
padre intolerante quien se niega a reconocer la esencia de su vástago que tan sólo
pide le dejen hornear pan, dar un beso cada noche en la frente de sus padres, y, ser
NORMAL.
Tres frases simples que suenan de manera repetitiva en la narrativa de éste drama
singular, en donde en contrapartida, la sociedad espera que se juegue el rol social
establecido.
Empero el texto presenta a una madre comprensiva ante lo evidente e irreversible,
quien el amor maternal le hace comprender a su hijo, más allá de las críticas a las
que está expuesta su ya hermosa SEGISMUNDA.
Teniendo como referente una provincia de España (que bien pudiera ubicarse en
cualquier época y lugar del mundo) en donde ser una mujer encerrada en el cuerpo
masculino “o viceversa” no es tarea nada fácil de enfrentar para la gran mayoría de
elles, ante una sociedad inflexible e intolerante propuestas en las reglas de la
sociedad imperante.
Y como finalmente se puede leer de manera resumida en la cartelera teatral del
INBAL con respecto a la propuesta escénica de SEGISMUNDA:
-Es un encuentro poético con los sueños de un ser humano que desea ser
aceptado y amado por los suyos y la sociedad.-
SEGISMUNDA se presenta en el Teatro “El Granero, Xavier Rojas del Centro
Cultural del Bosque (CCB) .
EMILIA
POR: Dalia De León Adams
Contando con la dramaturgia original de Morgan Lloyd Malcolm, bajo la traducción
al español de Martha Herrera Lazo y la dirección artística de Mariana
Hartasánchez, el montaje escénico de EMILIA arrancó el día de ayer temporada en
el Teatro principal del Centro Cultural Helénico (CCH).
Puesta en escena en dos actos y un cuadro escenográfico que presenta una
estructura de madera de dos pisos y una escalera movible, aunada a objetos de
tramoya ajustados a cada una de las escenas.
Espacio visual en el que transcurre la comedia biográfica, con tintes farsicos de
EMILIA. Una mujer sajona quien existió en el siglo XVI durante el periodo del
Renacimiento, y de quien se dijera, fuera la amante del afamado escritor inglés
Williams Shakespeare.
Lo importante en realidad en comentar es qué EMILIA fue la primera poetisa
inglesa reconocida en su época, pero relegada por la sociedad por sus dotes como
escritora.
Con respecto a ella, se sabe en pocas palabras lo siguiente:
Emilia Bassano nació en enero de 1569 y fallecería un día 3 de abril de 1645. fue
una poeta a quien se le impidió ser dramaturga, pues el teatro enteramente era del
dominio masculino.
Empero escribiría hasta sus últimas consecuencia. Su obra sin embargo se publicó
en 1611, destacando su poemario “Salve Deus”. Perteneció a una familia de
músicos, razón por la cual sería admitida en la corte real, de la cual posteriormente
sería excluida por las razones expuestas. Y su conyugue fue Alfonso Lanier con
quien permaneció casada de 1592 a 1612, tras la muerte de éste.
Pero volviendo a ésta puesta en escena, la dramaturgia EMILIA fue escrita como a-
priori he mencionado, por la escritora londinense Morgan Lloyd Malcolm nacida
en Westminster, London en 1980.
Todo lo anteriormente mencionado de alguna manera se deja entrever en la
narrativa de la obra teatral, que ayer jueves 30 de marzo 2023 pudimos
presenciar, bajo la dirección escénica de Mariana Hartasánchez quien con su gran
talento, logra escenificar a través de un gran reparto estelar compuesto en ésta
ocasión por solamente mujeres, a los personajes masculinos, solventado la
ausencia de actores en escena, en contrapartida con la época shakesperiana,
durante la cual solamente incluía artistas varones.
Con ello logra infiltra ese toque renacentista a ésta puesta en escena, en donde se
evidencia lo dicho, pues tanto las voces, como los modales y movimiento de las
actrices aún intentando modificarlos, evidencian su sexo real.
En el reparto estelar aparecen actrices talentosas como lo son Aída López, Amorita
sagrado, Coty Camacho, Emma Dib, Haydée Boeto, Mariana Gajá, Lucía Uribe,
Assira Abbate, Gabriela Betancourt, Karime Alonso y Luz Adriana Carrasco,
caracterizando la mayor parte de ellas, a distintos personajes con gran plástica
actoral y talento histriónico.
Algunas de ellas ocasionalmente aparecieron actuando en los pasillos que se
ubican en torno a las butacas teatrales, haciendo con ello sentir mayor contacto
con el público, al iluminarse la sala y aparecer de manera cernas.
Músicos en vivo también ocupan un lugar en el escenario, quienes son Maricarmen
Graue y Monserrat Revah; dos chicas que armonizan distintas escenas,
sumergiendo al espectador en la época secular, acorde además con el vestuario a la
usanza renacentista, al maquillaje y al uso de pelucas que portan las actrices para
caracterizar a los personajes masculinos y a la reina Isabel I de Inglaterra.
Tras de concluir ésta puesta en escena, se subieron al escenario las dos madrinas
que fueron invitadas para la apertura de éste gran montaje teatral, quienes fueron
Regina Blandón y Mabel Cadena. Ambas expresándole tanto al público, como al
equipo teatral algunas palabras al respecto de la obra y su participación en el
evento.
EMILIA esta presentada por la compañía creativa “Mio Projects” en producción con
el Centro Cultural Helénico, en donde se ofrecen funciones todos los fines de
semana.
EL HOMBRECITO VESTIDO DE GRIS
POR: Dalia De León Adams
Comúnmente las obras de teatro para niño llevan implícitas en el texto un mensaje
a manera de consigna social, y éste proyecto escénico a cargo de la Compañía
Letíteres no es la excepción.
Intenta concientizar a los padres de familia o responsables de los niños, en base a
una manera artística, la idea de qué no se deben obligar a sus descendiente a
estudiar o realizar un trabajo laboral el cual ellos no deseen ejercer.
Así el personaje protagónico muestra lo desagradable o inapropiado que puede
llegar a ser en sus vidas futuras, pues una profesión debe ser de su propia y entera
elección, pues la ésta se llevará siempre en el corazón y en cada célula del cuerpo
humano.
EL HOMBRECITO VESTIDO DE GRIS ¡también tiene la mirada gris! Narra a un señor
cuya vida es totalmente rutinaria. Se levanta, se asea, toma café, desayuna, toma el
transporte popular y teclea una máquina de escribir hasta el atardecer.
Va al mismo cafetín y vuelve a casa cansado de la vida gris que ha llevado durante
años. Cansado de ser el hombre en quien se ha convertido”; sin embargo sus deseos
de ser cantante, de bucear o desplazarse entre nubes por el cielo, nunca ha cesado.
Es una puesta en escena para el disfrute tanto de pequeñines, como de jóvenes. A
sus padres además invita a la reflección, permitiendo pasar agradables momentos
con ésta historieta colorida, inspirada en el cuento del dramaturgo Fernando
Alonso.
Se presenta en el escenario bajo la dirección artística de Leticia Negrete Pérez de
Lara, contando con el títere estrella de EL HOMBRECITO VESTIDO DE GRIS el cual
se muestra de diferentes tamaños y en diferentes tipos de escenografía que van
desde inicialmente en una mini carpa manual, que se desdobla para dar cabida a
diferentes cuadros escénicos.
Además aparece siendo manipulado por un joven actor o titiritero quien conduce
al muñeco por todo el escenario, mostrándolo en diversas escenografías
construidas con el apoyo de objetos de utilería, presentando de dicho modo al
mismo títere o muñeco guiñol, pero en diferentes escala de tamaño.
En la cartelera teatral podemos leer la siguiente aseveración con respecto a la
trama de la obra teatral infantil EL HOMBRECITO VESTIDO DE GRIS enfatizada de
la siguiente manera:
-Un hombrecito de gris tiene una vida monótona, siempre la misma rutina, los
mismos lugares, el mismo traje, la misma comida, los mismos horarios.
Siempre, siempre, siempre lo mismo y siempre, ¿Siempre solo?
La narrativa es presentada en base a “Voces in Off” que permiten adentrar a los
espectadores de distintas generaciones en el mundo mágico del pequeño
HOMBRECITO VESTIDO DE GRIS y le hará identificarse o recordarle a algún
familiar o conocido con un tipo de vida, que le resultará parecida.
EL HOMBRECITO VESTIDO DE GRIS se presenta en el teatro Xavier Villaurrutia del
Centro Cultural del Bosque (CCB) con funciones los sábados y los domingos a las
13:00 horas hasta el día 14 de mayo del año en curso 2023.
LA REINA DE BELLEZA DE LEENANE
POR: Dalia De León Adams
Bajo la traducción de Ana Graham y Antonio Vega, la obra de Martin MacDonagh
LA REINA DE BELLEZA DE LEENANE se acaba de estrenar en el foro La Gruta con
gran éxito.
Gran puesta en escena dirigida por Angélica Rogel quien la presenta en un cuadro
escénico en el que se simula la estancia de una casa humilde cualquiera, de la bella
tierra irlandesa de Leenane.
Obra escrita a manera de drama que está interpretada por cuatro magníficos
actores en escena, quienes son Sofía Álvarez en el rol de Mag, Ana Graham como
Maureen, Roberto Beck caracterizando a Ray, y Antonio Vega, interpretando a
Pato. Además de contarse con la “Voz in Off” de Arturo Ríos.
Pero ¿qué sabemos acerca de su escritor?: -Martin Faranan McDonagh es un
director de cine y dramaturgo anglo-irlandés. Fue conocido en sus inicios
por la gran brutalidad y estilo cinematográfico de algunas de sus piezas
teatrales…
Nacimiento: 26 de marzo de 1970 (edad 53 años) en Camberwell, Londres,
Reino Unido. Obra del multipremiado dramaturgo y cineasta Martin
McDonagh, autor de Tres anuncios por un crimen y Los espíritus de la isla—
gira en torno a Maureen. (pagina WEB)-
Acercarse al mundo de McDonagh es acercarse a la pregunta: ¿Cómo se vive y se
sobrevive en un mundo en el que parece no haber nada valioso, un mundo en el
que se asesina impunemente; en el que matar parecería más sano que vivir en el
terror; un mundo en el que la miseria con toda la extensión se abraza a las paredes
que rodean a esos seres melancólicos, un poco trastornados, tan bien llevados, con
sus mundos que nos reflejan violentos y violentados, que se saben dueños de un
rico pasado cultural, que se saben habitantes de paisajes únicos, pero que a la vez
están sumergidos en la pobreza y el olvido? Creo que sólo con humor, eso es algo
que sin duda sabemos y conocemos en México, tanto como el mundo irlandés que
nos muestra Martin McDonagh en su obra. Quizá por eso es imposible no
identificarse con sus diálogos, con sus mundos que nos reflejan y que nos
recuerdan, que la naturaleza humana es tan compleja y simple como un buen
chiste. (Angélica Rogel) .
Y justamente la trama a abordar acerca de la temática de ésta obra teatral es
perfectamente delineada por su directora escénica, como acabamos de ver, en
donde los personajes pincelados por Martin McDonagh son seres vulnerables con
vidas tristes, repetitivas y difíciles, envueltos en un mundo de agresión, descrito
por éste autor y propuesta en el escenario entre cuatro paredes donde una madre
y su vástaga se despojan constantemente de las pequeñas alegrías que ofrece una
vida compartida, convirtiéndola en un irremediable infierno, carente de
comprensión, protección y afecto alguno.
Un poblado en donde todo se sabe de los otros y el amor, casi nunca toca a la
puerta de los personajes, interpretados con gran talento histriónico y emotividad
por los actores.
Obra que cuentan con un gran texto a interpretar, además de un excelente equipo
creativo que hace posible el montaje escénico de LA REINA DE BELLEZA DE
LEENANE.
La obra se presenta en el Teatro “La Gruta” en el Centro Cultural Helénico (CCH)
con funciones los fines de semana hasta el día 14 de mayo.
LAS DIOSAS SUBTERRÁNEAS
POR: Dalia De León Adams
Montaje escénico a cargo de “La Organización Secreta Teatro” en el cual se
mezclara el mito griego de Deméter y su hija Perséfone, en el cual se narra el rapto
de la joven por el dios Hades.
Paralelamente se recrea junto con la problemática actual de algunas familia quines
sufren por el secuestro de sus adolescentes y jóvenes hijas, compartiendo la
amargura de dicha pérdida con otras familias, al unir esfuerzos en recuperarlas,
sumándose en colectivo para localizar a sus hijas.
Obra extremadamente dramática con tintes subversivos, qué en base a dicho
paralelismo, muestra el dolor desgarrante ante la pérdida de un ser querido,
detonado ante la mentalidad machista de qué las chicas son abusadas,
enclaustradas, sometidas y obligadas a practicar la prostitución, en aras de ser la
de la manera causante debido a su inadecuada y provocativa manera de vestirse y
de actuar ante los hombres, seduciéndolos.
El dolor, la ausencia, la perdida, la victimización y la semi-esclavitud, son los
ingredientes que matizan éste drama, que empero es presentado en base a la
musicalización y a la danza rítmica contemporánea, mediante una espléndida
coreografía.
Puesta en escena en la cual casi son carentes los diálogos en base a palabras y
párrafos verbales, que aparecen solamente casi al concluir la puesta en escena,
pero que se transmiten a través de expresiones tanto faciales, como corporal, de
cada uno de los artistas bailarines que aparecen en los diversos cuadros escénicos.
Presentada por el grupo creativo “La Organización Secreta Teatro” bajo la idea
original y la dirección artística de Rocío Carrillo, el reparto estelar estuvo
compuesto por Jonathan Ramos, Ernesto Lecuona, Alejandro Joan Camarena,
Mercedes Olea, Beatriz Cabrera Tavares, Stefanie Izquierdo y Brisei Pérez
Guerrero.
Y digo estuvo, pues justo la semana que acaba de concluir, cerró su ciclo de
representaciones de la obra LAS MUJERES SUBTERRÁNEAS cuyo título enmarcara
perfectamente la parte medular de éste drama
A manera de resumen el montaje escénico de LAS DIOSAS SBTERRÁNEAS aparecía
en la cartelera teatral bajo la siguiente consideración al respecto:
-LAS DIOSAS SUBTERRÁNEAS habla de las mujeres desaparecidas por la trata
para explotación sexual en México. En la obra se entrecruza el mito griego de
Deméter y su hija Perséfone, raptada al inframundo por el Dios Hades, con la
historia de Luz García, personaje basado en historias reales de mujeres
desaparecidas que logran escapar de la trata y se convierten en activitas. La
historia narra una historia de madres que buscan a sus hijas y encuentran eco
en la fuerza de la colectividad. Es una historia de desobediencia y subversión.-
LAS DIOSAS SUBTERRÁNEAS contó con textos en “Voz in Off”, con la
musicalización de José Luis Esquivel, los llamativos vestuarios y escenografía a
cargo de Erika Gómez, que aunados con los videos artísticos de Alan Kerriou,
ofrecieron un hermoso diseño audio-visual.
La obra se presentó en el Teatro Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque
(CCB) del 25 de febrero al 26 de marzo bajo la producción del Instituto Nacional de
Bellas Artes y Literatura (INBAL).
ALGODÓN DE AZÚCAR
POR: Dalia De León Adams
Interesante puesta en escena que bien puede ser analizada mediante distintas
vertientes. Es una dramaturgia escrita y dirigida por Gabriela Ochoa quien juega
con la temporalidad del texto, logrando con ello exponer la psiquis de su personaje
protagónico de manera un tanto compleja.
Presenta a un hombre maduro quien está y no está viviendo circunstancias
extrañas que le remontan a su infancia, justo al cumplir cinco años de edad. Revive
esa etapa olvidada de su vida, gozando e incluso padeciendo ciertas circunstancias
atrapadas en las madejas de su memoria cautiva.
El encuentro con tres payasos le harán adentrar se en la experiencia desdibujada
de su niñez, descubriendo el abuso padecido dentro del seno familiar que su mente
había arrancado de tajo, ocultándolo en la memoria del hombre adulto en el cual se
convirtió.
El encuentro con tres payasos, la entrada a un Circo y la compra de un ALGODÓN
DE AZÚCAR ,son los detonantes de éste drama fársico en donde el personaje revive
con nitidez momentos plácidos con sus padres y amigos, que se desvanecen en la
angustia del niño de cinco años abusado.
Verdades a relucir salen a flote con la fuerza destructora de a quien le roban la
inocencia. Un amor fugaz infantil. Un padre autoritario. Una madre ajena a la
realidad que amenaza a su familia. Esto y más son temas a tratar en la historia
creada con la pluma de Gabriela Ochoa.
Bien estructurada la trama y la narrativa con dejos de teatro del absurdo, sin
embargo se transforma en un melodrama del género psicológico por el tratamiento
que su autora le infiere a su obra, inmersa en el juego de lo onírico y lo real.
-ALGODÓN DE AZÚCAR es un viaje dentro de un universo onírico que raya en lo
macabro. La obra explora la relación que, como adultos, tenemos con nuestra
infancia: Una etapa compleja que marcó nuestra actitud ante la vida; un lugar
lleno de claroscuros en el que éramos vulnerables, pero temerarios y
auténticos, con momentos dolorosos, pero también llenos de libertad y
plenitud.
El protagonista se reencuentra con su pasado, donde se le revela un trauma
olvidado que lo había acompañado toda su vida nublando su existencia. Una
vez recuperado el recuerdo, el desafío que le plantea su jornada será
enfrentarlo para finalmente hablar de aquello que de niño no pudo porque no
lo entendía. (nota del boletín de prensa).
Obra colorida empero, que cuenta con vestuarios vistosos y magníficos maquillajes
en el que se incluyen algunas caretas y pelucas, aunados al juego de iluminación a
media luz, objetos de tramoya movibles y una escenografía compuesta por cuatro
especies de torres o estructuras metálicas de dos pisos, que permiten el juego
onírico sugerido en el texto a tratar.
Es una obra presentada por la Compañía “Conejillos de Indias “ bajo la producción
de Teatro UNAM y Seguros Inbursa, en donde el reparto estelar esta formado por
Alejandro Morales, Romina Coccio, Carolina Garibay, Miguel Romero, Francisco
Mena y Paco Castañeda.
ALGODÓN DE AZÚCAR se presenta en el Teatro Sor Juana Inés de la Cruz del
Centro Cultural UNAM contando con funciones de jueves a domingos hasta el día
14 de mayo.
DOS LOCAS DE REMATE
POR: Dalia De León Adams
El día de ayer viernes 24 de marzo se cumplieron las 100 representaciones de la
obra teatral DOS LOCAS DE REMATE del dramaturgo Ramón Paso. Cifra que se dice
fácil, pero que en realidad en el medio escénico no es fácil de lograr, aunque para el
afamado productor Morris Gilbert y la Compañía “Mejor Teatro” es un logro más,
pues como es bien sabido, logran colocar en el gusto de su audiencia, cantidades
estratosféricas de montajes escénicos de diversos géneros, destacando la comedia
y los musicales de gran altura y costo en su producción.
Morris Gilbert Raisman es el más importante productor teatral mexicano, quien
cuenta con 45 años de trayectoria, a lo largo de los cuales ha llevado al escenario
alrededor de 120 puestas en escena.
El texto de DOS LOCAS DE REMATE como a-priori he mencionado, es de Ramón
Paso. Y si aún se pregunta quien es le comentaré qué Ramón Paso es un
dramaturgo, guionista y director de escena español, nieto del dramaturgo Alfonso
Paso y bisnieto del escritor Enrique Jardiel Poncela.
Su obra DOS LOCAS DE REMATE constituye una comedia bien estructurado, con
diversas situaciones chuscas que se matizan bajo un velo de humorismo negro las
cuales logran arrancar constantes carcajadas del público espectador.
La puesta En escena esta dirigida por Manuel González Gil quien logra en un solo
cuadro escenográfico compuesto por una sala habitacional, los diversos cuadros
que precisa la obra, mediante dos tiempos escénicos.
La trama divertida ventila varias de las situaciones que dos hermanas enfrentan,
tras de una lejana relación filial. Empero algunos problemas suscitados harán que
las dos mujeres intente compartir en un mismo espacio, tras de la muerte de dos
personas cercanas.
Personajes interpretados con una chispa de simpatía por las actrices Susana
Zabaleta y Gabriel de la Garza, teniendo como actriz invitada a Sophie Alexander
Katz.
A manera de Sinopsis se puede leer en el programa de mano la siguiente
consideración textual:
-Con la familia uno se permite ser todo lo desagradable que jamás se
permitiría ser con un desconocido, simplemente por vergüenza, esta es la
premisa del reencuentro de dos hermanas luego de 20 años de alejamiento. Al
intentar retomar su relación, surgen toda clase de problemas actuales y
decenas de recuerdos dolorosos, terribles, divertidos, angustiosos,
entrañables, enloquecidos.
En tono de comedia disparatada y con diálogos divertidos, la obra inserta al
espectador en el complejo mundo de las relaciones teatrales, queramos o no ,
son vitales en la vida de todos, pues la familia sirve para los buenos, los
regulares y los malos momentos.
Esta es una comedia irreverente en la que en medio de las más sonoras
carcajadas, se escucharán las más fuertes verdades.-
Tras del caluroso aplauso del público, por supuesto subieron al escenarios varios
de los creativos, teniendo como invitados de honor, para la revelación de la placa
conmemorativa, a dos grandes figuras como lo son Sabina Berman y Javier
Solórzano.
Sabina Berman Goldberg (D.F. 1955) es una magnífica escritora mexicana,
reconocida como una de las dramaturga del idioma español más destacada en
nuestro país, así como en otros países de habla hispana, además de ser novelista y
guionista de cine y actualmente comentarista y entrevistadora renombrados
políticos y economistas. Premio Ariel al “Mejor Argumento Original”, a la “Mejor
Opera Prima” y “al Mejor Guión Original”.
Por otro lado el destacado periodista y analista Javier Solórzano (México 1952).
Javier Solórzano Zinser como Usted bien sabe, es un periodista mexicano, con
estudios realizados en la Universidad Iberoamericana y en la Universidad Nacional
Autónoma de México, quien realiza mesa de diálogos además de ser el conductor
de varios noticieros como “Aquí con Javier Solórzano”, “Noticiero Nocturno” o
“Referente”.
Ambas luminarias debelaron la placa conmemorativa tras de ofrecer algunas
palabras tanto al público como al reparto estelar, comentando en breve sobre la
obra en general y, agradeciendo al Señor Morris por la participación en el evento.
DOS LOCAS DE REMATE originalmente fue estrenada en Argentina bajo la
producción de Juan M. Caballé. Hoy en día ya contando con sus 100 primeras
representaciones, se encuentra en el Nuevo Teatro Libanés en donde la podrá
Usted verla.
PEER GYNT
POR: Dalia De León Adams 
La obra clásica PEER GYNT del escritor noruego Henrik Ibsen (nacido en Skien,
Noruega 1828-1903) está en puerta para ser presentada en el escenario mexicano.
En ésta ocasión con la creatividad de la compañía denominada “Marionetitlán”.
Le comentaré a Usted qué dicho grupo argumenta lo siguiente con respecto a la
labor artística que ha ido desarrollando esta joven compañía:
-Somos una compañía de teatro con marionetas. Nos especializamos en
marionetas de madera, aunque también utilizamos otro tipo de títeres como
complemento.
Trabajamos desde el 2015 con la misión de fortalecer la técnica de las
marionetas en teatro para jóvenes y adultos, tradición que se ha ido perdiendo
en el país.
Lo mejor de trabajar con marionetas en teatro, es su naturalismo; la sensación
que dan al espectador de ser autónomas.
Por otro lado, con respecto al autor de ésta obra teatral le expondremos lo
siguiente:
-“Henrik Johan Ibsen /ˈhɛnɾɪk ˈjoːhɑn ˈɪpsən/ fue un dramaturgo y poeta
noruego. Es considerado el más importante dramaturgo noruego y uno de los
autores que más han influido en la dramaturgia moderna, padre del drama
realista moderno”. (nota WEB).
Su obra intitulada PEER GNT fue escrita un 14 de noviembre de 1867, bajo el
formato de drama, e interpretado por primera ocasión en la ciudad de Oslo en su
país natal.
Es una obra que no se ha presentado en nuestro país, ni casi nunca en ninguna otra
región del mundo, bajo la técnica de marionetas con excepción de la Unión
Americana en donde la han utilizado. Tal vez ello se deba por su calidad como
drama clásico, o por el prejuicio de pensar que tanto las marionetas, como títeres o
muñecos guiñol, solamente pueden ser para público infantil.
La trama de PEER GYNT a manera de Sinopsis, es textualizada por la casa difusora
a cargo de la Señorita Nidia Elisa Manzanero de la siguiente manera:
-La obra trata sobre la identidad. PEER es un joven que quiere hacer algo
grande pero sin esfuerzo, por lo que recurre a la mentira, a la ensoñación;
cuando ve que tiene que comprometerse huye. Esta es una problemática
universal, pero que se acentúa actualmente que todo parece alcanzar con un
“twitt”. En este sentido PEER GYNT, a pesar de ser de ser una obra escrita hace
más de ciento cincuenta años, explora una realidad que sigue siendo actual en
ésta generación: la mentira, la vanidad, la futilidad, la gloria fácil, la
desconsideración”, como lo señaló la directora Gabriela Kraemer Bayer,
directora de Marionetitlán.-
De dicho modo el mundo imaginario de Ibsen es reflejado bajo la magia de las
marionetas y trols, con actores endosados en negro quienes manipulan a los
personajes tallados en madera, resumiendo lo que originalmente fue presentado
en seis horas e incluyendo treinta y cuatro escenografías, en un corto lapso
temporal con la finalidad de representar la obra de manera mucho más accesible
tanto para escenificar, como para ser digerible para el público espectador.
PEEK GYNT se presentará con tan sólo cuatro funciones en el Teatro principal de
“La Capilla” los días domingos 9 y 16 de abril, jueves 18 y el 25 de mayo.
LAS TERRIBLES DESVENTURAS DEL DOCTOR PANZA.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Contando con más de 150 la Compañía “Jengibre Teatro” presenta la divertida obra teatral
infantil LAS TERRIBLES DESVENTURAS DEL SEÑOR PANZA bajo la autoría de Ángel Luna y
la dirección escénica de Roam León.
Le comento qué LAS TERRIBLES DESVENTURAS DEL DOCTOR PANZA fue la ganadora del
Programa Nacional de Teatro Escolar, efectuada en 2017 tras la convocatoria que la
Secretaría de Cultura del Gobierno Federal a través del Instituto Nacional de Bellas Artes,
lanzara.
La obra se ha presentado en el teatro “Benito Juárez” y en el “Teatro el Galeón” del Instituto
Nacional de Bellas Artes y Letras INBAL) y en el Teatro Helénico, cuyo éxito la ha regresado
al escenario, pero en ésta ocasión en el Teatro Varsovia.
LAS TERRIBLES DESVENTURAS DEL DOCTOR PANZA es un divertidísimo musical que ha
cautivado a cerca de más de 16,000 espectadores y como argumenta la misma compañía
Jengibre Teatro:
-“Ahí viene el Dr. Panza!... ponte el cubrepanzas… digo, cubrebocas. ¡Cuidado! Cierren
la boca y cubran los ojo! ¡El Dr. Panza ataca de nuevo a ritmo de surf! Junto a sus
achichincles Chicharrón y Mueganito, se encargarán de que niñas y niños, padres y
madres, coman y coman hasta reventar.
La corte Venenito amenaza amenaza a Panza con perder su doctorado si no trae a más
niños gordos y padres obesos. Jairo y Julito, se enfrentarán al terrible Dr. Panza.”.-
Por su tratamiento escénico, la trama pertenece al género de la comedia farsica; ésta tiene
como consigna el concientizar a los pequeñitos y, por supuesto a sus padres, a cuidar su
dieta y no ingesta comida chatarra ni alta en grasas azúcares o harinas que dañen su salud
ante tan malos hábitos.
Por otro lado la trama también abarca la temática que hoy en día esta en voga como una
problemática a resolver sobre todo en las escuelas, y que es “el bullying” el cual es
generalmente remarcada desde un punto de vista físico, por lo que los niños suelen
victimizar o, ser victimizados frecuentemente por parte de sus compañeritos ante sus
defectos físicos, alto peso o incapacidades.
Temática a tratar en la dramaturgia que se logra esbozar bajo una tónica de humorismo
negro, logrado mediante los diálogos simpáticos bien estructurados y las caracterizaciones
de manera chuscas de presentar a los personajes con trajes y maquillajes muy vistosos y
coloridos que aunados a las actuaciones, suelen arrancar rizas y carcajadas del público
tanto infantil, como adulto.
LAS TERRIBLES DESVENTURAS DEL DOCTOR PANZA es una obra teatral con música en
vivo y canciones acorde a la historieta del “Doctor Panza”, quien tiene como lema “hacer el
mal, sin mirar a cual”.
Con respecto al contenido temático de la obra infantil, la compañía difusora a través de su
boletín de prensa expresó de manera textual el objetivo que les llevó a producirla ésta
divertida comedia:
-Se trata de una obra musical que nace por la necesidad de comunicarse con los niños
de manera efectiva con respecto a los problemas de sobrepeso y discriminación a la
que pueden estar expuestos. Los personajes de la historia nos muestran de manera
indirecta y clara la carencia de sentido que tiene la violencia y la discriminación,
siempre apostando por la inteligencia social del niño.-
El autor Ángel Luna apuntaría: ésta obra la escribí pensando en mis papás y mis sobrino.
Cuando era niño odiaba que me dijeran qué hacer. Sentía más empatía por los personajes
malos de las historia, aún así todos entendíamos que estaba mal con los cuentos. Así fue
como escribí a un personaje simpático que se dedicara a convencer a las personas para que
coman hasta engordar y que fuera tan seductor como lo son los carbohidratos que contiene
la comida chatarra…. -
LAS TERRIBLES DESVENTURAS DEL DOCTOR PANZA se encuentra musicalizada por el
Señor Hazael Rivera. La dirección es de Roam León, también músico e integrante de la
“Orquesta Lavadero” quien se dio a la tarea de reunir a un elenco medido bajo el parámetro
de incurrir como requisito, tanto en ser actores, como músicos, para lograr presentar ésta
agradable comedia llena de moralejas y consignas en aras de que los infantes logren
disfrutar y tener un mejor lugar como las personitas que están actualmente y seguirán
habitando éste mundo.
En LAS TERRIBLES AVENTURAS DEL DOCTOR PANZA se encuentra bajo la producción
ejecutiva de Sandra Narváez. Obra teatral en la que participa su escritor, es decir, el mismo
Ángel Luna, Gerson Martínez, Andrés Torres Orozco, Hugo Rocha, Bruno Salvador, Roam
León y Adrián Aranda.
Las funciones se llevan a cabo los días sábados y los domingos a las 13:00 horas en el
Teatro Varsovia hasta el 21 de mayo.
UGO, PAKO & LUIZ.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Hilarante comedia que se traduce en la 3ª puesta en escena en el presente año
2023, por parte de la Compañía Productora “Mejor Teatro”, como lo dio a conocer
el día de ayer 22 de marzo, su directivo el Señor Morris Gilbert.
Y como es costumbre de éste exitoso productor, amante del teatro, viajó en esta
ocasión a tierras argentinas para traer a México otro de los éxitos locales recientes
y montar la obra en escenario mexicano.
Por supuesto me refiero a la puesta en escena de UGO, PAKO & LUIZ original del
afamado comediógrafo, actor y director inglés Ray Cooney (1932) y su vástago
Michael Cooney, cuyo título fuera realmente “Tom, Dick & Harry”.
De cualquier manera su título alude a tres hombres que en nuestro argot nacional
se traducirían como “Zutano, Mengano y Perengano” quienes transformaran los
pequeños problemas a enfrentar, en unos verdaderos enredos.
En ésta ocasión el montaje escénico de UGO PAKO & LUIZ está planeado
presentarse el próximo 26 de marzo en el Nuevo Teatro Libanés, contando además
con la co-producción de Juan Manuel Caballé y Tomás Rottenberg.
La trama con la cual cuenta ésta obra teatral, según confirmara el reparto estelar,
es realmente una comedia llena de situaciones chuscas que harán reír
constantemente al público espectador; dramaturgia cuya trama o narrativa se
resume a manera de Sinopsis de la siguiente manera, según se expresa en el
boletín de prensa:
-Un bebé es el sueño dorado del matrimonio formado por Ugo y Lida. Lo han
esperado mucho tiempo y por fin llegó el día. Tienen todo listo para recibir a la
visitadora que autorizará la adopción, pero entonces…
Entonces aparecen Pako y Luiz, hermanos de Ugo, quienes están ansiosos por
ayudarlos a causar una buena impresión a la representante de la agencia de
adopciones, que ha llegado para verificar el hogar y el estilo de vida de los
futuros padres, pero entonces…-
Pues con dicha probadita es que se invitó a la prensa y al público a asistir a ésta
comedia de enredos en la cual el elenco estará conformado por los actores Héctor
Suárez Gomíz y Ana Layeska/ Carla Medina en los roles estelares de Ugo y Linda.
Rubén Braco en el papel de Pako, Aarón Balderi como Luiz y Alfredo Veldáñez
interpretando de manera alternada también a Luiz. Un oficial de policía estará a
cargo del actor Enrique Chi/ Pepe Navarrete.
En el papel de Katerina las actrices Paula Kohan/ Alicia Comas, y finalmente las
actrices Anabel Ferreira, Pilar Boliver y Sophie Alexander-Katz aparecerán en el
escenario caracterizando al personaje de la Licenciada Porras.
Todos ello bajo la dirección escénica de Nicolás Cabré, quien como dato adjunto le
comentaré que es el actual director de TOM, DICK Y HARRY en Buenos Aires,
Argentina, de cuyos críticos teatrales tras del éxito obtenido aseguraran qué es una
obra que cuenta con pinceladas perteneciente al género del teatro del absurdo, con
tintes de humorismo negro.
UGO, PAKO & LUIZ inicia periodo de representaciones en el Nuevo Teatro Libanés
a partir del día 26 de marzo del año en curso 2023, con funciones que se ofrecerán
de viernes a domingos.
EN HORA BUENA a Morris y todos sus creativos!!!!
InSomnus (Rhumor Teatral).
POR: Dalia De León Adams
-“Una obra que suena, luego existe”-
Así es como a ésta obra teatral la define Aarón Govea, su creador y director
artístico junto con su compañía teatral NARANJAZUL, que se auto-define como
Teatro-Circo Contemporáneo. En realidad no se trata de una puesta en escena
convencional, sino que es algo diferente.
Tal vez es una obra experimental que sin contener una dramaturgia con un texto a
interpretar mediante una narrativa (como suelen ser la mayor parte de las obras
de teatro) empero lleva un contenido creativo propuesto en base a la frase ¿A qué
suena el rojo?
Misma que su actor protagónico Fernando Olguín utiliza durante una parte del
tiempo escénico, formando con ella un especie de monólogo, el cual resulta
divertido para el público el cual interactúa un poco con ese juego del fraseo.
En escena aparecen algunas “Voces in Off” a las cuales responde el actor, al igual
que a la introducción y ocasional música así como juego de luces en el escenario
que le hacen reaccionar de distintas maneras, como lo son corriendo o caminando
de un extremo al otro, bailando, gritando enfurecido, o simplemente respondiendo
a la voz con la palabra repetitiva de “Rojo”.
Insomnes (Rhumor Teatral) es una historia de alguien que está en un sueño
sonoro en donde la realidad y el imaginario constantemente se están
transformando y se generan diferentes situaciones, no necesariamente lógicas
sino irrisorias, absurdas… como si una mariposa se soñara persona o
viceversa. (expresado en el boletín de medios)
La intención del autor de éste montaje escénico es el de -crear paisajes en el
imaginario de los espectadores que los hará sentirse como en un sueño al
cambiar su percepción de lo real.- (nota textual).
Elemento que hacen incursionar a ésta obra dentro del género del absurdo, al
intentar buscarle constantemente “sentido al sin sentido” lo cual hace que al
público le sea difícil de digerir , pero que sin embargo le trastoca de otra manera,
que en éste caso sería por la ingeniosa construcción de una especie de diálogo
armado a través de la frecuente repetición y uso de la palabra “Rojo”.
Pero tal vez aquí pueda Usted cuestionarse el ¿cómo surge? ¿bajo qué premisas
artísticas? Al respecto podemos leer lo siguiente:
-El proyecto surgió a partir de un laboratorio de teatro físico, en el cual el texto
no es el punto de partida para una puesta en escena…
Insomnes (Rhumor Teatral) va más allá de un paisaje sonoro porque también
hay diálogo con expresión corporal; fue creado con sonidos que se producen en
la vida cotidiana como el que se escucha al cerrar la puerta, abrir la ventana o
poner un vaso sobre la mesa, los cuales fueron grabados para obtener hiper-
proximidad, como se le conoce en términos técnicos, y así se logró una paleta
muy amplia de registros que en escena abarcan más de 300 pistas.-
InSomnus (Rhumor Teatral) es un trabajo colectivo que cuenta con el diseño
sonoro de Beatriz Bermúdez y la iluminación a cargo de Jorge Kuri Neumann y
Fernando Olguín. Se presenta en el Teatro Santa Cantarina de jueves a domingos
hasta el día 7 de mayo bajo la producción de Teatro UNAM.
SEUDÓNIMOS Y SEUDO-MUERTOS
POR: Dalia De León Adams
Divertida comedia estructurada a manera de melodrama que es presentada por su
dramaturga y directora escénica Nora Coss. Montaje escénico patrocinado por el
Sistema Nacional de creadores de Arte 2022-2024 en el Sistema de apoyo a la
creación y Proyectos culturales (SACPC).
SEUDÓNIMOS Y SEUDOMUERTOS es una obra fresca, que nos adentra mediante su
título, a la temática medular a tratar en ésta reciente puesta en escena, en donde la
escritora habla de las experiencias de un escritor anónimo, quien mediante el
recurso de la meta-obra, va describiendo y armando su propia historia.
Entendida la meta-obra como la manera de representar varias obras, dentro de
una misma obra. Y no es una redundancia de palabras cuando digo “la obra sobre
otras obras” pues es justamente el juego de la narrativa que la autora utiliza para
hablar del mundo de un escritor anónimo, y de su relación con uno de sus
personajes, visto desde el punto creativo.
Y aquí surge un planteamiento interesante por sí mismo, en cuanto a que los
personajes de ésta puesta en escena, a la vez, cuestionan la manera de cómo su
propio autor los define, interpreta o matiza, intentando rebasar la tinta del autor
sin lograrlo, por supuesto.
Hecho o facultad que hace más humano o cercano a aquellos personajes que en
consideración de, algunos actores, quienes en ocasiones mencionan creer
llevárselos dentro de su vestimenta o maquillaje tras de interpretarlos,
arrastrándoles hasta su propia casa e incluso vida personal.
A manera de Sinopsis de la obra SEUDÓNIMOS O SEUDO-MUERTOS en cartelera
teatral se encuentra la siguiente cita textual:
-Ficciones entrelazadas sobre escritores atormentados que escriben sobre
otros escritores atormentados, un niñito llamado Cain que busca
desesperadamente a su padre, y dos narradores –nunca personajes- que odian
estar en esta contemporánea y narraturgica obra de teatro.
Y justamente son los elementos más icónicos dentro de ésta obra la cual incursiona
además dentro del género literario contemporáneo por su manera de presentar los
diálogos, fonética y situaciones en que ubican a ésta trama en la época actual,
situada perfectamente en cualquier lugar.
La parte psicológica de los personajes, aún cuando son matizados de manera un
tanto cuadrados, definen a diversos entes de nuestra sociedad, de manera chuscas
o mofa.
Los actores Alberto Cerz y Fernanda Delgado aparecen como únicos actores
interpretan a diversos personajes con gran frescura y talento actoral, apoyándose
en la modulación de sus voces y movimientos corporales que permitieron
distinguir con claridad el rol interpretativo de cada uno de ellos.
Escenas que logran mediante el apoyo tanto musical, como del juego de luces, uso
de multimedia y, algunos objetos de utilería, que la trama se desarrolle en el
escenario aún con pocos recursos escenográficos.
Artistas que aún cuando son muy jóvenes, se desenvuelven muy bien en el
escenario, quienes lograron aunando su talento histriónico, con la presentación de
ésta dramaturgia muy bien estructurada, y con la buena dirección escénica, que la
obra teatral fuera del agrado de público espectador.
SEUDÓNIMOS Y SEUDO-MUERTOS se presenta en el Centro Cultural “El
Hormiguero” con funciones en los días miércoles a las 20:00 hasta el próximo 12
de abril 2023.
EL LUGAR DE LA SOMBRA Y LA BRISA
POR: Dalia María Teresa de león Adams.
Hoy en día existen algunas puestas en escena que resultan un poco difíciles de
describir en cuanto a su narrativa. Le comentaré qué EL LUGAR DE LA SOMBRA Y
LA BRISA es una de ellas.
No se trata de un montaje escénico que pertenezca al teatro del absurdo en
términos generales, pero si contiene algunos elementos de éste género, en cuanto a
qué por ejemplo, inicialmente los jóvenes actores aparecen sentados en el
escenario y con una música y tanto estridente comienzan de pronto sin aparente
sentido, a moverse de un lado para el otro, incluso en ocasiones con las sillas las
cuales voltean a capricho; o bien otro rasgo sería el hecho de girar a unísono todos
en el escenario, formando un circulo en el cual tras de caminar, concluyen
corriendo.
EL LUGAR DE LA SOMBRA Y LA BRISA empero es una obra teatral de índole
experimental que interactúa constantemente con el público, para qué éste evalúe a
los actores en escena, tras de una breve caracterización de un texto a seleccionar.
¿Y cómo? Y ¿Para qué? Una especie de juegos a interpretar en el escenario es
conducido por EP su manager o maestro, quien a sus pupilos les hace pasar a
interpretar el rol a manera de monólogo de un breve texto, en base a dos
concomitantes al azar, tras de hacer girar un circulo ubicado en una de las paredes
en el cual aparecen las letras D e I.
Se traducen en D de Digna, I de Indigna; además el moderador EP selecciona la
temática a interactuar por cada uno de los alumnos entusiastas de actuación. Al
concluir la breve interpretación, los siete chicos a evaluar por el público mediante
una tabla que posee diferente puntuajes, obtiene una suma o resta de puntos con
los cuales irán acumulando caballitos del tablero ubicado en la parte posterior del
escenario, además de algunos lingotes de oro.
-Una extraña competencia está en curso. El objetivo es llegar rápido a EL
LUGAR DE LA SOMBRA Y LA BRISA, pero los obstáculos son grandes: el azar, la
honorabilidad y el poder adquisitivo. Encima los competidores deben sortear
un presente determinado por las redes sociales, las voces dominantes y las
exigencias de ser joven. Desesperados, todos muestran sus mejores escenas
para agradar y así avanzar más casillas.- (texto de la cartelera teatral).
EL LUGAR DE LA SOMBRA Y LA BRIZA es una dramaturgia original del maestro
David Gaitán, en la cual actúan Argeniz Aldrete, Mariana Arenal, Fernando Bonilla,
Erik Gutiérrez Otto, Michelle Menéndez, Phany Molina, Nacho Reyes y Ximena
Torres, presentada por la compañía “Un pino n la Vía Láctea” en colaboración con
Estudio Teatro.
EL LUGAR DE LA SOMBRA Y LA BRISA se presenta en el Foro de Las Artes con
funciones de jueves a domingos.
DULCES COMPAÑÍAS
POR: Dalia De León Adams
Actualmente se encuentra la puesta en escena de la obra teatral DULCES
COMPAÑÍAS en la Sala salvador Novo del Centro Cultural La Capilla que cuenta con
el reparto estelar conformado por Gloria Andrade, quien alterna con la actriz
Denisse León para caracterizar el personaje de Nora, una profesora de niños de
cierto prestigio.
Por su parte Leobardo Márquez y Christopher Fragoso actúan en el rol de quien
denominan “El Tipo” un hombre resentido social que los golpes de la vida y las
carencias tanto afectivas como económicas le han hecho delinquir, y finalmente
Marco Vinicio Estrello en el rol del titiritero Samuel.
DULCES COMPAÑÍAS posee un título totalmente sarcástico, en cuanto a la temática
cruenta a tratar de la dramaturgia. En realidad se trata de dos diferentes
representaciones las cuales empero, tienen una conexión con el personaje
protagónico de “El Tipo”, quien aparece en ambas representaciones dándole
continuidad a ambas.
Son dos casos paralelos a presentar en donde la psiquis de los personajes retratan
perfectamente la miseria humana en la cual algunas personas están inmersas,
viviendo día a día el desamor, escenificadas en tres personajes con diferentes
matices y perfiles psicológicos.
La manera de abordar a los tres personajes en escena es totalmente distinta.
Aparece una mujer aparentemente con una vida tranquila y cierto éxito, quien no
cree en el amor con ataduras tras de una fallida relación matrimonial, por lo cual
decide comprar a quien parece ser el mejor postor en turno.
En contrapartida se representa a un homosexual quien manipula títeres como
modos viivendus, quien también invita a chicos que encuentra en el parque, para
compartir momentos y sexualidad.
Sin embargo, el peligro les aborda hasta las últimas consecuencias, sin tomar
conciencia de ello, tras de lo que pretenden tan sólo sea un divertimento. El
chantaje, la agresión, el oportunismo, la frustración y el abuso psicológico y físico,
abordan tras de la puerta.
La trama de éstos dos dramas están basado en las obras de Óscar Liera escritas en
el año 1988, intituladas “Bajo el silencio” y “Un misterioso pacto”, las cuales son
representadas bajo la dirección escénica de Rodrigo Caravantes.
-“Al respecto el director explica: “Estas dos piezas contienen muchos temas
relevantes para la sociedad mexicana como son la violencia, la inseguridad, la
desigualdad social y la discriminación, por eso considero muy pertinente ésta
obra que los pone de manifiesto para generar conciencia sobre estos temas”
(comenta el director de la obra).
Agrega: “Existen muchas historias que surgen a partir del resentimiento social.
La segregación desarrollada en nuestro entorno provoca daños colaterales,
creando historias de dolor que terminan en tragedia.
Obra perteneciente por su tratamiento al género del drama, que también
incursiona perfectamente en el género teatral de terror. Frases repetidas así como
algunas situaciones en la narrativa, suelen ser parte de ambas tramas, las cuales
son utilizadas por el personaje de “El Tipo”.
En cuanto a la adaptación de los dos textos a presentar de ésta obra se encuentran
muy bien estructurados y compaginados, lográndose buenas actuaciones y manejo
de la dirección escénica, en donde destaca el histrionismo actoral del personaje de
“El Tipo” el cual es rico en matices psicológicos.
DULCES COMPAÑÍAS es una obra que lleva además como consigna el desconfiar de
la gente ajena, la cual puede convertirse totalmente en un peligro, haciendo
reaccionar al público espectador al respecto, tras de casi dos horas de
representación del los dos dramas de ésta obra teatral.
DULCES COMPAÑÍAS se presenta en la Sala Salvador Novo del Centro Cultural “La
Capilla” con funciones los días sábados a las 18:00 horas.
EL ETERNO VERANO DE LA GUERRA
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
No cabe duda la buena pluma del dramaturgo Hugo Alfredo Hinojosa, que aunado a
la excelente dirección por parte de Lorena Maza y las magníficas actuaciones del
reparto estelar integrado por Álvaro Guerrero, Laura Mela y Hamlet Ramírez y
David Montalvo, quienes son muy reconocidos en el medio actoral, lograron
cautivar a su público.
Y debo reconocer qué participaron haciendo un gran acierto de ésta puesta en
escena con EL ETERNO VERANO DE LA GUERRA, jóvenes valores quienes logran
un nivel de histrionismo escénico muy acorde con el reparto a-priori mencionado.
Artistas como lo son Miguel III, Víctor Oliveira y Tamara Mazarrasa, quienes
demostraron tener también madera de actores al interpretar a sus difíciles
personajes, ricos en matices.
EL ETERNO VERANO DE LA GURRA no es una obra fácil de escenificar, pues
precisa además del gran talento actoral y de una buen propuesta en la dirección
escénica, del apoyo de diversos cuadros escenográficos, que fueron simulados con
escasos objetos de utilería, pero qué funcionaron perfectamente mediante el
recurso de un solo cuadro y tiempo escénico, en donde suceden todas las
secuencias de la trama a tratar en éste drama contemporáneo.
Temática que aborda problemas en los cuales incurre la sociedad actual, en donde
el sufrimiento, el miedo, la inseguridad, el sin razón y la injusticia están a flor de
piel, conformando una trama cruenta y desgarradora que retrata perfectamente a
un sector de la sociedad, aparentemente carente de humanidad, o muy escasos
buenos sentimientos.
¿El destino?, ¿o tal vez el encontrarse en el lugar equivocado? detonan situaciones
adversas y funestas que hacen que los personajes recurran hasta sus últimas
consecuencias en Pro de vivir o morir; aunque éste último sea un juego de palabras
aparentemente con falta de coherencia.
-La compañía Colapso Producciones nos presenta el umbral al submundo, al
horror de la condición humana que se repite una y otra vez. Tiene como
contexto una realidad que duele tocando temas tan delicados como la trata de
personas, la prostitución, la migración y la guerra –tanto literal como interna
que viven los personajes y que comparten con el público.-
Así es como se expresa la Difusora a cargo de la Señorita Sandra Narváez, quienes
en el comunicado de prensa textualizaron para dar apertura a éste montaje
escénico que el día de ayer, miércoles 8 de marzo dio inicio en el Teatro Salvador
Novo del CENART, en donde continuamos leyendo con respecto al autor, la
siguiente aseveración:
-Los recuerdos del dramaturgo evocan a Tijuana de los años 80’s, aquella
ciudad fronteriza que por décadas ha recibido sueños de grandeza
impregnados de esperanza y dolor. La obra hace a la familia el núcleo del
drama. Desde este grupo social se desprenden secretos, intrigas y un mundo
sórdido. Así mismo juega con la realidad contemporánea plagada de batallas,
desapegos sociales y psicológicos; y aborda el amor como el único ingrediente
capaz de eliminar el caos de la vida de las personas.-
Esos elementos y otros más conforman la narrativa del escritor Hinojosa,
convirtiéndola en todo un drama en donde empero existe un halo de esperanza
para algunos personajes.
Hugo Alfredo Hinojosa, quien dicho sea de paso nació en Tijuana, Baja California,
en 1977. Dramaturgo, ensayista y narrador. Estudió Filosofía en la UAB y Teatro en
el caen-inba y en Casa del Teatro. (página WEB).
Quien como dramaturgo inicialmente en su carrera advertiría: batallé bastante en
mi pragmatismo por entender qué era la dramaturgia contemporánea. Sin embargo
el resultado logró verse el día de ayer, con la sala llena y el aplauso efusivo del
público.
EL ETERNO VERANO DE LA GUERRA se presenta en el Teatro Salvador Novo del
Centro Nacional de las Artes (CENART) hasta el día 16 de abril 2023 con funciones
de jueves a domingos.
FELICIDADES!!! A todos los participantes.
LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
En función matutina de las 13:30 horas, la obra teatral LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO
regresa al escenario en la Ciudad de México. Por supuesto que nos referimos al Foro de “La
Teatrería” en su sala “B” ubicado en la calle de Tabasco 152 de la colonia Roma Norte.
Ello gracias a la Compañía “Animista Teatro Producciones” la cual está a punto de conmemorar
sus larguísimos 12 años en cartelera teatral, lo cual significa toda una odisea, en el medio
artístico de éste género dramatúrgico.
A manera de Sinopsis la empresa difusora a cargo de Lidy y Moisés presentan la siguiente
consideración al respecto:
-Luca y su amiga Monique, deciden realizar una obra infantil. Usando las cosas que
encuentran en un viejo baúl, entre ellas el cuento de “LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO”.
Sin darse cuenta, el personaje protagónico toma vida y las obliga a representar su historia.
Gracias a la lectura e ingenio, logran que ésta perversa mujer, haga las cosas malas más
buenas del mundo.-
Anteriormente ya había sido presentada tanto en la misma Teatrería, como en el Foro
Shakespeare. El cuento infantil LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO es del escritor y editor
mexicano nacido en el entonces Distrito Federal en el año de 1954 llamado Francisco Hinojosa.
Le comentaré qué dentro de sus obras más representativas se encuentran “A golpe de calcetín”,
“Informe Negro”, Poesía eras tú” y por supuesto LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO, siendo
quizás ésta última la más representada en nuestra ciudad.
LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO como he mencionado, actualmente nuevamente es
representada bajo la adaptación del texto y dirección escénica de Martha Torres Valdés; puesta
en escena qué empero, no pierde la parte medular del texto de Hinojosa.
Su dramaturgia de Francisco Hinojosa trata de Helena, una joven alumna de la carrera de
actuación, y su inseparable amiga Amparo, quienes deciden poner una obra de teatro infantil,
contando únicamente con una vieja maleta roja heredada por la abuela Helena, y que para
sorpresa de ellas está llena de cosas maravillosas que son propias de una reconocida actriz de su
época, entre tantas cosas se topan con el cuento que creen, es el idóneo para su representación,
asombradas por su descubrimiento, serán sorprendidas por “La peor señora del mundo”.
El nombre de los personajes secundarios de las dos alumnos cambian dentro de la adaptación de
ésta puesta en escena, propuesta y dirigida por Martha Torres, al igual que varios de los
elementos a tratar en ésta divertida comedia; sin embargo se conservan los elementos que da vida
a la representación de LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO, así como a su desenlace.
Tanto en la obra original LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO como en la adaptación se presenta
a una vieja mujer peluda con dos grandes colmillos que fuma puro y usa botas puntiagudas y,
con sus largas uñas, goza de rasguñar a la gente, con la excepción del texto original en donde la
Señora es peluda y posee grandes colmillos.
-Tenía cinco hijos a los cuales siempre castigaba sin importar si se portaban bien o mal.
También maltrataba a toda la gente y animales del pueblo, hasta un día en que todos
decidieron huir, la dejaron sola. Una paloma que quedó atrapada en una jaula fue su única
compañía, sin embargo le daba de comer migajas con picante y agua con vinagre, además de
arrancarle algunas plumas y lastimarle sus patitas….. (parte textual del cuento en una página
WEB).
En la adaptación la actriz Angélica Escamilla protagoniza el rol estelar; caracterización tanto
física, como conductual de LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO. Se presenta con algunos breves
arreglos acorde a la dramaturgia original, cambiando de giro una parte de la narrativa.
La trama no presenta a los personajes totalmente maniqueístas, como comúnmente se estilaba en
los cuentos de manera secular en la época de Francisco Hinojosa; es decir, a personajes
extremadamente buenos, en contraposición con los malos (que en éste caso es el de la Peor)
rompiendo con los esquemas tradicionalmente establecidos, ya que muestra tanto el lado bueno
como malo que comúnmente todos tenemos.
A manera de consigna la dramaturgia muestra lo relevante que es la lectura para toda la gente y,
en especial para los pequeñitos, a los cuales tratan de persuadir al mundo mágico de la lectura,
con éste tipo de obras divertidísimas que pueden servir de parte-aguas para iniciar a los infantes
en el apasionante mundo de los libros y del teatro.
Finalmente le comentaré qué años atrás (casi 12) la compañía creativa mostró gran admiración
por Francisco Hinojosa su escritor, que fue entre otras cosas, lo que motivó a “Animista Teatro”
a hacer posible la puesta en escena de LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO, sin aún tener
conciencia de que ya en el próximo mes de abril del presente año 2023, se develará la placa
conmemorativa por sus doce años en cartelera.
Funciones en días domingos a las 13:30 en La Teatrería.
UN EJEMPLO DE VIDA. Rosita Pelayo.
POR: Dalia De León Adams
Con una larga trayectoria, la actriz Rosita Pelayo convocó a la prensa para hablar
sobre su obra biográfica, a través del espectáculo unipersonal intitulado “¿CÓMO
DARLE SENTIDO A TU VIDA? #MeduelePeroMeRio”.
La idea surgió tras el quebrantamiento de su salud que le ha impedido caminar, la
cual ha estado padeciendo durante los últimos años. Es una enfermedad
degenerativa conocida como Artritis Reumatoide, Parestesia y
Polirradiculoneuritis.
Deterioro que dicha enfermedad ha provocado en su movilidad, sin embargo, no ha
sido un impedimento para que la actriz salga a la calle de manera totalmente
entusiasta y hable con sus fans que se han ido incrementando como producto de su
constante trabajo.
Personas que la abordan tras de terminar su función del monólogo testimonial
“¿CÓMO DARLE SENTIDO A TU VIDA? #MeDuelePeroMeRio” afuera de su
camerino y a quienes escucha paciente y ofrece ayuda con sus constantes consejos
llenos de optimismo.
Seguidores que la abordan tanto para pedirle un autógrafo, como para tomarse una
fotografía con ella y, sobre todo para pedirle consejos, pues su obra teatral, la cual
según ella misma considera parte de un show y una manera exponencial de hablar
del cómo “Ser Feliz” viviendo la vida aún en momentos que parecieran funestos.
Puesta en escena en donde además de hablar abiertamente de sus padecimientos
físicos, se da a la tarea de intentar ayudar a otras personas con su manera de
enfrentar la realidad, siempre con una sonrisa a flor de piel y una actitud optimista.
Actitud que la ha llevado a ser próximamente galardonada como “La Mujer del
Año”, entre otras preseas más en el Teatro Julio Prieto antes Xola, e incluso en el
mismísimo recinto del Garibaldi.
Y si aún no sabe de quien estoy escribiendo, le expondré para ello el párrafo que la
casa difusora a cargo de la Señorita Lupita C. proporcionó a la prensa presente en
la rueda de prensa:
-Rosa María Pelayo Vargas, conocida como, Rosita Pelayo, es una actriz,
bailarina y conductora mexicana conocida principalmente por su
participación en la serie de televisión juvenil ¡¡Cachún cachún ra ra!! (1981-
1987), su participación en diversas telenovelas en México y en obras de teatro.
Es hija del locutor, actor y presentador de concursos mexicanos de los 60’s, 70’s
y 80’s Luis Manuel Pelayo, también conocido por actuar algunos papeles junto
a Mauricio Garcés.
Finalmente le comentaré acerca de éste montaje escénico, que ya con anterioridad
se había sido presentado en teatros como el “Enrique Elizalde” y en “El
Hormiguero”.
Hoy en día está a punto de ser reestrenado muy a su estilo, es decir, con gran
sensibilidad y de manera divertida, con fecha del próximo día 4 de marzo del año
en curso 2023, en el Teatro Rodolfo Usigli.
LA CASA DE BERNARDA ALBA
POR: Dalia María Teresa de León Adams.
El Instituto Helénico se ha caracterizado por sus montajes escénicos de alto valor escénico
y dramatúrgico. En ésta ocasión con la puesta en escena de LA CASA DE BERNARDA ALBA,
no ha sido la excepción.
Bajo la espléndida dirección artística de José López durante algunos momentos de la obra
interpreta canciones flamencas ejecutándolas con su violín, junto con un músicos en vivo,
el guitarrista Francisco Mar Olascoaga.
Elemento escénico que le otorgan un plus a ésta puesta en escena, escrita con gran talento
costumbrista por su autor Federico García Lorca, escrito a manera de drama, por el
tratamiento de su narrativa, puesto en escena en dos cuadros escénicos y un solo tiempo.
El elenco está compuesto por Martha Tron quien caracteriza a Bernarda con gran
histrionismo plástico actoral, al igual que la actriz Adriana de la O/Eliú Pérez Ladín quienes
caracterizan de manera alternada a la sirvienta Ponciana.
Cintia Torres actúa en el papel de Angustia, Alexandrina Carballido es Ma. Josefa, Lety Evia
es Martirio, Fátima López caracteriza a Magdalena, Sophy Rangel interpreta a otra criada.
Erika Ward y génesis Robles aparecen como parte del pueblo, Itzel Soto es Prudencia,
Julieta Manjarrez y Maru Estrada, alternan con el personaje de Adela, Melissa Corral y
Gabriela Lezama son Amelia, y finalmente, Jimena Manjarrez actúa como la mendiga.
Como Usted sabe, una de las obra teatrales más emblemáticas de la literatura española de
principios de siglo XX es sin duda LA CASA DE BERNARDA ALBA. Ésta sería la última
novela que su actor, Federico García Lorca escribiría y que no llegaría a ver puesta en
escena jamás, debido a haberle arrancado la vida las fuerzas armadas de Franco, el
entonces dictador de España, como es de todos bien sabido.
Federico del Sagrado Corazón de Jesús García Lorca nació en Fuente Vaqueros el día 5 de
junio España, en el año de 1898. Perteneció a la entonces llama “generación del 27”
destacándose como un gran poeta y dramaturgo.
Su condición homosexual, además de sus escritos subversivos lo llevaron a la muerte el 16
de agosto de 1936, tras de haber sido detenido por las fuerzas franquistas y baleado por
ser considerada su pluma, muy peligrosa y subversiva al régimen de franco dictatorial.
LA CASA DE BERNARDA ALBA Por primera vez sería puesta en escena en Chile con una
amiga cercana de su escritor a quien le hicieron llegar la obra de LA CASA DE BERNARDA
ALBA. Dicha actriz escenifico la obra tras de decidir nunca volver a España. Ello durante la
Guerra Civil que sufría su país.
Posteriormente la dramaturgia LA CASA DE BERNARDA ALBA de Federico García Lorca,
trascendería fronteras, ubicándose también en nuestro país, en donde se escenificó con una
de las grandes actrices que vinieron para quedarse en nuestra tierra haciéndola suya. Me
refiero por supuesto a quien sería un baluarte del género de la tragedia en México, es decir,
Doña Ofelia Guilmáin.
Aún se le recuerda actualmente caracterizando el drama de LA CASA DE BERNARDA ALBA,
en donde obtuvo el rol protagónico en el papel de Bernarda. Quien diría que
posteriormente su también talentosa hija, la actriz Lucía Guilmáin escenificar el mismo rol
de Bernarda.
Le recordaremos qué el texto de la obra LA CASA DE BERNARDA ALBA se encuentra
escrito a manera de drama, incurriendo dentro del género costumbrista, pues refleja
claramente la mentalidad y el rol tanto femenino como masculino de los albores de la
España católica.
La historia habla sobre el papel totalmente subordinado e inflexible que sufriera la mujer
española en la época de la República Española. De ese modo en la trama se ventilan los
prejuicios deshumanizados como parte de los valores sociales seculares, ante un inflexible
sistema plagado de fanatismos religiosos, que coartaba el desempeño y la libertad
femenina sin libertad alguna.
Y como se asegura en el boletín de prensa de la señorita Sandra Narváez:
-Drama, pasión, instintos, son tan sólo tres palabras de una interminable lista que
pueden definir a LA CASA DE BERNARDA ALBA.-
Obra interesante que su joven productora Fátima Granados presenta en la hermosa y
suntuosa Aula Magna del Instituto Cultural Helénico, teniendo funciones los días viernes,
sábados y domingos hasta el 26 de marzo del año en curso 2023.
Proyecto HISTORIAS DE MOTEL
POR: Dalia De León Adams
Ayer día viernes 24 de febrero se dieron cita en el “Espacio 2” del Foro
Shakespeare a los creativos de lo que ya muy pronto se consolidará como El ciclo
HOSTORIAS DE MOTEL que en realidad viene a ser la continuidad de lo que fuera
anteriormente el ciclo BRUJAS.
Anteriormente con el ciclo BRUJAS se presentó una trilogía que constó de la puesta
en escena de las dramaturgias “Cuarto 232”, “La casa por la ventana” y “La exequia
de Doña Pompa”.
En ésta ocasión en el ciclo HISTORIAS DE MOTEL para dramaturgias de paso
2022-2023 que se presentarán a partir del día 1º de marzo al 28 de mayo del año
en curso, se comenzará las representaciones teatrales con las dramaturgias “Big
Flamingo” escrita por José Napoleón Alfaro Santos, “Rosa Venus” original de Luz
Alejandra Fuentes Sánchez y finalmente “Crónicas de guerra en un cuarto de
hotel” de Diana P. Benítez R.
Trilogía a presentar que surgió a través de la convocatoria que se efectuó el año
pasado 2022, con la finalidad de incentivar nuevas narrativas y discursos teatrales
a partir de la temática que incluyese como referente a un cuarto de hotel o motel,
para dar paso y rienda suelta a la imaginación de nuevos dramaturgos.
Además se tiene contemplado la edición y publicación de una antología, cuatro
conversatorios y tres lecturas dramatizadas, surgidas a partir de la convocatoria
también intitulada HISTORIAS DE MOTEL.
Las tres obras seleccionadas fueron las resultantes de la selección de dramaturgias
que fueron enviadas, en donde participaron varias regiones de la República
Mexicana, excediéndose hasta el país de El Salvador con “Big Flamingo”; suceso
considerado como un logro en la expansión de lugares y distintas voces a
proyectar en el Foro Shakespeare.
- Big Flamingo: José Napoleón Alfaro Santos @unapologetic8o8
- Rosa Venus: Luz Alejandra Fuentes Sánchez @lafusa83
- Crónica de guerra en un cuarto de hotel @dianapatriciabenitez88
Y como se expone textualmente en el comunicado de prensa de la Señorita Nidia
Eliza Manzanero:
-Recordemos que el teatro es un ente vivo que existe y resiste con el apoyo de
las y los espectadores-
HECHOS FURIOSOS. Conversaciones con un gato.
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Teniendo como dramaturga a la escritora Nathalia Paolini, la puesta en escena de
HECHOS FURIOSOS. Conversaciones con un gato el día de ayer miércoles 22 de
febrero, se estreno en nuestra Ciudad de México en el teatro La Capilla.
Montaje escénico dirigido por su misma escritora, el cual tiene como protagonista
a la actriz española Raquel Menor, quien actúa con gran histrionismo escénico y
sensibilidad, al ejecutar el personaje de Claudia, una joven quien cuenta sus
experiencias de vida a un gato.
Espectáculo unipersonal con matices filosóficos en el sentido en que la escritora
incluye un análisis existencial personal, que va mucho más allá de su intimidad,
reflexionando en torno al que considera mundo gestado bajo una concepción
machista, que durante milenios no ha cambiado.
He ahí que su análisis existencial retoma textualmente varios pasajes tanto bíblicos
documentados, paralelamente con el análisis poético de algunos textos de Sor
Juana Inés de la Cruz, incluyendo parte de su biografía.
Elementos narrativos que aunados a la ficción del personaje de Claudia, logran
construir un texto muy interesante e inteligente, con matices feministas, que dejan
claramente entrever a una sociedad mundial un tanto misógina, e incluso
autodestructiva, en donde el supuesto “ser racional” se pone en duda, bajo la tela
de juicio de la narrativa propuesta por la dramaturga y directora Nathalia Paolini.
-Directora y dramaturga venezolana residente en Barcelona. Curiosa, creativa
e inquieta. Me gusta aprender y compartir, relacionarme con personas .
(Página WEB).
HECHOS FURIOSOS. Conversaciones con un gato es una puesta en escena en un
solo acto escénico, contando con un cuadro escenográfico en el cual se presenta
una silla con una mesita, un árbol y un gato, aunado con una pantalla al fondo de
escenario en donde se proyectan algunas imágenes de manera ocasional, contando
además con un equipo sonoro.
En cuanto al contenido de la trama, al respecto la compañía teatral muestra a
manera de Sinopsis el siguiente párrafo:
-Claudia es una mujer que mantiene largas conversaciones con su gato. Ésta es
una de ellas . Una disertación sobre los hechos de la vida desde el punto de
vista de una mujer contemporánea: la felicidad, el amor, el sexo, la visión de
género, la religión, la sociedad, lo que somos como seres humanos.- (Sinopsis
de la obra expuesta en la cartelera teatral).
Algunos pasajes de la Biblia partiendo de la Génesis, son un tanto analizados a
través de un análisis que va más allá de la visión teológica heredada mediante
discursos religiosos secular, que con claridad minimizan la postura femenina, a
consideración de la autora y, aunque el monologo podría ser un tanto irreverente
para algunos, lo cierto es qué en resumen, es una propuesta teatral sumamente
divertida e interesante, con matices de humorismo negro que cuenta con una gran
actuación.
HECHOS FURIOSOS, Conversaciones con un gato se presenta Teatro la Capilla,
contando con tan sólo tres funciones
RECONOCIMIENTO AL MAESTRO LUIS DE TAVIRA
POR: Dalia De María Teresa De León Adams
Tras tan sólo dos únicas representaciones de la obra teatral LA ÚLTIMA CINTA DE
KRAPP del icónico escritor irlandés Samuel Bekett (1906-1987), llevada a cabo en
el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, la puestas en escenacuya actuación estelar
fue a cargo del maestro Luis Fernando de Tavira Noriega (Distrito Federal 1948)
dio paso para otorgarle un muy merecido reconocimiento a éste destacado actor,
director, ensayista y pedagogo mexicano.
Dicho evento se llevó a cabo como a priori he mencionado, en el escenario del
hermoso recinto de El Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, teniendo como
mediadores a personalidades del Sistema de Teatro, quienes tuvieron a bien
otorgarle una pequeña placa conmemorativa, por su invaluable y constante trabajo
en el medio actoral mexicano.
Con respecto al montaje escénico que dio pié a dicho reconocimiento, le expongo
unas de las citas textuales a colación presentadas por la empresa difusora a cargo
de la Señorita Sandra Narváez:
-De uno de los grandes dramaturgos universales LA ÚLTIMA CINTA DE KRAPP
es considerada el monólogo con más tintes autobiográficos de u autor. Escrito
en 1958, se trata de una obra conmovedora, lírica y sentimental, en la que
Bekett presenta a un hombre que tiene mucho de él mismo.- (cita del boletín de
prensa).
Le comento a Usted qué la palabra KRAPP -Se define como el gusto por mantener
un cierto control maestro por las cosas. Otra acepción es el no saber manejar
la indiferencia o interferencia de otras personas, o bien, la memoria
documental como montaje del pasado; el archivo entendido como lugar de
custodia de la memoria individual y colectiva es un espacio de acopio de
aquella imagen que el pasado impone al futuro.- (significado de la palabra en
Google).
Y justamente es de ésta última acepción de la cual trata la puesta en escena de
KRAPP estelarizada con gran plástica actoral por el gran director escénico,
ensayista, traductor, dramaturgo pedagogo y actor mexicano Luis de Tavira.
Le recuerdo qué el Señor Luis Fernando de Tavira Noriega (1948) entre sus libros
publicados se encuentra Hacer teatro hoy, El corazón de la materia: Teilhard el
jesuita, Ser es ser visto, La séptima morada, Ventajas de la epiqueya: comedia de
intriga, La pasión de Pentasilea, Teatro escogido y Espectáculo invisible.
LA ÚLTIMA CINTA DE KRAPP escrita por Samuel Beckett en el año de 1958,
consistió en una obra para ser montada en un solo acto escénico. Se trata de un
monólogo o espectáculo unipersonal en el cual un hombre maduro celebra a solas
en su cuarto semi-oscuro sus 69 años. De pronto decide escuchar en su viejo
magnetofón los sucesos vividos cuando tenía 39 y la vida le sonreía con un tórrido
amor en los momentos en que pasaba por una crisis existencial.
Y como asegura la casa difusora al respecto:
Nosotros lo hacemos mediante las notas de voz que mandamos por el celular,
generando archivos de nosotros mismos y de nuestras relaciones con los
demás. Ésta obra nos invita a identificarnos con esos deseos de volver a un
pasado imposible de cambiar, pero que podemos revivir con solo escuchar una
grabación.
Su autor originalmente la escribió para ser escenificada por el actor norirlandés
Patrick Mage. A manera de Sinopsis, la trama trata de un refugiado, quien en la
soledad de su oscuro aposento se prepara algunos tragos y reflexiona sobre su
bochornoso pasado.
La puesta en escena muestra el lado pesimista, retraído y solitario característico de
el tan importante escritor Samuel Beckett quien reviste generalmente a los
personajes de su obra, de manera un tanto solitarios y sombríos, así como
inmersos en circunstancias adversas.
LA ÚLTIMA CINTA DE KRAPP es una obra que ha sido considera como el texto
autobiográfico de su autor de Samuel Beckett (1906-1989). Entre sus obras se
encuentran Proust (1930), Murphy (1938), Molloy (1951), Malone muere (1951),
El innombrable (1953), y Watt (1953),
Samuel Barclay Beckett fue un dramaturgo, novelista, crítico y poeta irlandés, uno
de los más importantes representantes del experimentalismo literario del siglo XX,
dentro del modernismo anglosajón.
Su obra es generalmente fundamentalmente considerada como sombría y tendente
al minimalismo y, profundamente pesimista, casi hasta nihilista (corriente
filosófica que sostiene la imposibilidad del conocimiento y niega el valor de las
cosas).
Por esto último no es extraño la consideración de Beckett casi al finalizar su
monólogo de LA ÚLTIMA CINTA DE KRAPP cuando asegura con otras palabras
qué el romance sostenido, cuya experiencia grabara, fuera la etapa más bella de su
vida, sin embargo NO le gustaría revivirla.
LA ÚLTIMA CINTA DE KRAPP, obra lírica de Samuel Beckett interpretada con
gran maestría por el actor Luis de Tavira fue el porte-aguas para qué se diera paso
al reconocimiento del maestro Luis de Tavira por su ardua y valiosa labor en
distintos rublos del medio artístico teatral.
¡FELICIDADES MAESTRO LUIS DE TAVIRA!
INTELIGENCIA ARTIFICIAL: La tecnología se apodera del teatro.
POR: Dalia De León Adams
Gran obra teatral futurista muy bien escrita con tintes de Ciencia Ficción que nos
hace reflexionar con respecto al avance tecnológico, el cual ha mostrado en ésta
época estar avanzando a pasos agigantados y que por ende, se filtrará seguramente
en el mundo del arte teatral, expandiéndose a-priori, en todos los ámbitos
cotidianos.
La trama gira en torno a lo que podría un día constituir el lidiar en diversos
momentos de nuestra vida cotidiana, con inteligencias artificiales que pudiera
además exceder nuestras capacidades como humanos, según vislumbra la ciencia y
la tecnología mundial.
Montaje escénico que cuenta con muchos elementos de índole dramático, que
mediante la estructura de una comedia sin embargo, nos invita a la reflexión de las
limitantes que todo tenemos como seres humanos; el riesgo o fortuna de vivir
frente a frente con los avances, dentro de la narrativa de la trama se manejan ante
interrogativas de lo que significará el compromiso de interactuar con tecnologías
de muy alta resolución.
Mascaras, vestuarios vistosos que nos llevan a pensar en el futuro, junto con el
juego de iluminación y cuadros escenográficos abundantes, dan como resultante
una puesta en escena, muy interesante y entretenida, con brotes de humorismo
negro.
Empero, más allá de los elementos de apoyo para la escenificación de ésta
dramaturgia original del escritor mexicano Flavio González Mello, por supuesto se
encuentra el integrar dichos aspectos con las invaluables actuaciones, dirección
escénica y, por demás está decirlo con el espléndido texto.
Las excelentes actuaciones corren a cargo del maestro Carlos Aragón y del
talentoso joven actor Roberto Beck, sin minimizar las interpretaciones de Dobrina
Cristeva, Diana Sedano, Fernando Rebeil, Verónica de Alba y Elena del Río, quienes
juntos escenifican con talento histriónico y emotividad a sus respectivos
personajes a caracterizar.
-Con ésta obra el público conocerá a Paco Ramos, un actor famoso que está a
punto de estrenar una versión de Hamlet cuando recibe una imprevista
propuesta para filmar una película en Hollywood. Como las obras de
Shakespeare en México solo dan 24 funciones, y la lista de espera de los textos
es interminable, el director y el actor se confabulan para utilizar a un robot
suplente que protagonizará la pieza shakesperiana. El reto será que el público,
los productores y los miembros del lenco no sepan quién es el original y quién
es la copia ¿humano o androide? He aquí el dilema.- (Sinopsis del boletín de
prensa).
Puesta en escena muy bien dirigida por cierto, por su mismo escritor, en la cual
nos divertimos con los ingeniosos diálogos en la narrativa qué a manera de
sinopsis se reducen a la siguiente consideración expresada por la compañía teatral
de la siguiente manera textual:
-Cuando el futuro nos alcanzó:
El deseo de perfección, inmortalidad y obediencia conducen a un futuro
robotizado. Debido a los adelantos de la tecnología, más temprano que tarde,
todas las personas podrían ser sustituidas –en sus trabajos e incluso en su vida
privada- por versiones aparentemente incapaces de fallar. Y si los humanos
son reemplazados en el teatro, serán removidos de cualquier otro espacio. En
ese sentido, el escenario es el límite de la realidad porque no hay acto más real
y humano que el teatro… Hasta ahora.-
El miedo implícito por parte del escritor ante la posible sustitución del hombre en
todos los niveles de su existenciales y, en específico laborales, me hace recordar el
pavor despertado entre la población económicamente activa que detonara la
denominada “Revolución Industrial” gestada en el Reino Unido durante la segunda
mitad del siglo XVIII, en la que los obreros salían a destrozar máquinas ante el
pavor de ser sustituidos por la tecnología naciente, sin tomar aún consciencia de
que era tan sólo, el comienzo de una nueva etapa de producción masiva que
incremento las inversiones y el número de empleos de personas que capacitadas
operaran las máquinas y por ende un cambio económico y social estructural global,
a nivel mundial.
Pero sin hacer más referencia a ésta conjetura, lo cierto es qué la dramaturgia de
Flavio González Mello es un texto que por sus elementos estructurales
dramaturgicos fue galardonado como ganadora del Premio Nacional de
Dramaturgia Juan Ruiz de Alarcón y, del Premio Nacional de Dramaturgia Víctor
Hugo Rascón Banda.
INTELIGENCIA ACTORAL. La tecnología se apodera del teatro ES UNA obra
teatral producida por la compañía “Erizo Teatro” que se presenta en el Teatro
Principal del Centro Cultural Helénico, dando funciones de jueves a domingos.
LA FILARMÓNICA DE LAS ARTES. Con los clásicos espectaculares”.
POR: Dalia De León Adams
A modo de celebración de los 95 años de haber sido compuesto EL BOLERO de
Ravel es que LA FILARMÓNICA DE LAS ARTES tiene contemplado presentarse en
el Centro Cultural de Cultura (CUC) bajo el rublo intitulado “LOS CLÁSICOS
ESPECTAULARES” en el cual para culminar se cerrará con broche de oro con la
impactante interpretación de EL BOLERO de Ravel.
-El Bolero es una obra musical creada por el compositor francés Maurice
Ravel en 1928 y estrenada en la Ópera Garnier de París el 22 de
noviembre de ese mismo año.- (página WEB).
De tal manera que esta programado el presentar algunas de las obras musicales
clásicas más icónicas e inolvidables bajo la batuta interpretativa del talentoso
director de orquesta, Enrique Abraham Vélez Godoy (quien dicho sea de paso,
tiene predilección por la música de Ravel y de Debussy).
Para tal efecto fueron invitados a formar parte de éste concierto los músicos
solistas Jonathan Cano (quien ha destacado por ser uno de los mejores violinistas
en nuestro país) además de la pianista de gran prestigio Argentina Durán, quien
logró colocarse con gran rating en la aplicación de Tiktok.
El lugar de la cita es el Centro Universitario Cultural a partir del 18 de febrero
2023 en donde fabulosas obras de algunos de los compositores más reconocidos
de la música clásica, estarán presentes en el Concierto como ya es costumbre cada
año por parte de la FILARMÓNICA DE LAS ARTES la cual se ha mantenido al
gusto del público mayormente universitario, a través de 15 años de labor musical.
Las piezas melódicas que engalanarán el evento serán “El Bolero” del francés
Maurice Ravel escrita en 1928, “Rapsodia Azul” del norteamericano George
Gershwin interpretada por primera vez en 1937, la marcha “Pompa y
Circunstancia” del inglés Edward Elgar compuesta en 1902 y, “La Cabalgata de la
Valquiria” del veneciano Richard Wagner escrita en 1851.
Por supuesto que están contempladas otras interpretaciones más como el icónico
tema que se emplearía en el rodaje cinematográfico de “El Padrino”, original de la
Banda sonora Nino Rota, la cual entre otras piezas musicales importantes pretende
ser un compendio de música inolvidable para el público presente.
En “CLÁSICOS ESPECTACULARES” se presenta con LA FILARMÓNICA DE LAS
ARTES la pianista Argentina Durán y el violinista Jonathan Cano tan sólo con dos
únicas funciones en los días viernes 17 y sábado 18 de febrero 2023 en el Centro
Universitario de Cultura (CUC).
¡NUESTRO SINCERO RECONOCIMINTO!
EJE EJECUTANTES
POR: Dalia De León Adams
Importantes empresas del medio artístico musical se dieron cita el día de ayer
jueves 16 de febrero del año en curso 2023 en la Sede de la empresa EJE
EJECUTANTES para unificar esfuerzos y proyectos que darán pauta a Nueva Etapa
en la Historia de la Música.
Tal vez el párrafo anterior parezca un tanto exagerado pero no lo es, pues gracias a
ésta convocatoria es que se da un inicio para compaginar esfuerzos y ser
reconocidos, a todo género de músicos, compositores, interpretes y productores,
incluyendo la parte remunerable económicamente hablando.
Por ello es importante el expresar qué se entiende por EJE EJECUNTANTES:
Inicialmente se le denominó EJE EJECUTANTES al evento durante el cual fueron
otorgados los premios qué por primera ocasión recibieron a manera de presea,
algunos músicos emblemáticos de la actualidad, fuera de una cadena televisiva.
Actualmente cuentan con una Sede que se localiza en la Avenida Ermita Iztapalapa
número 920, edificio B, de la colonia Barrio Santa Bárbara, en la Ciudad de México.
Su director creativo fue el Señor Armando Báez Pinal comentarista y locutor
televisivo conocido como “el Pato” es el fundador y Presidente. Y el día de ayer por
supuesto estuvo presente el Señor Licenciado Julio Velázquez quien es el Director
de “Arte Global México” siendo el conductor de la conferencia de prensa ofrecida
para dar a conocer los pormenores del desplegado del proyecto.
Además asistió el Señor Contador Sergio Alvarado Uribe, Director General de EJE
México”, el Maestro Fernando de Santiago quien también es parte del Consejo
Directivo y, el Maestro Arturo Torres quien es el la Voz del Compositor.
Además de encontrarse como invitados el Maestro Mario Santos, el Maestro
Ricardo Matín, y los miembros del Consejo Directivo de EJE el Señor Chucho
López, Marcos Moren y el Maestro Salvador Merchant.
Se mencionó qué se han monitoreado la unificación de empresas tanto nacionales
como internacionales, para dar apertura a una Disquera Independiente, en la cual
ya se han integrado países como México, República Dominicana, Ecuador,
Colombia, Argentina, Ecuador y Los Estados Unidos.
-Esta unión es respaldada por empresas internacionales líderes en la industria
como Arte Global Internacional, Monitor Latino y Emax Group Corp; así como
por los productores y estudios de mayor relevancia como Saga WhiteBlack de
Estados Unidos, Yohan Usuga de Colombia y Funglode de República
Dominicana y ahora sumamos los estudios de EJE en Ciudad de México,
Ecuador con estudios El Dorado y Artemusic Argentina, nidos todos para
producir, promover y distribuir la música y los artistas que forman parte de
ésta disquera.
Además, la disquera cuenta con acuerdos firmados con sociedades como: Lime
Blue Londres, SODAIE República Dominicana, SOMEXFON México, SAYCO y
ACINPRO SARIME Ecuador y SONIEM Perú.
Arte Global Internacional México con el catálogo de música electrónica más
grande en Europa para la monetización y exploración única en el mundo, así
como con los derechos del catálogo exclusivo de 6000 obras del maestro Julio
Jaramillo y con más de 3 millones de fonogramas administrados a nivel
mundial.
En resumen podríamos decir qué la propuesta de la empresa “EJE y Arte Global
México”, en base a la utilización de las herramientas importantes para el
monitoreo de la música (Monitor Latino) apostará por los artistas independientes
en miras de desenvolverse y proyectarse a nivel internacional.
Todo esto al poner a la disposición de los interesados la infraestructura que
comprende tanto la producción musical, como videos, promociones, distribución,
recolección y el marketing, mediante la recolección de derechos conexos de autor y
propiedad industrial e intelectual, por vía legal, garantizando su respectivo
beneficio económico.
Les felicitamos esperando que lleguen a ¡BUEN PUERTO!
www.Ejecutantes.com
www.ArteGlobalMéxico.com
www.EmaxGroupCorp.com
LAS VISIONES
POR: Dalia De León Adams
La Compañía Nacional de Teatro por segunda ocasión vuelve a presenta la puesta
en escena LAS VISIONES original del dramaturgo José Emilio Hernández bajo la
dirección artística del maestro Boris Shoemann, pero en ésta ocasión en la Sala
Héctor Mendoza de la Sede del CNT.
Montaje escénico en un solo acto, en donde la escenografía está compuesta por una
carreta de madera de la cual se van utilizando varias partes como las ruedas de las
llantas, para simular unas prisiones, entre muchos otros usos del mismo objeto, de
donde se abren algunas partes centrales, a manera de puertecillas, para asomarse
los diversos personajes que recrean éste drama plagado de humorismo negro.
El talento del maestro Boris Schoemann sale a evidenciarse, acorde con el
maravilloso texto de José Emilio Hernández qué aunados a las grandes actuación
de los artistas protagónicos y el creatismo escénico, hacen todo un deleite de ésta
puesta en escena.
El reparto estelar está conformado por el elenco estable de la Compañía Nacional
de Teatro (CNT) quienes son Armando Comonfort, Judith Inda, Octavia Popesku y
Alan Uribe Villarruel.
La trama surge dentro de conflictos armados en una zona rural de nuestro país que
sirve como referente para desarrollar la narrativa de éste drama perteneciente al
género histórico o novela indigenista. A colación se puede leer en la cartelera
teatral la siguiente aseveración al respecto:
-Ramón Llanes y Anastasia Robles atraviesan el país en busca de Francisco
Villa, Mientras Margarita y Catalina Macías intentan seguirles paso. El tiempo
se alarga, se detiene, pasa distinto. El país se convierte en un rompecabezas a
descifrar en los sueños y en las marcas que dejan las piedras en el camino. El
amor durante la revolución mexicana no es lo que parece.-
A manera de semblanza le comento qué José Emilio Hernández Martín fue nato en
el Distrito Federal en el año de 1993. Egresado de la carrera de Escritura Creativa y
Literatura de la Universidad del Claustro de Sor Juana, posteriormente estudió
Escritura Creativa y Literatura.
Por su parte el maestro franco-mexicano Boris Schoemann es un excelente director
y actor, además de traductor, editor, docente teatral y directivo del “Teatro La
Capilla” y el “Foro Salvador Novo”.
Pero volviendo a la puesta en escena de la obra LAS VISIONES le comentaré que la
trama de ésta obra teatral, aún cuando está conformada con rasgos del género
teatral histórico-revolucionario, no incursiona totalmente en la temática,
proporcionando tan sólo algunos de los pormenores de dicho periodo de nuestro
país.
El peso escénico se basa en mostrar algunos elementos populares que hacen
evidente que la preparación de la dramaturgia por parte de su autor, es un estudio
profundo que va más allá de un texto de archivo, pues analiza la parte psicológica
de las masas revolucionarias emitidas a través de sus personajes, muy bien
delimitados, aunque un tanto cuadrados.
LAS VISIONES es un texto en donde lo evidente se mezcla con lo onírico y la
locura, rasgo que ubica a la trama dentro de un contexto del realismo mágico,
característico de la literatura latinoamericana, en la cual “lo irreal” se transforma
en “real”.
LAS VISIONES es una obra realmente creativa y bien estructurada con muchos
elementos que se compaginan para ofrecer una interesante propuesta escénica y
cuyo título nos sugiere la manera en que su dramaturgo penetra para rescatar del
pueblo, más allá de lo evidente.
Obra teatral que se presenta en la Sala Héctor Mendoza de la Sede de la Compañía
Nacional de Teatro en días miércoles hasta el día 8 de marzo del año en curso
NUESTRO AMADO GENERAL
POR: Dalia De León Adams
-Una obra de Luis Ayhllón, quien realizó una adaptación de Espectros de Ibsen
(por la cual fue reconocido en Noruega con el Ibsen Scope Grant) en la cual
aborda las relaciones de poder que comienzan con la familia y su relación con
lo público; además de un juego de espejos sobre el origen de la violencia en
México.-
Así es como se expresaron en la información que proporcionara el Teatro UNAM
en septiembre del año pasado 2022 con respecto a la puesta en escena de la obra
teatral NUESTRO AMADO GENERAL que hoy en día nuevamente se presenta en el
Teatro Juan Ruiz de Alarcón, la cual dicho sea de paso, formara en el mismo año
pasado, parte del Festival Cultural UNAM.
Montaje escénico adaptado y dirigida por Luis Ayhllón basada en la dramaturgia
de Henrik Ibsen, intitulada “Espectros” que recrea el poderío político, sus
desavenencias, abusos extremos, excesos y abundancias.
La dramaturgia “Espectros” cuya traducción al español también aparece como “Los
aparecidos” ha sido una obra teatral planeada para ser montada en tres actos
escénicos, del dramaturgo noruego Henrik Ibsen, quien la escribiera en el año de
1881; sin embargo se estrenaría un año más tarde (en 1882).
Empero a ello, Luis Ayhllón la presenta en un solo cuadro escenográfico y un
tiempo escénico en el cual se muestra el busto o estatua del General Amado Durán
de un gran tamaño, dentro del cual salen y entran algunos de los actores para dar
paso a la trama.
Y a colación se lee recientemente en el boletín de prensa lo siguiente con respecto
al contenido de la narrativa:
-En el Teatro Juan Ruiz de Alarcón todo está listo para develar la escultura del
difunto Amado Durán, un militar condecorado cuyas acciones fueron
reconocidas por el gobierno mexicano; están presentes políticos y hasta un
sacerdote, la invitada de honor es la viuda Aurora, quien aprovechará ese
momento para contar todos los secretos de su depravado marido que podrán
conocerse…-
Además cuenta con dos mega pantallas que sirven de apoyo visual, en éste drama,
en donde el General Amado Durán es actuado por el gran actor, Juan Carlos
Colombo, quien aparece en algunas escenas multimedia, al igual que formando
parte del reparto estelar y cuyas escenas son musicalizadas con piezas clásicas.
A manera de drama, la sinopsis de ésta obra presenta la vida de la familia Alving,
cuyo hijo único de la pareja presidencial se llama Osvaldo (caracterizado por Ulises
Martínez), cuyo marco de referencia es el México Revolucionario, la guerra anti-
drogas y la sociedad altamente machista.
Éste tras de haber salido de un seminario, para después ser enviado a una
universidad de la Unión Americana, por parte de su madre Aurora Durán
(interpretada por Irela de Villers) regresa y se encuentra que su padre ya había
fallecido mediante un accidente aéreo, que a él le resulta un tanto sospechoso.
Momento tras del cual se enterará además de que su padre fue un hombre quien
padeció de alcoholismo y de muy mala reputación, además de ser poseedor de un
carácter infiel, por lo que tuvo una hija fuera del matrimonio (personaje
caracterizado por la actriz Silvia García) tras de un acto de violación. Personaje
adolescente quien permanece en su casa como empleada, al igual que su padre
adoptivo (estelarizado por Francisco Aurelio Sánchez) a quien cree que es
consanguíneo.
Osvaldo padecerá de la enfermedad del sífilis por herencia y se encuentra con una
madre adicta a las drogas, quien había sufrido durante largo tiempo por causa de
su esposo el General Amado Durán, a quien debe su adicción, según ella misma
argumentara.
Dentro de éste drama con tintes políticos, secularmente tratada en los albores del
siglo pasado, no podía faltar la figura de el cura León, un hombre pedófilo y
corrupto, quien según el texto, intentara tiempo atrás de manera fallida, vender la
imagen de la virgen mexicana, sacerdote interpretado por el muy talentoso actor
Rodrigo Vázquez.
NUESTRO AMADO GENERAL es un collage rítmico de múltiples texturas y
recursos, con ciertas referencias a la historia reciente de México, que en su
mayoría pertenecen a relatos de la memoria colectiva o son testimonios de
amigos, conocidos o prensa, que van desde la Revolución Mexicana hasta la
Guerra contra las drogas en el sexenio de Felipe Calderón (2006-2012).
(boletín de prensa)
Se considera esta obra como un exponente de la corriente denominada novela
lírica, que también pertenece al género de la novela histórica, acorde con su
tratamiento narrativo.
Puesta en escena que cuenta con un gran reparto estelar, así como un magnífica
adaptación a la realidad mexicana, realizada por su también director escénico Luis
Ayhllón y, una buena realización escénica y musical, y una espectacular
escenografía.
NUESTRO AMADO GENERAL se presenta de jueves a domingos en el Teatro Juan
Ruiz de Alarcón, del Centro Cultural UNAM (CCU) teniendo la participación
especial del actor Juan Carlos Colombo y las actuaciones estelares de Irela de
Villers como Aurora, Rodrigo Vázquez caracterizando a un presidente de México y
al Obispo León, Francisco Aurelio Sánchez en el rol de Oswaldo, Ulises Martínez
interpretando a un Secretario de la Defensa y al personaje de Mateo y finalmente
Silvia García como Juana.
LA COMPAÑERA
POR: Dalia De León Adams
Puesta en escena que cuenta con las actuaciones de Frida de la Torre y Daniela
Vera. El texto es de las dramaturgas chilenas Carla Romero y Laura Agorreca,
siendo ésta última quien además dirige la obra bajo la producción de la señorita
Cintia.
LA COMPAÑERA contiene una trama perteneciente al género histórico, ya que
aborda uno de los periodos más cruentos para la mayoría del pueblo hermano
chileno. Me refiero al régimen del General Augusto José Ramón Pinochet
(Valparaíso, Chile 1915-2006):
-La dictadura militar chilena, también denominada Régimen Militar, fue el
régimen dictatorial militar establecido en Chile entre el 11 de septiembre
de 1973 y el 11 de marzo de 1990, y por extensión se conoce así al
período de la historia chilena en que dicha dictadura estuvo vigente…
-Un golpe de Estado liderado por Augusto Pinochet derrocó el gobierno
de Salvador Allende e impuso una dictadura militar durante 17 años…
-La Junta Militar que presidió el General Augusto Pinochet
inmediatamente clausuró el Congreso y declaró la ilegalidad de los
partidos de izquierda.- (pagina WEB).
Sin embargo la trama hace mayor énfasis a un pequeño grupo de jóvenes de
oposición, quienes en aras de liberar a su pueblo se jugaron la vida, y aún más,
sacrificaron su familiar, dejándola atrás.
Nombres, fechas y algunos pormenores del grupo de oposición, resultan ser la
parte medular de éste drama histórico, en donde mediante el recurso de la ficción,
una joven cuenta la experiencia vivida en carne propia, debido a ser la hija de una
de las liderezas de dicho movimiento.
-La oposición a la dictadura de Pinochet fue un movimiento amplio y
heterogéneo. Entre los grupos opositores estaban desde aquellos que
justificaban la resistencia armada, hasta los pacifistas. Todos ellos fueron
actores determinantes en el proceso que llevó al fin de la dictadura. En la
oposición no existió un líder único y eso reforzó en cada chileno
demócrata la sensación de haber conseguido, con su esfuerzo, devolverle
al país sus tradiciones republicanas.
Empero muchos murieron asesinados en el intento, como se deja entrever en el
texto de Carla Romero y Laura Agorreca a manera de sinopsis qué de manera
textual, podemos leer en el programa de la obra:
-Dos niñas deben hacer un trabajo sobre un héroe de la patria. Una de
ellas decide hacerlo sobre su madre, una militante sudamericana
clandestina y perseguida política, en el camino se da cuenta de que ella
también desea matarla. ¿Qué hacer con lo personal? ¿Qué historia
queremos escuchar? ¿Cuál nos contamos a nosotras? ¡No te rías! Esta
por sonar la campana y el tiempo se agota para construir el referente.
Referente que nos ubica en el Chile desgarrado por el intenso sufrimiento,
desapariciones clandestinas y el derramamiento de sangre hermana a partir del 11
de septiembre de 1973 hasta 1990, aún cuando en ésta dramaturgia es narrada
con algunos matices de ficción mediante retrospecciones temporales, presentados
por las mismas dos jóvenes en el escenario y con el apoyo del uso de utilería e
iluminación, contando con breve musicalización.
LA COMPAÑERA inició funciones el pasado jueves 9 de febrero del año en curso
2023 en la Sala Salvador Novo, del Centro Cultural “La Capilla” teniendo como
madrina a la actriz Ofelia Medina y concluirá el 26 del mismo mes.
Función de Donación de LOS MONÓLOGOS DE LA VAGINA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
En muchas ocasiones nos hemos preguntado ¿qué es lo que hace que una obra
teatral resulte exitosa? O bien, ¿llegue a ser del agrado del público? Al parecer no
hay una respuesta precisa. Sin embargo podríamos detectar qué más allá de una
buena dramaturgia o texto, y de grandes actuaciones, agregándoles quizás
excelentes escenografías etcétera, se debe probablemente más bien, a una
magnífica producción, como lo ha demostrado el Señor Morris Gilbert en la mayor
parte de sus montajes teatrales que logra mantener en cartelera comúnmente,
durante largo periodo .
Y para ello se precisa de tener talento, un enorme esfuerzo, además de un toque de
intuición y hasta suerte para la selección de la dramaturgia en el momento
adecuado, como durante largo tiempo lo ha dejado entrever con sus grandes
producciones el Señor Morris Gilbert, junto con la compañía Mejor Teatro.
Una prueba de ello es nada menos que la puesta en escena de MONÓLGOS DE LA
VAGINA ha llegado a logrado obtener la titánica suma de las 8 MIL
representaciones, albergándose en distintos foros de la República Mexicana y de la
Ciudad de México, siendo en ésta última ocasión, el Nuevo Teatro Libanés.
Y así es como actualmente MONÓLOGOS DE LA VAGINA está celebrando “25 años
del día V y una década de Un billón de pie” según testimonia la misma empresa
productora, la cual además está formando parte del proyecto VDAY.
Para comprender éste último párrafo anterior, tal vez se debe tener en
consideración LOS MONÓLOGOS DE LA VAGINA “VDAY” que es una organización a
nivel mundial.
-VDAY es un catalizador que promueve eventos creativos para aumentar el
conocimiento y recaudar fondos para revitalizar el espíritu de organizaciones
antiviolencia existentes. VDAY genera una atención más amplia sobre la lucha
para terminar la violencia contra mujeres y niñas, inclusive violaciones,
golpes, incesto, mutilación genital femenina y esclavitud sexual…
Es el movimiento que está creciendo a un ritmo rápido en todo el mundo y se
presenta en 90 países desde Europa, Asia, África al Caribe y todo Norte
América. (página ISSUU, en Google).
Y precisamente a éste esfuerzo se ha unido la compañía productora “Mejor Teatro”
la cual se ha comprometido en donar íntegramente todo el dinero recaudado en la
próxima función especial de LOS MONÓLOGOS DE LA VAGINA que se llevará a cabo
el próximo “Día 14 de Febrero” a las 17:00 horas; fecha conocida como el “Día del
Amor y la Amistad”.
Le comento que la obra ha sido todo un suceso y que ha albergado a
aproximadamente 140 actrices las cuales han sido dirigidas por Jaime
Matarredona.
Para el 14 de febrero están contempladas como interpretes de la función
recaudadora de fondos, las actriz y conductora Andrea, la locutora Janett Arceo y la
comediante y actriz Dalilah Polanco.
-MONÓLOGOS DE LA VAGINA es una obra con un alto contenido humano que
posee momentos profundamente emotivos. La trama recorre la sexualidad
femenina y su punto de partida fueron cerca de 200 entrevistas realizadas por
la autora norteamericana Eve Ensier, quien cuestionó a mujeres de diversas
nacionalidades . Ensier les hizo preguntas que abundaban en los temas más
íntimos de su vida. Las respuestas fueron una rica mezcla de edades, razas y
estratos sociales que dio las respuestas más inesperadas, divertidas y
punzantes. (nota en cartelera)
-LOS MONÓLOGOS DE LA VAGINA es una comedia que rompió tabúes e hizo
historia. Es una comedia sobre las mujeres y su sexualidad, los tabúes sociales,
la represión y la incultura sexual. La clave de su éxito es la intemporalidad.
(notas de una página WEB)
-LOS MONÓLOGOS DE LA VAGINA es una dramaturgia original de la
estadounidense Eve Ensier escrita en 1996 que ha dado vueltas al mundo,
descubriendo la mirada de mujeres violentadas a cuyas voces se han ido sumando
esfuerzos para ir logrando habitar un mundo mejor.
La obra se presentará a partir del día 14 de febrero en el Nuevo Teatro Libanés de
la Ciudad de México, bajo la productora “Mejor Teatro” que contempla tener
funciones durante febrero y marzo y, seguramente más, con el apoyo del público.
ZOMBIE
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Escrita y dirigida por Hugo Arrevillaga Serrano, con la actuación estelar de Óscar
Serrano Ramírez, la puesta en escena gira en torno a la siguiente Sinopsis
presentada por la Señorita Gaddi Miranda de la Compañía Difusora del Centro
Cultural Helénico en donde actualmente se está presentando la dramaturgia de
ZOMBIE.
Sinopsis:
-Roberto, plomero y actor por convicción, busca la manera más convincente de
interpretar a un ZOMBIE en un evento para Día de los Muertos. Él, que siempre
había pensado que su vida transcurriría ejerciendo el oficio de la plomería
como su padre, el padre de su padre, y el padre del padre de su padre, se ve
seducido por la idea de ser actor y ganarse la vida así. Entones emprende una
epopeya personal para prepararse y ser el mejor muerto viviente del show de
terror. Sin embargo, no cuenta con que en el trayecto de su búsqueda se topará
con las antiguas heridas de la infancia que lo han convertido en el apocado,
reducido, ensimismado, aterrado y pequeño hombre que es.-
El personaje de ZOMBIE hace referencia a una persona común, como cualquier
otra, quien harto de su aparente destino, un buen día desea romper con lo que
pareciera ser una atadura, la trampa de deber ser un plomero como gran parte de
sus ancestros masculinos por línea paternal.
Empero a sus frustraciones, un día caerá en la cuenta de que todo ser humano es
poseedor de su propio destino y sobre todo, de la manera de apreciar su vida, su
familia y su propio ser.
Es una comedia con tintes de melodrama, así como de ficción, en donde gracias a la
pluma de su escritor Hugo Arrevillaga Serrano, todo parece ser posible, incluso el
diálogo inconsciente con nuestro propio cuerpo, que de pronto pareciera recobrar
vida propia.
Canto, malabares, maromas, y aún mas rutinas circenses, forman parte de éste
espectáculo unipersonal, en donde la letra musicalizada es parte del monologo que
interpreta el gran actor Óscar Serrano Ramírez, demostrando con todo ello tener
grandes talentos en cuanto a la disciplina teatral.
Actor quien evidentemente es guiado de la mano por su dramaturgo y espléndido
director escénico; es decir el Seño Hugo Arrevillaga Serrano, quien satisfecho subió
al escenario junto con todos los creativos de la obra teatral ZOMBIE, para recibir
los largos y calurosos aplausos, acompañados por frases que el público emitía de
júbilo.
-ZOMBIE es un acto de malabarismo, un desbordante despliegue de energía y,
ante todo, el viaje al interior de un perdedor. Asimismo, esta pieza expande su
potencial narrativo mediante una serie de canciones entretenidas, al respecto
el director Hugo Arrevillaga, cuenta: “Me puse en contacto con Roberto Musso,
cantante, compositor y líder de El Cuarteto De Nos, y cuál fue mi sorpresa al
saber que no sólo me iba a permitir hacer uso de su trabajo como parte del
cuerpo dramático de la obra, sino que me brindó su amistad y complicidad
como socio creativo.
Este monólogo es una confesión que Roberto –plomero por destino y actor de
monstruos por convicción- hace a través de sus temas favoritos de El Cuarteto
de Nos. Desde pequeño Roberto ha sido un solitario y siempre ha tenido
muchas dificultades para relacionarse con los demás. El atribuye esto al hecho
de haber sido “bulleado” durante su paso por la escuela. Su condición de raro
lo hizo siempre vulnerable ante las burlas y no recuerda haber sido nunca
llamado por su nombre de pila, sino por su apodo: “EL ZOMBIE”. (nota de la
Difusora)
Por su tratamiento narrativo, también puede ser considerado dentro del género
actoral biográfico. Y ya que constantemente el monologo hace referencia a la
psiquis del personaje protagónico de Roberto, nombre de pila también del músico
canta-autor (Roberto Musso) en quien está inspirada ésta obra, es que la
dramaturgia también incursiona dentro del genero de la novela psicológica.
Y empero a todo ello le diré que la obra está escrita con matices de humorismo
negro, o narraciones de cierto contenido cruento, qué al ser mostrados sin tapujos
por su escritor, al público le arrancan risotadas, pese al carácter de seriedad y
dolor padecido por el personaje y aún peor, por una persona de la vida real.
Pero más allá de inmiscuirnos en un breve análisis narrativo, la verdad es que ésta
dramaturgia original de Hugo Arrevillaga, termina siendo un verdadero deleite
interpretativo y visual.
ZOMBIE se presenta con funciones los días lunes y martes en el Foro “La Gruta”
del Centro Cultural Helénico, hasta el día 6 de abril de éste año en curso 2023.
LA RENATA
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
En ocasiones nos preguntamos el ¿por qué habiendo tantos talentos artísticos en
nuestro país son tan desperdiciados? Y tal vez una de las múltiples respuestas es el
hecho de que no existen las empresas suficientes que les albergue de manera
laboral.
Por dicho motivo el día de ayer martes 7 de febrero, fue realmente un enorme
gusto asistir a LA RENATA: Foods, drinks & shows, el restaurante bar que está
abriendo sus puertas al espectáculo teatral, presentando lo que se ha denomina
“Teatro en Shot” (shot: trago en un solo golpe) otorgándole a ésta palabra el
concepto de Shows breves, y producciones de entretenimiento para los
comensales.
De tal modo y ante dicha finalidad, fue que se colocó en el fondo del Restaurante
LA RENATA un escenario que cuenta con alrededor de 6 metros de largo, 5 de
ancho y 10 de altura para abrir el telón rojo que a partir del día de ayer, se abrió
para ofrecer tres distintas dramaturgias a la vez.
Estas fueron: MIENTES TAN BIEN la primera obra con la que se dio inicio y que
consistió en un drama, en donde tres personas se ven comprometidas en una
misma relación sentimental.
Es una puesta en escena en donde uno de los actores protagónicos intenta
involucrar al público asistente, para determinar el final de la trama, que hará que
la dramaturgia termine teniendo un vuelco.
¿ONTAS CUPIDO? fue la segunda representación. Consiste en un monólogo actuado
con tonos de humorismo negro y frase abiertas, en donde se da cabida al uso del
lenguaje altisonante que hoy en día parece estar muy en voga.
Finalmente se representó la obra con tonos románticos intitulada SUFRE MAMÓN.
Una comedia ligera en donde la confusión de sentimientos están a flor de piel,
como suele suceder en ocasiones entre las muy jóvenes parejas.
“Teatro en Shot” cuenta con una duración aproximada de tan sólo 30 minutos cada
obra, pues no se intenta ejecutar una representación teatral en forma, que por
demás esta decirlo, precisaría de muchos elementos escénicos más, aunados a una
inversión económica mucho mayor, que no tendría sentido, pues lo que se intenta
es ofrecer arte en corto, así como divertimento mientras se degustan algunos
platillos y/o bebidas.
En resumen “Teatro en Shot” consiste en presentar tres obras en una sola noche,
representadas en formato corto o denominadas microficciones que abarcaran
diversos géneros teatrales musicalizadas en vivo producidos por la actriz y
conductora Daniela Carvallo @danycarvallo y el Señor Bernardo Lartigue,
productor general de LA RENATA. Y para acompañarlos estuvieron presentes
algunas personalidades del medio artístico, entre las que destacaban Anna
Ciocchetti, Natalia Moguel y Brenda Santabaldimia, María Perroni Garza y Nicole
Reyes además de los padrinos de temporada, quienes forman parte del elenco de la
Serie “El Señor de los Cielos”.
LA RENATA: Foods, drinks & shows esta ubicada en la Avenida Monterrey 335
de la Colonia Roma Sur.
JULIETA TIENE LA CULPA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Muy acuerdo con la frase inicial propuesta por Teatro UNAM, en donde se
menciona a colación con respecto al montaje escénico de JULIETA TIENE LA
CULPA –Es una obra de teatro mexicano original, inteligente, divertida y
apasionante- .
Y por supuesto que que lo es entre otras aseveraciones más, como la de contener
una magnífica interpretación artística por parte de las tres actrices que forman el
reparto estelar. Ellas son Verónica Merchant, quien caracteriza al personaje de
Blanca, Carmen Mastache en el papel de Nora y, finalmente Sofía Sylwin, como
Nina.
Dramaturgia original de Bárbara Colio que presenta a tres mujeres totalmente
diferentes tanto en edad, como en clase social e idiosincrasia, quienes empero a
ello coinciden una noche en el estreno teatral de una de las obras clásicas del
escritor inglés Williams Shakespeare; es decir en la representación de la tragedia
clásica de “Romeo y Julieta.”
Y al respecto del encuentro que marca la parte emular de ésta obra teatral, su
misma directora escénica sostiene de manera textual lo siguiente:
-La verdad es que a veces, con los desconocidos pueden sucederte cosas
extraordinarias que difícilmente se logran con la gente que te conoce bien,
será porque con los desconocidos no tienes que cargar con tu propio personaje.
La gente con la que te cruzas puede cambiar tu destino.-
La trama menciona un día lluvioso en donde tres mujeres se encuentran en el
lobby de un lujoso teatro. Una de ellas de apariencia elegante y misteriosa, tras de
haber comenzado la función llega sin boleto alguno y se sienta placidamente para
sacar de una pequeña maleta, una botella de whisky, que ha hurtado del bar del
mismo teatro; ella es Blanca
La segunda, Nora, es una mujer adinerada que lleva consigo dos boletos de primera
clase, quien empero no ha ingresado a ocupar sus butacas tras la tercera llamada,
en espera de un amigo al que aguarda y con quien telefónicamente no ha podido
comunicarse por el bloqueo de las líneas.
La tercera es una jovencita. Es Nora, la vendedora en la taquilla de los boletos a
cuya función no ha podido entrar pese a su gran interés, a esa, la que considera la
representación más trascendental, y a la cual, previamente había sido rechazada en
el casting, para ocupar el papel protagónico, cuyo dramaturgo de la adaptación del
texto shakesperiano, es nada menos que su amante casado.
La obra contiene un texto Pro feminista muy bien estructurado, con escenas tanto
dramáticas como divertidas, pero sobre todo, muy intensas en cuanto a la
interpretación de los tres personajes protagónicos interpretativos.
Actuando indudablemente las tres actrices con gran talento y plástica actoral, los
100 minutos aproximados de la obra pasan volando. Ellas son como a-priori he
mencionado, Verónica Merchant, Carmen Mastache y Sofía Sylwin; siendo las dos
primeras dos reconocidas actrices en el medio artístico, si embargo no
desmerecieron la actuación de la joven actriz Sofía Sylwin.
Sobre éste montaje escénico se podía ya leer en la cartelera teatral del Centro
Cultural Helénico en donde se representaba en el año 2021, la siguiente
aseveración, pues sea dicho de paso, ésta dramaturgia ha sido puesta en escena en
diferentes ocasiones en nuestro país y en Colombia, Bogotá, con éxito:
-“¿Realmente quisieras ser como Julieta Capuleto y morir por amor? Son las
historias que hemos leído, como nos las han contado; te invitamos a cruzar la
puerta del teatro, y descubrir otras versiones posibles. Julieta tiene la culpa, un
teatro escrito ahora, para la vida de ahora.-“
Y aún cuando en cierto modo la trama gira en torno a la obra de “Romeo y Julieta”
cuyos diálogos de manera breve son representados y citados de manera muy
fragmentada, el texto de JULIETA TIENE LA CULPA alude totalmente a la época
actual, contando con algunos elementos agregados de obras que se han vuelto
clásicas en el repertorio teatral, como por ejemplo “Un tren llamado deseo” de
Tennessee Williams que Marion Brando estelarizara en el año 1951 catapultándolo
como una gran figura del cine estadounidense junto con Vivien Leigh y Kim
Hunter.
En fin, en mi opinión ésta es una gran puesta en escena que vale la pena presenciar.
JULIETA TIENE LA CULPA se esta presentando en el Teatro Sor Juana Inés de la
Cruz, del Centro Cultural UNAM de jueves a domingos, tenido algunas dobles
funciones los días 18, 19, 25 y 26 de febrero del año en curso 2023.
EL DOLOR DEBAJO DEL SOMBRERO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
-Una comedia para reencontrarse con los sueños-
Así se describe la puesta en escena la compañía “Microteatro México” con la obra
presentada hoy en día en el Foro La Gruta en el Centro Cultural Helénico, la cual ha
estado siendo acogida por el público asistente, con largos y calurosos aplausos.
En realidad se trata de una divertida y peculiar obra teatral, escrita y dirigida por
Martín Zapata, quien demuestra tener pluma como dramaturgo y, quien además
aparece en cierto momento de éste montaje escénico, dándole un vuelco a la trama.
El mensaje que lleva implícito ésta obra teatral, nos adentra en particular al mundo
mágico del escritor, quien en éste caso incurre en el genero de la dramaturgia y el
cuento, logrando con ambas una especie de colage muy divertido, que le otorgan el
rango de comedia.
Ingredientes que fusiona para dar cabida a la novela psicológica, en donde también
puede estar matizada, al reunir diversos elementos escénicos combinados con la
psique de sus tres personajes protagónicos, muy bien caracterizados e
interpretados por el actor y Adrián Vázquez (también gran dramaturgo y director)
en el rol del dramaturgo Jeremías).
La actriz Ana Corti escenifica a la joven y atractiva mujer que de pronto aparecerá;
y el actor Tadeo Zapata aparece en escena ejecutando el personaje del cuentista
llamado Daniel. Le diré qué los tres actores en el escenario muestran tener el
suficiente talento histriónico para ir teniendo cada día más “tablas en el escenario”.
La obra teatral EL DOLOR DEBAJO DEL SOMBRERO es un texto muy bien
estructurado que maneja situaciones complejas en cuanto al uso de
retrospecciones y prospecciones que el mismo escritor Martín Zapata, con gran
talento logra hilar en las diversas escenas, presentadas en un solo acto y cuadro
escenográfico; dramaturgia que bien puede ser ubicada en diversos géneros, por
su contenido escénico.
Le comentaré a Usted qué EL DOLOR DEBAJO DEL SOMBRERO formó parte del
XLVII Festival Internacional Cervantino, además de ya haberse presentado en el
1er. Festival de Teatro de Veracruz, en el rublo “Escena Contemporánea” en la
ciudad de Xalapa en el año 2019.
En cuanto al contenido de ésta comedia, como bien se escribe en la información del
boletín de prensa, la idea en que se centra el texto sería en torno al siguiente
cuestionamiento:
-¿A dónde van todas esas idas a las que renuncia el escritor?
Y se continúa en la nota diciendo:
- EL DOLOR DEBAJO DEL SOMBRERO una singular mirada a la vocación
artística inicial y a la forma en la que el ser humano –ávido de reencontrarse
con ella- descubre nuevos caminos para la imaginación. El dramaturgo y
director, Martín Zapata, creó esta pieza a partir de una pregunta inquietante
en términos metafísicos ¿Qué ocurre con los personajes de obras inconclusas?
A partir de éste cuestionamiento se desdobla esta obra con tintes
autobiográficos…
EL DOLOR DEBAJO DEL SOMBRERO cuenta la historia de dos hombres que
viven encerrados en un escenario. No recuerdan por qué están ahí, ni cómo fue
que llegaron; uno es cuentista y el otro dramaturgo. Su encierro es agobiante,
pero tratan de sobrellevarlo con historias y juegos literarios propios de su
invención. Siempre han sospechado que forman parte de algo importante y les
gustaría averiguar de que se trata. Un día, a ese limbo teatral, arriba una
misteriosa mujer que confrontará la vida de estos hombres y les abrirá los ojos
acerca de su verdadero propósito.
Metáfora de la vida del autor, como según se asegura, que parte del supuesto de
que toda ficción es autobiográfica. Texto que le comento, fue inicialmente
concebido en el año 2005, para finalmente adquirir formato dramatúrgico, en el
2019.
EL DOLOR DEBAJO DEL SOMBRERO de Martín Zapata, Usted lo podrá ver en el
Foro “La Gruta” con funciones de viernes a domingos hasta el día 12 de marzo del
año en curso 2023.
1521: LA CAIDA
POR: Dalia María teresa De León Adams.
Nuevamente el Teatro El Milagro se engalana con una gran puesta en escena. Por
supuesto me refiero a la obra teatral 1521: LA CAÍDA; es decir, la dramaturgia
original de David Olguín que comprende la representación de 22 excelentes
monólogos.
Tras de los quinientos años, de haber acontecido la conquista en 1521 de las
tierras mexicas bajo la batuta de Hernán Cortes, quien arribase a tierras mexicas
en el año 1519 por mandato de la corona de España regida por el rey Carlos V, es
qué David Olguín, gran dramaturgo y director artístico de la puesta en escena
1521: LA CAÍDA se dio a la tarea de presentar en el 2021 textos unipersonales
acerca de LA CAÍDA de la gran Tenochtitlán (altépetl azteca 1325-1521) lugar en
el cual, dicho sea de paso, se construiría la Nueva España como sede del virreinato
peninsular español establecido.
El Señor David Olguín, como corresponde a un hombre culto e inquieto por el
acontecer de su pueblo, basó sus estudios en los pormenores a-priori y a-posteriori
de dicho crucial encuentro, entre dos civilizaciones y razas diversas que unieron
sus destinos justo en el año 1521.
De dicho modo bajo la pluma de David Olguín, veintidós exquisitos monólogos
surgieron como producto de los diversos testigos seculares del acontecer histórico
manifiesto.
Me refiero con dichas palabras a que el autor, bajo el intento de precisar a los
distintos personajes de dicho episodio histórico, se introduce bajo la piel de cada
personaje a representar, para tratar de indagar más allá de lo evidente y, con ello,
construir la psiquis de cada uno de ellos a manera de ficción.
Así es como cobraron vida en el escenario Mademoiselle Lézard quien intenta
indagar acerca del brote de epidemias o de enfermedades sufridas haciendo en
ésta ocasión un paralelismo con el Corona-virus padecido actualmente
mundialmente; o bien, la voz profetizante de un elocuente chaman o brujo mexica
quien pronostica la inminente caída de su pueblo; o la voz de la madre de la novia
de un hidalgo español Hernán Cortes, cuyo compromiso ante tal hallazgo se ve en
peligro de romperse, o finalmente el juicio emitido por el pensamiento de una
yegua castiza llamada “Rabona” cuyo jinete fuese el español renombrado Diego
Velazquez, conocido como Don Cabeza de Moro.
Éstos cinco monólogos forman parte de la primera representación teatral en uno
de los foros del Teatro “El Milagro” en cuyo programa del 2021 se encontrara de
manera textual la siguiente aseveración:
-“A 500 años de la caída de la gran Tenochtitlan, contamos desde los augurios
de la llegada de los españoles hasta la rendición de los mexicas el 13 de agosto
de 1521. Veintiún voces en contrapunto-personas-personajes históricos y de
ficción-dioses y animales- conforman el fresco de aquel encuentro brutal. Su
drama intimo, hecho de carne y hueso y anhelos y torturas interiores, acciona
en un devenir colectivo. ¿Conquista o rebelión de pueblos originarios contra el
imperio que los sojuzgaba? ¿Encuentro o genocidio? ¿Vértigo sagrado o la más
estúpidas de las supersticiones? ¿Hasta que por fin vino alguien a
descubrirme? ¿Lo que pasó está pasando? Reflexión, ideas, pasiones y vidas
reales e imaginarias caminan en el filo de la espada y en los filos de la
obsidiana. Aquí hay, pero ante todo vida y diálogo y confrontación con el
presente. La historia se encarna en escena. El presente de la acción nos hace
imaginar que aquello pudo ocurrir de otra manera y ante todo, que en 1521 se
puede recordar y pensar de manera distinta en nuestros días.
Le comento qué 1521: LA CAÍDA en su primera parte, se programaron para ser
representados (bajo el rublo de unipersonal) del 2 al 26 de febrero de este año en
curso 2023; fechas en las cuales serán incluidos dos día de maratón (19 y 26 de
febrero).
Monólogos amenizados con la música de autores “Anónimos del siglo XVI y de
diversos cancioneros seculares de manera fragmentada, que hacen que el
espectáculo unipersonal adquiera la ambientación idónea, bajo la propuesta
escenográfica y de iluminación del Señor Gabriel Pascal, así como el diseño de
vestuario y utilería de Laura Martínez Rosas.
En la obra actúan Laura Melo, Alexis Briseño, Gutemberg Brito, Antonio Craviotto,
Anna Díaz, David Hevia, David Hevia, Daphne Keller, Patricia Loranca, Sofía Gabriel
Luna, Grissel Ocampo, Emmanuel Pavia, Elizabeth Pedroza, Mauricio Pimentel, Kira
Rodríguez, Omar Silva, Elías Toscano, Raúl Villegas, Stefanie Weiss, Iván Zambrano
Chacón y Sergio Zurita.
1521: LA CAÍDA s presenta en el Teatro El Milagro hasta el día 26 de febrero,
presentada en cuatro partes cada semana, para serrar con broche de Oro con 2
Maratones.
CARNE
POR: Dalia De León Adams
-El deseo , la venganza y la sangre llaman.
Frase que resume el contenido medular de éste drama, muy bien dirigido por
cierto por el maestro Enrique Singer, además de contar con las excelentes
actuaciones de Nailea Norvind y Hernán Mendoza, quienes suman talentos en el
escenario junto con nuevos valores como lo son Jesusa Ochoa y Adrián Ladrón de
Guevara.
CARNE es una dramaturgia escrita por el mexicano Reynolds Robledo (nato en
Nuevo León, Monterrey) quien a tan sólo sus 28 ya comienza a demostrar que es
magnífico poseedor de pluma, como lo ha dejado entrever en ésta puesta en escena
intitulada en base a diversas acepciones como CARNE.
Obra puesta en escena en un solo acto y cuadro escénico, clasificada por la misma
compañía como poseedora de tintes de tragedia griega contemporánea, en donde
la pasión, la seducción, la traición y el deseo irracional se desbordan a flor de piel,
en cada uno de los personajes representados por los cuatro actores en escena,
quienes actúan de manera totalmente visceral acorde al texto.
Tragedia en la cual se pone de manifiesto el gran histrionismo escénico y la
plástica actoral de sus actores protagonistas, quienes caracterizan con gran
maestría a sus personajes, a los cuales les dan vida con sus interpretaciones.
“Lobos Producciones” en coproducción con “Península Films” son quienes
presentan éste montaje escénico, el cual encuentra su referente en un espacio de la
hacienda Arango, en la época contemporánea. Al respecto se puede leer en el
boletín de prensa lo siguiente:
-La poeta Iveth Luna Flores asegura que “todo aquello que se pudre es una
familia”, este montaje indaga en ello, en la herida, en el silencio que carcome
una aparente armonía. Es así como a través de cuatro personajes –Eva,
Román, Darío y Abigail- el escritor de la pieza deja al descubierto las
tribulaciones de las relaciones familiares y cómo la moral puede ser un
detonante para cambiar el destino.
La historia se centra en la cocina de la Hacienda Arango, mientras que en el
jardín ocurre una fiesta sorpresa por el cumpleaños de Eva, una actriz
retirada que se ve en la obligación de celebrar su día. Pero la llegada de Darío,
el hijo de Román, creará un incómodo reencuentro en el que los secretos del
pasado les cambiarán la vida a todos. (en cartelera).
La obra oscila entre la suntuosidad de la tragedia y el horror de nuestros días,
de una realidad salpimentada con la violencia de género, la normalización del
abuso y el encubrimiento.
Es un drama el cual permite en sí mismo, ser analizado desde una perspectiva
tanto antigua, como moderna, pues al parecer la sociedad aún continúa
manteniendo ese dejo cruento de relacionarse, más allá de lo convencionalmente
aceptable establecido, en torno a la pasión.
La lujuria al grado de la racionalidad, es manifiesta claramente en el texto por su
joven autor Reynolds Robledo, como un atenuante del amor, desfasándose sin
careta alguna, aún dentro del seno de una familia, que en éste caso es de posición
económica acomodada, pero que bien podría retratar también a las familias sin
casi recursos económicos, pues el deseo de la CARNE va más allá de lo económico.
Con funciones de lunes y martes, Uste podrá ver CARNE en el foro principal del
Centro Cultural Helénico, en horario de las 20:00 horas, bajo la dirección escénica
de Enrique Singer y las actuaciones de Nailea Norvin, Hernán Mendosa, Adrián
Ladrón de Guevara y Jesusa Ochoa.
OTTO
POR: Dalia De León Adams
“La Bomba Teatro” se encuentra celebrando sus 10 años de trayectoria escénica
con el montaje teatral de OTTO, dramaturgia original de Azis Gual y Lucía Leonor
Enríquez que comenzó a partir del día de ayer sábado 28 de enero, en el Teatro de
las Artes del CENART.
OTTO es considerada la Ópera Prima de “La Bomba Teatro”; obra teatral la cual
además está por cumplir sus cien representaciones. Y al respecto de ésta puesta en
escena, menciona la Compañía Difusora de Sandra Narváez el siguiente testimonio:
-El Centro Nacional de las Artes (Cenart) institución de la secretaría de Cultura
del Gobierno de México recibe a la compañía mexicana La Bomba Teatro que
celebran su décimo aniversario con el reestreno de su ópera prima OTTO,
trabajo escénico con un lenguaje simple que entrelaza el teatro físico, las artes
circenses y la música en vivo, en un montaje de gran formato dirigido por el
reconocido maestro Azis Gual.
OTTO es un espectáculo familiar muy colorido, integrado por cinco payasos en
escena, y una Voz in OFF que habla en pos del personaje protagónico de OTTO, a
los cuales se le suman tres músicos en vivo en vivo, que amenizan la función la cual
comprende algunos diálogos en torno a la caracterización de OTTO.
Todos ello aparecen maquillados y portando sus trajes tradicionales con brillantes
y multicolores diseños, portando algunos una peluca o sombrero. Con respecto a
éste show circense, al respecto la casa difusora continuó expresando lo siguiente,
en cuanto al contenido del texto o breve historia del payaso OTTO:
-OTTO es un clown que conoce el miedo cuando pierde su nariz, de la cual se va
desprendiendo un hilo rojo que le mostrara el camino hacia un gran viaje a su
interior, dond, entre otras adversidades, enfrentará temores y recuerdos que
se inspiran en la realidad del universo infantil y en la parte humana de todo
artista escénico. OTTO nos mostrará como sobreponernos a la adversidad
enseñando la cara luminosa de las cosas, utilizando el juego como arma, y la
risa como remedio de gran valor. El contrabajo, el acordeón y el clarinete
acompañarán en todo momento la atractiva puesta en escena.
A todo ello se le suman números de cierto rango acrobático y el uso de bicicletas y
monociclos, además de interactuar físicamente con su público con algunas pelotas
inflables de gran volumen, con las cuales los espectadores corresponden el juego
dibujando grandes sonrisas.
En el espectáculo colaboran Anick Pérez, Santiago Manuel, Aldo Rodríguez, Paola
Herrera e Ignacio Árago; payasos o Clowns, quienes interactúan con los músicos
Diego Pérez en el contrabajo, Mario Alberto Gallardo en el acordeón, Omar Ranfla
en el clarinete y la Voz en Off de “Perico” el payaso Loco.
Le comento qué “La Bomba Teatro” es una compañía que se podría decir fue
fundada o impulsada inicialmente por el Señor Azis Gual quien pretende llegar
principalmente al público infantil o joven.
Compañía que se ha consolidado actualmente en co-producción con el INBAL. Hoy
en día además cuenta con talleres de circo y teatro, proyecto que ha denominado
“Convite de maromas”.
OTTO se presentará hasta el día 28 de febrero n el Teatro de las Artes del CENART
con funciones matutinas los sábados y domingos.
ARIADNA EN NAXOS. Crónica de una cicatriz
POR: Dalia De León Adams
-Una pieza musical en torno al amor y su dependencia-
Justamente la frase anterior en torno a la obra teatral ARIADNA EN NAXOS.
Crónica de una cicatriz es la cual engloba la parte esencial o medular de ésta
nueva puesta en escena presentada por la Compañía “Teatro de Babel” a través del
Teatro UNAM.
Dirigida por Aurora Cano, el montaje escénico aborda diversos elementos que
conforman la obra clásica griega de “Teseo y Ariadna”, drama que Teatro Babel
también presenta en base a la obra clásica del compositor checo Jiri Antonín
Benda, más conocido como Georg Benda.
De modo complementario le diré qué: Jiří Antonín Benda, también conocido
como Georg Benda (Benátky nad Jizerou, Bohemia, 30 de junio de 1722 - 6 de
noviembre de 1795) fue un maestro de capilla, violinista y compositor checo.
Nacido en Benátky nad Jizerou, Bohemia, estudió en una escuela de gramática
de Kosmonosy. (página WEB)
El mito de Teseo y el hilo de Ariadna es una historia de amor que se da entre dos
seres míticos y entre hechos sorprendentes. Ariadna, hija de Minos, al ver por
primera vez a Teseo, se enamoró de él, por lo que decide ayudarlo
proporcionándolo su hilo, con el cual podía salir victorioso del laberinto, tras de
matar al Minotauro. Para ello pondría como condición de que Teseo se casara con
ella.
ARIADNA EN NAXOS Crónica de una cicatriz es una obra orquestada y escrita
para ser presentada por tres personajes a manera de melodrama, que inicialmente
fuera presentada en el siglo XVIII en formato Operístico.
En ésta ocasión es representada por la Compañía “Teatro Babel” a manera de obra
teatral. Se encuentra escenificada a manera de puente entre artistas y músicos de
cámara, en vivo junto al escenario.
Otra de las variantes es la introducción en el texto de tanto poesía, como de
algunos números musicales de origen latinoamericano que dos de las artistas
ejecutan vocalmente.
De tal modo qué el publico puede gozar y advertir algunos poemas de Jorge Luis
Borges, Manuel Acuña, José Goroztiza, Octavio Paz, Efraín Huerta, Jaime Sabines,
Alfonsina Storni, Natalia Toledo y Xavier Villaurrutia.
Esto, junto con la música de Georg Benda, interpretada durante el mayor tiempo
escénico por la Orquesta Sincrofonía, bajo la batuta de Rodrigo Cadet y la
colaboración creativa de Ignacio García.
Al respecto de ésta puesta en escena se lee en el boletín de prensa el siguiente
referente:
“ARIADNA EN NAXOS. Crónica de una cicatriz” narra el abismo amoroso de
Ariadna (Teté Espinoza) una vez que Teseo (Antonio Saavedra) la abandona en
la isla de Naxos; la voz de la montaña (Muriel Ricard) siempre está presente. Al
inicio Ariadna salva a Teseo tirando de un hilo que le mostró el camino para
salir victorioso del laberinto, fue así que ella encontró su amor al otro extremo
y lo siguió hasta la isla en donde envueltos en una crisálida de hilos se amaron,
durmieron y soñaron con un hilo sin fin.
Sin embargo Ariadna duerme abrazada a su amor y al despertar solamente
encuentra un hilo entre sus manos, como un recuerdo de una madeja que no le
pertenecía. Ella sigue ese hilo hasta el extremo y descubre que Teseo se había
llevado consigo la infinitud del mismo. Con rencor reclama a Teseo que
“abandonó todo por él, mientras que él la abandona por todo”-
ARIADNA EN NAXOS. Crónica de una cicatriz es una versión de Aurora Cano en
dónde:
Ariadna es redimida gracias al hilo del pensamiento.
Cuatro únicas funciones del 26 al 29 de enero en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del
Centro Cultural UNIVERSITARIO.
CICLO BRUJAS
POR: Dalia De León Adams
Ya por cumplir sus 40 años de existencia, el Foro Shakespeare ha abierto sus
puertas no tan sólo a dramaturgias clásicas, sino a dramaturgias contemporáneas
con gran contenido social, así como la incidencia del público en general, como lo
hicieron saber el día de ayer lunes 23 de enero, las integrantes del Proyecto CICLO
BRUJAS.
Ya por iniciar su Segunda Edición, su contenido en específico es de línea feminista,
incluyendo por ende a solamente mujeres creativas, quienes con su talento
presentarán inicialmente lecturas dramatizadas, para posteriormente ser éstas
ejecutadas en el escenario.
En el presente año en curso 2023, las actividades están planeadas en base a las
siguientes dramaturgias, acorde a los siguientes párrafos textuales de la casa
difusora:
-Las obras seleccionadas son “Marea Alta” de Iererí Romero Leñero, “Pulsar”
de Gabriela Román Fuentes, y finalmente “Bra” de Rosario Aurora Márquez
Galicia.
-La programación consta de conversatorios, lecturas dramatizadas, la edición
e impresión de una antología con las obras ganadoras y las temporadas de
cada una de ellas en el Foro Shakespeare.
-Proyecto realizado a través del programa México en Escena Grupos Artísticos
(MEGA, 2022) y el Sistema de Apoyos para la Creación y Proyectos Culturales
(SACPC).
Le comento qué inicialmente se dieron diversas iniciativas con obras de manera
aislada que incluían temáticas de índole feminista; hecho qué a partir del 8 de
marzo 2020 le dio sentido a lo que se convirtiera en el CICLO BRUJAS con miras de
ir logrando la equidad de género, bajo el nuevo rublo denominado “Papayaview”
sustentado bajo 4 premisas; ejes que son de índole: político, formativo, social y por
supuesto artístico.
La Primera Edición se efectuaría en el año 2021, con las ediciones de las 3 obras
ganadoras que fueron: “A la orilla del Mar” original de Wendy Hernández, “Sangre
y madre” de Gianinn Ferreyro y “Un barquito en la pared” escrita por Itzel
Villalobos.
La Segunda Edición del CICLO BRUJAS arrancará con algunos conversatorios
programados para ser presentados en los días jueves 26 de enero, 2 y 9 de febrero
a las 17:00 horas.
Si desea mayor información podrá Usted visitar:
Instagram: @foroshakespeare/ @el77cca / @shakespeareycia
Facebook: Foro Skakespeare / El77 Centro Cultural Autogestivo / Shakespeare &
Cía
Twitter: @ForoShakespeare / @el77cultural / @shakespeareycia
WOYSECK EN TIERRA CALIENTE
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Nuevamente WOYSECK EN TIERRA CALIENTE, Un intento por escapar de la
animalización de conflictos armados es escenificada, en ésta ocasión en el
Teatro Santa Catarina bajo la producción de la UNAM.
Ya su mismo título nos da la idea sobre la trama medular a considerar en ésta
dramaturgia, original del escritor George Büchner, bajo la adaptación del texto de
Ignacio Ortiz Cruz.
A manera complementaria con respecto al autor alemán George Büchner nacido
1813, Riedstadt, Alemania, se comenta en una página WEB lo siguiente:
Karl Georg Büchner fue un dramaturgo alemán y escritor de prosa. Era hijo
del químico y médico forense Ernst Büchner, así como hermano del físico y
filósofo Ludwig Büchner.
Bajo la dirección artística del mismo adaptador, el Señor Ignacio Ortiz Cruz ésta
puesta en escena resulta ser interesante por demás, si se toma en consideración
que refleja la condición humana, así como algunas de las reacciones de índole
machista que aún imperan en la sociedad, más allá de las fronteras, al intentar
solucionar el problema de “la pasión” aún en vías de mantener un cierto grado de
civilidad, que no se ha alcanzado.
Elementos que emergen a la trama dentro del género costumbrista rural, con
matices de tragedia, en cuanto a su desenlace que cuando aún no habiendo sido
escrita en nuestro país, encaja desgracias perfectamente.
-En el contexto de un México en el que no cesan el crimen y la violencia… en un
intento porque la deshumanización no se vuelvan un hecho cotidiano y se logre
escapar de la animalización que llevan los conflictos armados.-
En el caso de la adaptación de Ortiz Cruz, la obra intenta de alguna manera tener
un acercamiento con los clásicos, en mira además que la violencia no continúe en
nuestro país.
Situada en Apatzingán, Michoacán, el territorio de bandas criminales en sí,
contra el Estado y las bandas criminales con la población, para esta versión
contemporánea del texto en 1836. Ignacio Ortiz colaboración de la actriz
Diana Ávalos, incluye un prólogo cantado de Juan Tovar, un epílogo de la vida
real correspondiente a las Palabras del General Kalimán al consumarse el
golpe de Estado (Bolivar 2020). (cita textual de la difusión)
WOYZECK EN LA TIERRA ARDIENTE Un intento por escapar de la animalización
de conflictos armados se presenta en el Teatro Santa Catarina en la Ciudad de
México hasta el día 5 de marzo 2023 de jueves a viernes.
EL ÚLTIMO VIAJE DE CONSUELO DE SAINT-EXUPÉRY
POR: Dalia De León Adams
Hermosa puesta en escena que está recreada en algunos de los pasajes del libro tan
afamado de “El Principito”; la obra magnánima de Saint-Exupéry. Y digo hermosa,
en términos personales, pues más allá de ser un montaje teatral, reúne muchos
más elementos artísticos apreciables, como la poesía y el baile, envueltos bajo un
matiz musical, y la presencia de un mini-video creado para lograr ser visto a “El
Principito” junto con la actriz caracterizando a Consuelo a manera de cómics, o
dicho de otro modo, dibujada al estilo que el mismo autor expusiera, junto con su
obra.
EL ÚLTIMO VIAJE DE CONSUELO DE SAINT-EXUPÉRY además recrea la vida de s
Antoine Marie Jean-Baptiste Roger Conde de Saint-Exupéry, quien naciera en
Lyon, Francia, un 29 de junio de 1900, quien además de haberse destacado como
un gran novelista, fuera piloto aéreo de la armada nacional de su país; hecho que le
hiciera plasmar en parte de sus experiencias o inspirarse, como profesionista en
dicho campo.
Saint-Exupéry Fallecería en el Mar Mediterráneo, cerca de Marsella, 31 de junio de
1944. Sus obras más reconocidas son: Vuelo nocturno ; El Principito ; Correo del
Sur ; Tierra de hombres ; Piloto de guerra .
Dicha introducción de la vida de Saint-Exupéry no podía faltar en el texto de ésta
dramaturgia creada por el escritor argentino Alejandro Finzi (1951-2021), además
de ser recitados varios de los fragmentos de la novela en cuestión.
Sin embargo el personaje protagónico dentro de la dramaturgia es quien fuera su
esposa, es decir Consuelo de Saint-Exupéry y es en torno al ocaso de su vida en que
se comienza a desarrollar la trama.
Consuelo muere de una afección respiratoria en un hospital de Francia a sus 78
años de edad, en el año de 1979, en la provincia de Grasse, Francia.
-Consuelo de Saint-Exupéry, de soltera Consuelo Suncín-Sandoval Zeceña, fue
una escritora y artista salvadoreña-francesa, y esposa del famoso escritor y
aviador Antoine de Saint-Exupéry, creador de El principito.- (página WEB).
Con respecto a la obra la compañía difusora a cargo de la señorita Gaddi Miranda
expone el siguiente párrafo en su boletín de prensa:
La dramaturgia de EL ÚLTIMO VIAJE DE CONSUELO DE SAINT-EXUPÉRY-obra
ganadora del Programa “LabEscena 22” de la Compañía Nacional de Teatro de
Costa Rica, hace una revaloración de momentos sobresalientes en la vida de la
protagonista, mientras el personaje llega a poner en perspectiva sus
decisiones y los enfrentamientos que tuvo con la sociedad europea de la época,
así como su entorno centroamericano en su condición de artista, mujer e
indígena.
Consuelo, en la búsqueda de su propia redención personal, enfrenta finalmente
a su marido en una “capsula de cristal ”, aislada perpetuamente como en una
cámara de torturas: ¿A eso me has condenado en nombre del amor? Me pusiste
adentro de una cápsula. Me quitaste el viento que estremecía mis pétalos. La
brisa del amanecer. El sol que mete sus dedos en mi piel. L perfume de los
eucaliptos. La amistad de una abeja y las confidencias de una abeja.
Metáfora que alude al episodio de la obra de “El Principito” justo cuando llega al
planeta de la flor, la cual cuida con ahínco y esmero el personaje, debido a valorarla
como única para él. Flor que metafóricamente expuso Saint-Exupéry y, que al
parecer fue inspirada por su esposa Consuelo.
Por su parte el director escénico, el Señor José Pablo Umaña argumentaría al
respecto de la obra teatral:
-Éste espectáculo es un canto a la libertad individual, al reconocimiento de
nuestra propia fortaleza, esa que encuentra arraigo en nuestras raíces e
indaga en nuestra capacidad de reinvención para dotar de sentido, relevancia
y trascendencia a la existencia.
Y como asegurara “El Principito”: -Sólo con el corazón se puede ver bien.
EL ÚLTIMO VIAJE DE CONSUELO DE SAINT-EXUPÉRY se presenta en el foro La
Gruta del Centro Cultural Helénico.
EN INVIERNO MUEREN LOS CUERVOS
POR: Dalia De León Adams
La Compañía de Teatro “Los Endebles” vuelve con el denominado CICLO TEATRO
DE LOS ESTADOS 2023, en formato presencial del 19 de enero al 12 de febrero del
año en curso.
Forman parte de dicho ciclo los estados de Veracruz, Jalisco y Tabasco
presentando puestas en escena pertenecientes a distintos géneros ytemáticas
teatrales. Al respecto de éste ciclo, la casa difusora comenta:
-Tras dos años de efectuarlo en la virtualidad, finalmente este año el ciclo
TEATRO DE LOS ESTADOS regresa a su formato presencial. Tras de recibir más
de 50 propuestas fueron elegidas 6 obras, 3 para recibir el estímulo indicado
por la convocatoria de $10,000.00 y otras 3 debido a su notable calidad, fueron
consideradas dentro del ciclo. En éste año por unanimidad en los resultados,
fueron seleccionadas 4 puestas en escena provenientes del estado de Veracruz,
dando cuenta de la riqueza teatral que habita en esa región. También están
presentes Tabasco y Jalisco.
Apoyo que fuera financiado por el “Programa México en Escena” del Grupo
Artístico de Apoyos a la creación y Proyectos Culturales el SAPC, para nuevos
talentos.
En ésta ocasión tocó turno el día de ayer, jueves 19 de enero al montaje escénico
de la dramaturgia EN INVIERNO MUEREN LOS CUERVOS original de Diana Anaid
Vázquez Hernández, bajo la dirección escénica de Lucila Castillo, de la Compañía
“la Butaca Roja Colectivo Teatral”, originaria del estado de Veracruz; obra , con la
cual dio inicio al CICLO DE LOS ESTADOS.
La obra aborda una temática hoy en día muy controversial, en cuanto a que trata
de manera medular dos relaciones tipificadas como abuso sexual. Puesta en escena
que cuestiona a manera de denuncia, ¿hasta dónde una copulación puede ser
considerada como un hecho arbitrario? acorde con las circunstancias, o en
ocasiones ante denuncias manipuladas o difamatorias
Empero no es una dramaturgia que intente dar soluciones a dicho problema difícil
de tratar, comprender e incluso juzgar. De hecho se deja a la deriva las
circunstancias acontecidas en ésta denuncia de ficción, que aborda la escritora.
Propuesta a manera de drama, la obra de Diana Anaid Vázquez Hernández
presenta a tras actrices en escena, siendo el personaje central empero, el de Emma;
personaje que funge además como narradora de los sucesos y algunos pormenores
en relación entre el joven acusado de ser “violador”, quien es su hermano.
Bajo matices adversos y cruentos la historia de éste drama deja entredicho los
detalles del sucesos dolorosos, que repercute no tan sólo abrazan al supuesto
ejecutante del delito, sino que envuelve en su halo oscuro a toda una familia,
destruyendo ideales e iniciativas de vida.
El drama es presentado en un solo acto escénico, bajo un cuadro escenográfico que
muestra diversas fotografías, además de dos bancas y una mesita que son movidas
por las mismas actrices, a manera de tramoya.
Trama interesante y desgraciadamente actual, que muestra una realidad
contemporánea en donde todos los involucrados son destrozados tanto
emocionalmente, como más allá del desprestigio y de las consecuencias del acto a
tratar.
EN INVIERNO MUEREN LOS CUERVOS se está presentando del día 19 de al 21 de
enero. Las otras obras del CICLO TEATRO DE LOS ESTADOS son “La vida extra y
ordinaria de Filomena Jiménez” de Isabel Quiroz (del 27 al 29 de enero); “Hasta la
raíz” de Israel Sosa (del 3 al 5 de febrero).
Como montajes invitados se escenificarán “Exposición de una larva” de Vidal
Medina (2 y 3 de febrero); “El edén de las musas” de Francisco Jácome García (4 y 5
de febrero); y finalmente cerrará con broche de oro “La vendedora de nubes2 de
Elena Poniatowska (12 de febrero).
PREMIOS SAN GINÉS 2023
POR: Dalia De León Adams
Los Premios de Teatro Independiente Mexicano nuevamente abrieron sus puertas
a la gente del teatro, para reconocer su indiscutible talento y labor en el escenario
teatral.
Todo esto ello bajo la tónica de otorgar por sus méritos a diferentes rublos o
categorías del medio escénico, mediante el otorgamiento de una presea. Y como
argumentara acertadamente la Asociación anfitriona:
-Se pretende destacar la labor no reconocida de creadores escénicos que han
laborado infatigablemente a lo largo de décadas enteras en el teatro
independiente.-
La entrega de Premios se efectuó éste pasado lunes 16 de enero del 2023 en el
Foro Off Spring a las 19:00 horas. Teatro ubicado en la calle Francisco Pimentel
número 14 de la colonia San Rafael de la Ciudad de México.
Evento el cual tuvo como moderadores a los señores Arturo Amaro, Adriana
Enríquez, Nadia Salinas y Dionisios Marte, quienes entregaron los esperados
PREMIOS SAN GINÉS.
Y por si desea saber un poco más acerca de éstos le proporciono la siguiente nota
textual de los organizadores:
-Desde el 2019 se reconoce la labor profesional del teatrista independiente y se
dará un reconocimiento especial como una vida en el teatro independiente a
los creadores que han sentado las bases del trabajo profesional.
Fue en el año 2019 cuando surgieron los premios; el teatrista Arturo Amaro es
el artífice de dicha iniciativa, junto con un consejo presidido por el propio
Arturo Amaro, la productora Adriana Enríquez, directora del Foro Off Spring,
el comunicador Alejandro Bernal, el dramaturgo Pablo Zuack, con la
supervisión del maestro Benjamín Bernal, Presidente de la Agrupación de
Periodistas Teatrales (APT).-
Por su trayectoria se le otorgó la presea de “Oro” por su labor durante 50 años en
el escenario teatral al Señor Arturo Albo. Por otro lado también fue premiado el
Señor Moisés Miranda con un galardón, debido a sus 30 años de trayectoria.
Al Señor José de Jesús Terrazas por 50 años de labor teatral. El galardón de “Oro” a
manera de homenaje al denominado “El Padre del Teatro Penitenciario”; es decir,
al Señor Roberto Javier Hernández.
En la categoría de “Mejor Unipersonal Musical” se le entregó por su trabajo en “No
tengo tiempo de cambiar mi vida” a la agrupación teatral “Ángeles extremos”. Por
otro lado al Señor Iván Salvador como mejor productor de teatro independiente.
Leo Enríquez fue considerado como la revelación masculina por “La declaración de
Randolph Carter”. Y como el mejor actor de monólogo o espectáculo unipersonal,
al Señor Leonardo Mackey por “Sólo en el desierto”.
El Centro Cultural “La Cura” recibió un PREMIO SAN GINÉS en reconocimiento a
sus primera década en el Teatro Independiente Mexicano. En la categoría de
“Mejor Comedia del Año” se premió a la Señora Ángeles Extremos por “Pégame
pero no me dejes” de Maykol Pérez.
Como “Mejor actor” Jorge Prado Zavala por "El corazón Delator “; Maykol Pérez
por "Pégame pero no me dejes”. El Señor Tláloc Mictlán por "Mi cielo". Y como la
“Mejor Actriz”: Casandra Anail por "Amarga Soledad. Haydée Vergara por "Los
Perros" , además de Nadia Salinas por "Pégame pero no me dejes".
Como “Mejor director” al Señor Vicente Ferrer por "Solo en el desierto" ; El Señor
Jorge Sandoval por "Una estrella junto a la luna" ,Iván Salvador por "Cierto y cruel".
Finalmente como la “Revelación Femenina” Michel Santos por "Cierto y cruel",
Agustina Vergara por "Los perros", Marlene Ruiz por "El deseo de escuchar un
tranvía".
Y como argumenta la misma Asociación Independiente de Teatro con respecto al
móvil de otorgar cada Año dichas preseas:
El consejo de los PREMIOS-SAN GINÉS se ha dado a la tarea de reconocer el
trabajo teatral de quienes, a lo largo de más de una década han hecho una
notable contribución a la profesionalización del teatro independiente en
México, así como de los foros alternativos que han estado al margen de la
oficialidad, sin subvención alguna.
¡EN HORA BUENA! a todos los premiados.
VIE DE CIRQUE
POR: Dalia María Teresa De León Adams
-Las risas se suman a la sensibilidad, el asombro, la belleza, la danza, la
acrobacia, el romance, la música y la nostalgia que deleitarán a todo el público
en general. -
Realmente VIE DE CIRQUE es eso y más. Es la imagen del “Nuevo Circo” que no
flagela a sus animalitos en pos de un espectáculo y que se ha convertido más allá
de un divertimento, en un verdadero Arte.
En VIE DE CIRQUE el talento se logra conjugar con las habilidades que brindan los
números circenses, llegando con entusiasmando a toda la familia, como un plus de
lo que se ha ido perdiendo; es decir, la unidad familiar.
La magia del circo continúa cautivando a todas las generaciones. Prueba de ello fue
la presencia del público que abarrotó el bello recinto del Teatro de la Ciudad de
México “Esperanza Iris” en donde claramente se observaban las butacas llenas,
haciéndose sentir al espectador, involucrado de manera entusiasta ante cada
número a presentar, el cual fue ovacionado con cálidos y efusivos largos aplausos.
Una poderosa y mágica soga es descubierta en el escenario por un inocente
imprudente payaso. Luego de configurar sus diversas, la soga le presentará a
un antiguo y amigable payaso cara blanca. Juntos nos darán a conocer y la
vida y la magia del circo, a través de un espectáculo sin palabras lleno de
humor, de música, diversión y sorprendentes actos de circo donde además de
la risa garantizada, se suman la sensibilidad, el asombro, la belleza, la danza,
la acrobacia, el romance, la música y la nostalgia para deleitar a todo el
público en general. A través de VIE DE CIRQUE, el extraordinario e
internacional payaso mexicano Paquin jr. celebra sus 35 años de trayectoria
de la mano de Ángelo, uno de los grandes y jóvenes payasos que continúan
fomentando la gran tradición circense del Payaso Cara Blanca. Este gran dúo
nos compartirá un inolvidable espectáculo lleno de emociones, ilusión y
esperanza para todo público.
Así se expresaron la Compañía Difusora de Sandra Narváez y la casa productora de
Eduardo Romo, quien además funge como Coordinación de Logística, al respecto
de la función inicial de ayer sábado 7 de enero, dando de apertura en éste año
2023, tras haber recolectado éxitos en nuestro país, durante un año.
Espectáculo que resulta ser estético y emotivo, protagonizado por los personajes
entrañables, entre otros, de Ángelo y Paquin Jr., oriundo éste último de Córdoba,
Veracruz, quien cuenta con 35 años de trayectoria como clown, siendo considerado
una figura que ha dejado huella con su actuación, en los diversos escenarios en los
cuales se ha presentado tanto en parte de Asia, como en Europa y Latinoamérica,
en otrora, con El Original Circo Atayde Hermanos.
Por su parte Angelo, además de ser Clown, es un músico muy virtuoso, quien
ejecuta varios instrumentos de aliento y el acordeón como pudo demostrar en el
escenario, además de poseer una voz privilegiada. Cualidades con las cuales ha
ganado el reconocimiento del público, en cuanto a su gran talento como músico,
aunado a los dotes que posee además, como Clown. Se presenta impecable, con
majestuosos atuendos y un maquillaje que le dan un toque totalmente Chic.
VIE DE CIRQUE es un espectáculo que introduce nuevamente a los adultos al
mundo infantil, al que tiempo atrás tomados de la mano de sus padres, alguna o
varias veces asistieran al mundo encantado del circo.
Colorido, musical y mágico, resultó ser éste evento que se disfrutó de manera
exitosa con la presentación de la compañía “Los Estrowberry Clowns” cuya idea
original corrió a cuenta de Paquin Jr. y Ángelo y, gracias por supuesto, a la
adecuada dirección artística del Señor Fernando Hondall.
En suma el elenco está conformado además por los artistas Deborah Pórtela, Iván
Castillo, Fernanda Farias, Angélica Treviño, Violeta Vallejo, Érica Flores, Mar Rivas,
Carlos Rodríguez, Mayumi Juárez, Mariah Cuevas, Irán Rosales, Alondra P. Lugo,
Dulce Aguilar y Perseo Lucero.
Espectáculo puesto en escena en dos tiempos, y un breve intermedio que en suma,
hicieron pasar al público alrededor de dos horas de diversión, en donde se
presentaron como un plus algunas bailarinas (bajo la dirección coreográfica de
erica Flores) y la talentosa ejecución musical, de malabares, acróbatas y Clowns,
quienes unieron esfuerzos para brindar un bello espectáculo circense, adosado
todos con un llamativo y lindo vestuario, como ameritaba la ocasión
VIE DE CIRQUE está planeado presentarse en el Teatro de la Ciudad “Esperanza
Iris” tan sólo el día de ayer sábado 7 y éste domingo 8 de enero 2023.
¡FELICIDADES A TODOS!
HELEN KELLER ¡La increíble historia!
POR: Dalia María Teresa De León Adams
-La vista es la función de los ojos, pero la visión es la función del corazón.-
Frase anecdótica con la cual se reduce la trama de ésta obra manera medular en la
puesta en escena de HELEN KELLER ¡La increíble historia. Dramaturgia
perteneciente al género teatral documental, en cuento a que parte de datos reales
para mostrar parte de la vida de quien fuera una peculiar niña.
Infante quien a pocos años de nacida perdiese tanto la vista, como el oído; hecho
que la condenó en los albores de su existencia, a padecer una vida de incapacidad y
frustración.
Sin embargo una profesora aparecería, quien con su labor titánica la sacaría de ese
mundo de oscuridad. HELEN KELLER ¡La increíble historia! lleva implícito un
hermoso mensaje mediante el cual se muestra qué la constancia y disciplina son la
llave de grandes logros que parecieran imposible de alcanzar.
Basada en hecho reales, mujeres inspiradoras que pese a sus discapacidades lograron sus objetivos y compartieron sus conocimientos para hacer un mundo más
inclusivo. Helen Keller y Anne Sullivan.
alumna y maestra.
Palabras que forman parte de un párrafo textual mostrado en el programa de
mano, que resume a manera de Sinopsis la adaptación original de su también
director escénico, el Señor Fernando Larrañaga, quien dicho sea de paso, se ha
destacado como productor y artista talentoso de cine, teatro y televisión tanto en
México, como en Perú.
En ésta ocasión participa en el montaje escénico parte de su familia, como son la
actrices Adriana Larrañaga, Ximena Larrañaga y Patty Larrañaga, quienes
conjuntando sus dones artísticos, logran dar muestra de su gran talento histriónico
e interpretativo con sus personajes protagónicos, los cuales caracterizan de
manera alternante.
Con respecto al contenido de ésta dramaturgia se expone la siguiente cita textual
en el mismo programa como referente del texto:
-La obra transcurre al momento en el que Anne cambiará completamente el
destino de Helen. Anne Sullivan derramará sudor para poder domar a Helen.
Ella, desamparada, incapacitada para comunicarse con el mundo; además
mimada y malcriada, no dejará que nadie intente educarla. Una constante
lucha de poderes para lograr conseguir, lo que parecerá, una tarea casi
imposible de realizar.
¿Cómo disciplinar, enseñar buenos modales a una jovencita mal acostumbrada
y habituada a hacer rabietas? Helen, un ser que sólo ha existido en la
oscuridad… ¿Traspasará las barreras de la mente para que sean reveladas
nuevas formas de vida?
HELEN KELLER ¡La increíble historia! inicialmente comienza con la presentación
en formato de Voz in Off del resumen de la biografía de quien fuera en cuestión,
Helen Keller.
Autora, activista, y oradora quien nació el día 27 de junio de 1880, en un pequeño
pueblo llamado Tuscumbia, en el estado de Alabama, de la Unión Americana; en
realidad ella nació sana, sin embargo a tan sólo cumplidos los 19 meses de edad,
tuvo una congestión cerebral que la dejaría invidente, sorda, y por ende,
incapacitada para poder hablar.
Además su madre falleció cuando ella tan sólo contaba con 10 años de edad. Su
único hermano también fallecería y su padre la dejaría en el casi abandono, al
cuidado de la profesora Anne Sullivan, con quien viviría temporalmente.
Puesta en escena conmovedora la cual es amenizada con la música original y el
diseño sonoro de Edher Corte; además cuenta con el vestuario a la usanza secular
de las creativas Priscila Corte, Karime Troncosa y Vicky Ayala y, el diseño
escenográfico de Patricia Larrañaga y Alejandro Landero, quienes con su talento
logran remitirnos a la época de HELEN KELLER.
¡Increíble historia! Como el mismo título reza, la cual Usted podrá presenciar en
el Teatro Rodolfo Usigli, todos los fines de semana.